Después de toda la acción, riesgo y abuso físico rodando The Expendables 2 y The Last Stand, era hora de prestar un poco de atención a mi hombro. Mirad quien estaba esperándome casualmente para operarse el hombro. Ahora estamos listos para otra tanda de grandes momentos y acción cuando rodemos The Tomb.

Es un mensaje de Arnold Schwarzenegger a sus fans, publicado junto a la foto que tenéis arriba, donde le vemos compartiendo una habitación de hospital con Sylvester Stallone. Un detalle simpático de estas veteranas estrellas del cine de acción, a saber lo que harán con la imagen sus fanáticos más apasionados… Lo más importante en cualquier caso es que Schwarzenegger ha confirmado una noticia que circulaba por Internet: él y Stallone van a protagonizar una película titulada ‘The Tomb’ (‘La tumba’). Sí, bastante irónico que haya anunciado un proyecto con ese título estando ambos hospitalizados…

Tras coincidir en la segunda parte de ‘Los mercenarios’ (‘The Expendables’), Chuache y Sly encabezarán el reparto de un thriller de acción que va a dirigir el sueco Mikael Håfström, responsable de ‘1408’ o ‘El rito’, entre otras. En labores de producción encontramos a Mark Canton (‘300’), Randall Emmett (‘Rambo’), George Furla (‘Rambo’), Robbie Brenner (‘Escapada perfecta’) y Kevin King-Templeton (‘Los mercenarios’). Del guion se han encargado Jason Keller (‘Blancanieves (Mirror, Mirror)’) y Miles Chapman (‘Road House 2’), que ya imagino lo que habrán escrito… La trama de ‘The Tomb’ se centra en Ray Breslin (Stallone), un experto en seguridad carcelaria que se enfrenta a su mayor reto, escapar de una prisión que él mismo ha diseñado (¿esto no es un poco absurdo?); en la cárcel conocerá al enigmático Church (Schwarzenegger), un tipo que se ha ganado el respeto de todos los presos por mantenerlos cuerdos en las horas más oscuras. El rodaje comenzará en Louisiana esta próxima primavera.

PD: Os recuerdo que ‘The Last Stand’ está dirigida por Kim Jee-woon (‘El bueno, el malo y el raro’, ‘Encontré al diablo’) y cuenta con Eduardo Noriega como villano.

Vía | WhoSay

‘Hasta que llegó su hora’

Una de las obras maestras de Sergio Leone, lírica como pocas, culmina con uno de los duelos más esperados de la historia del cine. Una venganza largamente retrasada, un clímax único. Un uso del flashback ejemplar. Charles Bronson en el papel de su vida. Henry Fonda como inolvidable villano, y Ennio Morricone poniendo la piel de gallina. Cada vez que la veo no puedo evitar emocionarme y pensar en el lejano oeste y en el nacimiento de una nación, que avanzó a marchas forzadas, perdiéndose sus antiguos héroes en el polvo del olvido. Y también pienso en Claudia Cardinale.

Crítica en Blogdecine:

• ‘Hasta que llegó su hora’, Sergio Leone y la fábula (I)

‘Duelo al sol’

Una pasión tan destructiva que sólo podía acabar de la única forma posible. Gregory Peck, en un papel poco común en su carrera, y Jennifer Jones, en una de sus pocas interpretaciones salvables, dan vida a una de las parejas más problemáticas de toda la historia del género. ‘Duelo al sol’ (‘Duel in the Sun’, King Vidor, 1946) está llena de momentos inolvidables, pero su final es justamente legendario. Se hizo intentando realizar en el western un nuevo ‘Lo que el viento se llevó’, y les salió una obra maestra redonda. Y es que Vidor es mucho Vidor.

‘El hombre que mató a Liberty Valance’

Probablemente la mejor película del gran John Ford, y no me atrevo a asegurarlo, ya que la cantidad de obras maestras que ese hombre hizo es impresionante. La leyenda siempre es más bonita que la realidad, y en lugar de poneros el enfrentamiento inicial, os pongo el flashabck que se produce más tarde, y en el que se revela la verdad sobre el duelo que acabó con uno de los bandidos más temidos del oeste, personificado con maestría por Lee Marvin en uno de sus primeros y más recordados papeles. John Wayne y James Stewart inmensos. La película lo tiene absolutamente todo.

‘Duelo de titanes’

El duelo en el OK Corral es sin duda uno de los más famosos en el séptimo arte. Podría haber puesto el de John Ford, el de Lawrence Kasdan o incluso el de George Pan Cosmatos, pero he elegido el de John Sturges porque es el más largo de todos, y la planificación y el montaje son soberbios. Un western puro y duro, en la mejor tradición del género, y con dos gigantes como Burt Lancaster y Kirk Douglas mano a mano. Podéis ver a un jovencísimo Dennis Hopper por ahí.

‘Sin perdón’

La desmitificación definitiva sobre el género culmina con un claustrofóbico tiroteo soberbiamente fotografiado por Jack N. Green. William Munny, un asesino de mujeres y niños, decidió matar a todos los compinches de Littel Bill, asesinando antes al dueño de una pocilga decorada con el amigo muerto de Munny. Una cita en el infierno. La tumba de su esposa, ninguna señal, y el olvido.

Crítica en Blogdecine:

• Clint Eastwood: ‘Sin perdón’

‘Duelo en la alta sierra’

El hombre que cambió para siempre la perspectiva del western se dio a conocer con esta película, en la que unos maduros Joel McCrea y Randolph Scott representaban los viejos tiempos. El final es simplemente antológico, un duelo maravillosamente coreografiado y un plano final contundente y muy triste.

Crítica en Blogdecine:

• Sam Peckinpah: ‘Duelo en la lata sierra’

‘El último pistolero’

Don Siegel tuvo la oportunidad de filmar la despedida cinemtográfica de John Wayne, quien ya enfermo de cáncer tomaba láudano para soportar los terribles dolores. Un reparto lleno de viejas glorias para un film triste y melacólico, con un final sublime. También puede verse a un joven Ron Howard años antes de meterse a director y torturarnos con sus películas. A citar la famosa anécdota en la que John Wayne se negó a que su personaje disparase a otro por la espalda, a lo que Siegel contestó que Clint Eastwood lo hubiera hecho. Por cierto que Eastwood visitó el set de rodaje varias veces. ¿Os imagináis lo que hubiera sido un western protagonizado por esos dos? Yo no puedo, porque lloro.

‘El vengador sin piedad’

Una de las maravillas ocultas del infravalorado Henry King. Gregory Peck da vida a un hombre sediento de venganza, la cual le obsesionará hasta límites insospechados. En el vídeo vemos cómo se enfrenta a uno de los hombres de la banda que persigue sin gastar una sola bala. Al igual que en la magnífica ‘El pistolero’ (‘The Gunfighter’, 1950) King subraya las connotaciones psicológicas del relato con unas conclusiones morales terribles.

‘Raíces profundas’

‘Shane’ es uno de los mejores westerns jamás filmados, y el duelo final una lección de planificación y tensión. En un espacio tan cerrado como el de una taberna, George Stevens logra un milagro. Alan Ladd en el papel de su vida y el mítico Jack Palance como el mítico villano. La secuencia final del niño llamando a su amigo es justamente legendaria. Años más tarde Clint Eastwood le rindió un sentido homenaje en la también imprescindible ‘El jinete pálido’ (‘Pale Rider’, 1985).

‘La muerte tenía un precio’

Sergio Leone tenía que hacer doblete en esta selección con la película que es la culpable de que me apasione el cine. La dilatación del tiempo tan típica de su director en una escena mítica. El detalle del reloj, grandioso por su importancia narrativa en la historia. Un duelo en igualdad de condiciones, y Morricone marcando una vez más el carácter de los personajes. Una venganza, una recompensa, Eastwood, Lee Van Cleef y Gian Maria Volonté. Inolvidable.

Crítica en Blogdecine:

• Clint Eastwood: ‘La muerte tenía un precio’

‘Libertad para Morir’ es ver al guionista David S. Goyer entregando su más fiel, su mejor obra, mientras los que ahora loan su trabajo, de cartón y piedra y sin la mitad de honestidad, porque la cosa va de controlar los arquetipos y no ser pretencioso, escribiendo esas nolanadas padre, entregar un libreto sencillo, en el que al final al villano le parten la cara por abusar de vileza y por meter en la cárcel al tipo equivocado, pero es que además, con estas películas, descubre uno que equivocado se refiere también no ya al error evidente de encarcelar a un inocente sino de encarcelar al héroe, listo para hacer de su inocencia un bastión de manotazos y pasos de ballet frustrados por el cuerpo de otro secuaz, porque Goyer escribiría esta misma película, en la que también hay un científico loco y un villano-estólido y un viaje del protagonista hacia su lado oscuro, con pretensiones y caricaturescos diálogos y aquí era capaz de tomar esquemas naturales y darles una variación, un juego mucho más divertido.

‘Libertad para morir’ es ver a Deran Sarafian entregar lo más parecido que ha dado el mundo de Hollywood, ese lugar con frecuencia inhóspito y con una tendencia atroz a sobreponerse a los cambios con mayor aparatosidad y con una tendencia todavía más abusiva y enfermiza a autorizar fusiones, convencer a cualquier hombre con furia visual para neutralizar sus propuestas y hacer de las escenas de acción una fiesta vulgar de montaje y composición y aquí todo lo que se usa se hace con lo que de verdad importa, la convicción.

‘Libertad para morir’ es también una historia de dos legados, porque Deran Sarafian es el hijo de Richard C. Sarafian y uno piensa que en un momento de inspiración fueron posibles esta película y ‘Velocidad Terminal’ (Terminal Velocity, 1994), otra locura todavía inexplicable, una película-de-aventuras tradicional pero no forzando el anacronismo o el desfase y siendo tremendamente divertida y porque Richard C. Sarafian había dirigido películas tales como ‘Vanishing Point’ (id, 1971) en la que la contracultura invade la serie B y todo lo que queda es lo fresco, lo inesperado y lo violentado.

‘Libertad para morir’ carece, claro, de carreras contra sentido, porque su serenidad convoca al padre que dirigió ‘El Ojo del Tigre’ (Eye of the Tiger, 1986) unos pocos años antes que esta, porque de lo que se trata, claro, es de ver al macho, desbocado, y de explicar unos conceptos límite en los que la amistad entre pares, aunque uno sea un policía y los otros reos, es importante porque implica el reconocimiento: son historias de honor ideales, donde siempre hay sorpresas, aunque se trata de la prisión, ese nido de bandidos y grandes chistes sobre los andares tras una duchita.

‘Libertad para Morir’ es su clímax final, ese enfrentamiento inolvidable entre Sandman y Van Damme, donde descubrimos que lo que importa al final de la película es comprobar como cualquier dificultad puede ser solventada no ya con voluntad sino con decisión y bravura loca, con infinita paciencia porque uno diría que esas hostias han nacido para bendecir, no para contradecir nada y por eso mismo es tan divertido ver a este Van-Damme, ya tanteando unos registros de arquetipo distintos al del luchador habilidoso con el que se daría justo homenaje en sus ochenta reveladores, terminar con ¡tres! supervillanos, uno a uno casi, y por orden, que los clímax fueron un invento que cargó el Diablo.

Preparando mi texto sobre ‘Drive’ (id, Nicolas Winding Refn, 2011) me he dado cuenta de que una de sus imágenes me viene a la perfección para presentar el especial que la mayor parte de vosotros pedistéis en su momento, y que en mi crítica sobre esa maravilla titulada ‘One Day’ (id, Lone Sherfig, 2011) ya anunciaba. A lo largo y ancho de su existencia, el séptimo arte nos ha hablado de muchas cosas, siempre como reflejo de la dura realidad que nos toca vivir, y de miles de formas distintas. El elemento común denominador de muchas de esas historias, ya sean westerns, thrillers o películas de ciencia ficción, ha sido en la mayoría de los casos el sentimiento más preciado que el ser humano posee, el amor. Prostituido sin compasión en cientos y cientos de títulos, la visión que nos ha dado el Cine del amor es una imagen falsa, a ratos absurda e incluso peligrosa. La influencia del cine sobre la sociedad es tan poderosa y tan engañabobos que somos unos verdaderos gilipollas al creer que eso del amor eterno o verdadero existe. Bastan unas cuantas bofetadas de la vida para darnos cuenta de que los cuentos de princesas y príncipes enamorados son en verdad una falacia.

Pero no quiero ser malinterpretado, no tengo nada en contra de idealizar el amor, o de volvernos imbéciles cuando nos enamoramos, todo el mundo tiene derecho a pegarse una hostia en ese aspecto, y qué narices, tal y como decía el personaje de Barbra Streisand en la fallida ‘El amor tiene dos caras’ (‘The Mirror Has Two Faces’, 1996) “porque nos sentimos de puta madre”. Y es verdad. Pero en este especial no trataremos únicamente el elemento ñoño del amor, sino todos sus elementos —imposible, ya lo sé—, el dolor, el sacrificio, la confianza, el sexo, la pasión, la obsesión, la locura, etc. La selección de títulos no ha sido nada fácil, me ha llevado meses, y mi memoria, más la inestimable ayuda de colegas críticos de varios medios, ha hecho uno de esos esfuerzos que creo merecen la pena. 32 títulos que describen a la perfección, y como sólo el arte puede hacer, un sentimiento que seguirá produciendo fascinanción y misterio en siglos venideros. El Cine y nuestras propias experiencias dejan su legado al respecto.

Os invito a acompañarme en este apasionante viaje en el que nos pondremos muy sensibles, y también muy crueles. Como la vida misma. Y quiero dedicárselo a todos en general, y en particular a V., X. y M. por haber llenado mi vida en diferentes momentos de la misma, y por muchas cosas más, ayudándome a completar mi visión de algo que jamás llegaremos a entender del todo. Creo que si así fuera, perdería toda su esencia.

Es una gran estrella de acción. No valen los clichés. He seleccionado mis películas favoritas del astro belga.

Empiezo con un vídeo. Van Damme baila y el usuario de youtube lo reescribe al ritmo de una cumbia. Van Damme baila y baila. Él era así. Empezó su carrera moviendo las caderas y luego dislocó muslos sin detenerse jamás. Fue grandes tardes de gimnasio para aquellos culturistas que confundían su elasticidad brutal con los más tradicionales Arnold Schwarzenegger y Sylvester Stallone. ¡Cierto es! Trató de ceder a aquellas estrellas de acción, sin atender siempre a sus peculiaridades. Van-Damme, levanta siempre la pierna izquierda, espectáculo limpiador de matones y ahora resistiendo aún a los malos espectadores.

El rodaje del thriller psicológico dirigido por Oriol Paulo, ‘El cuerpo’, ha dado comienzo hoy, con la participación de Jose Coronado (‘No habrá paz para los malvados’), Belén Rueda (‘El orfanato’, ‘Los ojos de Julia’), Hugo Silva (‘Lo contrario al amor’) y Aura Garrido (‘Planes para mañana’).

El guion, del que se ha hecho cargo Paulo, hasta ahora guionista, junto a Lara Sendim, arranca con el atropello de un guardia de seguridad que huye histéricamente de una morgue. La policía descubre que en el lugar donde trabajaba este guardia la puerta de una de las neveras está abierta y el cadáver de una mujer ha desaparecido sin dejar ningún rastro. Un Inspector investiga el extraño suceso con la ayuda del viudo de la mujer desaparecida de quien, no obstante, no descarta para nada su participación de alguna manera en el incidente.

El rodaje, que cuenta con un presupuesto estimado entre cuatro y cinco millones de euros, tendrá lugar a lo largo de nueve semanas en distintas localizaciones de la ciudad de Barcelona y en el Parc Audiovisual de Terrassa. El film está producido por Rodar y Rodar, Antena 3 Films, Televisió de Catalunya y Canal +Sony Pictures Releasing de España se encargará de la distribución a partir de otoño de este año. DeA Planeta lleva las ventas internacionales.

Con lo poco que adelantan del argumento, resulta difícil hacerse una idea previa de cómo resultará esta película. De lo que podemos estar seguros es que de se convertirá en un éxito de taquilla dentro de nuestras fronteras y, con suerte, también más allá de ellas. Esperemos que a los reclamos comerciales se una una buena historia, con sorpresas creíbles y un desarrollo poco previsible.

Vía |Variety.

Seguimos con el repaso a lo mejor que nos ofreció 2011 según vosotros, los lectores, del cual ya desvelamos recientemente la identidad del sorprendente mejor actor del año. En esta ocasión, toca revelar el resultado de la encuesta correspondiente a la mejor película española, la cual tenía bastante claro que la ganadora iba a ser la que acabase alzándose con este pequeño reconocimiento.

‘No habrá paz para los malvados’ ha sido vuestra elección como mejor película española de 2011. La película dirigida por Enrique Urbizu ha conseguido el 24% de vuestras votaciones, es decir, casi 1 de 4 votos emitidos han ido a parar a manos de ‘No habrá paz para los malvados’.

El segundo lugar ha ido a manos de ‘La piel que habito’, y es que la cinta de Almodóvar ha conseguido un cómodo segundo puesto con el 19% de vuestros votos. La sigue en tercer lugar ‘Primos’, la, afortunada casualidad, tercera película de Daniel Sánchez Arévalo consigue el 13% de los votos. En cuarto lugar, y muy cerca de ‘Primos’, tenemos a ‘Mientras duermes’, la resurrección artística de Jaume Balagueró. Y ‘Chico y Rita’ tiene el honor de cerrar vuestro top 5 de mejores películas españolas de 2011. Os invito a seguir leyendo si queréis conocer todos los detalles acerca de vuestras votaciones.

Como podéis ver, ‘También la lluvia’ se quedó a nada de ocupar la quinta posición y casi podríamos hablar de un empate técnico en la séptima posición entre ‘Secuestrados’ (mi favorita personal) y ‘No controles’. Muy por debajo del resto quedan ‘Blackthorn’ y ‘La voz dormida’. Además, hay una particularidad que me gustaría comentar, y es que en Otros hay una opción que ha tenido un mayor número de votaciones que la última película de Benito Zambrano. ¿Cuál? Pues los que habéis elegido votar Ninguna o dejar el voto en blanco como señal de eso mismo, o al menos así lo he interpretado. De los 101 votos en esa categoría más de 30 han ido a esa opción. Además, hay quien no se ha cortado en dejar valoraciones personales como ‘ninguna, el cone español no es bueno :)’ o ‘¿pelicula española de calidad? jajajaja’ para expresar así su descontento con el cine hecho en nuestro país.

También han sido votadas en la categoría de Otros varios títulos que no entraban entre las computables, ya sea por no ser españolas (‘Rubber’, ‘Drive’, ‘El topo’, ‘El rey león 3D’, ‘Contagio’ y ‘Gigantes de hierro’, título para varios países sudamericanos de ‘Acero puro’), por no haberse estrenado en 2011 (‘Balada triste de trompeta’, ’3 metros sobre el cielo’, ‘Pa negre’ y ‘Extraterrestre’). Los otros títulos españoles de 2011 que han tenido algún voto son ‘Torrente 4: Lethal Crisis’, ‘Águila roja. La película’, ‘Eva’, ‘Fuga de cerebros 2’, ‘Cinco metros cuadrados’, ‘La cara oculta’, ‘No tengas miedo’, ‘Midnight in Paris’ (de la cual ya expliqué los motivos para no incluirla entre las diez preseleccionadas), ‘Amigos’, ‘Capitán Trueno y el Santo Grial’, ‘XP3D’ y ‘Puzzled love’. Ninguna de ellas consiguió llegar tan siquiera a los diez votos. ¿Echáis de menos algún título que ni siquiera haya conseguido un voto? Os preguntaría también sobre vuestro parecer sobre la elección de ‘No habrá paz para los malvados’, pero habiendo votado vosotros creo que no tiene demasiado sentido.

Os recuerdo que podéis seguir votando en el resto de categorías: la mejor actriz, el mejor director, la mejor película de animación, la peor película y la mejor película de 2011. El siguiente en ser desvelado será el de mejor película de animación de 2011.

Así que preparé a mi primo para la mejor película sobre un asesino en serie, no me valía entonces ni el ‘Henry: Retrato de un asesino’ (Henry, 1989) de John McNaughton ni cualquier otra, pero, ante todo, una película fundamentalmente frustrante, pues el asesino, le advertí, desaparece a la mitad de metraje, decisión que me parece sumamente brillante. En todo caso, la pizza parecía un manjar cuanto menos irónico para ver 152 minutos de un relato que había visto ya otras tres veces y cuyas raíces setenteras desvelan al espectador de un modo insólito.

Es curioso que esta película de David Fincher haya generado tantas protestas. A mi siempre me pareció razonablemente corta. Una película total sería una película en la que la languidez del protagonista, ese dibujante de tiras cómicas llamado, sin apenas metáfora, Robert Graysmith (Jake Gyllenhaal), devorara grandes segmentos de la misma. Vemos su languidez, claro, pero también vemos languidecer su família, su apartamento, y nunca perderemos el vigor que le guía. Me parece un mérito enorme del guión de James Vanderblit. Un mérito enorme, preciso teniendo en cuenta la cantidad de información a la que tenemos que asistir.: un recuento burocrático del fracaso de coordinación de varios departamentos de investigación (los del condado, los federales, los policías de la ciudad de San Francisco).

Con este asesino banal, Zodiac, descubre mi primo, pueden pasar los años y el asesino ser capturado y ser descubierto en un aeropuerto para frustración de todos. Depende de él que sea o no sea demasiado tarde. Pero el asesino, permaneciendo no ya impune sino envejecido, alejado de toda épica calculadora, se toma su propia jubilación, como si el pasado mítico fuera para los medios. El estilo de Fincher evoca a veces conscientemente algunas imágenes familiares, aquellas de ‘Todos los hombres del presidente’ (All the president’s men, 1972) cuyo guión escrito por William Goldman se esforzaba también por dar una cantidad asombrosa de información sin perder de vista una narración fluida.

Hay algo todavía escalofriante en el epílogo de la película, que transcurre en un aeropuerto decorado por el best-seller de Graysmith. También es cierto que el clímax, minutos antes, transcurre en una tienda pequeña y anodina. Gyllenhaal encarna al héroe fincheriano a baja escala y Zodiac parece una respuesta razonada al John Doe de ‘Seven’ (id, 1995). Doe era un psicópata fincheriano con razón moral, capaz de usar la alta cultura (desde los siete pecados cristianos para recalar en obras como la Divina Comedia o el Paraíso Perdido) para ejercitar su discurso sobre la decadencia de occidente. No había inocentes, ni siquiera él: su obra maestra está al final.

En cambio, Zodiac es un gran relato periodístico. El decadente reportero que encarna Robert Downey Jr. lo ejemplica. El frustrado y honesto policía de Mark Ruffalo también. En ambos casos, la vida se interpone. Los caprichos, si queréis decirlo de esta manera más sencilla. Pero el policía tiene una família a la que mantener. El libro de Graysmith será su legado: la obsesión, la investigación. Esta película no es sobre un asesino, es sobre la posibilidad de capturarlo en un marco social concreto, es sobre lo que significa investigar, es el relato de una obsesión.

Lo perturbador de esta película está en el descubrimiento banal de varios fracasos policiales y organizativos. Los asesinatos, rodados sin contemplaciones, perturbaron a mi primo, claro. Pero la conclusión de la película, ese largo acto en el que descubrimos que el todo era atender a todas y cada una de las pistas, a lo exhausto del fracaso, del ensayo-error. Ese tercer de acto de miradas encajadas y de simpleza identificadora, décadas después, lo dejó todavía más exhausto. El mal es banal, como nos aseguraba Hannah Arendt, pero también pueden serlo los errores humanos que lo permitan sobrevivir. Basta un descuido. Pueden leer también la crítica de mi compañero Alberto Abuín.

Como todos los años por estas fechas, aquí tenéis mi lista con los diez peores estrenos de 2011 (en España). Y aunque sea obvio, no me importa subrayarlo: se trata de una selección personal, lleva mi firma y la de nadie más. Así que no falta ni sobra ningún título, son las películas más desastrosas que yo he visto este año. Si no estáis de acuerdo con mis valoraciones sobre algunos de los títulos (algo totalmente razonable) o tenéis vuestra propia lista del peor cine del año, por favor, usad los comentarios, quiero saber vuestra opinión, no solo en las encuestas que estamos realizando.

Aún estoy preparando el artículo con las mejores películas que llegaron a nuestros cines desde el 1 de enero hasta el día de hoy, así que no tengo todavía una opinión definitiva sobre si este 2011 que se acaba ha sido o no un buen año de cine. Pero me da esa sensación. He visto películas excelentes, que seguirán en mi memoria durante mucho tiempo, y creo recordar que en otras ocasiones se me hizo más difícil llegar a una lista de solo 10 estrenos infumables, había demasiado donde elegir. Desde luego, ha habido bodrios, y grandes decepciones, como siempre, pero ahora mismo me parece que el balance ha sido positivo. ¿Qué os parece a vosotros, me equivoco?

A continuación tenéis mi selección de las peores películas de 2011, os animo a echar un vistazo:

10. ‘Transformers: El lado oscuro de la Luna’ (‘Transformers: Dark of the Moon’)

Michael Bay, Shia LaBeouf y otros miembros del equipo artístico y técnico de la trilogía de ‘Transformers’ se pusieron de acuerdo en señalar que la segunda entrega, que no gustó ni a los más fervientes seguidores del realizador (aunque sí a Steven Spielberg, productor ejecutivo), fue un rotundo desastre. Culparon a la huelga de guionistas (sí, todavía hay guionistas en Hollywood) y al ajustado calendario que debían cumplir. Y dijeron que habían aprendido la lección, que la tercera sería mucho mejor. Ni de lejos. Sí, hay algunas escenas muy espectaculares, los robots están magníficamente realizados, pero todo lo demás es, otra vez, una ruina. Un guion demencial, intérpretes desatados en lo que parece ser una competición por ver quién sobreactúa más, y la puesta en escena marca de la casa: encuadres absurdos, alocados movimientos de cámara, planos detalle de los encantos de la protagonista (Rosie Huntington-Whiteley, en sustitución de Megan Fox, para posar y calentar al público adolescente). Si quieres ver algo tan idiota que hace reír, no busques más.

Críticas en Blogdecine:

‘Transformers: El lado oscuro de la Luna’, meridiano de chatarra

‘Transformers: El lado oscuro de la luna’, un juguete para romper

9. ‘Saw VII 3D’ (‘Saw 3D’)

Siete años después de la primera ‘Saw’ (una de las películas más sobrevaloradas de la pasada década), se estrenó el llamado “capítulo final” de la franquicia (pese a ello, ya se dice que habrá otra más), donde en teoría, todo el plan maestro del villano Jigsaw (Tobin Bell) cobraría sentido. Alguno se lo creyó... Kevin Greutert (obligado contractualmente a dirigirla cuando ya había anunciado que se embarcaba en otro proyecto) firma una de las peores películas del año, y también una de las peores entregas de una saga que se ha estirado de manera lamentable, únicamente pensando en exprimir hasta la última gota de una marca que ha resultado ser muy rentable. Una excusa de lo más simplona para satisfacer a un público muy numeroso y muy conformista que solo demanda sangrientas muertes grotescas. Ni rastro de cine.

Crítica en Blogdecine:

‘Saw VII 3D’, insoportable festival sangriento

8. ‘Invasión a la Tierra’ (‘Battle Los Angeles’)

Una de las sorpresas más negativas de este 2011 que dejamos atrás. Cabía esperar mucho más de Jonathan Liebesman (tras su estimable trabajo con la gastada franquicia de ‘La matanza de Texas’), pero fracasa miserablemente con un guion construido solo para lucir efectos visuales (que además ya habíamos visto en ‘Skyline’, más modesta y hasta cierto punto más divertida). El desaprovechado Aaron Eckhart va a retirarse cuando, ¡cáspita!, un ejército alienígena decide invadir la Tierra. Todo parece perdido, la tecnología extraterrestre es insuperable (aun así parecen salvajes e idiotas…) y nadie puede frenarles. Pero los malditos bichos del espacio exterior tienen un problema: los marines de Estados Unidos son los tíos más valientes, capaces e incansables del universo. Y nos salvan, claro que sí...

Crítica en Blogdecine:

Invasión a la Tierra y a la inteligencia del espectador

7. ‘Fast & Furious 5’ (‘Fast Five’)

Lo reconozco, no pude resistirme a su fórmula básica de tiroteos, persecuciones, coches volando por los aires, explosiones, tíos dándose hostias y chicas atractivas… Además, se empezó a decir que era la mejor entrega de la saga, y eso me terminó de convencer. Error. Esta cosa es tan mediocre como las anteriores. Justin Lin puede ser un estupendo realizador de videoclips, y quizá se le den bien las comedias con animales parlantes, pero es un inepto filmando acción. Su película es una apuesta por el ruido y el mareo constante, sin sentido ni estilo. Ni siquiera es capaz de sacar provecho a una pelea entre dos estrellas del género como Vin Diesel y Dwyane Johnson. Se está preparando la sexta parte, con el mismo realizador, pero esta vez no caeré en la trampa. Prefiero tirar el dinero viendo ‘Ice Age 5: La venganza de la nuez mutante’.

Crítica en Blogdecine:

‘Fast & Furious 5’, aparatosa bobada

6. ‘En tiempo de brujas’ (‘Season of the Witch’)

No podía faltar en la lista una película protagonizada por Nicolas Cage. El actor, el hombre de las mil pelucas, lleva años apuntándose a todo tipo de proyectos (hay un vídeo muy gracioso sobre este particular) y aunque la aparición de su rostro en un cartel suele ser sinónimo de bodrio, sigue siendo una de las estrellas más activas y solicitadas de la industria. No debo ser el único al que le cae muy bien, a pesar de todo. Dominic Sena lo puso al frente de una aventura de terror ambientada en la edad media que es un disparate de principio a fin, con uno de esos tramos finales aparatosos y repletos de vergonzosos efectos visuales que provocan carcajadas involuntarias. Puede ser una buena opción en un maratón de “películas bobas para ser despedazadas entre amigos”.

Crítica en Blogdecine:

‘En tiempo de brujas’, Cage trae la peste

5. ‘Piratas del Caribe: En mareas misteriosas’ (‘Pirates of the Caribbean: On Stranger Tides’)

Ocho años después de la tediosa tercera entrega, Disney volvía a apostar por la exitosa franquicia de ‘Piratas del Caribe’ con un guion, decían, que recuperaba la aventura, el ingenio y el humor de la primera entrega (al igual que la segunda, un entretenimiento de calidad). Y muchos picamos el anzuelo, ingenuamente, ha sido uno de los títulos más taquilleros del año. Rob Marshall, sustituto de Gore Verbinski, firma su peor trabajo hasta la fecha y logra algo increíble: una bobada todavía mayor que la tercera parte. La falta de química entre Johnny Depp y Penélope Cruz o la desganada aportación de los secundarios son otros de los muchos defectos de una película mecánica, aburrida y absurda. Debería distribuirse con una etiqueta de advertencia: “Ver con precaución, puede ocasionar daños cerebrales irreparables”.

Crítica en Blogdecine:

‘Piratas del Caribe: En mareas misteriosas’, cine muerto

4. ‘Soy el número cuatro’ (‘I Am Number Four’)

La pasada primavera nos llegó este desastre cinematográfico producido por Michael Bay que pretendía sacar tajada del inmenso éxito de la saga Crepúsculo, cambiando a los vampiros por alienígenas. La historia, basada en la novela de Jobie Hughes y James Frey (bajo el seudónimo de Pittacus Lore), es igual de estúpida. D.J. Caruso (uno de esos limitados e impersonales realizadores que tanto abundan en la industria norteamericana) fue el responsable de la rutinaria puesta en escena de una absurda aventura romántica de ciencia-ficción que debía iniciar una saga. Su primer gran error fue pensar en la taquilla y en las portadas de las revistas antes que en el guion o en las interpretaciones. No suele dar buenos resultados.

Crítica en Blogdecine:

‘Soy el número cuatro’, alienígenas por vampiros

3. ‘Caperucita Roja. ¿A quién tienes miedo?’ (‘Red Riding Hood’)

La última versión cinematográfica del cuento de Caperucita Roja no es más que otra de las lamentables hijas bastardas de la saga de vampiros románticos creada por la escritora Stephenie Meyer. Precisamente la directora de la primera ‘Crepúsculo’, Catherine Hardwicke, es la encargada de dirigir este auténtico bodrio en el que Amanda Seyfried (de las peores actrices que triunfan actualmente, gracias a sus curvas y un rostro fotogénico) daba vida a la protagonista, una joven que debe elegir entre el chico bueno y el chico malo, que es el que más le gusta, mientras un enorme lobo digitalizado amenaza con masacrar a su pueblo. Una lección de anticine en toda regla.

Crítica en Blogdecine:

‘Caperucita roja. ¿A quién tienes miedo?’, a los que hacen bodrios

2. ‘¡Qué dilema!’ (‘The Dilemma’)

Un hombre descubre que la mujer de su mejor amigo está liada con otro tipo (uno lleno de tatuajes, ¡qué mal gusto!) y no sabe qué hacer, si contarlo o quedarse callado, y aunque se acuesta todas las noches con Jennifer Connelly, lo pasa muy mal. De eso va la penosa película que Ron Howard estrenó en este 2011, después de ganar un dineral gracias a la mediocre ‘Ángeles y demonios’ (‘Angels & Demons’). Confunde lo cómico con lo subnormal. Casi dos horas de bromas sin gracia, diálogos bochornosos, pésimas interpretaciones y una puesta en escena realmente vaga. Cada vez resulta más evidente que la mayor contribución al cine de este sobrevalorado director ha sido participar en la creación de Bryce Dallas Howard…

Crítica en Blogdecine:

‘¡Qué dilema!’, confirmando que todo se puede empeorar

1. ‘La saga Crepúsculo: Amanecer. Parte 1’ (‘The Twilight Saga: Breaking Dawn – Part 1’)

Lo peor de 2011. No he visto la del Capitán Trueno, ‘Noche de fin de año’ ni ‘XP3D’, aclaro. De lo que se ha estrenado en España a lo largo del año, es lo más horrible que he visto. Pensaba que después de la tercera entrega (la más entretenida, con mucha diferencia, de las cuatro que han llegado a los cines hasta ahora), la saga de ‘Crepúsculo’ mejoraría, sobre todo con el fichaje del director Bill Condon, del que cabía esperar que lograra un buen trabajo con los actores (uno de los puntos flacos de la franquicia, debieron seguir el ejemplo de Harry Potter), y porque estando tan cerca el final, uno imagina que se va a poner toda la carne en el asador. Pero no, todo lo contrario. Lo que estrenó Summit Entertainment fue un deplorable engendro de casi dos horas de duración que podría haber dirigido un mono. Y ojo, me refiero a un mono sin estudios. Quizá creas que has visto las peores películas de la historia, pero estás equivocado. No has visto esta cosa.

Críticas en Blogdecine:

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Menciones de honor:

‘El santuario’ (‘Sanctum’). James Cameron quiso seguir explotando el 3D ejerciendo de padrino y productor de esta olvidable aventura submarina orquestada con torpeza por Alister Grierson, que tuvo que sacar adelante un guion lleno de frases estúpidas y aburridos tópicos, recibiendo poca ayuda de un reparto desafortunado. Podéis leer mi crítica aquí.

‘Conan el bárbaro’ (‘Conan the Barbarian 3D’). El nuevo intento por recuperar para el cine el famoso personaje creado por Robert E. Howard fue uno de los mayores fracasos del año, artística y económicamente. El fichaje de Jason Momoa fue prácticamente el único acierto de un remake que volvió a dejar en evidencia la ineptitud narrativa de Marcus Nispel. Podéis recuperar la crítica que publiqué en su momento.

‘In Time’. O cómo tirar a la basura un fascinante punto de partida. Andrew Niccol traza un futuro en el que el dinero ha sido sustituido por el tiempo. Y entonces puebla el mundo de gente guapa y estúpida, y los hace correr durante unos 100 minutos. Hay tiroteos, sexo light y algunas de las soluciones narrativas más ridículas del año (el pulso entre Justin Timberlake y Alex Pettyfer). Hay dos críticas de esta cosa en Blogdecine, una de Mikel y una mía.

Ben Affleck acabó siendo el objeto de múltiples bromas sobre su capacidad como actor a mediados de la década pasada (y es una pena, porque en ‘Hollywoodland’ demostró que seguía sabiendo actuar). Antes parecía que iba a comerse el mundo y que iba a ser el exitoso del dúo mágico que formó con Matt Damon en ‘El indomable Will Hunting’, pero pronto se demostró que no era el caso. En un aparente caso desesperado por recuperar cierto prestigio, Affleck dio el salto a la dirección y fue ahí donde nos sorprendió a la gran mayoría. Con ‘Adiós pequeña, adiós’ demostró una gran capacidad para rodar una película con aroma a cine clásico y hace poco confirmó su talento tras las cámaras con la notable ‘The Town (Ciudad de ladrones)’. Además, en esta última decidió regalarse el papel protagonista, y aunque Jeremy Renner se lo comía con patatas, ofreció una actuación muy por encima de la mayoría de las que nos dio con anterioridad, aunque tampoco es que eso sea decir mucho, la verdad.

Era de esperar que Affleck reincidiese en la dirección, con lo cual el anuncio del rodaje de ‘Argo’, su tercera película como director, tampoco es que fuese una gran sorpresa. Dicho rodaje se ha desarrollado con normalidad y al fin nos ha llegado la primera imagen de un Ben Affleck barbudo y pensativo. No es gran cosa, pero al menos es algo. También sabemos ya cuál es el argumento oficial de ‘Argo’, la cual está basada en hechos reales sucedidos en Irán: Cuenta la operación secreta a vida o muerte para rescatar a seis americanos, los cuales han logrado escapar de un asalto a la embajada americana, donde otras 46 personas no han tenido la misma suerte, y encontrado refugio en la caja del embajador canadiense. Es sólo cuestión de tiempo que los encuentren y los asesinen, pero un especialista de la CIA tiene un descabellado plan para lograr sacarles del país y llevarlos a su hogar. Tengo mis sospechas de, y sin haber mirado el caso real, que si se ha hecho una película con este argumento es porque lograrían escapar todos o casi todos, pero bueno, ya veremos.

Como ya he dicho, ‘Argo’ está protagonizada por Ben Affleck, pero en el reparto también podemos encontrar a Alan Arkin, Bryan Cranston, John Goodman, Kerry Bishé, Kyle Chandler, Rory Cochrane, Christopher Denham, Tate Donovan, Clea DuVall, Victor Garber, Zeljko Ivanek, Chris Messina o Michael Parks, es decir, un montón de rostros eminentemente televisivos, pero que han demostrado sobradamente su solvencia. El estreno de ‘Argo’ en USA está previsto para el 14 de septiembre de 2012, pero aún no se sabe cuándo podremos verla en España. A mí me han gustado las otras dos películas que ha dirigido Affleck, así que tengo mucha curiosidad por ver qué tal es su nuevo trabajo tras las cámaras, ¿y vosotros?

Vía | Collider