Steven Soderbergh es un director que parece no tener un estilo propio definido, y que al igual que vuestro admirado Tarantino, gusta de reciclar antiguas fórmulas, mezclándolas con experimentos —por llamarlo de alguna manera—, adaptando todo el material a los nuevos tiempos. De la enorme pedantería de títulos como ‘Sexo, mentiras y cintas de vídeo’ (‘Sex, Lies and Videotape’, 1989) o ‘Full Frontal’ (2002), es capaz de pasar a demostrar una enorme solvencia narrativa en films como ‘Traffic’ (2000) —a juicio de quien esto firma, su mejor película— y ‘Ocean´s Eleven’ (2002), o perderse formalmente en rarezas como ‘El buen alemán’ (‘The Good German’, 2006) o ‘Che: Guerrilla’ (2008). Ahora, con ‘¡El soplón!’ (‘The Informant!’, 2009), se adentra en el terreno del drama con elementos de thriller, basado en hechos reales, grupo en el que podríamos incluir películas tan dispares como ‘Todos los hombres del presidente’ (‘All the President´s Men’, Alan J. Pakula, 1976) o ‘El dilema’ (‘The Insider’, Michael Mann, 1999).

Precisamente, en un principio, da la sensación de que nos encontramos ante una historia muy parecida al mencionado film de Mann. Ambientada en el mundo empresarial agrícola, tenemos la historia de un colaborador del FBI que se enfrenta a su empresa, acusándola de convenir con otras empresas los precios internacionales de mercado, creándose una serie de problemas que afectarán a su vida laboral y personal. Esa es la sensación que produce durante su primera mitad, para luego presentar sus verdaderas cartas, en un giro que deja al espectador totalmente desconcertado, perdido, sin llegar a saber qué se está viendo realmente.

Matt Damon da vida a Mark Whitacre, quien a principios de los 90 desató un escándalo empresarial en su lugar de trabajo, la ADM, colaborando con el FBI como si fuese un agente infiltrado en una arriesgada operación de espionaje. Con sólo esta premisa y cierto tono desenfadado por parte de Soderbergh, parece que nos hallemos ante una comedia, y así se producen situaciones supuestamente cómicas cuando el protagonista tiene que realizar grabaciones ocultas. Todo así durante la primera hora de película, la cual parece estancarse, dando vueltas alrededor de lo mismo, y donde el espectador termina abrumado por la enorme cantidad de datos de todo tipo, mucho de los cuales nos suenan a chino, sobre todo aquellos que estamos alejados del mundo que refleja el film.

De repente, y casi sin venir a cuento —y da igual que el film esté basado en hechos reales, pues muchas veces lo que ocurre en la vida real no tiene porqué ser creíble en un film, todo depende de la forma—, Soderbergh cambia de tono, y lo que parecía un amable thriller, se convierte en un intento de estudio sobre la mentira. Tal vez esto funciones en el libro, obra de Kurt Eichenwald, que toma como base, pero en la película se torna forzado, y prácticamente inútil, pues a esas alturas es tal la cantidad de datos que el espectador posee, que da exactamente igual qué es cierto y qué no. Los desvaríos del personaje central, sus manías persecutorias, su enfermedad, deja más bien indiferente, y aunque Soderbergh trata de no aburrir al personal, lo cierto es que la película se aguanta por el excelente trabajo de todo su reparto, en el que brilla a gran intensidad un entregado Matt Damon, en una de las mejores composiciones de su carrera, afortunadamente muy alejada de la que sigue su amigo del alma Ben Affleck.

Por eso, la película también parece una excusa para que Soderbergh le dé una oportunidad única para que su colega Damon se luzca. Hay pocos instantes en los que el actor no salga, y es él quien logra transmitir parte del tormento interior de un personaje que podría haber sido mucho más fascinante, si en el guión se hubieran ocupado más de él, y no dejarlo todo en manos de Damon. El protagonista de la trilogía Bourne eclipsa a prácticamente todos sus compañeros de reparto, quienes cumplen más que con creces con sus respectivos roles. Melanie Lynskey, como la entregada y despistada esposa del personaje central; Scott Bakula, como el amable agente del FBI que llega a acercarse más al testigo de lo debido; o el grandullón Clancy Brown —actor que recuerda mucho por sus composiciones a Laird Cregar— en un breve papel de abogado, son los actores que más sobresalen entre todo el elenco.

Pero da igual que tengamos una interpretación extraordinaria, tanto que la película se salva por esa única razón, si Soderbergh se pasa todo el rato filmando sin la gracia de otras películas, incluso jugueteando menos con el montaje de lo que suele hacerlo. Al final, nos queda una extraña sensación de indiferencia ante lo narrado, lo cual no queda muy claro. ¿Qué quería filmar realmente Soderberg? ¿Qué cuenta en verdad la película? No se sabe, y no importa. A mí me da exactamente igual, y esa impresión no debería dejarla ninguna película. En el caso de Soderbergh, podemos fijarnos que en sus últimas obras la indiferencia es la sensación reinante.

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No hacía falta, como la gran mayoría de los remakes, pero aquí lo tenemos. El vulgar Michael Bay sigue produciendo nuevas versiones de rentables películas de terror, así que tras las actualizaciones de ‘La matanza de Texas’ y ‘Viernes 13’ le ha llegado el turno a ‘Pesadilla en Elm Street’, dirigida por Wes Craven en 1984. Veinticinco años después de la original, nos llega el tráiler del remake, con un nuevo Freddy Krueger dispuesto a sembrar el terror entre los jóvenes de estos tiempos, en los que el cine cada vez importa menos.

Para dirigir la nueva versión de ‘A Nightmare On Elm Street’ se contrató al debutante Samuel Bayer, hasta ahora director de videoclips y anuncios comerciales (nada que objetar, si ha sabido cambiar el chip al dar el salto al cine, cosa que muchos no hacen). Y para dar vida al mítico monstruo del jersey de rayas rojas y negras se fichó a Jackie Earle Haley, un estupendo actor en alza tras su fantástico trabajo en ‘Juegos secretos’ (por la que fue justamente nominado al Oscar) y ‘Watchmen’, donde bordaba el papel del no menos mítico Rorschach. Nadie duda que Haley será lo mejor del remake de este tal Bayer.

Thomas Dekker (John Connor en la serie ‘Las crónicas de Sarah Connor’), Rooney Mara, Katie Cassidy, Kellan Lutz (uno de los vampirillos de la saga ‘Crepúsculo’) y Kyle Gallner (el protagonista de ‘Exorcismo en Connecticut’) son los jovencicos pijos que tendrán la mala suerte de soñar con Krueger y sus características garras; a ver quién le toca la memorable muerte de Johnny Depp en la original. La fecha del estreno es el 30 de abril de 2010, en Estados Unidos. A continuación os dejo el cartel de la película, aparecido hace tiempo en la Comic-Con de San Diego:

PD: Por un momento, parecía que se iba a hacer un homenaje a ‘Un perro andaluz’ en esta cosa.

Vía | Impawards y ZonaFandom

En 1978, el temible Enzo G. Castellari realizó ‘Aquel maldito tren blindado’ (‘Quel maledetto treno blindato’), cuyo título internacional fue ‘Inglorious Bastards’, y que muy convenientemente ha sido editada hace poco en nuestro país. Dice el propio Tarantino que dicha película le inspiró para realizar su ‘Malditos bastardos’ (‘Inglorious Basterds’), en otra demostración de su cinefilia —cinefagia, dirán algunos—, encontrando y revitalizando títulos poco conocidos por la audiencia media. Lo cierto es que el film de Castellari, que tuve oportunidad de ver hace poco, aprovechando la ocasión, es un producto de serie B —siendo generosos— mal montado, y peor dirigido e interpretado. Un subproducto que alcanza niveles bochornosos, que narra la imposible misión de un grupo de desertores que por culpa de los caprichos del destino, se ven envueltos en una odisea que podría redimirles de sus pecados.

Un humor zafio, aún teniendo algún instante conseguido, y casi molesto, eran las principales virtudes de una película en la que podía entreverse fácilmente algunas cualidades que harían las delicias de Tarantino en una de sus operaciones de reciclaje. Si uno intenta comparar ambas películas, encontrará que sus coincidencias son cero, esto es, ninguna. Únicamente, ambas pertenecen al género del cine bélico, y eso por la manía que tenemos de querer etiquetarlo todo, porque hasta ese punto sería discutible. El caso es que un servidor esperaba que Mr. Tarantino se pasase toda su película rindiendo una especie de homenaje al film citado, y de paso a otros títulos mucho más famosos, pero para mi sorpresa, el director de ‘Pulp Fiction’ va mucho más allá.

No es ‘Malditos bastardos’ una película bélica al uso sin más. Su más que simple trama se resume diciendo que se trata de una historia de buenos muy buenos y malos muy malos, y de cómo los buenos tiene que volverse más bestias que los malos para acabar con estos últimos. El bien y el mal enfrentados una vez más bajo la apariencia de puro entretenimiento con algunas de las mejores secuencias del año. Y es que Quentin Tarantino, como buen cinéfilo que es, es un completo adorador de momentos, de instantes, de escenas para el recuerdo. En muchas de las conversaciones cinéfilas que tengo con amigos y enemigos, a todos nos gusta recordar determinados instantes del cine que permanece en nuestras retinas, y en algunos casos, en nuestros corazones. La escena de la despedida en ‘Casablanca’ (Michael Curtiz, 1943), la muerte de Lillian Gish en ‘Duelo al sol’ (‘Duel in the Sun’, King Vidor’, 1946), el final de ‘Dejad paso al mañana’ (‘Make Way for Tomorrow’, Leo McCarey, 1937), por poner sólo tres ejemplos bien claros, son momentos que cualquier cinéfilo —con todo lo que esta palabra significa de verdad— no puede olvidar, se quedan grabados con letras de fuego en la memoria de aquellos que amamos el cine.

Tarantino construye así su cine, a base de querer hacer grandes momentos, aunque sea sin unirlos con coherencia. ‘Malditos bastardos’ ofrece el espectador toda una sucesión de grandes instantes, uno tras otro, en los que Tarantino hace gala de una envidiable capacidad para crear una determinada atmósfera, de innegable intensidad. Pero también cae en el error de ofrecerlo todo en un nada equilibrado conjunto, que adolece de la necesaria progresión dramática. Curiosamente, esto no estropea la película, pues sus momentos/segmentos son tan intensos, tan espectaculares, tan enfurecidos, que se valen por sí mismos. Es el juego que Tarantino propone, y como en todo juego, el espectador es muy libre de entrar o no. Sí, para sorpresa de medio mundo, yo entré. Y reconozco habérmelo pasado pipa, como un enano. No me pregunten el porqué en ésta sí y en otras no —‘Pulp Fiction’ la he visto siete veces y cada vez me ha parecido peor—, tal vez ésa sea la magia indescriptible del cine, el misterio que nunca hay que resolver a cerca de este maravilloso arte.

Un prólogo que es puro western, con homenaje incluido a un famoso director de westerns, nos mete de lleno en la psicología del verdadero alma mater de la película: un personaje llamado Hans Landa, coronel nazi caza judíos, interpretado de manera magistral por Christoph Waltz. Un villano de tal envergadura que Tarantino hace suya una de las máximas de don Alfred Hitchcock: una película vale lo que vale el malo de la misma. Si no fuera por la arrolladora personalidad de Landa, personaje al que se ama y odia al mismo tiempo, estoy completamente seguro de que ‘Malditos bastardos’ sería otra cosa completamente distinta. Waltz, en una de esas composiciones que merecen una nominación al Oscar, pone toda la carne en el asador y se come literalmente a todos los demás compañeros de reparto. Él abre el film, y más tarde es toda una delicia comprobar cómo se merienda sin compasión a actores tan solventes como Brad Pitt o Diane Kruger, quienes se entregan a su roles con diversión y desenfado, lo mismo que Tarantino hace con su historia, a la cual parece maltratar adrede.

Waltz es el verdadero sustento de una película que pierde demasiado fuelle cuando cambia de capítulo, o segmento, o bloque, o como queráis llamarlo. Tarantino se muestra incapaz —como siempre— de darle una coherencia a todo el conjunto, y sin embargo, se revela como un excelente director a la hora de componer un determinado plano, o secuencia. Sirva como ejemplo, la que para mí es la mejor secuencia del film, la de la taberna, donde una vez más el director rinde tributo a Hitchcock, y lleva el suspense hasta límites poco vistos en el cine reciente. Un uso extraordinario del alargamiento del tiempo, bañado con diálogos vivaces y divertidos, explota en un clímax inolvidable que pone de relieve las intenciones de su autor: sangre y destrucción. Si de algo hace gala ‘Malditos bastardos’ es de ser, sin disimulo alguno, toda una orgía de violencia sin concesiones, de brutalidad sin límites, en la que incluso Tarantino apuesta fuerte al cambiar el curso de una guerra cuyo final sabemos que no fue ése.

‘Malditos bastardos’ es también la película más cinéfila de su director, aquella en la que su amor por el séptimo arte queda más claro, ya no sólo por su referencias formales a directores como Sergio Leone —buena parte del cine de Tarantino bebe de la obra del director de ‘La muerte tenía un precio’— o Hitchcock, sino también por directas alusiones al cine de Leni Riefenstahl, Henri-Georges Cluzot —en la marquesina de un cine puede verse el título de ‘El cuervo’—, Chaplin, y también por situar el que se supone el momento álgido del film, en un cine repleto de gente, y que es utilizado por Tarantino como elemento catártico. Eso sí, la frase final del film, pronunciada por Brad Pitt, suena a cachondeo de más, una ¿broma? que no todos recibiremos e interpretaremos de igual manera. ‘Malditos bastardos’ no es una obra maestra, pero sí un sano entretenimiento como hace tiempo no veía, y de mano de un director del que no me lo esperaba. Sorpresa doble.

Otras críticas en Blogdecine:

• 57º Festival de San Sebastián: ‘Inglourious Basterds’, auténticos infames hijoputas

• ‘Malditos bastardos’, la peor película de Quentin Tarantino

En Blog de Cine hoy estamos de estreno, de novedad importante. Ponemos en marcha una novedad en la que hemos estado trabajando durante meses y de la que os avisamos cuando hicimos nuestro último rediseño.

Las nuevas páginas de películas, directores, actores, etc. serán ahora un lugar donde informarse sobre un producto y punto de encuentro de la comunidad de Blog de Cine. Allí podréis ponerle nota a las distintas películas, leer toda la información relacionada, marcarla como deseado o incluso si la tenéis, guardarlo en vuestra página de usuario.

¿Ejemplos? Infórmate sobre ‘Malditos bastardos’, sobre ‘District 9’, o sobre ‘Forrest Gump’.

Información sobre tus películas preferidas

En la página de cada vehículo encontraremos información completa de prácticamente todos los productos publicado en Blog de Cine, con fotos y vídeos tanto del propio blog como de sitios relevantes como Flick o Youtube.

En esa página también podremos encontrar todos los post y artículos relacionados, pero no solo de Blog de Cine, sino de otros sitios de Internet. Incluso os recomendaremos los propios editores artículos y enlaces de especial interés.

Pero hay mucha más información en la página de cada producto. Tenemos por ejemplo una sección con productos relacionados que nos ayudarán a comparar y ver qué alternativas tenemos, y podremos ver la nota que los editores o vosotros mismos habéis dado a ese modelo.

Comunidad e interacción

Además de información, la página de cada modelo es un punto de encuentro de la comunidad de Blog de Cine. Podréis mostrar al resto de usuarios qué películas os gustan y cuáles no.

Y en vuestra mejorada página de usuario de Blog de Cine, además de los post guardados y las conversaciones en las que estáis inmersos, ahora tendréis una referencia de las películas que os encantan u aborrecéis.

Hay opción de puntuar cada película, ver la puntuación media del producto dada por los usuarios y de interaccionar con el resto de visitantes mediante comentarios y vuestros propios análisis de la película. Y por supuesto leer y comentar dudas, consejos y todo tipo de información que entre toda la comunidad aportaremos a cada página de producto.

Hemos trabajado muy duro durante bastante tiempo para tener lista esta nueva funcionalidad de Blog de Cine que esperamos que os guste tanto como a nosotros prepararla.

Puede que a muchos les sorprenda ver ‘Antichrist’, la última película del gran Lars von Trier, en esta sección infinita de films ridículos —un día voy a tener que explicaros bajo qué parámetros elijo los films, pero es más divertido que lo adivinéis, mis queridos niños—, y es que dicha sección no está sólo para hablar de películas de bajo presupuesto, de blockbusters absurdos, o de films de evasión que no evaden ni a una piedra, no. También tendrán cabida ciertos pretenciosos títulos —más de uno ya está preparando el hacha, seguro—, de ciertos reputados autores —o no—, como es el caso. Y vaya por delante que el incluir ‘Antichrist’ aquí me duele más que a nadie, ya que soy pro von Trier de cabo a rabo.

Después de haber salido muy mosqueado del cine, y de leer detenidamente algunas de las críticas que le han dedicado varios medios al film, he hallado una reflexión muy apropiada por parte de Diego Salgado en su conciso texto sobre ‘Antichrist’, y cito textualmente:

todavía no hemos sido capaces de determinar si Anticristo es la obra de un genio, o la de un perturbado

He ahí el quid de la cuestión. El misterio que hay que desentrañar para sacar algo en limpio de lo que parece una tomadura de pelo por parte de alguien que además de prepotente, ahora nos quiere hacer partícipes de sus demonios interiores.

‘Antichrist’ narra la historia de una pareja, Ella y Él —aquí me imagino que no hablamos de una mujer y un hombre concretos, sino de todas las mujeres y todos los hombres, que cada cual se haga su propia gallarda mental, que para eso está cierto tipo de cine—, que tras la terrible pérdida de su único hijo, deciden irse a una cabaña en un bosque, donde recuperarse de las consecuencias de tan pesada pérdida. Eso, en apariencia, o en la superficie si se prefiere decir así. Y le llega, debajo no hay absolutamente nada que sea merecedor de ser mencionado. ‘Antichrist’ es la bobada de un genio en horas bajas —él mismo reconoció que la había filmado para salir de una fuerte depresión en la que se hallaba sumido—, una vil ida de olla, que subraya innecesariamente el egocentrismo del autor. Soy el mejor director del mundo, declaró en Cannes, y aquí tenemos el premio: una paranoia desagradable, que sin duda provocará merecidos rechazos.

Porque a Lars von Trier, en esta película, no le llega con provocar —lo cual no es nada malo, al contrario, la provocación en el arte despierta mentes dormidas—, además tiene que ser asquerosamente desagradable, vilmente explícito. Tras un excelente prólogo, filmado con un gusto increíble —y que nos remonta a los comienzos artísticos del director—, von Trier intenta adentrarse en los demonios de la locura a través del desesperante personaje femenino. De repente, cuando uno ya está harto de tanto jueguecito visual, y de tanta metáfora con bosques, animales y la madre que los parió, al artífice de ‘Dogville’ se le ocurre la brillante idea de cambiar de tono drásticamente, pero no con una intención concreta, o porque la lógica interna del relato lo requiera, sino porque le da la real gana. Porque sí y punto.

Del drama psicológico —realmente lo que pretende von Trier que sea— se pasa al cine de terror puro y duro, al horror más visceral, con connotaciones de posesión incluidas —lo que nos remontaría a ‘La posesión’ (‘Possession’, 1981) de Andrzej Zulowski, film con el que ‘Antichrist’ guarda algún parecido—, brujería, y hasta una investigación de ribetes policíacos, culminada por una orgía de lo desagradable, donde una amputación vaginal representa un fuerte sentimiento de culpa femenino que va más allá de lo meramente anecdótico —la muerte del niño—, instantes éstos en los que se nos descubre, a modo de flashback, la trampa argumental con la que von Trier juega todo el rato. Todo ello mientras no sabemos si reír o llorar. Hay quien asegura que a von Trier le ha salido con esta película una excelente comedia, y puede que razón no le falte, una comedia grotesca y absurda.

Sólo la labor de los actores merece ser destacada, aunque uno se pregunta qué narices vieron los implicados para sumergirse en un proyecto de semejante características —es probable que si von Trier te invita a una de sus películas, no se necesite nada más—. Willem Dafoe está excelente, pero se queda pequeño al lado de la verdadera estrella del film, Charlotte Gainsbourg, quien pone toda la carne en el asador para dar lo mejor de sí misma y más. Un tour de force brutal que alcanza momentos sublimes —la desenfrenada masturbación al pie de un árbol—, la desnudez total como actriz, dispuesta a todo, pero que lamentablemente no compensa los desvaríos del que se cree mejor director que nadie, que cuando está depre, quiere hacer a la humanidad partícipe de su estado de ánimo, y para ello tenga que declarar a los cuatro vientos que todas las mujeres son malas por naturaleza, que la culpa siempre es de ellas. Misoginia por un tubo conectado a esta especie de edén —no por casualidad la cabañita de marras se llama así— con sus muy particulares Adán y Eva. ¿Será por eso que no me dejan hablar en la Cope de esta película?

El cachondeo llega justo en su final, cuando se descubre que von Trier le dedica la película a Andrei Tarkovsky, el cual evidentemente no puede defenderse de tamaña ofensa. Es como si Michael Bay le hubiese dedicado una de sus películas a Howard Hawks, o Raoul Walsh, o John Frankenheimer. Para partirse.

Otra crítica en Blogdecine:

• ‘Anticristo’, los demonios de Von Trier

Dice Isabel Coixet, aunque sea obvio por el título, que en su nuevo trabajo cinematográfico el sonido es fundamental, casi un protagonista más, que lleva al espectador a Tokio, que acompaña la trama y los personajes que la protagonizan, y que está orgullosa del premio que este apartado logró en Cannes, donde dice que aplaudieron mucho su película, donde fue un éxito, a pesar de lo que señalaron los medios españoles (¿una persecución?, parece improbable).

Pero, ¿qué ocurre si ese sonido, tan planificado y cuidado, abraza una trama hueca y previsible, protagonizada por unos personajes toscos e inverosímiles? Ocurre que el sonido se queda solo, tratando de dar coherencia a un conjunto desalmado, vacío, incapaz de transmitir lo que se propone. ‘Mapa de los sonidos de Tokio’ es una película de llamativo envoltorio sin nada dentro, sin drama ni emoción. Alguien debería decirle a esta realizadora, y de forma que ella lo entendiera de verdad, que no es Wong Kar-Wai, y que se limite a ver y disfrutar sus películas, porque se le da fatal imitarle.

Porque hay, se nota, en ‘Mapa de los sonidos de Tokio’ un esfuerzo por parte de Coixet de adoptar el estilo visual, pero también, y sobre todo, el tipo de relaciones, frustrantes, imposibles, que caracterizan los los trabajos del cineasta chino, responsable de joyas como ‘Chungking Express’ o ‘Deseando amar’. El primer propósito lo resuelve la directora con eficacia, siendo en realidad algo más sencillo, pero fracasa estrepitosamente con lo segundo, convirtiendo su supuesto drama perturbador de personajes complejos en un vergonzoso anuncio publicitario de dos horas. Aún no sé qué trata de vender, pero sí que Coixet ve lo que hace Wong y no se entera, copia lo superficial y se deja lo importante.

Viendo la película, es igualmente evidente que Isabel Coixet ha quedado cautivada por Tokio, y que nos ofrece su particular visión de la ciudad, siendo muy diferente de lo que nos han mostrado otros realizadores occidentales, lo cual en principio es estupendo, porque queda patente una firma, una autoría. El problema, en este caso particular, es que la mirada de la directora española no va acorde con la historia que está narrando, no está integrada en los ojos y el corazón de los protagonistas.

Hay, en otras palabras, un intento de enseñar Tokio como lo haría un turista, impresionado y curioso, divertido con las rarezas del lugar, pero no hay un personaje que porte esas sensaciones, resultando una división que contribuye al alejamiento de lo que sucede en la pantalla. En este sentido, Coixet fracasa donde triunfó Sofía Coppola con su prestigiosa, y emocionante, ‘Lost in Translation’ (2003), donde sí se nos daba una visión acertada de la capital japonesa, como una gran isla moderna en la que uno puede encontrarse perdido, sin nadie con quien compartir una bebida, una sonrisa, una conversación o un karaoke; aquí sí sentíamos la soledad de los protagonistas, y su desesperada, silenciosa, búsqueda de calor y humanidad, en medio de una Tokio gigantesca y exótica.

Con una realizadora más preocupada por los sonidos, los encuadres “wongkarwianos”, la captación de bonitas postales de la ciudad, los restaurantes y la comida, la imitación de los típicos comportamientos japoneses (vistos en persona, como turista, y en películas, como cinéfila, que supongo que es), y el rodaje de escenas de sexo realista (ya leímos que también está orgullosa, y es que parece una mujer muy autocomplaciente, porque hay una escena donde el protagonista se quita un pelo púbico de la boca), los actores no pueden hacer demasiado, reducidos a monigotes parlantes, a maniquís de un escaparate, inertes, no porque así sean sus personajes, sino porque no tienen personajes.

Así que ahí tenemos a la cotizada Rinko Kikuchi haciendo prácticamente lo mismo que en ‘Babel’ (por la que fue nominada al Oscar), repitiendo el típico papel de mujer fría y solitaria, que no quiere establecer contacto con nadie, hasta que se encuentra con un tipo que la trata de forma especial (esto lo podéis entender como queráis, pero si se os ocurre algo superficial y relacionado con el sexo, habréis acertado, y es que esta película es todo menos sutil, aunque lo intente aparentar su incapaz realizadora). Por su parte, Sergi López va de español desubicado, y más concretamente de macho ibérico de pelo en pecho, torpe, bruto y toda la verdad por delante, también lleno de tópicos, y muy poco creíble, soltando sus frases como si fuera un robot. La química entre ambos es nula, y su romance es absurdo, llegando a una escenita verdaderamente patética con unos pasteles.

El desastre queda patente desde la secuencia inicial, con varios planos cenitales iguales (que no aportan nada) y una ridícula progresión dramática, pero uno es confiado y quiere creer que todo va a mejorar, que es un mal primer paso; sin embargo, luego viene todo lo demás, se sigue manteniendo el artificio hueco, los penosos diálogos, los actores inexpresivos y los insoportables monólogos en off, que terminan con la paciencia de cualquiera. Podemos salvar el esfuerzo estético, pero para qué, ¿una película es una serie de bonitas fotografías? Para quien esto escribe, no, rotundamente no, y para ver Tokio de esta forma, prefiero lo que muestran otros cineastas, quizá no tan preocupados por el sonido, pero sí por contar una historia.

Como habréis podido comprobar desde hace unas horas, Blogdecine ha renovado su imagen. Hoy estrenamos nuevo diseño, y esperamos que os encontréis a gusto con él.

Como podéis ver el diseño se ha renovado estructuralmente, ofreciendo una anchura mayor que hasta ahora y permitiéndonos tener más espacio disponible para el texto y las fotos, de forma que podamos ofreceros mejores imágenes y una mejor experiencia de lectura y dando más posibilidades a editores y lectores. Porque vosotros, la comunidad de Blogdecine, también ganáis más protagonismo con el nuevo diseño.

Como siempre, intentamos presentar las novedades totalmente operativas, pero si notáis alguna cosa que no funcione como debería o veis algo raro, no dudéis en decírnoslo.

Permaneced atentos a lo que vendrá en el futuro próximo, estamos trabajando en una novedad muy interesante que creemos os encantará. Permaneced atentos a vuestras pantallas.

En Blogdecine no solemos publicar dos entradas seguidas sobre tráileres, pero con esto había que hacer una excepción. Aquí tenéis el ansiado primer tráiler de ‘Avatar’, la nueva película del director James Cameron, de la que ya habíamos podido ver un primer cartel. Espero vuestras opiniones sobre el avance, a mí me parece impresionante, no me puedo creer que aún tengamos que esperar tanto para poder ver la película.

Además del tráiler, hay que destacar que también han aparecido hoy seis nuevas imágenes de ‘Avatar’, a las que hay que sumar la primera oficial que salió hace unos días, mostrando a Sam Worthington como Jake Sully. Cinco de estas nuevas fotografías corresponden propiamente a escenas de la película, en las que aparecen Michelle Rodriguez, Sigourney Weaver, Giovanni Ribisi, Stephen Lang (ambos actualmente en nuestras carteleras con ‘Enemigos públicos’) y Worthington, el protagonista principal; la otra imagen fue tomada durante el rodaje, y muestra a Cameron y a Weaver, un reencuentro que promete ser muy especial.

‘Avatar’ gira en torno a Jake Sully, un ex-Marine en silla de ruedas que es enviado, a través de un “avatar” que controla con su mente, a Pandora, un exótico planeta habitado por la raza de los Na´Vi; Jake se verá envuelto en una lucha desesperada por su propia supervivencia y por la del pueblo indígena. La fecha del estreno de ‘Avatar’ es el próximo 18 de diciembre. ¿Veremos esa anunciada revolución cinematográfica o será uno de los mayores fiascos de la Historia?

PD: Por cierto, mañana es el ‘Avatar Day’, en el que un puñado de salas mostrarán gratis 15 minutos de la película. Espero que nos comentéis vuestras impresiones.

Toda la información, vídeos, imágenes, trailer y estreno en: Avatar, la nueva película de Cameron

Vía | Empire y Apple (aquí podéis descargar el tráiler en alta definición)| ¡Gracias a todos los que nos habéis avisado!

Dos proyectos tenía en el horizonte el señor Darren Aronofsky, tras terminar con la exitosa ‘El luchador’ (sigo pensando que Mickey Rourke se merecía el Oscar). Por un lado, el remake, o el “reboot” o la reinvención, de ‘RoboCop’, tarea que, al parecer, le interesaba más de lo que pudiéramos pensar; y, por otro lado, estaba ese misterioso thriller titulado ‘Black Swan’, del que apenas sabíamos nada, salvo que iba sobre ballet y dos personajes enfrentados.

Bueno, pues todo apunta a que el director de ‘La fuente de la vida’ (qué gran película) se ha decidido por el segundo proyecto, abandonando, al menos por el momento, su intento de reiniciar la saga del policía robot; ya veremos si siguen contando con él o buscan a un joven y prometedor realizador de videoclips para que remate el trabajo en tiempo récord. En fin… lo que interesa ahora mismo es que Aronofsky va en serio con ‘Cisne negro’ y ya tiene a su primera protagonista, la elegante y popular Natalie Portman.

Escrita por John McLaughlin, y reescrita por Mark Heyman, la película es un thriller sobrenatural centrado en la rivalidad de dos bailarinas (Portman y otra actriz que aún no sabemos), aunque sólo una es humana, la otra es un espectro o una alucinación, o algo semitransparente que no debería existir, y menos aún dar la tabarra con competiciones sobre baile. El rodaje podría comenzar en un par de meses, si todo va bien.

PD: ¿No le habrá interesado a Rachel Weisz, la mujer de Aronofsky, el guión? Vaya, Weisz y Portman juntas, eso sí estaría realmente bien. Incluso en un thriller sobre una bailarina fantasma.

Vía | Empire