Todos estaremos de acuerdo en que la ceremonia de los Oscars del pasado domingo —ya lunes en España— fue muy aburrida. Steve Martin y Alec Baldwin nos hicieron echar de menos al pletórico Hugh Jackman del año pasado. Los discursos de los premiados fueron un coñazo, sobre todo los del guionista de ‘Precious’ —la única sorpresa de la noche y un premio bastante injusto— y el de Jeff Bridges, que aburrieron al personal. No hubo representaciones de las canciones nominadas, aunque el número musical de las bandas sonoras fue impresionante; Barbra Streisand con su sola aparición para dar el Oscar a la mejor dirección ya cantaba el premio antes de decirlo —¿qué otra cineasta podría haber entregado ese galardón a la Bigelow—, y Tom Hanks brilló por su economía de medios.

Pero hay un instante a recordar. Entre todos los chistes, la mayoría forzados y sin gracia, hay uno absolutamente delirante, la parodia realizada a uno de los sleepers del año, ‘Paranormal Activiy’, también una de las películas más baratas de la historia —subrayando con ello que éste era el año de las producciones independientes—, y una de las películas más atacadas por crítica y público. Aunque personalmente no me pareció tan mala como dicen por ahí, hay que reconocer que en la mayor parte de su metraje no pasa nada. Martin y Baldwin se ríen de ello con mucho humor. El vídeo de menos de un minuto, no tiene desperdicio, disfrutadlo.

Nos reciben en un hotel muy agradable, y nos saludan y se sientan como dos perfectos caballeros. Por su aspecto sereno, educado, cortés, no se los imagina uno pariendo las devergonzadas genialidades de ‘Aladdin’, o revolucionando un estudio en decadencia con la arrolladora frescura de la maravillosa ‘La sirenita’. Pero ahí están. Casi parecen dos hermanos ingleses, de modales suaves y atemperados, parece mentira que estos dos hermanos vivan en California, y sean de Chicago y Iowa, respectivamente.

Es estimulante percatarse de que a pesar de las preguntas un tanto obvias de todos los que allí nos encontrábamos, estos cineastas, y el animador Andreas Deja (que se ha encargado de dar vida a Mama Odie), sabían enriquecer esas cuestiones y llevarlas a un terreno mucho más interesante del que en un principio daban de sí. Habiendo respondido cuestiones parecidas durante varias semanas a miles de periodistas, no parecen cansados o no da la impresión de que suelten respuestas mecánicas:

Charla con John Musker y Ron Clements…

• ¿Tiana es, quizá, un personaje de la era Obama? ¿Es un personaje políticamente correcto?

(risas) Bueno, en realidad esta película comenzó a escribirse antes de que Obama fuera presidente. Aún era un senador, aunque no nos importa decir que le votamos, si bien por motivos diferentes a que nuestra protagonista fuera negra. Cada película es un nuevo reto, y te lleva a paisajes y tipos de gente muy diferentes. Además, era natural que Tiana fuera negra, pues es una ciudadana de Nueva Orleans. No hay en ello la menor intención política.

• 2D, 3D…

Estamos en una época de cambios, pero simplemente seguimos haciendo algo que se nos da bien. John Lasseter es un amante de la animación tradicional, y este proyecto significó mucho para él desde el principio. Creemos que el 2D es más expresivo, y más impresionista. Y más romántico, también.

• ¿Hay un homenaje a la ciudad de Nueva Orleans después del Katrina?

La historia estaba escrita antes del desastre, si bien viajamos allí a ver lo que había sucedido y somos conscientes de que esta película puede provocar que la gente quiera volver a llenar de vida la ciudad. Para Lasseter es la ciudad más maravillosa de la Tierra, y no dudó ni por un momento de que esta película tenía que hacerse.

• ¿Cómo trabajan en equipo?

(John) Bueno, Ron tiene una mente más estructural que la mía, yo sin embargo añado detalles y gags que me parecen graciosos. Esto en cuanto al trabajo de guión. En realización, nos repartimos escenas muchas veces, pero terminamos revisando y enriqueciendo el trabajo del otro. También solemos repartirnos las canciones y los números musicales.

• El jazz y el vudú, entre otros elementos, no parecen los más apropiados para un cuento de hadas…

Claro, pero si lo pensamos bien, todos los cuentos tienen elementos siniestros, que sin embargo hay que equilibrar bien para que los chavales, y los más pequeños, no salgan de la sala traumatizados. Además, todo esto es típico de Nueva Orleans. Nosotros pensamos que es bueno que un niño vea oscuridad en un cuento, para que vea que, además, puede vencerla. Nos hemos esforzado mucho en equilibrar luz y oscuridad en esta película.

• ¿Alguna inspiración para el personaje del Dr. Facilier?

Por supuesto que cuando desarrolla un personaje se basa en los tipos o caracteres más representativos. Pero podemos asegurar que cuando viajamos a Nueva Orleans conocimos a bastantes Dr. Faciliers, si bien ninguno de ellos tan siniestro. También conocimos a varias Mamas Odies. En definitiva, personas que conocían el vudú y que lo empleaban o bien para la oscuridad o bien para la luz, como nuestros personajes. Hemos de decir, por cierto, que el encargado de animar a este personaje fue al que se le ocurrió la idea de que la sombra del Dr. Facilier tuviera vida propia…

• ¿Cuál de vuestras películas es vuestra favorita?

Uff, difícil de decir. Las películas de un realizador son como sus hijos, lo que significa que no puedes escoger. Nos quedamos con los recuerdos imborrables de cada una de ellas, como trabajar con Howard Ashman y Alan Menken para la música de ‘La Sirenita’, colaborar con Robin Williams en ‘Aladdin’, esta vez con Randy Newman, que es un icono musical.

• ¿Habrá segunda parte?

¿De esta película? No nos lo hemos planteado. Lo cierto es que nos gusta ir variando.

Charla con Andreas Deja…

• ¿Siendo alemán de nacimiento, considera que posee un bagaje cultural o unas raíces que pueden aportar algo diferente al seno de creativos y dibujantes de Disney?

Esa es una buena pregunta. Y la respuesta es sí. Todos nosotros podemos, y debemos, aportar algo distinto, como artistas. Y en mi caso, habiendo nacido en el corazón de Europa, en un país con tantos museos y tanta historia, he intentado usar siempre todo lo que he aprendido.

• Ha trabajado varias veces con estos directores. Cuéntenos algo de de su colaboración con ellos.

Son unos directores…interesantes. He trabajado con otros más emocionales, que enseguida muestran su satisfacción o su desánimo, pero con John y Ron hay que conocerles bien, o puedes desmoralizarte (risas). Me explico, si les muestras algo que les gusta, apenas van a cambiar su expresión, pero tienes que saber que ese pequeño gesto de la cara denota que les gusta por donde vas. Supongo que los que no les conocen tan bien como yo lo pasan mal.

• Usted ha sido el encargado de animar, entre otros, a los famosos Scar o Jafar. ¿Mama Odie es un reto completamente diferente?

Me enamoré del personaje desde el primer momento, y aunque el Dr. Facilier era un personaje muy fascinante, en cierto modo Mama Odie también lo es. Fue un reto divertidísimo. Y desde un principio me di cuenta que era el personaje que más deseaba hacer. Cuando a las dos semanas me llamaron y me dijeron que yo sería el encargado de darle vida, pegué un salto de alegría.

• ¿Cuándo decidió ser animador?

Como a los 11 años. Ví ‘El libro de la jungla’ y me quedé tan anonadado que de inmediato escribí a Disney, intrigado por qué cosas debería aprender para llegar a hacer eso. Tuve suerte y finalmente una gente muy amable de la compañía me aconsejó que primero estudiara bellas artes, y que aprendiera a dibujar el cuerpo humano, y a los animales. Y poco a poco lo fui consiguiendo y entré en Disney y cumplí mi sueño.

• Estos años ha sido difícil para los antiguos animadores

No vamos a engañarnos, estos años ha habido poco trabajo. Algunos han hecho lo que han podido, otros han abandonado la compañía. Fue difícil, sin duda. Muchos empezaron a trabajar por su cuenta. Yo pensé en hacer cortos, pero en el último momento me llamaron y he pospuesto la decisión (risas).

• Defiende el 2D a muerte

Es mucho más gratificante que el 3D, a pesar de que con esa herramienta algunos detalles se hacen con mayor rapidez. Te daré ejemplos: lo que para mí es un trabajo de chinos, como dibujar el estampado de un vestido, con 3D se hace bastante fácil. Sin embargo las texturas de la piel que se cae de Mama Odie hubiera sido imposible en 3D, y me siento orgulloso de ellas.

• ¿Es más creativo?

Es más personal. Si otro animador hubiera cogido a Mama Odie ten por seguro que hubiera sido un personaje muy diferente. Los animadores 2D tenemos el privilegio de que nuestra impronta se ve de manera indudable en pantalla. El CGI, en ese sentido, se parece más a la stop-motion: usan maquetas premodeladas, y tiene mucho mérito, pero es otro mundo.

Ya se calientan motores para la 60ª edición de uno de los festivales más importantes del mundo, el Festival de Berlín, o Berlinale, como también se le conoce, que se celebrará entre los días 11 y 21 de Febrero, y en el que se entrega el codiciado Oso de Oro. Este festival tiene una importancia capital, no sólo porque con él comienzan de manera más o menos oficial los festivales del año, y por ello empezamos a vislumbrar el cine del 2010, si no también porque es, a todos los efectos, la primera cita importante de la década, y si los programadores han hecho bien su trabajo, debería empezar a marcar tendencias de lo que va a dar de sí la cinematografía mundial en este nuevo decenio.

Conocemos por fin todas las películas de la Sección Oficial, tanto a concurso (veintiún títulos), como fuera de concurso (cinco), así como del resto de las secciones paralelas, que son nada menos que siete: Panorama (cine más minoritario, con 54 títulos seleccionados), Forum (el cine más experimental y original), Perspektive Deutsches Kino (el último cine alemán relevante), Generation (cine dirigido en teoría a gente más joven), Retrospectiva & Homenaje, Cortometrajes y Cine Culinario. Casi nada. El director del festival, Dieter Kosslick, va a por todas este año con una edición muy ambiciosa, y con una oferta que va a hacer imposible que nadie, y mucho menos los profesionales acreditados, puedan verlas todas.

Se ha apostado, salvo excepciones que también las hay (el caso de Polanski, Scorsese, Yimou, Wang Quan’an) por una selección de películas en la que hay pocos nombres consagrados o que previamente hayan triunfado en el festival, que es lo contrario de lo que viene haciendo, en los últimos años, el Festival de Cannes. La mayor parte de ellas son europeas, si bien, como no podía ser de otra manera hay representación norteamericana, sudamericana, y asiática. Concretamente, el festival lo abrirá la china ‘Tuan Yuan (Apart Together)’, del cineasta Wang Quan’an, que ya ganó el Oso de Oro hace tres años con ‘Tuya de hun shi (La boda de Tuya)’, y lo cerrará la japonesa ‘Otouto (About Her Brother)’, de Yoji Yamada, que estará fuera de concurso.

En otro orden de cosas, la mítica ‘Metrópolis’ (Fritz Lang, 1927), de la que en 2008 se encontró material perdido que completa esa obra maestra, será proyectada de nuevo, de forma gratuita, el día viernes 12 de Febrero, simultáneamente en el Friedrichstadtpalast, una de las sedes de la Berlinale, y en una pantalla gigante ante la Puerta de Brandemburgo. En ese monumento famoso, además, con motivo del 60 aniversario del certamen, la artista coreana-estadounidense Christina Kim presentará un simbólico telón de 300 metros cuadrados realizado con carteles y afiches de películas y del festival berlinés. En el cartel de este año, que podéis ver abajo del todo, creado por los de la “Büro Otto Sauhaus”, se incluyen las más de quince mil películas que han estado presentes desde 1951.

El jurado estará presidido por el prestigioso e inclasificable director alemán Werner Herzog (que hace poco acaba de estrenar su versión de ‘Teniente Corrupto’), y estará también formado por la directora italiana Francesca Comencini, el novelista somalí Nuruddin Farah, la actriz alemana Cornelia Froboess, el productor español Jose María Morales, la actriz china Yu Nan, y la actriz estadounidense Renée Zellweger.

Blogdecine en Berlín

Este año, por primera vez, Blogdecine estará presente en el festival como prensa acreditada, de modo que quien esto escribe viajará a la capital alemana para ofreceros una crónica diaria de todo lo que allí acontezca. Por supuesto, centraremos los esfuerzos en la Sección Oficial, por lo que el resto de secciones, por una cuestión de tiempo, no podrán ser atendidas, al menos de la misma forma. Después de la experiencia en el pasado Festival de San Sebastián, o en Sitges, esperamos, desde Blogdecine, seguir siendo sitio web de referencia en los más importantes festivales de cine del mundo.

Sección Oficial (a concurso) Berlinale 2010:

‘Tuan Yuan (Apart Together)’ – China – Filme de apertura
De Wang Quan’an (‘La boda de Tuya’, Oso de Oro 2007)
Con Lisa Lu, Ling Feng, Xu Caigen, Monica Mo, Ma Xiaoqing
Estreno mundial

‘The Ghost Writer’ – Francia/Alemania/Reino Unido
De Roman Polanski (‘Cul-de-sac’, Oso de Oro 1966)
Con Ewan McGregor, Pierce Brosnan, Kim Cattrall, Olivia Williams
Estreno mundial

‘Shekarchi (The Hunter)’ – Alemania/Iran
De Rafi Pitts
Con Rafi Pitts, Mitra Hajjar, Ali Nicksaulat, Hassan Ghalenoi
Estreno mundial

‘Na Putu (On the Path)’ – Bosnia Herzegovina/Austria/Alemania/Croacia
De Jasmila Zbanic (‘Grbavica’, Oso de Oro 2006)
Con Zrinka Cvitesic, Leon Lucev, Ermin Bravo, Mirjana Karanovic
Estreno mundial

‘Der Räuber (The Robber)’ – Austria/Alemania
De Benjamin Heisenberg
Con Andreas Lust, Franziska Weisz
Estreno mundial

‘Bal (Honey)’ – Turkey / Germany
De Semih Kaplanoglu
Con Bora Altas, Erdal Besikcioglu, Tülin Özen, Alev Ucarer, Ayse Altay
Estreno mundial

‘The Killer Inside Me’ – USA/Reino Unido
De Michael Winterbottom
Con Casey Affleck, Jessica Alba, Kate Hudson
Estreno internacional

‘Submarino’ – Dinamarca
De Thomas Vinterberg
Con Jakob Cedergren, Peter Plaugborg, Patricia Schumann, Gustav Fischer Kjærulff, Morten Rose
Estreno mundial

‘Shahada’ - Alemania
De Burhan Qurbani – Filme debut
Con Maryam Zaree, Carlo Ljubek, Jeremias Acheampong, Sergej Moya
Estreno mundial

‘San qiang pai an jing qi (A Woman, A Gun And A Noodle Shop)’ China
De Zhang Yimou
Con Sun Honglei, Xiao Shenyang, Yan Ni
Estreno internacional

‘Rompecabezas (Puzzle)’ – Argentina/France
De Natalia Smirnoff – Filme debut
Con Maria Onetto, Gabriel Goity, Arturo Goetz, Henny Trailes
Estreno mundial

‘Mammuth’ – France
De Benoît Delépine, Gustave de Kervern
Con Gérard Depardieu, Yolande Moreau, Isabelle Adjani, Miss Ming
Estreno mundial

‘Kak ya provel etim letom (How I Ended This Summer)’ – Rusia
De Alexei Popogrebsky
Con Grigory Dobrygin, Sergei Puskepalis
Estreno mundial

‘Jud Süß – Film ohne Gewissen’ – Alemania/Austria
De Oskar Roehler
Con Tobias Moretti, Martina Gedeck, Moritz Bleibtreu, Justus von Dohnanyi, Armin Rohde
Estreno mundial

‘Howl’ – USA
De Rob Epstein, Jeffrey Friedman
Con James Franco, Jon Hamm, David Strathairn, Mary-Louise Parker
Estreno internacional

‘Greenberg’ – USA
De Noah Baumbach
Con Ben Stiller, Greta Gerwig, Rhys Ifans, Jennifer Jason Leigh
Estreno mundial

‘Eu când vreau sa fluier, fluier (If I Want To Whistle, I Whistle)’ – Rumanía/Suecia
De Florin Serban – Filme debut
Con George Pistereanu, Ada Condeescu, Clara Voda, Mihai Constantin
Estreno mundial

‘En ganske snill mann (A Somewhat Gentle Man)’ – Noruega
De Hans Petter Moland
Con Stellan Skarsgård, Jannike Kruse Jåtog, Jan Gunnar Røise
Estreno mundial

‘En Familie (A Family)’ – Dinamarca
De Pernille Fischer Christensen
Con Jesper Christensen, Lene Maria Christensen, Pilou Asbæk , Anne
Louise Hassing
Estreno mundial

‘Caterpillar’ – Japan
De Koji Wakamatsu
Con Shinobu Terajima, Shima Ohnishi
Estreno mundial

Sección Oficial (fuera de concurso):

‘My Name Is Khan’ – India
De Karan Johar
Con Shah Rukh Khan, Kajol
Estreno mundial

‘Shutter Island’ – EEUU
De Martin Scorsese
Con Leonardo DiCaprio, Mark Ruffalo, Sir Ben Kingsley, Michelle Williams, Patricia Clarkson, Max von Sydow
Estreno mundial

‘Otouto (About Her Brother)’ – Japón – Filme de Clausura
De Yoji Yamada
Con Sayuri Yoshinaga, Tsurube Shofukutei, Yu Aoi, Ryo Kase
Estreno internacional

‘Please Give’ - EEUU
de Nicole Holofcener
Con Catherine Keener, Amanda Peet, Oliver Platt, Rebecca Hall, Sarah Steele, Ann Guilbert
Estreno internacional

‘The Kids Are Alright’ – EEUU/Francia
de Lisa Cholodenko
Con Julianne Moore, Annette Benning, Mark Ruffalo
Estreno internacional

‘Exit Through the Gift Shop’ – Gran Bretaña
de Banksy
Estreno internacional

Más información | Página oficial del festival

Después de que su ‘W.’ pasase inadvertido en casi todo el mundo —en nuestro país se estrenó directamente en televisión—, Oliver Stone ha decidido volver por primera vez en su carrera con una secuela. ‘Wall Street: Money Never Sleeps’ es la continuación del famoso film de 1987 que le proporcionó a Michael Douglas su único Oscar como actor —imperdonable que su padre no tenga ninguno—, uno de esos personajes caramelo a los que es imposible resistirse. Ahora Douglas recupera su rol de Gordon Gekko, que tras 14 años en la cárcel se encuentra con Jacob Moore, el novio de su hija, a quien ayudará a salvar su empresa, lo que le pondrá de nuevo en la primera línea de guerra con los tiburones de Wall Street.

El chaval de moda en Hollywood —descubrimiento de Steven Spielberg— Shia LaBeouf, interpreta a Jacob, y el resto del reparto incluye a Frank Langella, Susan Sarandon, Josh Brolin —cada día que pasa se parece más a Nick Nolte—, Carey Mulligan, y Charlie Sheen en un cameo. En estos tiempos de crisis, Stone vuelve a meter el dedo en la llaga realizando una película sobre la economía. Ya veremos si Stone logra llamar tanto la atención como en los tiempos de ‘Platoon’ (1986) o ‘J.F.K.’ (1991), o si por el contrario pocos le harán caso, como en sus últimas incursiones cinematográficas.

El estreno de ‘Wall Street: Money Never Sleeps’ en los USA será el próximo 23 de abril.

Vía | Trailer Addict

En ocasiones, las películas o novelas de guerra que mejor tratan el tema son aquellas que no muestran escenas bélicas, sino que se quedan con lo que ocurre antes o después de las batallas o a varios metros de ellas. Ésta es la manera de mostrar el absurdo de las contiendas y con ello lograr un mensaje antibelicista. Como decía Kurt Vonnegut en su obra maestra —el libro, no la película— ‘Matadero 5’, lo importante es restarles toda la épica. Si incluyes épica, la guerra puede percibirse como algo atrayente y positivo, la engrandeces, la conviertes en heroica. Demostrar los sinsentidos de muchas acciones las despoja por completo de este sentimiento.

En el film ‘En tierra hostil (The Hurt Locker)’, de Kathryn Bigelow, nos encontramos en uno de esos momentos: los soldados norteamericanos protegen al pueblo iraquí de los ataques de sus propios insurgentes, sin participar activamente en ninguna ofensiva. No estamos en plena guerra, sino en meses posteriores en los que las vidas de los estadounidenses se arriesgan para que una situación poco sostenible no explote por completo. No se percibe solución inmediata o siquiera posible al problema y, a pesar de ello, se mantiene allí a las tropas. Sin que haya discursos políticos ni se hable siquiera del asunto, la película deja muy claro que la situación es absurda.

“The Hurt Locker” es una expresión de la jerga militar que aparecía ya en los artículos de Mark Boal, autor del guión. “To put someone in the hurt locker” significa causarle dolor. Literalmente podría traducirse como “la taquilla del dolor” y eso es más o menos lo que quiere decir: habla de todo el daño concentrado y encerrado. Las bombas pueden ser esos artilugios que concentran dolor y destrucción.

La dirección de Bigelow

Cuestionaba en otro post la validez de diferenciar la labor pura de dirección de una película de la autoría completa de ésta. Nos encontramos aquí ante un caso clarísimo donde el verdadero mérito del film recae en Bigelow: los valores de la cinta radican casi exclusivamente en la forma en la que está dirigida —siempre que la directora haya supervisado el montaje, que, al parecer, es el que tiene más “brutos” de la historia del cine—.

La tensión es la sensación que predomina en ‘En tierra hostil (The Hurt Locker)’. Bigelow sabe crearla de maravilla. Divide el film en escenas muy extensas que tienen su proceso de crecimiento con una estructura igual a la que arma las películas. Va entrando en ellas de manera casual, incluso con algún chiste, haciendo planos generales que nos sitúan. Introduce entonces un conflicto, una dificultad. Comenzamos a sentir tensión. Se va desarrollando, a base de un crescendo, el peligro al que se someten los personajes y finalmente, la solución, positiva o negativa, rompe ese sentimiento de tensión. Tras ello, existe el instante en el que nos damos cuenta de lo que estaba ocurriendo, cuando ha llegado la calma.

La herramienta del suspense la maneja Bigelow como una maestra. Dilata las situaciones todo lo que es posible para aumentar nuestro nerviosismo. Emplea planos inserto que cortan el fluir en tiempo real y alargan la duración del proceso. Utiliza los encuadres subjetivos para que comprendamos el miedo que tienen los soldados ante cualquier presencia cercana y se nos contagie. La amenaza está presente y cada vez es más inminente, cual espada de Damocles. Juega con nosotros, nos manipula expandiendo esos momentos, pero lo disfrutamos, como el protagonista disfruta la adrenalina.

Es impresionante también cómo están rodados los disparos y las explosiones. En la primera escena, esa cámara lenta —o rápida, según si hablamos de cómo se filma o cómo se percibe— que hace saltar las partículas de óxido y las piedrecitas es espectacular. Podría ir secuencia por secuencia, mencionando aquellas que me han parecido portentosas, pero mejor que las veáis sin saber nada sobre ellas.

Entre las grandes escenas de tensión, encontramos instantes relajados en los que los protagonistas necesitan liberar su testosterona. Aunque son los menos potentes de una película que, quizá por ellos, es larga; no carecen de interés y se aderezan con la curiosidad de que sea una mujer quien refleje esos desahogos tan característicos masculinos, como son los insultos y las peleas sin objeto.

Lo que está por debajo

La trama de ‘En tierra hostil (The Hurt Locker)’ parece mínima o inexistente, pero no es cierto que el film permanezca detenido sin avanzar argumentalmente. El contenido de esta película es la evolución de los personajes y de la relación entre ellos y eso sí muestra una progresión. El sargento Sanborn ha perdido a un amigo y recibe a un nuevo jefe de artificieros con tremenda buena fe, pero le choca encontrar que es un hombre más temerario que valiente y que desobedece las indicaciones que él le da para protegerle. El sargento James es un adicto a la adrenalina que se comporta como si no tuviese nada que perder. Su actitud, sorprendente y pasota, da un aliciente a la película en el momento en el que aparentaba que no iba a ser sino escenas de acción.

Jeremy Renner —protagonista de una serie que ya recomendé y que creo que se canceló injustamente: ‘The Unusuals‘— interpreta a William James, ese cowboy que no le tiene miedo a nada, pero en cuyo ánimo poco a poco van a ir calando los horrores que va a vivir. El espectador pasa por el mismo proceso de evolución que este personaje: disfruta de la tensión y la adrenalina de las escenas del inicio como si fuesen una pura atracción entretenida, pero más adelante no puede seguir viéndolo todo de forma fría. Existe un punto a partir del cual cambia la actitud y ya es difícil que vuelva atrás. Son escenas muy asiladas, pero la suma de ellas no es igual al conjunto que forman. El orden en el que están situadas obedece a un sentido.

Decir cualquier cosa sobre los actores famosos que trabajan aquí, como Ralph Fiennes y Guy Pearce, supondría spoilers.

La postura de los autores con respecto a la guerra —no a la guerra de Irak, sino a las guerras— no se da de forma explícita, pero eso no significa que no exista. En cierto sentido el protagonista se parece al Billy Pilgrim, de ‘Matadero cinco’, porque ambos viven despegados de las realidades en las que están sumidos: aquel por sus viajes en el tiempo que le hacían aterrizar, desconcertado, en un terreno donde no sabía cómo comportarse y éste porque su adicción al riesgo le convierte casi en un ser sin sentimientos… casi porque cuando algo es realmente atroz, se desmorona. Si lo de Vonnegut era un alegato antibelicista tan poderoso, se puede considerar la obra de Boal-Bigelow como algo semejante. SPOILER: El protagonista, al final, vuelve a la tierra hostil porque es adicto a vivir en peligro, pero no por ser lo que cierra significa que se presente como la decisión positiva. Como cualquier adicción, es algo nocivo, que se hace sin reflexionar y que probablemente acabará matándolo FIN DEL SPOILER.

La experiencia de ‘En tierra hostil (The Hurt Locker)’ es el equivalente a entrar en la montaña rusa del parque de atracciones y, sin haberte dado cuenta del cambio, terminar el viaje en el túnel del terror. Es un film lleno de méritos por la forma en la que está rodado, pero nada desdeñable por su contenido.

Mi puntuación:

Otras críticas de ‘En tierra hostil (The Hurt Locker)’ en Blogdecine:

• ‘En tierra hostil’, la adicción al peligro, por Jesús León.

• Sitges 09 | ‘The Hurt Locker’ da lo que promete, por Juan Luis Caviaro.
• Kathryn Bigelow y la guerra, por Adrián Massanet.

Aunque había visto en su momento tres de las cuatro nominadas a Mejor Película en los Goya 2010, no había escrito sobre ellas porque ya mis compañeros de blog habían dado una cobertura completísima sobre ellas. Ahora quizá es momento de retomar la opinión que me merecieron con motivo de los premios más importantes del cine español. Empezaré por ‘Ágora’, que cuenta 13 candidaturas, porque probablemente es la que más posibilidades tiene de ganar a pesar de que es, en mi opinión, la más floja de todas.

Parece que se hubiese convertido en necesario aclarar que no tiene por qué existir una manía previa hacia un director cuando criticas negativamente una de sus películas. No sólo no tengo nada en contra de Alejandro Amenábar, sino que sus primeros films me gustan mucho —aunque sé ver por qué lugares flaquean—. Sólo ‘Mar adentro’ se me antoja cuestionable por lo manipuladora y excesivamente empalagosa que es. Así que no es con animadversión con lo que me acerco a su última película.

Está claro que ‘Ágora’ tiene un buen nivel de producción, es decir, que está bien ambientada y los efectos especiales son correctos. Pero eso no nos sorprendería si no se tratase de una producción española, así que no seamos tan acomplejados de señalar esos aspectos para alabar la película porque en otros países no lo harían. Amenábar no la ha realizado mal, si nos atenemos a eso, pero dirigir va mucho más allá que colocar la cámara y elegir los movimientos.

Si la otra ventaja que se le ha atribuido a ‘Ágora’ es que critica el cristianismo, pues he de responder a eso que no es una afirmación que se pueda hacer tan alegremente. Dibuja a unos personajes ambiciosos y malvados en el bando de los antagonistas —como tantas veces ocurre, mejor retratados que los protagonistas— o a personas con dudas y que se dejan guiar por su necedad. Pero todos ellos podrían ser de cualquier creencia y no es precisamente la religión lo que les mueve a actuar así. Son sus formas de ser, no su forma de pensar ni sus ideas, lo que les impulsan a cometer atrocidades.

A ‘Ágora’ le falta la garra que necesitaría para atraparnos e interesarnos. Se hace larga porque es larga. Pero también se advierte su pesadez escena tras escena, aquejadas todas de un montaje rancio que puede valer para el drama que se escoge casi siempre cuando se hace cine español, pero que no encaja con un film de género. El guión va mostrando los distintos momentos históricos como episodios autoconclusivos sin apenas continuidad. No hace falta estudiar mucha teoría narrativa para saber que esta fórmula impide que el espectador quede pendiente de saber qué ocurrirá a continuación. Los interludios con planos tomados teóricamente desde el espacio, no sólo son feos, sino que terminan de sacarte del fluir argumental si no estabas ya fuera. Aunque los conflictos existen y son graves, no se han sabido transmitir, lo cual es un motivo más de que el resultado tenga muy poca intensidad dramática.

Si a este tipo de films de época siempre se les ha criticado que sean de cartón piedra por alusión a sus decorados baratos, en este caso podríamos hablar del mismo material aunque éste no se hubiese utilizado en un solo forillo, ya que Amenábar ha logrado una cinta vacía y falsa, como el cartón piedra.

Pero lo que más contribuye a esa falta de fuerza narrativa es la ausencia de personajes. Ninguno de los protagonistas goza de un retrato completo y satisfactorio. Pero, paradójicamente, es la propia Hipatia quien peor definida está. No es un personaje, no es una mujer, es una figura, un emblema, un símbolo, un hito histórico… Pero no sabemos qué siente, qué anhela, qué le duele o le hace reír… Rachel Weisz no hace un buen trabajo porque tiene muy poco de lo que partir, a pesar de que es una gran actriz y una mujer muy bella. Y es que esto último también puede suponer un problema, pues la Hipatia de la película es tan perfecta en todos los sentidos, incluido el físico, que no la podemos ver como alguien real. No hay nada peor para un personaje que ser perfecto en todos los sentidos.

En definitiva, ‘Ágora’ es una película que te deja con el cuerpo frío, que puede —a algunos— entretener en el mejor de los casos, y deslumbrar gracias ese orgullo patrio del que parece que carecemos porque muchas películas españolas no consiguen espectadores, pero que en realidad nos embarga y eso se demuestra en ejemplos como éste. Pero es un film que no transmite nada, que se conforma con lograr lo externo y que no va más allá.

La corta visión de los Académicos de Cine de España —permítaseme la generalización, pues ya sé que no ocurre con todos— se demuestra en la poca cantidad de películas que obtienen nominaciones a los Goya, a pesar de que el pasado año se han producido en nuestro país la friolera de 140 títulos, y en que esas pocas candidatas se reparten cantidades inmerecidas de opciones a premios. Parece innegable que la comodidad o la pereza les impide ver todas las películas existentes y, si bien decimos que un espectador medio no pasará de las tres películas españolas al año —por lo tanto, la oferta excede a la demanda de forma desmesurada—, con los que tienen la responsabilidad de votar tampoco podríamos ir mucho más allá. Si gana el Goya a la Mejor Película, se demostrará también en que se hayan dejado deslumbrar por el aparato de producción de ‘Ágora’ y arrastrar por el historial de Amenábar. Un poco de ganas de apoyar la noción de que en esta industria también se pueden hacer superproducciones puede haber también y, de todo ello, es lo único que no reprocharía.

Mi puntuación:

Otra crítica de ‘Ágora’ en Blogdecine | ‘Ágora’, una rotunda equivocación de Amenábar, por Adrián Massanet.

Mis críticas sobre otras películas nominadas a los Goya 2010 | ‘Gordos’, ‘Yo, también’, ‘Los abrazos rotos’, ‘Pagafantas’, ‘Tres días con la familia’, ‘After’, ‘Planet 51’, ‘Slumdog Millionaire’ y ‘REC 2’.

De las películas más recientes no aparece esta semana en DVD o Blu-ray ninguna de gran popularidad. Encontraremos unos cuantos títulos interesantes, pero de cine clásico o de estrenos de otras décadas, muchos de ellos en forma de pack, una de las mejores maneras de timar a los compradores de cine para el disfrute casero. Raro es que te interesen todas y que, además, no tengas ninguna, por lo que es muy habitual acabar pagando por una película que no quieres ver o por una que ya poseías, si no quieres renunciar a otro título. Los envoltorios atractivos, regalos y extras de los discos también atraen hacia este tipo de productos. No son listos ni na.

Venta

‘Un Conejo sin Orejas’ (‘Keinohrhasen’, 2007)

Uno de los pocos films de reciente estreno que aparece en venta en DVD. Esta comedia romántica, protagonizada por el atractivo Til Schweiger (‘Malditos bastardos’), nos habla de un periodista que debe hacer horas de servicios sociales en una guardería. Tiene bastante humor y consigue lo imprescindible en este género: la química entre los protagonistas. Aunque al final tarda demasiado en solucionarse, en general es un título muy recomendable, como ya dije en mi crítica.

‘El día del delfín’ (‘The Day of the Dolphin’)

Film de Mike Nichols, de 1973, protagonizado por George C. Scott. Ha sido calificado como uno de los veinte mejores trabajos de ciencia ficción y se ha convertido en film de culto, por lo que es uno de los títulos inéditos más esperados. Está basado en el relato de Robert Merle y narra un experimento para encontrar la manera de comunicarse con otras especies.

‘Simón del desierto’ (1965)

Luis Buñuel parodia la alienación religiosa y la aspiración a la santidad en esta cinta irreverente en la que Claudio Brook interpreta a Simón, un hombre que aspira al ascetismo y permanece sobre una columna para purgar sus pecados. Pese a lo radical de su planteamiento y a que debería hacerse difícil soportar un film que no se mueve de ese lugar del desierto, tiene un ácido sentido del humor y otras aportaciones que la convierten en grandiosa.

‘Viernes 13’ (‘Friday the 13th’)

Sale a la venta la colección completa de esta larguísima saga de películas de las que podría ser absurdo hablar de su calidad. Por supuesto, no la había en las primeras y la hay menos aún en las últimas. Pero quién podría negar que se trata de una serie mítica que ha marcado a generaciones enteras. Con sus planteamientos inverosímiles, pero imprescindibles —esa cantidad de jóvenes reunidos en un lugar desamparado— se ha convertido en un clásico en el imaginario colectivo.

‘El placer’

Dirigida por Max Ophuls, ‘El placer’ (‘Le plaisir’, 1952), cuenta tres historias cortas de Guy de Maupassant, que versan sobre este sentimiento: ‘La máscara’, que explora el placer y la juventud al retratar a un hombre que se oculta tras una máscara para acudir a bailes; ‘La casa Tellier’, donde se tocan los temas del placer y la pureza en una historia sobre las “empleadas” de la señora Tellier, y ‘La modelo’, en el que el concepto central es el placer y la muerte, pues nos habla de un pintor enamorado de su modelo, que acaba perdiendo la vida.

‘Barba Azul’ (‘Bluebeard, 1944)

John Carradine protagoniza esta cinta de terror sobre un pintor que asesina a sus modelos. Juraría que la vi de pequeña, pero no la recuerdo con exactitud. Curiosa la relación argumental con una de las historias cortas que adapta Ophuls y que aparece en DVD el mismo día.

Se trata de un film de Edgar G. Ulmer, director de ‘El desvío’ (‘Detour’, 1945), que salió a la venta la semana pasada y de la que se dice que es la mejor película de serie B de la historia. Con un tono de cine negro y todos los ingredientes de este género, esta road-movie, está narrada a través de un largo flashback en el que se nos comunican los avatares de un amargado viajero (Tom Neal) y una femme fatale (Claudia Drake).

Clint Eastwood Essential

Una compra interesante pueden ser las cajas tituladas Clint Eastwood Essential. El volumen 1 contiene: ‘El Bueno, el Feo y el Malo’,  ‘Million Dollar Baby’, ‘Firefox’, ‘Space Cowboys’, ‘Mystic River’, ‘Los Puentes de Madison’, ‘El jinete Pálido’, ‘Un Mundo Perfecto’, ‘Harry el Sucio’ y ‘Harry el Fuerte’.

El volumen 2 incluye: ‘Cartas desde Iwo Jima’, ‘Banderas de Nuestros Padres’, ‘Sin Perdón’, ‘Sargento de Hierro’, ‘Poder Absoluto’, ‘El Fuera de la Ley’, ‘Ejecución Inminente’, ‘Los Violentos de Kelly’, ‘En la Cuerda Floja’ y ‘Bird’.

En Blogdecine no es difícil que encontréis críticas o información de cualquiera de ellas. Entre otras cosas, podéis consultar el Especial Clint Eastwood, donde se hace un estudio de todas estas películas. Por lo tanto, poco quedaría que decir. Por supuesto, los films valen la pena, pero lo que quizá tiene poco sentido es el formato caja, pues los más aficionados seguro que ya tienen muchas de ellas, si no todas.

Pack de Sergio Leone.

No son los films más característicos del director de spaghetti Westerns lo que se publica aquí, sino los primeros trabajos de Leone, quien trabajaba como ayudante de dirección en Cinecittá y recogió la batuta que dejó Mario Bonnard para finalizar la realización de ‘Los últimos días de Pompeya’. Tras ello, se encargó de ‘El coloso de Rhodas’ y ‘Rómulo y Remo’.

Otros:

Igualmente se podrán comprar esta semana en DVD los films ‘7 minutos’, ‘Anamorph’, ‘Dame veneno’, ‘El año pasado en Marienbad’ (de la que ya hablé en otra entrada), ‘Máncora’, ‘Policía Python 357’, ‘Presencias extrañas’ o ‘Superfrikis’ (‘Bickford Shmeckler’).

En Blu-ray aparecen a la venta: ‘300’, ‘Heat’, ‘La milla verde’, ‘El negociador’ y ‘Un Mundo de Fantasía (Willy Wonka)’, que es la versión anterior a la de Tim Burton de ‘Charlie y la fábrica de chocolate’, de Roald Dahl.

Alquiler

‘Bruno’

Una nueva locura de Sacha Baron Cohen, que me parece muy gracioso como humorista y un genial imitador, sin embargo, no creo que lo que hace sean películas, son sketches de programa y como tal habría que verlos, de hecho, así ocurre con ‘Da Ali G Show’. Juan Luis Caviaro, en su crítica, le pone estrella y media, más o menos lo mismo que le puse en mi reseña

‘Desgracia’

Desde que salió la película en cines hasta ahora me he leído el libro y, sinceramente, no me ha gustado demasiado: me parece que Coetzee fuerza mucho la decisión del final que toma el personaje de la hija. Juan Luis nos dijo que estaba bien, aunque le encontró defectos y confiaba en que el libro fuese superior, por eso comencé por leérmelo. Pero la decepción en éste me ha quitado las ganas de acercarme al film.

‘La proposición’

Sandra Bullock y Ryan Reynolds tratan de darle algo de frescura y originalidad al género de la comedia romántica. Es un film que no está mal y con el que es posible reírse, pero no emociona como deberían hacerlo los del género. Podéis leer más extensamente mi opinión en mi crítica. A pesar de que los actores son menos conocidos, recomiendo mucho más la comedia romántica que abre este artículo.

Otros:

Asimismo, salen en alquiler ‘G. I. Joe’ y ‘Zhao’.

Como Blogdecine no es una página publicitaria de estos lanzamientos en concreto, las únicas opiniones que se ofrecen aquí son las puramente cinematográficas y si se habla de calidad o de ausencia de ella, será de las películas, no de las ediciones. Todo lo que concierna al tipo de edición, a los contenidos extra y a las características, no fílmicas, sino materiales de los DVD o Blu-ray, se podrá consultar en el punto de venta o la siguiente fuente:

Vía | Zona DVD.

El ejemplo más patente de ello es ‘Men of the bridge’ (exhibida en la jornada de ayer), una coproducción entre Alemania, Holanda y Turquía dirigida por la turca Asli Özge. Un intento de reflejar la cara menos amable de un espacio como es el puente del Bósforo en Estambul, que separa la parte asiática de la europea. Por allí, entre los terribles atascos de tráfico, pululan personajes que son un fiel reflejo de la sociedad turca actual.

Sin embargo, la propuesta de la realizadora, a pesar de la evidente falta de medios, no consigue separarse de su eminente carácter documental para plantear una ficción medianamente entretenida y estimulante. Es la sucesión, sin sentido del ritmo alguno, de tres historias de tres hombres bien distintos que tienen en el puente, y en Estambul su discurrir diario, con sus particulares problemas. Un joven sin trabajo, que no ha pisado la escuela y que sobrevive vendiendo flores en la calzada repleta de coches, un conductor que se gana la vida compartiendo taxi por horas y al que su mujer le exige algo mejor, y un policía de tráfico que suele trabajar en el concurrido puente y que contacta con chicas a través de internet.

Quizás tenga un interés sociológico para los turcos, pero sinceramente no le he encontrado ninguna justificación, ni argumento donde agarrarse para entender semejante película. Quizás sea mi ignorancia, pero sinceramente no me ha parecido que tenga ni el más mínimo interés (cualquier reportaje televisivo de ‘Callejeros’ o de ‘Comando actualidad’ tiene mucho más sentido del ritmo, de realismo y de entretenimiento).

Otro título al que sumar entre los olvidables es ‘Tobruk’ una producción checa dirigida por Václav Marhoul que se ambienta en la batalla del mismo nombre de la Segunda Guerra Mundial. Es la historia de unos soldados checos que formaron parte de las filas británicas durante la famosa batalla en el norte de África. Es encomiable el esfuerzo de la dirección artística, el maquillaje, vestuario y una banda sonora espléndida (de Richard Horowitz) para dar verosimilitud. Y lo consigue. Buen trabajo en este sentido con gran realismo. Sin embargo, la historia, que no pretende ser antibelicista no termina de funcionar. Los personajes se muestran retraídos y hastiados por soportar tan dura batalla, además del castigo del desierto, pero el reflejo su lucha interior, no resulta especialmente acertado. La narración queda muy diluida y no termina de cuajar ni aportar mayor interés ni progreso desde el planteamiento.

Por último, hablamos de ‘Lourdes’ que abría la jornada de hoy y sí ha logrado dejar un agradable sabor de boca. La película está dirigida por la realizadora austriaca Jessica Hausner y nos cuenta la historia de la ambigüedad que existe en las peregrinaciones en busca de los milagros de en Lourdes. La historia, con una fotografía magnífica y una realización simple, sin riesgos pero muy efectiva, nos traslada a través de la protagonista, postrada en una silla de ruedas, al ambiente que se vive con miles de peregrinos en busca de sanación. La religión, la fe o la esperanza son temas reflejados gran acierto. Para ello, Hausner hace gala de un humor sutil, a la par que incisivo que refleja determinadas situaciones que sirven de verdadera crítica contra la religión. Interesante resultado, pero esperamos algo mucho mejor aún por llegar.

Recuerdo a Daniel Monzón como un crítico cinematográfico con buen gusto y mejores maneras. Un chaval con cultura y buen verbo al que daba gusto leer. Un buen día dio el paso de hacerse director de cine, y no puede decirse que empezara con buen pie. ‘El corazón del guerrero’, que fue su debut, podría haber dado algo de sí en otras manos, pero en las suyas se convirtió en una carta de presentación muy floja, sin ningún interés.

Pero menos interés tuvo aún el intento de comedia de ‘El robo más grande jamás contado’, que algunos analistas defendieron con presencia de ánimo admirable pero estéril, pues no había por donde cogerla. Y con la anodina ‘La caja Kovak’ terminé por perder la esperanza de que este extraordinario cinéfilo pudiera convertirse en director importante alguna vez. Pero ahora llega con ‘Celda 211’, que es algo más que una buena película de género. Es la película española del año.

Un relato poderoso y sin fisuras

Justo cuando no daba un duro por él, se calza Monzón un relato de presos, cárceles y motines que se erige, por derecho propio, en todo un clásico de este subgénero del suspense. Con una experiencia en la dirección de actores y la puesta en escena, que se le supone en su ya cuarta realización, y adaptando de manera ejemplar la novela homónima de Francisco Pérez Gandul, ayudado en esas labores por el excelente guionista Jorge Gerricaechevarría, Daniel Monzón se hace mayor como artista incontestablemente.

En sus manos, la novela de Pérez Gandul deviene una mina de oro de inagotables posibilidades visuales. La cárcel, cualquier cárcel, se convierte en un espacio asfixiante donde la muerte, el dolor y las posibilidades de traición son infinitas, donde la vida y la esperanza son efímeras, y donde las más primarias pasiones humanas se dan la mano con la cobardía y la estupidez, la crueldad y la dignidad de las ratas atrapadas y en el punto de mira.

Comienza de manera admirable esta ‘Celda 211’, y lo mejor es que va subiendo más y más, sin parar, en un crescendo admirable sin la menor concesión con el espectador. El que espere un espectáculo amable que se quede en casa. Esto es cine descarnado y brutal, cine de verdad, grande, adulto, complejo. Con una galería de personajes inolvidable, algunos de los cuales abandonan su rol previo para transformarse a causa de la desesperanza y la violencia.

Y entre todos los presos destaca Luis Tosar en una interpretación antológica, que le coloca desde ya mismo entre los más grandes intérpretes europeos. Su Malamadre no es sólo una bestia con corazón, pues el director y el intérprete son lo suficientemente inteligentes y talentosos para dotar de una vida a este personaje como pocas hemos visto en el cine español de los últimos años. Malamadre es el alma de la película, y lo que la hace trascender los límites del propio género. Le amamos y le odiamos al mismo tiempo, qué pocas veces sucede eso en una pantalla de cine.

A su lado, Alberto Ammann compone un digno funcionario de prisiones, aunque es cierto que el actor sufre en comparación con el gigante Tosar. Es un actor competente, si bien un par de veces parece que van a fallarle las piernas. Pero mantiene el tipo. Aunque en general el reparto es poco menos que formidable, y el casting soberbio. Nos creemos hasta al último figurante con frase que se pasea por la cárcel (entre otras cosas, porque los diálogos son excelentes), y es que aquí han hecho las cosas como Dios manda.

Monzón narra con convicción y sobriedad, sin cosas extrañas ni florituras, ateniéndose a los personajes y preocupándose por ser creíble siempre. Nunca pierde el control de la historia, y ayudado por la labor del operador Carles Gusi (que firma una imagen dura y acerada) y la de la montadora Cristina Pastor (que monta con talento y elegancia un tema tan escabroso), además de por la percutiente partitura de Roque Baños, firma una obra contundente e inolvidable.

Post Data Inevitable

Esto es cine de primerísima factura, con una producción de gran profesionalidad, que está dando sus frutos en taquilla y entre la crítica. Viene a demostrar que la gente desea ver buen cine español, por mucho que algunos no se quieran dar cuenta. Ahora bien, tiene que valer la pena verlo. Hoy estaba la sala a rebosar, y más que va a estarlo cuando arrase en los Goya, como estoy seguro que va a hacer.

Por cierto, apuesto porque el inevitable remake americano no se hará esperar. Pero esta no se la pierdan.

Celda 211 en Blogdecine

• Sitges 09 | Tercera jornada | ‘La huérfana’ y ‘Celda 211’ no decepcionan

Robert Zemeckis sigue obsesionado por la animación en 3-D con ‘Cuento de navidad’ (‘A Christmas Carol’), y aunque de momento no lo ha hecho nada mal, somos muchos los que deseamos que algún día regrese al cine de imagen real. De momento, tenemos que conformarnos con esta nueva adaptación del famoso cuento de Charles Dickens, en la que un animado Jim Carrey hará las delicias —o no— del aficionado. La crítica estadounidense no la trata con demasiada alegría, y el público votante en la IMDb se deja influir más por el cercano espíritu navideño. Por estos lares la veremos a partir del 13 de noviembre.

‘The Man Who Stared at Goats’ es una comedia con un punto de partida delirante. Un reportero se encuentra en Irak con un hombre perteneciente al primer batallón de las fuerzas norteamericanas, en el que se asegura que utilizan poderes paranormales para llevar a cabo sus misiones. Un reparto de órdago —George Clooney, Jeff Bridges, Ewan McGregor, Kevin Spacey y Robert Patrick— para una película que la crítica no destaca, y el público votante la acepta de mejor grado. No hay fecha de estreno para nuestro país.

‘The Fourth Kind’ es un film de terror que dicen utiliza la técnica utilizada en films con ‘El proyecto de la bruja de Blair’ o ‘Paranormal Activity’, con la diferencia de que aquí veremos las conocidas caras de Milla Jovovich, Will Patton y Elias Koteas. Abducciones es el tema, y la crítica no la ha puesto precisamente bien; eso sí, el público votante parece entusiasmado. Otra que no tiene fecha de estreno español.

‘The Box’ es el nuevo film del sobrevalorado Richard Kelly —autor de la aún más sobrevalorada ‘Donnie Darko‘—, y que parece que no es capaz de volver a llamar la atención como lo hizo con el film protagonizado por Jake Gyllenhaal. Tras ‘Southland Tales’, que aún espera ser estrenada por estos lares, Kelly no consigue un éxito de taquilla, aun contando con un reparto estelar, y el excelente Richard Matheson como base. La crítica no la aprueba, y el público votante está más contento.

Vía | IMDb