Vin Diesel y compañía han vuelto con la intención de arrasar en taquilla. La sexta entrega de ‘A todo gas’ es la novedad más potente del fin de semana pero por suerte para todos los que se aburren con esta franquicia no es la única que llega hoy a las carteleras españolas. Si amas el cine y no te molesta el doblaje —por desgracia la única opción en la mayoría de localidades—, también podrás encontrar los nuevos trabajos de Michael Winterbottom, Hong Sangsoo y Niels Arden Oplev, entre otros. Hay bastante para elegir, otra cuestión ya es que en vuestro cine más cercano proyecten lo que queréis ver…

‘Fast & Furious 6’

Dirección: Justin Lin. País: USA. Año: 2013. Duración: 130 min. Género: Acción. Interpretación: Vin Diesel (Dominic Toretto), Paul Walker (Brian O’Conner), Dwayne Johnson (Luke Hobbs), Luke Evans (Owen Shaw), Michelle Rodriguez (Letty), Jordana Brewster (Mia), Michelle Rodriguez (Letty), Elsa Pataky (Elena), Sung Kang (Han Lue), Tyrese Gibson (Roman), Gal Gadot (Gisele), Ludacris (Tej Parker), Gina Carano (Riley). Guion: Chris Morgan, basado en los personajes creados por Gary Scott Thompson. Producción: Vin Diesel, Neal H. Moritz y Clayton Townsend. Música: Lucas Vidal. Fotografía: Stephen F. Windon. Montaje: Kelly Matsumoto y Christian Wagner. Diseño de producción: Jan Roelfs. Vestuario: Sanja Milkovic Hays. Distribuidora: Universal Pictures International Spain.

Sinopsis: Desde que Dom (Vin Diesel) y Brian (Paul Walker) destruyeron el imperio de un mafioso y se hicieron con cien millones de dólares, el grupo se ha dispersado por el planeta. Pero siguen sin poder regresar a casa ya que son prófugos de la justicia. Mientras tanto, Hobbs (Dwayne Johnson) ha estado siguiendo la pista por doce países a una banda de letales conductores mercenarios. Hobbs le pide a Dom que reúna a su equipo y le ayude a atraparlos a cambio de un indulto.

Crítica en Blogdecine: ‘Fast & Furious 6’, frenético entretenimiento a toda velocidad

‘The Trip’

Dirección: Michael Winterbottom. País: Reino Unido. Año: 2010. Duración: 107 min. Género: Comedia. Interpretación: Steve Coogan, Rob Brydon, Paul Popplewell, Margo Stilley, Claire Keelan. Producción: Melissa Parmenter y Andrew Eaton. Fotografía: Ben Smithard. Montaje: Mags Arnold y Paul Monaghan. Vestuario: Celia Yau. Distribuidora: Surtsey Films. Calificación por edades: No recomendada para menores de 12 años.

Sinopsis: Steve es escogido por ‘The Observer’ para hacer una ruta por los mejores restaurantes del país, lo que le parece un estupendo viaje para hacer con su novia. Pero cuando ésta le deja, no tiene quién le acompañe excepto su extravagante amigo Rob.

¿Qué podemos esperar? Algo muy divertido a tenor de los comentarios que he leído. Pero en este caso más que nunca es necesaria la versión original, doblada no resultará ni la mitad de graciosa. Os dejo el tráiler en inglés con subtítulos en castellano y luego el español, para que comparéis:

‘La Estrella’

Dirección: Alberto Aranda. País: España. Año: 2013. Duración: 95 min. Género: Drama, romance. Interpretación: Ingrid Rubio (Estrella), Carmen Machi (Trini), Marc Clotet (Salva), Fele Martínez (Baltasar), Carlos Blanco (Jonás), Rubén Sánchez (Marc), Pep Tosar (Xavier), Alfonsa Rosso (Antonia), Fanny de Castro (Manolita), Pepe Rodríguez (Manuel), Wong Sau-ching (Li). Guion: Alberto Aranda y Belén Carmona. Producción ejecutiva: Xavier Granada. Música: Zacarías M. de la Riva. Fotografía: Bet Rourich. Montaje: Elena Ruiz y Bruno Palazón-Arnaud. Dirección artística: Pep Oliver. Vestuario: Arancha Rodrigávarez y Sofía Nieto. Distribuidora: Splendor Films.

Sinopis: Estrella es alegre, positiva, y demasiado generosa con los que la rodean. Junto a Salva, su novio de toda la vida, y a Trini, su amiga del alma, aparenta una felicidad que no es tal. Estrella cuida de todos… menos de ella. Y es que Estrella se ha olvidado de sí misma. Pero nuestra Estrella tiene duende, para el flamenco y para la vida, y pronto descubrirá que ella también tiene derecho a ser feliz.

¿Qué podemos esperar? Un canto a la vida y estupendas interpretaciones de Rubio y Machi, siendo optimistas. La verdad, la sinopsis no me atrae nada y el avance que he visto tampoco así que esperaré vuestras opiniones.

‘En otro país’

Título original: ‘Da-reun na-ra-e-suh’. Dirección y guion: Hong Sang-soo. País: Corea del Sur. Año: 2012. Duración: 89 min. Género: Drama. Interpretación: Isabelle Huppert (Anne), Kwon Hye hyo, Jung Yu Mi. Producción: Kim Kyoung Hee. Música: Jeong Yong-jin. Fotografía: Jee Yune-jeong y Park Hong-yeol. Montaje: Hahm Sung Won. Distribuidora: Golem.

Sinopsis: Una joven estudiante de cine y su madre huyen a Mohang, una ciudad junto al mar, con la esperanza de eludir a sus acreedores. La joven empieza a escribir el guión de un corto para tranquilizarse: Aparecen tres mujeres llamadas Anne y cada una de ellas visita la ciudad. La primera Anne es una exitosa directora de cine. La segunda es una mujer casada que tiene una aventura con un coreano. Y la tercera está divorciada del marido que la dejó por una mujer coreana. Una joven se ocupa de un pequeño hotel que pertenece a sus padres construido a orillas del mar. En la playa cercana siempre hay un socorrista. Cada una de las tres Anne se hospeda en el hotel, entabla una amistad con la hija de los dueños y pasea por la playa, donde conoce al socorrista.

Crítica en Blogdecine: ‘En otro país’, buscando el amor

‘Un amigo para Frank’

Título original: ‘Robot & Frank’. Dirección: Jake Schreier. País: USA. Año: 2012. Duración: 89 min. Género: Comedia dramática, ciencia-ficción. Interpretación: Frank Langella (Frank), James Marsden (Hunter), Liv Tyler (Madison), Susan Sarandon (Jennifer), Jeremy Strong (Jake), Jeremy Sisto (sheriff Rowlings), Peter Sarsgaard (voz del robot). Guion: Christopher Ford. Producción: Lance Acord, Jackie Kelman Bisbee, Sam Bisbee y Galt Niederhoffer. Música: Francis & the Lights. Fotografía: Matthew J. Lloyd. Montaje: Jacob Craycroft. Diseño de producción: Sharon Lomofsky. Vestuario: Erika Munro. Distribuidora: A Contracorriente Films.

Sinopsis: Frank (Frank Langella) es un viejo y solitario cascarrabias que tiene una gran pasión por los libros. De hecho, su única amistad es la que mantiene con una bibliotecaria (Susan Sarandon). Aparte de eso, su vida es muy tranquila, si bien todo cambia cuando sus hijos (Marsden, Tyler) deciden llevarle un robot que se encargará de cuidarle. Por increíble que parezca, poco a poco el anciano comenzará a hacerse amigo de la máquina.

¿Qué podemos esperar? Un agradable relato de amistad, al parecer. Me temo que será una película más blandita de lo que nos gustaría a muchos pero el tráiler —odiosa la música— deja algunas escenas que animan a verla.

‘Chaika’

Dirección: Miguel Ángel Jiménez. Países: España, Georgia y Rusia. Año: 2012. Duración: 100 min. Género: Drama. Interpretación: Salome Demuria (Ahysa), Giorgi Gabunia (Asylbek). Guion: Luis Moya y Miguel Ángel Jiménez. Producción ejecutiva: Koldo Zuazúa y Luis de Oza. Música: Pascal Gaigne. Fotografía: Gorka Gómez Andreu. Montaje: Imanol Gómez de Segura. Vestuario: Nikoloz Gurapashvili y Teo Berianidze.

Sinopsis: Es la historia de amor entre una prostituta y un marinero perdedor, reconstruida entre dos largas estaciones; el eterno invierno de Siberia y el verano en las polvorientas estepas de Kazajistán. El joven Tursyn regresa a casa para enfrentarse a lo que queda de su familia: un viejo nómada a punto de morir y un padre náufrago. Los dos harán emerger los vagos recuerdos que Tursyn tiene de su madre. ‘Chaika’ es la aventura de unir esos recuerdos que la vida ha dejado dispersos en los páramos más recónditos de la Tierra, casi en el fin del mundo.

¿Qué podemos esperar? Cualquier cosa. Yo le daré una oportunidad, el tráiler me ha cautivado…

‘Dead Man Down (La venganza del hombre muerto)’

Título original: ‘Dead Man Down’. Dirección: Niels Arden Oplev. País: USA. Año: 2013. Duración: 118 min. Género: Thriller. Interpretación: Colin Farrell (Victor), Noomi Rapace (Beatrice), Dominic Cooper (Darcy), Terrence Howard (Alphonse), Isabelle Huppert (Valentine), Armand Assante (Lon Gordon), F. Murray Abraham (Gregor). Guion: J.H. Wyman. Producción: Neal H. Moritz y J.H. Wyman. Música: Jacob Groth. Fotografía: Paul Cameron. Montaje: Timothy A. Good y Frédéric Thoraval. Diseño de producción: Niels Sejer. Vestuario: Renee Ehrlich Kalfus. Distribuidora: eOne Films Spain.

Sinopsis: Victor es la mano derecha del señor del crimen Alphonse, quien vive amenazado por un asesino que está acabando con los miembros de su banda uno a uno. En medio de esta situación, Victor conoce a Beatrice, una misteriosa francesa que vive en su mismo edificio y por la que comienza a sentirse atraído. Pronto descubre que Beatrice no es la mujer que dice ser, sino la víctima de un crimen en busca de venganza. Pero ella también descubrirá que Victor tampoco es el hombre que dice ser, sino alguien con un oscuro secreto del pasado.

Crítica en Blogdecine: Dead Man Down, la rutinaria venganza de un hombre muerto

El año pasado os informé que el actor Joseph Gordon-Levitt estaba preparando su debut como director, la historia de un moderno Don Juan. Hoy ya os puedo dejar el tráiler de la película, inicialmente conocida como ‘Don Jon´s Addiction’, ahora ‘Don Jon’ a secas. En principio parece una versión light de ‘Shame’ (Steve McQueen, 2011) pero obtuvo buenas críticas en el festival de Sundance así que espero que sea algo más que eso…

Gordon-Levitt no solo se ocupa de la puesta en escena, también ha escrito el guion y encabeza el reparto, acompañado por Scarlett Johansson, Julianne Moore, Tony Danza, Brie Larson, Rob Brown y Glenne Headly —más los cameos de Anne Hathaway y Channing Tatum—. La trama queda bastante bien resumida en el tráiler, Jon Martello (Gordon-Levitt) es un joven con intereses muy definidos que tras enamorarse de Barbara (Johansson) se ve obligado a replantearse el papel que juega el porno en su vida. ‘Don Jon’ se estrena el 18 de octubre en EE.UU. Por ahora no hay fecha para España.

Hoy es el estreno, ya tenemos a punto el Meet the experts, que versará sobre el cine y la televisión en la era de Internet y cómo este ha influido en las formas de disfrute del séptimo arte y la caja tonta. Allí se debatirá sobre estos temas, y sus derivados, con un pequeño grupo de profesionales que vertirán sus opiniones al respecto.

Desde la hora señalada para el inicio (las 19:00 horas) podréis seguir en directo el evento en este mismo post, y a través de nuestra cuenta en twitter con el hashatg #MTEcineTV, en la que estará un servidor comentando conmi habitual sentido del humor y paciencia lo que más me llame la atención. Estáis todos invitados a participar.

Entre los asistentes a la mesa redonda están:

• Manuel Cristobal: Diplomado en Dirección de Cine y Teatro, participó en la producción de los films de animación ‘El bosque animado’ (Ángel de la Cruz, Manolo Gómez, 2001) y ‘El sueño de una noche de San Juan’ (Ángel de la Cruz, manolo Gómez, 2005), ambas ganadoras de un premio Goya. Su mayor logro como productor ha sido la imprescindible ‘Arrugas’ (Ignacio Ferreras, 2011). Cristobal pertence también a la directiva de la Academia española de cine.

• Mª Carmen Fernández: Ingeniera de Telecomunicaciones por la Universitat Politècnica de Catalunya, Master en Comunicaciones Móviles por la Universitat Politècnica de Catalunya y MBA por ESADE Business School. Desde noviembre ejerce como Directora General de TotalChannel, plataforma que permite ver canales de pago a cambio de una cuota mensual a través de Internet.

• Gonzalo Martín: Director y responsable del área de Telecomunicaciones en la agencia Territorio Creativo. Es asesor de diversas empresas en campos como el vídeo online y las nuevas tecnologías y tiene una larga experiencia dentro del sector del entretenimiento. Además escribe sobre la nueva industria audiovisual en su blog GonzaloMarin.tv.

• Nacho Monge: Samsung Electronics, compañía donde lleva más de dos años dentro del departamento de televisiones. Experto en product marketing, promociones y desarrollo de producto dentro del sector tecnológico. Anteriormente trabajó durante más de ocho años en Dixons.

• Pablo Romero Sullà: Licenciado por la Facultad de Filosofía y Letras UAM, máster Mass Communications Boston University. Equipo fundador de Canal+ 1989, Director Programación 1997 Canal Satélite Digital, después Digital+- Desde 2011 Director de Contenidos de Yomvi.

• Napoléon Fernández: es director de Familyes, la primera red de canales en Youtube para la familia que suma más de 400 millones de vídeos vistos, 750 mil visionados media al día, en la plataforma vídeos de Google. Trabajó en Canal Plus y El País y hoy es CEO de Polegar Medios, empresa matriz de Familyes y editora de guiainfantil.com, conmishijos.com y diariofemenino.com, sitios webs que alcanzan más de 5 millones de visitantes únicos al mes.

Podéis realizar preguntas a los asistentes en twitter utilizando el tashtag #MTECineTV

En Blogdecine:

• La situación del cine on line en España
• Entrevista a Manuel Cristóbal, productor
• ¿Está la cinefilia condenada a Internet?

Con la excepción de una colección de cromos cuando aún no era ni siquiera un adolescente, jamás he sentido un interés especial por el mundo del motor. Este hecho me llevó a ignorar ‘A todo gas’ (‘The Fast and the Furious’, Rob Cohen, 2001) cuando se estrenó por mucho que algunos compañeros de instituto mostrasen una gran devoción hacia ella. Meses después sucumbí a la tentación y lo que me encontré fue un engendro absurdo y aburrido. No quise saber nada de sus secuelas y mi tímida tentativa de dar otra oportunidad a una cinta de corte similar se saldó con el visionado de ‘Torque’ (id, Joseph Kahn, 2004), un completo bodrio que casi hacía buena a la obra de Rob Cohen.

Sin embargo, me picó la curiosidad cuando hubo una coincidencia casi universal en calificar a ‘Fast & Furious 5’ (‘Fast Five’, Justin Lin, 2011) como un gran entretenimiento y la mejor entrega de esta saga. Lo cierto es que estuvo muy lejos de volverme loco, pero sí encontré una cinta respetable para pasar el rato sin pedirle peras al olmo. No fue suficiente como para querer echar un vistazo a las tres partes que me había saltado, pero sí para tener cierto interés en ‘Fast & Furious 6’ (id, Justin Lin, 2013), y una vez vista puedo deciros que he disfrutado más con ella que con su inmediata predecesora.

La familia al volante

Uno de los grandes cambios en las últimas entregas de la saga es el desmarcarse de ser una franquicia dedicada al enaltecimiento casi exclusivo de las carreras de coches e ir probando nuevas áreas como la tan cinematográfica idea del robo perfecto en la quinta entrega o ayudar directamente la justicia para acabar con otro equipo que guarda múltiples similitudes con su modus operandi. Hay hasta una simpática broma sobre este detalle, pero lo realmente interesante se encuentra en el contraste entre ambos equipos. El liderado por Toretto es una familia, mientras que el comandado por Shaw es una máquina en la que cualquier pieza es sustituible mientras todo siga funcionando como un perfecto mecanismo de relojería.

Este detalle es esencial en la mejora de la franquicia, ya que recuerdo que en la primera entrega todo se reducía básicamente a un enfrentamiento entre los personajes de Paul Walker y Vin Diesel, quedando así terriblemente desdibujados el resto de miembros de la banda de este último. Esto era algo en lo que ya se notaban claros progresos en ‘Fast & Furious 5’, pero que aquí va a más, ya que forma parte del núcleo de la historia. Ese sentimiento de unión consigue que nos interesemos por su supervivencia —poco importa que la vida de alguien penda de un hilo si te da igual lo que pueda pasarle— y que, hasta cierto punto, podamos pasar por alto otros detalles no corregidos como la marcada tendencia de los personajes femeninos a ser poco más que bonitos floreros con los que alegrar la vista a ciertos espectadores, algo que resulta especialmente sonrojante en los casos de Elsa Pataky y Jordana Brewster.

Resulta curioso que por primera vez se busque no que simpaticemos con unos criminales haciendo de las suyas, sino actuando en defensa de la ley —convincente Dwayne Johnson tanto repartiendo estopa como justificando este detalle—, ya que éste es uno de los principales aciertos de ‘Fast & Furious 6’. El relativo encanto de la banda se multiplica al incidirse en el contraste del equipo liderado por un muy eficaz Luke Evans —aunque me da que el gran villano de la franquicia será el de la próxima entrega—, ya que Vin Diesel puede explotar su carisma de un modo más tradicional, algo que favorece a un intérprete limitado pero capaz de hacer poco menos que maravillas en casos excepcionales. Su función de líder se refuerza, siendo especial convincente en sus conversaciones con Evans, con quien demuestra una química bastante superior a la que tiene con un Paul Walker que al menos esta vez no desentona tanto como en otras ocasiones.

Sin frenos

Una de las ventajas de que pasen cosas constantemente es que hay más posibilidades de conseguir una mayor suspensión de la incredulidad por parte del espectador para aceptar ciertas cosas impensables en un drama de ritmo sosegado. En ‘Fast & Furious 6’ eso es algo que a Justin Lin no le importa demasiado, ya que no tiene problemas en echar mano de ciertas fantasmadas que en ningún caso uno va a creerse que pudieran suceder. Después de la incredulidad inicial, sólo hay dos reacciones posibles ante estos excesos: La diversión o el llevarse las manos a la cabeza. La clave para que optemos por un bando u otro es lo bien que lo estés pasando hasta ese momento.

Se agradece que Justin Lin se muestre algo más calmado en su control de la cámara, pues había fases de ‘Fast & Furious 5’ que llegaban a resultar mareantes —algo a lo que también ayudaba un montaje excesivamente frenético en algunas escenas—, provocando así en mí una desconexión de lo que se nos estaba contando. No voy a decir que esto haya desaparecido por completo —abunda bastante en el tramo final—, pero Lin cuenta con Joe Taslim y Gina Carano, dos cartas ganadoras para dejar que la acción se estabilice sin que haya merma alguna en su presunta espectacularidad.

La cámara mareante y los cambios rápidos de plano a menudo son una excusa para disimular las escasas habilidades de los actores en las peleas cuerpo a cuerpo, pero Taslim —entretenidísima la combinación de contundencia con toques cómicos en su pelea contra los personajes de Sung Kang y Tyrese Gibson— y Carano demuestran ser unos genios en este apartado y lo que realmente molesta al espectador es que dichas escenas no sean más extensas. Esto es algo que se acentúa en el caso de la protagonista de ‘Indomable’ (‘Hayware’, Steven Soderbergh, 2011), ya que es casi imposible encontrar a actrices que no sólo no desentonen en esa faceta, sino que brillen con luz propia y sus duelos con Michelle Rodriguez es a lo máximo que podemos aspirar a día de hoy.

Los excesos de ‘Fast & Furious 6’

Los hay que quieren poco menos que encumbrar a Justin Lin como uno de los posibles salvadores del cine de acción contemporáneo, pero yo no me atrevería a decir tanto. De hecho, aguardo con especial interés el estreno de la séptima entrega, ya que va a ser sustituido por James Wan. Además, gran parte de los excesos más celebrados de la película provienen del libreto de Chris Morgan, quien también está vinculado a la franquicia desde su tercera entrega. Tampoco es casualidad que trabajase en el guión de ‘Wanted’ (id, Timur Bekmambetov, 2008), donde ya se detectaba esa tendencia al paroxismo que ha alcanzado nuevas cotas en las últimas entregas de la franquicia A todo gas.

Por desgracia, Morgan está a años luz de ser un gran guionista y eso se deja notar en la inclusión de tramas que, por mucho que uno no quiera ponerse a sacar fallos, resultan exageradamente absurdas —Paul Walker infiltrándose en la cárcel o el traslado con escasa protección del macguffin de la película—. Su querencia por el exceso estalla en los últimos 30 minutos de la función, donde también hay espacio para algún momento dramático que, contra pronóstico, funciona más que correctamente, al igual que el giro —no tan— sorpresivo en la línea de lo habitual en las producciones de este tipo.

Lin acierta al seguir rebajando el tono macarra que marcó a la saga en sus inicios sin por ello renunciar al derroche de testosterona, algo básico en toda buena cinta de acción, y es que ‘Fast & Furious 6’ termina de completar la transición de la franquicia hacia dicho género. Sí, hay persecuciones automovilísticas a tutiplén, pero Lin demuestra un interés equivalente o superior en los aspectos más físicos de la lucha entre el bien y el mal, demostrando también cierta pericia para crear tensión en escenas en las que lo único que realmente pasa es que varios personajes están charlando. Esto no nos libra de situaciones algo mareantes por su culpa, pero su peso es menor al que tenía en ‘Fast & Furious 5’.

Creo que no hay que evaluar a todas las películas siguiendo los mismos criterios y está claro que ‘Fast & Furious 6’ juega en la liga de ser un producto de entretenimiento masivo en el que hay que dejarse llevar, algo que puede sonar a excusa, pero que nunca estará más justificado que en cintas como la que ahora nos ocupa. Sí, padece de un claro problema de exceso de metraje y hay fases de la película que rayan la estupidez, pero también es una película que ofrece grandes dosis de diversión si estás dispuesto a aceptar de entrada el tipo de cinta que quiere ser, algo a la que se mantiene fiel en todo momento, tanto para lo bueno —que no es poco— como para lo malo —que también lo hay—.

¿Está el cinéfilo condenado a Internet? Hace dos días me hicieron esa pregunta, y lo cierto es que condenado es una palabra que podría estar errada en su totalidad si tenemos en cuenta la naturaleza de un cinéfilo, uno de verdad, vamos. Un cinéfilo de verdad es autodidacta, busca y rebusca, lee y relee en libros cosas que muchas veces se quedan en el aire en las imposibles clases de historia que muchos profesores de cine intentan impartir en este país, enfrentados a la utopía de que enseñarlo todo es prácticamente imposible, y mucho menos un sentimiento, el del amor desmesurado que el cinéfilo, el de verdad, tal y como dice la palabra en cuestión, siente por el cine.

Si el cinéfilo, el de verdad, está condenado a Internet —una plataforma para difusión de la cultura absolutamente brutal y aún no explotada en todo su esplendor— es por muchas y diversas razones. Primero podemos darnos cuenta de que la sala que intenta ofrecer algo más que el blockbuster de turno —un producto tan respetable como la obra de autor más intimista que exista— está tendiendo a desaparecer. Son muchos los cines que, desde la aparición de esta demoledora crisis, incluso desde antes, han echado el cierre a sus puertas. ¿Qué le queda al cinéfilo, el de verdad? ¿Los canales de cine de televisión? ¿Paramount Channel? ¿La sexta 3? Sus trabajos son elogiables pero si los comparamos con la oferta cinematográfica de televisión española en los años 80 y parte de los 90, me da la risa.

La subida del IVA, absolutamente descorazonadora, el cierre de salas que ofrecen algo más que estrenos taquilleros —de los que al fin y al cabo una sala de proyección debe vivir—, y la cada vez más alarmante desidia de muchos supuestos cinéfilos que no se molestan en escarbar, o el nombre de William A. Wellman ni les suena. Lo siento mucho, pero alguien que goza de acreditaciones en festivales o se deshace en elogios —con un excelente uso del lenguaje con el que disimular sus carencias— hacia la última obra de Malick o Tarantino, por poner dos ejemplos, también podría haber dicho Nolan o Amenábar, y no conoce la historia del cine, básica para saber de qué se habla, no es cinéfilo, es alguien que ve películas. Punto. Y lo más peligroso, no quiere aprender.

Las opciones de la red

El cinéfilo, el de verdad, ha encontrado en la red un lugar paridisíaco que ninguna sala de cine o televisión será capaz de igualar, esa es la triste verdad. No me imagino a ningún canal de televisión que proyecte ciclos de gente como Fritz Lang, King Vidor, Jean Renoir o Alfred Hitchcock, que es lo que hacía televisión española en sus años dorados. Algunos ciclos, caso del de Vidor o Lang, eran de lo más completos. ¿Os imagináis un canal de televisión emitiendo ‘Y el mundo marcha’ (‘The Crowd’, King Vidor, 1928) o ‘Manon’ (id, Henri-Georges Clouzot, 1949)? Más difícil todavía, ¿qué sala de cine las proyecta? Si alguna hay, bravo por ella y su tarea pedagógica, pero me temo que no es la norma. Lo mismo pasa con los canales de televisión. ¿Y los portales de cine on-line? Espera, que me parto, esta vez en mil pedazos, y de la tristeza.

No voy a dar nombres, ya les doy caña en sus cuenta de twitter, pero me parece muy triste que un portal de cine tenga en su catálogo sólo tres películas de John Ford, y esa situación se alargue en demasía. Es que el interés no es una obra de Ford, es una película de Jaime Rosales (JE), o el último trabajo de Mel Gibson actor, me diréis. Si lo que ofreces y publicitas es precisamente lo último, a este paso el nombre de John Ford caerá en el olvido. Qué exagerado soy. ¿Seguro? Coged a vuestros amigos cinéfilos, aquellos que presumen de serlo, y preguntadles cuántas obras de Ford conocen o han visto. La respuesta no me sorprenderá ni lo más mínimo.

Entre la vagancia de la nueva cinefilia y la aterradora crisis cada vez cierran más cines y otros muchos corren peligro de extinción. El recuerdo del gran cine, de esa sala que metía 1500 personas por función, se convertirá con el paso del tiempo en un sueño lejano, en un recuerdo vago para muchos de nosotros, mientras que otros verán cómo su “cinefilia” crece entre tanta precariedad. Hace poco veía cómo cerraba uno de los videoclubs más importantes de mi ciudad, me quedé atónito, tenía títulos de todo tipo, una oferta más que amplia y para todos los gustos. A esos negocios sí les ha afectado la red considerablemente en un país en el que la cultura del gratis total es deporte nacional. Y sólo un ignorante piensa o cree que no debe pagar nada por una película.

Sin embargo, hay páginas en la red que están haciendo un trabajo encomiable al colgar películas de todas las nacionalidades y épocas que de otra forma sería imposible ver. Si no fuese por la red yo jamás habría visto una película como ‘Siempre estoy sola’ (‘The Pumpkin Eater’, Jack Clayton, 1964), por poner un ejemplo, o nunca tendría acceso a películas de Pudovkin —sí, buscad en la IMDb quién es—. Ahora sueño con el día que las editen en DVD —en Bluray sería un sueño imposible— para poder comprarlas, pero eso es otra historia. La de la penosa distribución en nuestras tierras.

Sería interesante que cuestiones como estas se planteasen en el encuentro de mañana.

La filmografía de James Franco como actor es bastante irregular, pasando de grandes superproducciones como la primera saga de ‘Spider Man’ dirigida por Sam Raimi, a títulos más interesantes que le pusieron en el objetivo de la crítica y premios varios como ‘Milk’ (Gus Van Sant, 2008) o ‘127 Horas’ (‘127 Hours’, Danny Boyle, 2010), pero lo cierto es que a Franco también le gusta dirigir y aunque hasta la fecha lo había hecho tímidamente y con títulos bastante bizarros, con ‘As I lay dying’ nos demuestra que puede llegar a convertirse en un director de cine de autor con clase.

Presentada en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes, ‘As I lay dying’ está basada en la novela homónima de William Faulkner, titulada en España ‘Mientras agonizo’ y nos cuenta la historia de los Bundren, una familia pobre del sur de los Estados Unidos que recorre cientos de kilómetros con el cadáver de la matricarca para lograr enterrarla en el pueblo que ella quiere. Una especie de road movie dura y áspera que ha sorprendido a todos a su paso por Cannes y que deja bien claro que James Franco ha llegado al mundo de la dirección para quedarse.

No es tarea fácil adaptar la obra de Faulkner a la gran pantalla, donde todo es tan introspectivo y la historia nos es contada a través de la conciencia y la psicología de los personajes. Todo se complica mucho más si, como ocurre en ‘Mientras agonizo’, donde la trama se desarrolla a través del monólogo interior de 15 personajes, quienes dan su punto de vista sobre la muerte de la madre de la familia. Todo un reto para un joven realizador criado como actor en el cine más comercial de Hollywood y que consigue defender con una inteligencia y madurez pasmosa. Y es que, gracias a su ritmo pausado y a la utilización de la pantalla partida, James Franco consigue acercarse a este dilema familiar de aire melancólico y de despedida.

‘As I lay dying’ resulta ser una cinta arriesgadísima y con un toque experimental en el que reside todo su interés artístico y que dota al film de una mayor profundidad. Me refiero al uso de la pantalla partida –y le saca mucho más partido que Jaime Rosales en ‘La Soledad’ (id, 2008) quién solo nos mostraba el plano contra plano– para mostrarnos las diferentes perspectivas de los personajes sobre los acontecimientos clave de la historia y acercándose más a la pluralidad de puntos de vista que ofrecía Faulkner en su novela. Gracias a esto, el espectador recibe sentimientos e ideas opuestas a la vez y una visión más completa al combinar todas estas perspectivas de la familia Bundren.

Además, ‘As I lay dying’ supone un viaje a la America más profunda y a la estirpe familiar en el ambiente sureño americano, al que nos sentimos cercano gracias a un elenco de actores que encabeza el propio James Franco –nunca le he visto mejor que aquí– que llenan de verdad la pantalla y hacen que resulte más sencillo al espectador entrar en el juego de la doble perspectiva de la pantalla partida. Un excepcional Tim Blake Nelson, interpretando al padre de familia y los descubrimientos de Logan Marshall-Green, Ahna O’Reilly y Jim Parrack, dotan de un realismo desbordante a está tristísima historia, aunque a veces resulte algo complicado entender la cinta en su versión original sin subtítulos por lo bien que sus protagonistas imitan el acento del sur americano.

Sin duda, ‘As I lay dying’ es una propuesta arriesgada con la que James Franco demuestra sus grandes aptitudes artísticas como director y una madurez sorprendente. Una declaración de intenciones que, aunque irregular en ciertos momentos –ciertos pasajes de la historia se hacen largos y la utilización de la pantalla partida no siempre cumple con su misión funcional de mostrar diferentes perspectivas–, sabe dejar impactado al espectador con su potente introspección visual. Sin duda, un título más que recomendable.

Dos filmes, rodados de forma casi simultánea y estrenados con poco más de un año de separación. Esa era la intención primigenia de los Salkind, y para ello fue contratado Richard Donner, para hacer frente a un reto complicado que, como veíamos la semana pasada en el artículo correspondiente a ‘Superman‘ (id, 1978) le había costado muchos disgustos a un cineasta que había entrado en el proyecto con la ilusión propia del amante del personaje al que se le ofrecía la oportunidad de su vida.

Con la intención de hacer de los dos filmes el canon por el que después se midieran las inevitables secuelas, Donner tuvo que imponer una y otra vez su visión —y la de Tom Mankiewicz— a unos productores cuyo poco temple se fue erosionando conforme el rodaje durante 1977 iba avanzando y los enfrentamientos con el director se hacían más y más recurrentes. Pero el estruendoso éxito de ‘Superman’, sus más de 300 millones de recaudación, el halago unánime de crítica y público, y los varios Oscar a los que estuvo nominado parecieron motivos más que suficientes para provocar un hiato en la dificil relación que Donner mantenía con los Salkind y su socio, Pierre Spengler.

15 de marzo de 1979

De toda la mierda que me ha pasado en este negocio esta fue la que me rompió el corazón

Richard Donner

Impulsado por el éxito de la primera parte, Donner pretendía hacer la segunda más grande y atrevida, con la plena esperanza de poder volver a sorprender al público como ya lo había hecho gracias a nuevas mejoras en las técnicas de efectos visuales. Y si quería lograr llegar a tiempo a la fecha de estreno inicialmente prevista para el verano de 1980, tenía que empezar a rodar en febrero de 1979, sobre todo para evitar perder los nombres clave del equipo técnico que habían colaborado con él en el primer filme.

Sin nuevos incentivos económicos sobre la mesa —algo que habla de forma muy negativa acerca de los Salkind— el agente de Donner le sugirió que no volviera a Inglaterra para una secuela que le llevaría dos meses más de rodaje en los que se filmarían las secuencias necesarias para completar el guión inicialmente previsto, a los que se sumarían unos cuantos más de segunda unidad. Pero ‘Superman’ significaba para Donner mucho más que dinero. Era su pasión y, en sus palabras “estaba determinado a finalizar el trabajo por el mero hecho de que quería proteger lo que había realizado”.

Excitado por la oportunidad que la secuela le otorgaría de cara a revisitar y reimaginar todo aquello que había aprendido durante el rodaje de la primera parte en lugar de confiar plenamente en lo que se había filmado dos años antes, Donner se encontró con un Alexander Salkind reticente a sufragar el compromiso del cineasta —o a tolerar su franqueza una vez más llegado el caso—. Declarando su intención de “no formar parte de la franquicia más allá de la segunda parte”, un inesperado y escueto telegrama rescindía oficialmente su contrato el 15 de marzo de 1979. A Donner se le partía el alma.

Adiós Richard, ¡hola Richard!

Rodamos barato y rápido

Margot Kidder

Con el firme propósito de controlar de forma férrea todos los aspectos de la producción sin tener que hacer frente a la constante oposición del director al cargo de la misma, Alexander e Ilya Salkind retomaron su colaboración con Richard Lester, con el que ya habían cosechado bastante éxito en las dos entregas de ‘Los tres mosqueteros‘ (‘The three musqueteers’, 1973), y se pusieron manos a la obra para acometer un rodaje que fue como la seda con todo el trabajo de pre-producción ya hecho y las bases del personaje perfectamente asentadas.

Estrenada con gran éxito, la sombra de ‘Superman’ alentó al público durante los momentos iniciales a acudir en masa a las proyecciones de ‘Superman II‘ (id, 1980), y se llegó a percibir que la cinta podía barrer el récord de taquilla logrado por su predecesora, algo que finalmente quedó en agua de borrajas, saldándose la recaudación del filme en unos nada desdeñables 108 millones de dólares que, no obstante, suponían poco más de un tercio de lo que la cinta de Donner había logrado dos años antes.

Ajenos a todo el tumulto que la producción de la cinta había acarreado, pocos fueron los que se llegaron a dar cuenta de las notables diferencias entre el material rodado por Lester y aquél que Donner había filmado dos años antes: no sólo las apariencias de Christopher Reeve y Margot Kidder habían cambiado ostensiblemente —el primero con mucha más masa muscular, la segunda con diferente tono de cabello y más delgada— sino que el tono con el que Lester se había aproximado al guión hacía mucho más hincapié en un humor de inclinaciones slapstick, obviando en la gran parte del metraje el halo de verosimilitud que Donner había logrado aportar al personaje con su ejemplar trabajo.

Tendrían que pasar tres años desde su estreno para que un nuevo montaje de 146 minutos hiciera su aparición y comenzara a alimentar la controversia que durante una década y media rodearía a ‘Superman II’. Dicho montaje, que incluía parte del material rodado por Donner, sólo vió la luz fuera de Estados Unidos, y hasta la aparición de internet los comentarios acerca de la autoría sobre la película no comenzaron a correr como la pólvora. Unos comentarios que, tras un montaje editado por fans del personaje, terminaron provocando que la Warner considerara oportuno financiar —aunque Donner no vería ni un céntimo del proyecto— el ya famoso ‘Superman II: the Richard Donner cut‘ (id, 2006).

Dos montajes, dos películas bien diferentes

Con la de veces que había visto el montaje que se estrenó en 1980 durante los veintiséis años que transcurrieron hasta que en 2006 tuve en mi poder la edición de Richard Donner, y el cariño que siempre le he profesado a la película a pesar de ciertas irregularidades que ahora pasaré a comentar, resultó difícil valorar en su justa medida una nueva película que se apartaba —aunque no radicalmente— de aquella con la que estábamos más que familiarizados.

Concretar el montaje de 2006 no fue fácil para Richard Donner. Tener que retrotraerse treinta años en el tiempo y abrir viejas heridas fue un proceso doloroso. Y aun así, ante la oportunidad de poder por fin ofrecer a su público la visión de aquella cinta que pretendía ser piedra angular del universo cinematográfico del personaje junto a la primera parte terminó pesando más que cualquier malestar, consiguiendo el realizador contar con todo el material que había rodado en 1977 y logrando la Warner llegar a un acuerdo con los herederos de Marlon Brando para poder utilizar todo el metraje que el desaparecido actor había filmado en la piel de Jor-el.

(De aquí en adelante, spoilers) Junto al arranque, la incorporación del padre de Kal-el en la trama es el cambio más significativo que introduce el nuevo montaje de Donner. En lo que respecta al comienzo, en lugar de llevarnos a París para justificar la explosión en el espacio —en la que sin duda alguna es la mejor escena con la que cuenta la cinta de Lester—, es en el resumen inicial de la primera parte en el que el cineasta nos explica como el misil de Lex Luthor que Superman logra desviar al espacio exterior es el causante de destrozar la Zona Fantasma en la que están encerrados Zod, Ursa y Non.

Pero, como decía, es la reincorporación del personaje de Jor-el el que supone la alteración más sustancial que Donner hace con su montaje, ya que al recuperar el metraje rodado por Brando, se da completo sentido a aquella frase de “el padre se convierte en hijo y el hijo en padre”, sacrificándose el kriptoniano para que Clark pueda recuperar sus poderes después de haberlos perdido por amor a Lois, algo en lo que ambas cintas coinciden.

Valoraciones comparativas

Tras volver a ver ambas versiones del filme de cara a este artículo, he de constatar que resulta complicado decantarse por una de ellas. Ambas tienen grandes virtudes y también similares carencias, aunque resulte evidente que en el montaje de Donner éstas últimas son más que perdonables. La cinta de Lester, comentaba más arriba, hace gala de momentos de excesivo humor que no están en el montaje de Donner y que restan eficacia a un conjunto al que el cineasta norteamericano no aporta personalidad alguna, algo que habría sido sencillo considerando el terreno tan abonado sobre el que tuvo que sembrar.

Lo que no resulta extraño, no obstante, es que el metraje se apoye más en el humor, dado que al prescindir de Donner, y por lo tanto de Mankiewicz, los Salkind volvieron sobre los pasos de lo escrito por el matrimonio Newman, y ya dejamos claro la semana pasada cuáles eran las cualidades de su guión: al estar carente casi por completo de esa obsesión por el tono camp con la que David y Leslie Newman caracterizaban su libreto, la cinta de Donner resulta mucho más acorde con el tono de la primera pero, por contra, al sólo poder contar con el material rodado por él mismo, adolece de una mejor coherencia, avanzando el filme a saltos que entorpecen su lectura fluida.

Del filme estrenado en 1980 me quedo, como decía antes, con toda la secuencia de París, con el fugaz plano del Monte Rushmore —mucho más efectivo que el del Obelisco de Washington que lo sustituye en el filme de Donner— y con el enfrentamiento de Superman y los tres criminales kriptonianos en la Fortaleza de la Soledad. Del de Donner no guardo ningún momento en concreto, sino la sensación global de que, de haber contado en su momento con el apoyo de los Salkind, el cineasta podría haber rodado una segunda parte a la altura de la primera, consiguiendo ya con este monstruo de Frankenstein que es su montaje dar una visión conjunta y global sobre el personaje bastante más cohesiva que lo que logró Lester con su cadáver exquisito.

Otra crítica en Blogdecine

‘Superman II’, ¿de Richard Lester?

No son pocos los tebeos españoles que alcanzaron gran popularidad en un momento u otro. Por desgracia, la mayoría de ellos han caído en el olvido o siguen publicándose pero con una calidad muy lejana a la alcanzada en su apogeo. Los intentos de capitalizar su éxito en la gran pantalla han sido más escasos de lo que uno podría esperar, en especial tras el gran éxito de ‘La gran aventura de Mortadelo y Filemón‘ (Javier Fesser, 2003), pero parece que eso va a cambiar, ya que Zeta, la misma productora detrás de ‘Zipi y Zape y el club de la canica‘ (Óskar Santos, 2013), acaba de confirmar el salto a la gran pantalla de ‘Anacleto, agente secreto‘, el célebre tebeo creado por Vázquez en 1964.

Para aquellos que no estéis familiarizados con ello, conviene recordar que ‘Anacleto, agente secreto’ es una parodia del cine de espías tan de moda en los años 60 gracias a la irrupción en el séptimo arte de un tal James Bond. No obstante, Vázquez reconoció que, pese a haberse creado a posteriori, Maxwell Smart, el protagonista de la televisiva ‘Superagente 86‘ (1965-1970), fue quien más influenció a su creación. Lo que no me convence demasiado es que uno de los productores de la película haya querido vincularla con Austin Powers, ya que su humor difícilmente podría ser más diferente y eso podría traducirse en una adaptación cinematográfica de dudoso interés.

Por ahora nada se sabe sobre quién será el actor elegido para interpretar a Anacleto, pero sí que se ha anunciado que será Javier Ruiz Caldera —’Promoción fantasma‘ (2012)— el encargado a dirigirla. Por mi parte, me gustaría recomendaros los tebeos originales y no sería tampoco mal momento para echar un vistazo o volver a ver ‘El gran Vázquez‘ (Óscar Aibar, 2010), biopic del creador de ‘Anacleto, agente secreto’ con Santiago Segura dando vida al irrepetible Manuel Vázquez.

Vía | Variety
Imagen | La arcadia de urias

Hace apenas dos semanas fallecía Bryan Forbes, actor, escritor y sobre todo director británico en cuya filmografía destaca esta sorprendente ‘Plan siniestro’ (‘Seance on a Wet Afternoon’, 1964), perteneciente al thriller psicológico, género muy de moda en aquellos años sobre todo en la cinematografía inglesa. Su importancia, al lado de otras obras de la época —podríamos citar la imprescindible ‘Suspense’ (‘The Innocents’, Jack Clayton, 1961), el mismísimo miedo filmado, como una de las cumbres del género— es indiscutible y la influencia en el cine posterior incuestionable. Hace poco uno de nuestros mejores directores, Rodrigo Cortés, señalaba en su cuenta de twitter que sin esta película, entre otras, un film como ‘Luces rojas’ (‘Red Lights’, 2011) no habría visto la luz. Y tanto, porque las coincidencias son visibles y aunque prefiero de lejos el film de Forbes, la película de Cortés le rinde un sentido homenaje.

Todo un progidio de película, maravillosa muestra de un tipo de cine hoy un tanto olvidado y que necesita una urgente reivindicación, como muchas de las películas de aquellos años, totalmente desconocidas para los cinéfilos de hoy día. De una extrema sensibilidad y gusto por el detalle, ‘Plan siniestro’ es una historia sobre un secuestro de una niña, y los fantasmas personales de una mujer con problemas mentales y que realiza sesiones de espiritismo. Sus armas, una lograda atmósfera de suspense, que va enturbiándose cada vez más y dos interpretaciones impresionantes, sobre todo la de Kim Stanley que le valió una nominación al Oscar a la mejor actriz principal, premio que fue a parar a Julie Andrews por su composición en ‘Mary Poppins’ (id, Robert Stevenson, 1964), un film en las antípodas del que nos ocupa.

(From here to the end, Spoilers) El film se presenta a sí mismo con una muy inquietante secuencia de espiritismo en la que la luz de una vela juega un papel importante, todo un detalle lleno de sugerencia que marcará sin compasión el resto de la cinta, sobre todo en lo que respecta al personaje femenino, sin duda el más rico en matices y de múltiples interpretaciones. Atención a la ambigüedad de la secuencia, la misma que se extenderá hasta el clímax de la cinta, en la que además de aclarar ciertas cosas, sigue dejando cierto espacio para lo ambiguo. ‘Plan diabólico’ rehuye inteligentemente cualquier tipo de etiqueta. ¿Qué estamos viendo? ¿Un drama sobre una mujer que se ha vuelto loca debido a una importante pérdida? ¿Una historia de fantasmas? ¿Un policiaco sobre un secuestro? ¿La historia de una relación amorosa profunda pero perdida? Todo al mismo tiempo, y con una envidiable puesta en escena que marca cada momento.

La película va mostrando sus cartas poco a poco, y de vez en cuando juguetea con el espectador, pero jamás sin tomarle el pelo —el principal problema de los thriller psicológicos de hoy día es jugar, engañar al público con efectismos y truculencias apoyadas en giros imposibles—, con un Forbes muy contenido en su escenografía donde encontramos prodigiosos encuadres que enfrentan a los dos personajes centrales mostrando así una relación de dominación/sumisión con algunos instantes patéticos, al ver a Billy —un soberbio Richard Attenborough, también productor del evento, y con una prótesis nasal para caracterizarse— totalmente entregado al amor que siente por su esposa y al mismo tiempo encerrado en ese amor que no le deja huir de ella, temiendo siempre lo peor. Es fácil sentir compasión por él cuando secuestrando a la muchacha —un plan de su esposa para más tarde ofrecer sus servicios de vidente a la policía— se topa con ciertos inconvenientes. Reminiscencias del mismísimo Hitchcock suenan en dicho momento, toda una aventura para un hombre ordinario y con poca capacidad de arrojo.

Tres personajes predominan en el relato, Myra (Stanley), Billy, y en tercer lugar, Arthur, el hijo de ambos, que nunca llegó a nacer y habla continuamente con su madre dándole instrucciones. En ese aspecto, el film hace gala de la ambigüedad antes citada, e incluso de cierta ambivalencia que nunca desaparece ni cuando el film parece responder a todos los interrogantes. Sólo al final sabremos si Arthur es producto de la locura de una mujer que no pudo superar el no nacimiento —detalle este muy perturbador— de aquel, o por el contrario, Arthur es una presencia, sugerida muy sutilmente con juegos de luces, y que en los estados de trance domina a su madre. La incertidumbre proviene, además de la exquisitez de la puesta en escena de Forbes —mención especial a la fotografía de Gerry Turpin—, de la portentosa interpretación de Kim Delaney, un monstruo que cambia de registro con una facilidad pasmosa. Baste comparar sus estados de ánimo dentro de la casa, en las sesiones de espiritismo y sus careos con la policía y los padres de la niña secuestrada.

‘Plan diabólico’ llega a dar la vuelta en el tratamiento de sus personajes. En un momento dado, aquel en el que Myra quiere asesinar a la niña y su marido se rebela, gritándole unas cuantas verdades y de paso dando información al espectador, los roles se intercambian. Él se torna con carácter y ella duda y siente temor. Todo vuelve a su cauce cuando llega el clímax final, casi a contracorriente, en el que la última sesión de espiritismo frente a dos agentes de policía, uno de ellos creyente, resuelta con imaginación proporciona a Stanley un tour de force arrollador y envolvente en el que se da la mano el más allá con la inestabilidad emocional. ¿Si Myra es una farsante por qué se deja llevar en sus trances actuando como si tuviera poderes hasta el punto de desvelar todo el tinglado? Porque su inestabilidad le hace creer en su don.

Poderosa, intensa, fascinante, ‘Plan siniestro’ no se olvida tras su visionado, sino que sigue jugueteando en nuestra mente, tal vez haciendo mella en nuestro subconsciente como pocas películas de este género lo consiguen.

Antes de enfrancarse en los preparativos para el rodaje del séptimo episodio de la saga Star Wars, J.J. Abrams goza del enorme éxito que ha obtenido con ‘Star Trek: En la oscuridad’ (‘Star Trek Into Darkness, 2013), la única película que ha sido capaz de arrebatarle el trono en la taquilla americana al superblockbuster ‘Iron Man 3’ (‘Iron Man Three’, Shane Black, 2013), que sigue su exitosa andadura por las carteleras de medio mundo. El trabajo de Abrams tiene entusiasmado al público votante en la IMDb, que se deshace en elogios, mientras que la crítica la trata muy bien, a la altura de la anterior entrega.

Salvo la cinta de Robert Wise, nunca he encontrado interesante el mundo trekkie hasta que llegó J.J. Abrams y lo hizo atractivo. La segunda entrega se estrenará en nuestras pantallas el próximo 5 de julio, y servirá como apertivo a lo que el director nos mostrará en el 2015, cuando cierta fanfarria de John Williams suene estruendosamente en nuestros oídos. Mientras tanto la fuerza parece acompañar a Abrams. Y que dure.

Vía | IMDb