A Paul Verhoeven lo que siempre le ha interesado, según sus propias declaraciones, es la Historia. La Sci-fi, que sería el ejercicio opuesto a la Historia, porque significa mirar hacia el supuesto futuro en lugar de mirar hacia el supuesto pasado, le aburre hasta la médula. No deja de ser irónico en un director que ha filmado cuatro películas de ficción científica de las seis que ha hecho en Hollywood. La más impresionante de todas ellas, seguramente, ‘Robocop’ (id, 1987), que es su primera película íntegramente norteamericana, aunque ya había dirigido una hablada en inglés, la aventura medieval ‘Los señores del acero’ (‘Flesh+Blood’, 1985), una coproducción entre España, Holanda y Estados Unidos que fue su última película de época. La última hasta que volvió a su país natal y filmó la magistral ‘El libro negro’ (‘Zwartboek’, 2006), resarciéndose seguramente de no haber podido hacer ninguna película parecida en Estados Unidos, por mucho que algunos cinéfilos le agradezcamos el coraje que demostró en algunos proyectos.

Coraje ilimitado en el caso de ‘Robocop’, película de gran presupuesto y de grandes ambiciones comerciales que se erige en verdadero cine de autor. Cine con muchos efectos especiales, mucha acción y un gran deseo de impresionar y divertir al espectador, y que, sin embargo, es una de las más grandes películas norteamericanas de los ochenta. Como los grandes maestros de cuatro o cinco décadas atrás, que habían emigrado de Europa huyendo del nazismo o simplemente buscando mayores oportunidades en sus carreras, Verhoeven llegó a Hollywood, cogió un proyecto ajeno, que en un principio se sintió reacio a dirigir, y talló una joya que a día de hoy se mantiene tan joven y tan escalofriante como el día que se estrenó. Porque debajo de todo su aparato de gran espectáculo, de su condición de cine industrial, late uno de los filmes más escalofriantes, espeluznantes y estremecedores que ha dado el cine americano en las últimas décadas. Una extenuante peripecia emocional imposible de olvidar.

Los escombros del futuro

Cuentan que la principal inspiración, a la hora de diseñar el personaje y escribir el guión, le vino a Edward Neumeier después de ver la proverbial ‘Blade Runner’ (id, Ridley Scott, 1982), pero también de personajes de cómic como el Rom de la Marvel, al que añadió unas gotas de sabor manga y otras de gore. Sea como fuere, ‘Robocop’ nos traslada en un distópico y no muy lejano futuro de la ciudad de Detroit, en la que las calles son testigo diarios de tiroteos y matanzas, con los policías incapaces de mantener el orden civil, y con las grandes multinacionales pugnando por conseguir el control de la seguridad ciudadana. En muchos sentidos, ‘Robocop’ es un western con rascacielos de neón, y con un personaje central resucitado en busca de una venganza que, al mismo tiempo, le devuelva su mutilada humanidad. Pero debajo de todo ello obtenemos una salvaje parábola de un mundo que es el nuestro, y que se derrumba bajo la corrupción y la tecnología mal empleada.

El sustrato social que nos describe esta película nos estremece porque nos recuerda poderosamente al nuestro. Como con ‘Hijos de los hombres’ (‘Children of Men’, Alfonso Cuarón, 2006), sospechamos que los telediarios que machaconamente salen en la película (y que han sido copiados en infinidad de filmes posteriores) terminarán siendo los nuestros, y que el salvaje paisaje urbano en el que los mercenarios y los asesinos campan a sus anchas, terminará también siendo el nuestro. Verhoeven nos pinta un futuro más que incómodo, y lo hace dibujando una metrópoli muy parecida a cualquiera de las grandes actuales, sin forzar la imaginería futurista, salvo en los asépticos y gélidos edificios corporativos, cuyo lujo revela con mayor nitidez la corrupción y la miseria moral que habita en ellos. La excelente fotografía de Jost Vacano se encarga de crear un mundo sin apenas colorido, en el que lo metálico, ya sea impoluto u oxidado, es lo preponderante, rodeado de luces duras y frías, como en un eterno otoño, con la luz del sol casi desterrada.

El notable diseño de producción de William Sandell (‘Master & Commander’, ‘Pequeños guerreros’), junto a la dirección artística de Gayle Simon, es en gran parte responsable de que aún siendo una película de ciencia ficción de los años ochenta, no haya quedado casi anticuada, y de que visualmente mantenga prácticamente intacta toda su fuerza y su impacto. La sencillez de los decorados y la creatividad a la hora de hacerlos verosímiles, son un ejemplo de escenografía de gran calidad. Se trataba de hacer creíbles todo tipo de espacios: edificios inmensos y opulentos, tiendas de barrio, callejones arquetípicos, fábricas abandonadas, laberintos de autopistas, bloques siniestros de oficinas, el luminoso e idealizado hogar para siempre perdido… Pero todo ello no habría valido de nada sin un diseño de sonido poco menos que magistral, que nos hace sentir esos escombros futuros de forma aún mayor. Stephen Flick y John Pospisil se llevaron un Oscar especial por el montaje de sonido. No es para menos.

Los dolorosos recuerdos del monstruo

Aún hoy día, acostumbrados a títulos sangrientos, sorprenden el pasmoso salvajismo y la violencia gráfica de esta película, que comienza con la brutal muerte de un alto ejecutivo, acribillado por un enorme prototipo de droide en mal funcionamiento, hasta quedar reducido a poco menos que pulpa gelatinosa, y continúa con el sádico mutilamiento del policía James Murphy por parte de la que probablemente sea la panda de bandidos más abyecta y cruel que se ha visto en muchos años de cine. La gran mayoría de estas secuencias salvajes desaparecieron del montaje para Estados Unidos, después de recibir varias calificaciones x que comprometían su distribución en gran manera. Pero estas imágenes de muerte y desesperación, al contrario que en la muy inferior ‘Desafío total’ (‘Total Recall’, 1990) existen para mostrar una realidad escalofriante, y no para divertir al espectador con miembros y órganos destrozados en un producto palomitero. Sentimos una compasión inmensa por Murphy, una especie de mártir al que primero mutilan y luego utilizan para convertirlo en una suerte de super-policía invencible. Interpretado por el gran Peter Weller, este actor sabe dotar de una gran humanidad y nobleza a su personaje.

En un mundo en el que lo que importan son los beneficios económicos derivados de la necesidad de seguridad ciudadana, todo vale. Nos sentimos impotentes y arrasados viendo cómo cogen los despojos de Murphy a mayor gloria del estado de bienestar, del orden, de la autoridad. Se impone el fascismo sobre la frágil y mísera condición humana, que implora que la defiendan contra la barbarie, e importa poco que quizá Bob Morton (interpretado por Miguel Ferrer) tenga buenas intenciones además de intereses comerciales. El detonador, la chispa que encenderá la humanidad perdida de la máquina de orden y seguridad que ahora es James Murphy, será su antigua compañera (la maravillosa Nancy Allen), y poco a poco irá recordando, como un monstruo de Frankenstein hecho de pedazos y de remembranzas, lo que le hicieron, lo que perdió. La desgarradora secuencia en la que visita su antigua casa es aún más dolorosa por sus planos subjetivos, y por la verdad y la vida que se desprende de ellos.

Verhoeven filma con igual destreza y maestría los desoladores recuerdos y los momentos de fraternidad y amistad de la compañera, que las impresionantes secuencias de acción. Muchas de ellas, como el asalto a la fortaleza de los bandidos, el rescate de la muchacha, el tiroteo en la autopista, o la emboscada final, beben de las esencias más puras del western, en las que un pistolero solitario (que además desenfunda y vuelve a enfundar a la vieja usanza) se enfrenta a sus enemigos y sale victorioso aunque malherido. Todas estas secuencias están planificadas y montadas por un maestro del cine de acción, y duele verlas, al contrario de tanto producto trivial del género. Los actores que dan vida a los nauseabundos enemigos de Murphy, son un rosario de rostros inigualable: el genial Ronny Cox, que da vida al icono supremo de super-ejecutivo sin escrúpulos; el no menos genial Kurtwood Smith, jefe inhumano de los bandidos; Paul McCrane, Ray Wise... Sin ellos el climax final no hubiera sido tan desolador y tan potente. Una conclusión que pese a su apariencia de final feliz deja un poso de amargura innegable. ¿Qué será ahora de James Murphy?

Grandísimo cine

Lo decía el mismo Verhoeven: de sus seis películas en Estados Unidos, tres son formidables (‘Robocop’, ‘Instinto Básico’ y ‘Staship Troopers’), y las otros tres muy inferiores. No estoy por llevarle la contraria. En el caso de ‘Robocop’, su lúcida reflexión acerca de las ciudades del futuro y de las grandes multinacionales, su representación de la piedad y la ternura por parte de la compañera policía frente a la crueldad y la insensatez del mundo, el prodigioso maquillaje de Rob Bottin (que alcanza su cumbre una vez Murphy se quita el casco y la piel de su cara cubre la parte metálica de su cráneo…), la imponente música de Basil Poledouris, las sensacionales secuencias de acción, su crítica social y su desolador final hacen de ella una obra absolutamente redonda e incontestablemente maestra.

Si en una conversación suena la palabra saga es casi seguro que la totalidad de los presentes piensan al momento en dos series cinematográficas cuyos personajes han salido de la mente de un tal George Lucas. Lógico y evidente. Eso si hablamos de sagas buenas o interesantes, pero si a colación sale el hablar de sagas pésimas, malas o nada interesantes lo cierto es que hay para dar y tomar. Personalmente me acuerdo cuando los inútiles cadetes de ‘Loca academia de policía’ (‘Police Academy’, Hugh Wilson, 1984) regresaron durante seis años más a torturarnos —para el año que viene se piensa en una octava entrega—, y también del temible Jason en una interminable serie de la que yo al menos he perdido ya la cuenta de títulos. Y así podríamos seguir con Michael Meyers y similares, o dando un pequeño salto irnos a Star Trek, que salvando el film de Robert Wise, el resto me parece demencial.

Pero viendo una película como ‘La saga crepúsculo: Luna nueva’ (‘New Moon’, Chris Weitz, 2009) me doy cuenta que no hay nada como una buena hostia para abrirte los ojos. Habiendo sufrido su primera entrega y pasando ampliamente del estreno en salas de cine de esta secuela, decidí rescatarla en DVD a pesar de muchas malas críticas —entre ellas la de mi compañero Juan Luis Caviaro— que la ponían fina, la nota del gran público en la IMDb —y que es meramente orientativa—, o incluso algunos fans que llegaban a decir que ellos ya sabían que iban a ver una mala película, la más delirante de las argumentaciones jamás oídas. Ahí me lancé, sin red ni nada, a comprobar como el señor Chris Weitz lograba empeorar una saga que va camino de convertirse en la mayor memez de la historia del cine.

‘New Moon’ sigue los hechos narrados en la anterior entrega dirigida por Catherine Hardwicke —la responsable de idioteces del calibre de ‘Thirteen’ o ‘Los amos de Dogtown‘—; Bella sigue enamorada del vampiro más soso de toda la historia (Edward), quien decide abandonarla para evitar hacerle daño por su condición de mortal. Se marcha lejos, muy lejos, —en cuerpo, porque el espíritu no deja de dar el coñazo todo el rato—, mientras Bella sucumbe al dolor del corazón herido. Pero con sus 18 añitos tendrá tiempo de hacer buenas migas con un tal Jacob —chiste fácil: no, el de ‘Lost, no— que resultará ser un hombre lobo que se enamora de ella y que también decide abandonarla. Conclusión: Bella es la tipa más gafe del cine reciente, no se enamora de gente normal y corriente, no, lo hace de criaturas fantásticas que se atormentan y deciden dejarla de lado para que pueda seguir disfrutando de su normalidad. ¿Debemos como espectadores sacar conclusiones de esto, o simplemente debemos partirnos de la risa? Yo opto por lo segundo.

Porque ‘New Moon’ puede ser disfrutable señores, sí. Al menos desde cierta perspectiva que en los últimos años se ha puesto muy de moda y es el ver una película sabiendo que es mala y reírse de ello, lo cual mirado un poco detenidamente no dice demasiado de quien lo practica y hasta puede ser una completa pérdida de tiempo. Pero como la vida es muy larga, y tenemos días y días para hacer lo que queramos en nuestros 175 años de esperanza de vida, ¿a quién coño le importa aprender algo cuando se trata de cine? Lo que se lleva ahora es el disfrute inmediato y olvido fulminante del producto visionado, algo que le debemos sobre todo a gente como Jerry Bruckheimer y sus acólitos. ‘New Moon’ es un claro ejemplo de ello, no se necesita más de una neurona para disfrutarla. Cine idiota destinado a los adolescentes enmarcando un relato de fantastique dentro de los límites de una comedia romántica. Porque no se equivoquen, esto no es una historia de amor con tintes de película de terror, esto se trata de una comedia. Involuntaria, lo que hace más delirante.

Desconozco por completo el original de esa señora llamada Stephenie Meyer, de la misma forma que ella ha declarado no haber leído jamás literatura de terror por lo que los precedentes de su historia o las posibles influencias proceden única y exclusivamente de su imaginación. En su mundo de lerdos los vampiros viven a la luz del día porque sí, y punto. Es por esto que no puedo hablar de ‘New Moon’ como adaptación. Sus defensores recurren a que es literal lo cual me hace sospechar de la nula calidad de los libros. Como producto cinematográfico puro y duro no tiene precio, es un bodrio de proporciones bíblicas, enormemente aburrido, con un penoso sentido del ritmo, interpretaciones lamentables y un trabajo de dirección inexistente.

Las riendas de la primera entrega fueron tomadas por Hardwicke, directora presumiblemente de cine de adolescentes por sus estúpidos retratos sociales. Que el sustituto fuera Chris Weitz tiene algo de sentido, pues su anterior trabajo, ‘La brújula dorada’ (‘A Golden Compass’), también estaba destinado al público más joven. Resulta muy extraño que éste haya sido el director de ‘Un niño grande’ (‘About a Boy’, 2002), codirigida con su hermano Paul, y que sí sabe acercarse al mundo adolescente en lo que respecta a la relación con el mundo adulto. Weitz ha olvidado todo lo que de bueno hay ahí porque evidentemente ha tenido que verse sujeto a las directrices marcadas en el libro de Meyer. El resultado contiene momento de humor perfectamente pensados para ello y otros completamente involuntarios. Sirvan como ejemplo la gracieta que el padre de Bella le hace sobre una cana y la reacción de ella; y cómo no, ese irrisorio instante onírico en el que Bella y Edward corren cual anuncio de champú o compresas, que ponen de relevancia no ya la incompetencia de sus responsables, sino el mal gusto de los mismos.

Kristen Stewart confirma sus nulas dotes para la interpretación, Robert Pattinson confirma sus nulas dotes para poner cara de lo que sea, y Taylor Lautner confirma sus nulas dotes para forzar una sonrisa. Michael Sheen y Dakota Fanning terminan por confirmar que aceptar un cheque por hacer el tonto es tan válido como hacer bien tu trabajo. Que Javier Aguirresarobe y Alexandre Desplant hayan prestado sus servicios a esta cosa debe responder también a meros intereses económicos. En el film no existe progresión dramática de ningún tipo, en más de dos horas no ocurre nada más allá del tormento de Bella ante la ausencia de su amado y que provoca ridiculeces como la del subidón de adrenalina o la conclusión en una población italiana en la que Weitz falsea el tiempo de forma alarmante.

El fascinante mundo de los vampiros queda mancillado pues por este engendro del que aún quedan dos partes más. Habrá que comprobar qué ha hecho un director como David Slade en la tercera entrega, pero mucho me temo que tal y como van las cosas, sus dos films anteriores parecerán verdaderas joyas. Me gustaría equivocarme pero somos todos tan previsibles…

A seguir escribiendo mientras me preparo para la sesión finale de un mundo más fascinante que el de Cre-PUS-CULO.

Dos noticias de la semana pasada sobre la factoría Pixar, que no habíamos comentado aquí. Esa imagen que tenéis ahí arriba es la nueva foto oficial de ‘Day & Night’, el nuevo cortometraje de los estudios de animación, que podrá verse antes de ‘Toy Story 3’ (el 23 de julio en nuestros cines), y que curiosamente se llama casi igual que la comedia de acción con la que Tom Cruise y Cameron Diaz pretenden forrarse este verano (‘Knight and Day’, ‘Noche y día’ en España). La primera imagen del corto la podéis ver aquí.

‘Day & Night’ (‘Día y noche’) está dirigido por Teddy Newton y dura 6 minutos. La sinopsis oficial es la siguiente: Cuando Día, un tipo acostumbrado al Sol, se encuentra con Noche, de oscuro estado de ánimo, saltan chispas; Día y Noche se temen y empiezan su relación con mal pie, pero a medida que se van descubriendo, se dan cuenta que cada uno puede ofrecer una ventana diferente del mismo mundo y que la amistad les ayudará a conseguir una nueva perspectiva. Al parecer, el corto se ha realizado para aprovechar el formato de moda, el 3D, ya que aunque los personajes se verán en 2D, las imágenes que hay dentro de ellos se proyectarán en tres dimensiones. Apetece verlo.

Y ahora la mala noticia. Disney & Pixar han cancelado la producción de ‘Newt’, una película que debía estrenarse en verano del año que viene. El proyecto que iba a dirigir Gary Rydstrom (responsable del corto ‘Abducido’) quedó en el aire cuando se supo que ‘Cars 2’ adelantaba su fecha de estreno a 2011. En un principio se pensó que se retrasaría a 2012, pero luego se anunció que ese año sería para ‘Monsters, Inc. 2’ y ‘Brave’ (anteriormente titulada ‘The Bear and the Bow’), por lo que el debut en el largometraje de Rydstrom se quedaba sin sitio. Es el primer proyecto de Pixar que se cancela. Al menos, en un futuro cercano, nunca se sabe, quizá más adelante lo retomen.

Lo cierto es que ‘Newt’ tenía una pinta estupenda. El proyecto se presentó en 2008 y tenía la siguiente sinopsis: Newt y Brooke, los dos últimos tritones de pies azules macho y hembra del planeta, se odian… pero la ciencia los obligará a salvar su especie de la extinción. No se han hecho públicas las razones, pero se dice que ya tenían demasiadas historias con animales, y que estando tan reciente el estreno de ‘Tiana y el sapo’, no parecía una buena idea para los jefazos de los estudios tener a dos lagartijas como protagonistas de una comedia romántica. Espero que no fuera por eso, porque sería una completa estupidez.

PD: ‘Toy Story 3’, ‘Cars 2’, ‘Monstruos 2’... y cancelan un proyecto original. Ya les vale.

Vía | Pixarblog

Pues nada, la Warner está empeñada en destriparnos ‘Inception’, ‘Origen’ para los españoles, a poco más de dos meses para el estreno. Aquí os traigo más material promocional de la nueva y esperadísima película de Christopher Nolan, en concreto, un nuevo tráiler, el tercero ya, y otro cartel, el cuarto, específicamente para las salas IMAX, donde el visionado del film debe resultar una experiencia increíble.

Del vídeo os puedo decir que dura más de dos minutos y que por lo tanto desvela bastante de la trama, así que allá cada uno (yo en cuanto he visto medio minuto lo he quitado, pero me ha dado tiempo de ver algunas imágenes impresionantes); parece que se trata ya del tráiler definitivo, aunque nunca se sabe. En cuanto al póster, es parecido a la última imagen de Origen (Inception) que vimos pero con un diseño más llamativo y extraño; he visto que en general está gustando mucho, a mí me parece horrible (algunos rostros no se reconocen y la perspectiva es un desastre), la verdad, me sigo quedando con el teaser del título entre los edificios. Ya me decís.

Protagonizada por Leonardo DiCaprio, Ellen Page, Cillian Murphy, Ken Watanabe, Marion Cotillard, Joseph Gordon-Levitt, Tom Hardy, Tom Berenger y Michael Caine, ‘Origen’ es un thriller de ciencia-ficción situado dentro de la arquitectura de la mente. A mí me sigue bastando con esta sinopsis que fue lo único que quiso adelantar Nolan en su momento, no veo necesario revelar más detalles. La fecha del estreno en nuestro país es el 23 de julio, una semana después que en Estados Unidos.

PD: Ya está confirmada la fecha del estreno de la tercera parte del Batman de Nolan: 20 de julio de 2012.

Vía | Impawards

Y eso que creo, de verdad, desde mi cinefilia y mi comicfilia, que este es un personaje tremendamente atractivo y tremendamente potente para llevarlo a la pantalla. Y la razón de que no consigan, de una vez por todas, filmarla y deleitarnos con ella, con la venganza eterna de Frank Castle contra los millones de mafiosos y criminales del ancho mundo, a base de golpes, tiros, explosiones, y mucha ira, creo que solamente puede achacarse a esa epidemia que sufre el cine de aventuras y acción, convertido ya en espectáculo de saltimbanquis, nenazas, adolescentes ávidos de pirotecnia barata, asepsia argumental, atmósferas átonas.

No es de extrañar, por tanto, que otro potentísimo personaje de la Marvel, conociera una aventura tan deleznable, tan ignominiosa, como aquella que nos encasquetó Gavin Hood sobre el fascinante, indómito Lobezno, convertido en gatito para niñitas en ‘X-men Origins: Wolverine’, que terminó de rematar la blandenguería conque Bryan Singer (que no es un director del todo desdeñable…) se acercó a tan mítica creación. Sin embargo, peor le han ido las cosas, si cabe, al viudo prematuro, veterano de Vietnam, que luce camisetas negras con una calavera blanca en el pecho.

Creo que la razón fundamental de que sean incapaces, es la misma que ha hecho imposible hacer una traslación mínimamente digna del Conan howardiano a la gran pantalla: y es que no son personajes políticamente correctos, precisamente todo lo contrario. Su salvajismo, su brutalidad, queda o bien empañada para no herir sensibilidades, o bien hiperbolizada de manera grotesca. En ese sentido, uno de los pocos capaces de mostrarla de manera poderosa fue John McTiernan. Él hubiera sido capaz, en sus buenos tiempos, de hacer un gran ‘Punisher’.

Él podría haber mostrado la violencia del personaje, sin dejar de ser convincente, como en ‘Die Hard’, y con imaginación y gusto por lo macabro, como en ‘Predator’. Además, empezó en una época propicia para una película sobre el perosnaje. Porque, si lo pensamos bien, vengadores brutales en el cine americano ha habido unos cuantos, sobre todo desde la década de los ochenta. Frank Castle fue creado en 1974, y creo que todos los Martin Riggs (‘Arma letal’) habidos y por haber, nacen de este modelo de guerrero urbano, hierático e invencible, estoico e irreductible. La guerrilla contra los aprovechados que surcan las ciudades en deportivos pagados con el dinero de las mafias.

De las tres películas que han hecho del famoso vigilante, me quedo, muy a mi pesar, con la primera, en la que un estupendo Dolph Lundgren repartía estopa a base de bien. La pena es que se haya quedado tan desfasada, entre otras cosas porque su director, Mark Goldblatt (que no ha vuelto a dirigir, por suerte), era un torpe de mucho cuidado, y no se podía tener peor gusto para la realización. Lundgren, eso sí, se acercaba bastante al ideal de Castle, si bien distaba mucho de lo que ahora, con los comics, ha conseguido el gran Garth Ennis.

Quince años hubo que esperar para una segunda película, esta vez dirigida por el desconocido Jonathan Hensleigh, y que fue masacrada por crítica y público, no sin razón, y a pesar de que Thomas Jane es un buen actor, pues su caracterización no convenció a nadie. Un Castigador bastante light, sin la fiereza que le caracteriza, aunque algún buen momento aislado tenía. El diseño de producción, eso sí, se acercaba bastante a lo que habíamos visto en papel, pero le faltaba veracidad y sordidez. Janes es demasiado joven para el papel, y algo blando.

Más adecuado para el papel, aunque sin pasarnos, fue el Ray Stevenson de ‘Punisher: War Zone’, que en España se editó directamente en DVD. Ya habíamos visto de lo que era capaz este cacho carne en la estupenda serie ‘Roma’, y la verdad es que la película es bastante cañera, pero el personaje está totalmente desdibujado, y la directora, Lexi Alexander, no es más que una pega-planos como hay cincuenta mil en la industria. El guión, un disparate. Así no podemos hacer nada.

Leyendo el volumen número 3 de la nueva serie de Marvel para Punisher, titulado ‘Madre Rusia’, que tiene un guión fenomenal (de Garth Ennis, cómo no), no me cabe duda de que algo así se podría hacer en pantalla, y sería un peliculón. Si yo fuera el productor, o pudiera simplemente elegir, pondría a John McTiernan de director, a alguna mala bestia de ex-convicto como Punisher, cien millones de dólares de presupuesto, diseño de producción de Henry Bumstead y… ¡a disfrutar!

Un año después de ‘Speed Racer’, los hermanos Wachowski ya preparan su nuevo trabajo. La noticia se ha destapado gracias a una periodista llamada Ariana Huffington, posiblemente una de las pocas personas que han pasado al mundo real directamente desde los libros de Harry Potter. La mujer, que escribe en el diario “The Huffington Post” (no es broma), avisó a sus lectores que se marchaba a Chicago para participar en el rodaje de lo nuevo de los Wachowski, una película bélica ambientada en una Irak futurista. Tal cual. Y ahí estaba la foto para confirmarlo: Andy Wachowski, Ariana Huffington y Lana Wachowski. Más de uno intentó el conjuro “Avada Kedavra” consigo mismo, otros empezaron a leer ‘Crepúsculo’... Pero al final, casi nada es cierto.

Bueno, la foto es real. Sí, la de la derecha es la misma persona que antes era Larry Wachowski; lo del disfraz ya se me escapa. Pero volvamos al asunto principal: el proyecto de los creadores de ‘Matrix’. Ni se está rodando, ni transcurre en Irak, ni la tal Ariana tiene un papel en la película (no sé cuál de los tres “ni” os tranquilizará más). En realidad, lo que ocurrió es que la periodista participó en unas pruebas de cámara que los hermanos van a presentar a diferentes estudios en busca de financiación para su nueva película. Esto es más normal, sí.

Y entonces, ¿de qué se trata? Nadie está seguro completamente, todavía, pero todo apunta a que es la adaptación de ‘Cloud Atlas’ (‘El Atlas de las Nubes’) escrito por David Mitchell. El libro consiste en seis historias encadenadas que nos llevan desde el siglo XIX a un lejano futuro post-apocalíptico; cada una es leída o vista por el protagonista de la que sucede a continuación.

Actualización: Ya se conoce el título del proyecto, es ‘Cobalt Neural 9’.

PD: Tom Twyker estaba vinculado a ‘Clouds Atlas’, pero se puso a trabajar en su nueva película, ‘Drei’. Puede ser que los hermanos le hayan quitado de en medio.

Vía | Chud

Steven Spielberg y Stacey Snider, como jefes de la DreamWorks Pictures, han confirmado que dan luz verde a ‘Real Steel’, una nueva adaptación de un relato de Richard Matheson a la gran pantalla (titulado ‘Hierro’ en nuestro país). El anuncio se hace oficial poco después del estreno de ‘The Box’, también basada en una obra del mismo escritor y que ha resultado un gran fiasco, tanto en críticas como en recaudación. Claro que ‘Soy leyenda’, otra “hija” de Matheson, fue un gran éxito de taquilla; cosa que probablemente no habría sido sin Will Smith. En cualquier caso, parece que en DreamWorks confían mucho en este nuevo proyecto, que costará en torno a 80 millones de dólares. El riesgo de perder una gran suma de dinero disminuye si tenemos en cuenta que la película, un drama de acción y ciencia ficción, estará protagonizada por Hugh Jackman, cuya sola presencia hizo de oro a la lamentable ‘X-Men orígenes: Lobezno’.

Para asegurar la inversión, los productores han confiado en Shawn Levy, responsable de las taquilleras ‘La pantera rosa’ (el remake, claro), ‘Noche en el museo’ y su segunda parte; una terrible noticia para los que esperábamos una adaptación seria y compleja. La historia de ‘Reel Steel’ se centra en un futuro en el que los robots han entrado en el mundo del boxeo, lo ha que ha llevado a la prohibición de combates con humanos; Jackman interpreta a un ex-luchador que encuentra y entrena a un robot de increíbles cualidades, al mismo tiempo que descubre que es padre de un adolescente. Teniendo en cuenta el presupuesto, podemos prepararnos para una buena ración de “espectaculares” peleas entre máquinas, a lo ‘Transformers’, aunque Levy ya ha adelantado que su película se parecerá más a ‘Rocky’... ejem. El rodaje comenzará el próximo mes de junio, con la intención de un estreno en 2011.

PD: Según la revista People, Jackman ya no es el hombre vivo más sexy del planeta. Ahora es Johnny Depp. Hmmm… ¿ha cambiado mucho Depp este año o es que ha bajado el nivel general?

Vía | ComingSoon

Una de las cuestiones que más dan que hablar a los cinéfilos y analistas es, sin lugar a dudas, ese concepto resbaladizo e inasible, muchas veces manipulado y manipulador, que el gran John Ford se negaba a acotar con esa vanidad a la que tantos se entregan, y que Sinatra admitió que era la verdadera razón de su fama y de su fortuna: el concepto siempre difícil del estilo.

La cuestión del estilo trae de cabeza a más de uno, mientras que para muchos es la verdadera razón de su cinefilia y el núcleo a partir del cual reflexionar acerca de la forma de arte que representa la puesta en escena cinematográfica. Ahora bien, y ahora profundizaré un poco en ello, creo que con esto de estilo muchas veces se pierde el norte.

Primero habría que responder a la inevitable pregunta, con las limitaciones personales de rigor: ¿qué es eso del estilo? Si por estilo entendemos las características de la mirada de un director, o la mera formalización visual y sonora de una historia, la respuesta podría ser infinita, y también muy reduccionista, pues todo se limitaría a hablar del aspecto más material del cine, y no de su esencia, que es lo que verdaderamente nos importa, creo yo. Es decir, creo que el problema suele estar entre diferenciar forma y contenido, cuando en el arte, la forma crea el contenido.

En el reciente 57º Festival de cine de San Sebastián pudimos ver, o más sufrir, la nueva película de Javier Rebollo. Después de lamentarme por haber visto una de las mayores bobadas que he visto en mi vida (y he visto muchas), Rebollo se alzó con la Concha de Plata al mejor director. Leí poco después a Carlos Heredero afirmar que la había ganado con todos los merecimientos. Y resulta curioso, y deprimente, que Heredero alabe con tanto ardor este vacuo ejercicio de estilo cuando hace años le leí también que en ‘Hero’ Yimou primaba el estilo en detrimento de la sustancia, por ejemplo.

Me explico: cuando digo que la forma crea el contenido, es tal cual, por eso nunca he entendido que se acuse a una película de ser “simplemente bella”, cuando ese debe ser su más grande objetivo, y bello es lo que contiene la armonía de la forma. Premiar el estilo facilón, burdo, pagado de sí mismo, de Rebollo, es precisamente encumbrar el estilo por el estilo, no como creación, sino como masturbación estética, en aras de un cine sin más objetivo que el de recrear ideas, no la vida misma.

En mi opinión, expresar ideas o sentimientos por medio del cine, es rebajar el cine, porque el arte está para expresar la vida misma, y pocas veces he visto, ya que nombrábamos a ‘Hero’, una secuencia de acontecimientos de amor y celos más vital y enérgica, más bella, que la que separa de muerte a los dos amantes vestidos de rojo. Eso me da la sensación de ser un pedazo de vida, tal cual. Formalmente muy estilizada, pero para contar algo.

Porque el estilo, en realidad, es lo de menos. No es más que una excusa sobre a la que tantos nos encanta hablar, cuyo fin último es que en la pantalla le ocurra algo a alguien, y que esto nos importe. Esto es lo más difícil de todo, y los grandes estilistas del mundo, léase Tarantino o Lynch, son quienes son, porque por mucho que digan sus detractores, bajo todo su estilo siempre están al servicio de una historia y unos personajes, eso que los puristas priman por encima de todo lo demás…

Realmente creo que el estilo, algo que como pueden comprobar nuestros lectores suele ocupar gran parte de mi trabajo en los estudios a directores en blogdecine, es algo insignificante cuando a los directores les importa más demostrar lo geniales que son sus ideas (como al aberrante Rebollo, enamorado de sí mismo hasta las cachas…) que expresar lo terrible que es la vida. Ahí está la clave que convierte en artistas inmortales a esos estilistas que se niegan a contar historias como todos los demás y que a menudo son tachados de elitistas por la mayoría.

Eso es muy cruel, Oskar. Les estás dando esperanza. No deberías hacerlo. Eso es muy cruel.

- Among Goeth

Después de ese tríptico terrible conformado por ‘Always’, ‘Hook’ y ‘Parque Jurásico’ (la primera muy cuestionable, la segunda lamentable, y la tercera flojísima), que tanto ha contribuido, en mi opinión, a rebajar la altura artística de la carrera de Steven Spielberg, llega un título clave en su filmografía, que él no tiene reparo en afirmar que es la más importante de todas las que ha hecho, mientras que por ejemplo considera ‘E.T.’ como la más personal.

Yo no estoy por la labor de llevarle la contraria. Quizá sea la más importante que ha hecho, aunque puede que también por razones que a lo mejor él no considera, como redimirle de varios años muy poco interesantes. No creo que ‘La lista de Schindler’ sea, ni mucho menos, esa obra grandiosa que muchos han proclamado, aunque está claro que es una película formidable a la que algunos defectos absurdos (y que además, convierten la práctica de la crítica cinematográfica en un ejercicio arduo de llevar a cabo) impiden una perfección absoluta que se insinúa en muchos momentos.

Un proyecto complicado

Y lo cierto es que es un proyecto que pasó por bastantes manos antes de llegar definitivamente a las suyas. Cineastas del calibre de Roman Polanski, Martin Scorsese o Billy Wilder, nada menos, pudieron haberla dirigido antes que él. El primero lo rechazó por motivos personales, el segundo intercambió proyecto con Spielberg (que iba a dirigir el remake de ‘El cabo del miedo’...), y el tercero intentó hacerse con los derechos, pero en el último momento los perdió en favor de Spielberg, cuando podría haberse convertido en el testamento del maestro austríaco, cuya madre fue asesinada en Auschwitz.

En cualquier caso, resulta apasionante la identificación que Spielberg experimenta por su protagonista, Schindler, y por el interpretado por Ben Kingsley, el contable Itzhak Stern. La notoria y en cierto modo célebre (aunque no fue la única de estas características, por supuesto, y hubo otros casos en los que se salvaron a un mayor número de judíos) historia del controvertido hombre de negocios Oskar Schindler, fue descrita de manera admirable en la novela homónima de Thomas Keneally, que Steven Zaillian, un consumado guionista, convirtió en un libreto también admirable, quizá el mejor que ha tenido Spielberg en muchos años.

El cineasta tomó la decisión, incontrovertible, de filmar en blanco y negro (exceptuando su prólogo y su epílogo), decisión que como se puede apreciar por su imagen, es acertadísima, aunque muchos temían que se pudiera acusar al director de pretencioso por ello. Pero es inimaginable esta película filmada en color, aunque se le hubiese aplicado algún tipo de decolorado, o hubieran decidido emplear una luz fría y siniestra. El blanco y negro era obligado, y en su primera colaboración con su ahora operador habitual Janusz Kaminsky (que aquí firma, de lejos, el mejor trabajo de su vida), consigue una fusión creativa total, para una imagen en verdad sublime.

Para el papel de Schindler, Spielberg contrató a Liam Neeson, y podemos afirmar que la decisión fue acertadísima. Neeson encarna al moralmente equívoco Schindler con una fuerza y una verosimilitud en verdad impresionantes y conmovedoras. Pero todo el reparto está a la misma altura. Fiennes interpreta al despiadado Amon Goeth con similar perfección. Kingsley, uno de los actores más completos de su generación, borda a su contable judío sin apenas mover una ceja. Y así todos y cada uno de los muchos intérpretes, protagonistas o episódicos. Cuando se supo que Spielberg había comenzado a filmar la película, muchas fueron las voces que demostraron su escepticismo. Supongo que muchas de ellas se acallaron cuando, al ver finalmente la película, observaron solamente el esfuerzo de Spielberg en la dirección de actores. Pero claro, hay muchos detalles más que señalar.

Complejo y contradictorio antihéroe

El tema de este relato, con el trasfondo del genocidio nazi, es por supuesto el viaje de Schindler desde el cinismo ilimitado de un hombre de negocios implacable y astuto, hasta la compasión absoluta experimentada como catarsis y transformación final. Y este largo viaje es entendido por Spielberg como una peripecia de redención a través de un dolor brutal, sin apenas esperanza. El horror visto muchas veces de frente, con la mirada limpia de un niño asombrado por la capacidad de destrucción y crueldad del ser humano. ¿Y como presenta a este anti-héroe? Es interesante observar que primero vemos sus manos, como hiciera con Indiana Jones, para después armar una magnífica secuencia en la que nos percatamos del poder de persuasión de este arribista sin escrúpulos.

En esta larga secuencia, filmada con maestría, se describe con qué habilidad Oskar se hace amigo de los principales mandos nazis para conseguir lo que se propone: salir de la ruina y forrarse con la guerra. Los azules ojos de Neeson son la viva imagen de la ambición, y en su relación con los hombres de negocios judíos (comiunidad a la que Spielberg no se resiste a criticar por su ánimo de lucro y la cobardía de algunos de ellos) comienza a gestarse su futuro destino.

Pero lo que va a vertebrar este relato son dos relaciones apasionantes, las que unen a Oskar con Itzhak Stern y Amon Goeth, respectivamente la luz y la oscuridad, que curiosamente van a extraer de Oskar lo opuesto a lo que representan. Oskar actúa como un espejo invertido ante ellos: la natural bondad del contable provoca mezquindad y displicencia en Schindler, mientras que la suprema abyección de Goeth (posiblemente uno de los personajes más repulsivos y repugnantes de la entera historia del cine) termina por sacar el lado más compasivo de este hombre tan fascinante y dual.

Schindler, poco a poco, va comprendiendo el momento histórico en el que vive, y la capacidad de ayudar de los judíos de la que goza por su privilegiada posición. Será capaz, por tanto, de pactar con el diablo (porque Goeth es el Mal Supremo), infinidad de veces, sacando partido de él, aprovechándose de su amistad, y aprendiendo a la vez a respetar el estoicismo y la serenidad de Stern.

Rasgos estilísticos

Después de tres películas de las que extraer rasgos estilísticos supone un dolor de cabeza, quizá porque no existían, ‘La lista de Schindler’ ofrece material abundante sobre el que escribir. Sin extendernos demasiado, para no hacer este capítulo demasiado largo, primero: decir que es evidente la gran autoexigencia que Spielberg demuestra durante toda la película. Y segundo: que esta historia es, incontestablemente, un verdadero “jardín”. Es decir, que el director se la juega, y de qué forma, llevando a cabo este proyecto.

Ahora bien, y después de dejar claro lo que opino de estos puntos, ‘La lista de Schindler’ queda, bajo mi punto de vista, por debajo de maravillas como ‘Shoah’ o ‘El pianista’. Por la sencilla razón de que el camino que se traza a sí mismo, Spielberg no es capaz de seguirlo durante toda la película. Me explico. Influenciado o inspirado de manera directa por las imágenes de la época y por películas como ‘Alemania, año cero’ (Roberto Rossellini, 1948), muy superior también a ésta, el director navega tanto por las aguas del melodrama histórico como por las del drama realista, y en ocasiones su barco zozobra, aunque nunca llegue a naufragar.

Visualmente alterna de manera brillante una narración cercana al documental de época (reforzado por un empleo soberbio de la cámara en mano), con una puesta en escena más clásica, aunque igualmente fluida, con un gran sentido de la atmósfera y un ritmo que no decae jamás. Y no le tiembla el pulso, narrando con una convicción inusitada esta progresión de atrocidades. Sin embargo, a medida que avanza el relato, estilísticamente sufre incoherencias y su mirada se resiente de ello. Para entendernos: esta historia nos acerca a las vidas de Schindler y sus empleados judíos, salpicada por momentos de horror, pero no siempre Spielberg está a la altura moral y estética de lo que narra.

Un ejemplo: un judío manco de avanzada edad es ejecutado por los nazis, y poco después de ello, Spielberg regresa al cadáver, aún con los ojos abiertos, y su cámara se aleja junto con la sangre. Es innecesario, tendencioso, y manipulador en extremo, tomando esa decisión. Sin embargo, muy poco después, Goeth manda ejecutar a la capataz judía que avisa de los malos cimientos de un futuro edificio. Ahí Spielberg es frío y despiadado, no hay un plano contemplativo o especulativo, sino la pura verdad, un balazo despiadado que nos pone la carne de gallina.

Más ejemplos: en la larga y escalofriante matanza del gueto, Spielberg alterna lo sublime (el plano de la anciana caminando por calle, adelantada por un grupo de furiosos nazis; el rosselliniano momento de la ingesta de objetos de valor) con lo vulgar y facilón (el nazi pianista tocando, mientras suenan los disparos y se ilumina el edificio con intermitencia). Y en cuanto al famoso y polémico momento de la niña vestida de rojo, creo que es una figura burda con la que Spielberg quería construir una metáfora entrañable del genocidio (el rojo quizá simbolizando la sangre derramada, como si fuera necesario simbolizar nada, el rostro espantado de una niña por cierto preciosa simbolizando la pérdida total de humanidad de los nazis) pero que resulta ñoño y tosco, y que rebaja la altura de esta escena.

Dos secuencias, eso sí, en las que Spielberg enseña el horror sin falsas componendas: la cremación de los cadáveres exhumados, y el paseo de las mujeres por el infierno en la tierra que fue Auschwitz. Ambos pueden ser los dos mejores y más escalofriantes momentos filmados jamás por Spielberg. Es conmocionador observar al nazi disparando a la pira de cadáveres (uno de los planos más desoladores que recuerdo haber visto en un cine), y es terrorífica la recreación del más famoso y siniestro lugar del siglo XX. Pero no siempre Spielberg mira al horror con semejante aplomo. Y el epílogo me parece, de nuevo innecesario, así como la caída en el sentimentalismo de ver llorar a Schindler en su despedida a sus empleados.

Conclusión

Una gran película, que roza con los dedos muchas veces la maestría, pero que no la atrapa a manos llenas. Spielberg recupera el talento perdido, o aguado, de sus realizaciones previas, y filma, junto con ‘Tiburón’, ‘E.T.’, y ‘La última cruzada’, una de sus películas más completas y conmovedoras. Se echa en falta, eso sí, una mayor cohesión estilística. Spielberg no es Rossellini, Polanski o Lanzmann, pero vuelve a ser Spielberg. La colección de barbaridades nazis en ocasiones es manipuladora, pero también en otras respira una verdad incontrovertible.

Uno de los estrenos más apetecibles de hoy viernes es la comedia independiente ‘(500) días juntos’. La película promete ser original, fresca y, sobre todo, anti-romántica. La intención es clara, captar a más público del que suele ir a ver esos empalagosos productos etiquetados como “comedia romántica”, centrados en una típica y aburrida relación entre dos protagonistas, que habitualmente consiste en los siguientes pasos: se conocen, no se soportan, luego se aman, se vuelven a odiar un poco y al final se aman ya con seguridad. La que se estrena hoy, en teoría, rompe con todo esto.

Además del atractivo papel con el que viene envuelta, ‘(500) días juntos’, traducción española de ‘(500) Days of Summer’, cuenta con el eficaz gancho de estar protagonizada por los jóvenes y prometedores Joseph Gordon-Levitt y Zooey Deschanel, que ya en el tráiler se ve que forman una estupenda pareja en la pantalla. Son actores populares que están ganando prestigio; Gordon-Levitt es uno de los grandes talentos de la cantera norteamericana, y Deschanel va acumulando fans poco a poco, aunque todavía está lejos de ser una buena actriz. En cualquier caso, la química entre ambos de es lo poco que se puede salvar de una comedia que, en el fondo, es lo de siempre.

Cuando lo habitual en este género es encontrarnos con la historia de “chico conoce a chica (o al revés) y se enamoran”, ‘(500) días juntos’ plantea una situación diferente, que en realidad sólo lo es en el cine, porque en la vida real se producen millones de casos así cada día: una persona conoce a otra, pero sólo una de las dos se enamora. En la película, narrada con una muy prescindible voz en off (que hace poco más que subrayar obviedades), vemos cómo Tom (Gordon-Levitt), empleado en una compañía que crea tarjetas de felicitaciones y condolencias, conoce a Summer (Deschanel), el día que es contratada como la secretaria del jefe.

Tom se enamora a primera vista (si es que esto existe) y aprovecha cada oportunidad que tiene en el trabajo para acercarse a Summer, enviándole “señales” más o menos claras (para él clarísimas, para ella y el público no tanto). Finalmente, gracias a un amigo, se ve en la situación de declararse abiertamente a la chica, quien lo encuentra “interesante”. Ella le dice que lo quiere como amigo, y él acepta, qué remedio.

Sin embargo, al contrario que Tom, que necesita las cosas claras y firmes, Summer es impulsiva e impredecible, y se lanza sobre él cuando en teoría sólo eran amigos. Al menos, la concepción de Tom de la amistad… Pasa el tiempo y los dos van intimando cada vez más, hasta que ella parece no tener secretos para él. Todo parece asentarse, Tom cree que Summer es su chica, pero ella se resiste: no cree en el amor, no cree en ser la novia de nadie, no cree en las etiquetas y adora su libertad. Tom no puede concebirlo, ¿qué pasa entre ellos? ¡Si hasta han tenido sexo en la ducha, como en las películas porno!

Hay que reconocer que los guionistas, Scott Neustadter y Michael H. Weber, y el realizador, Marc Webb, han sabido disfrazar hábilmente otra típica historia romántica comercial para que parezca algo mucho más elaborado y profundo. Superficialmente, la película se sale de lo corriente, jugando con una estructura no lineal, de piezas desordenadas; algo parecido a lo que Michel Gondry en la sensacional ‘¡Olvídate de mí!’. De este modo, aunque veamos los 500 días que Tom pasa con Summer (en realidad no es así del todo), no los vamos a ver de forma ordenada, pudiendo comprobar lo que ocurrió el primer día que se conocieron y luego uno de los últimos, cuando la relación está en crisis, y ya todo parece destinado al fracaso.

Al principio se nos aclara que no estamos ante una película de amor, y nos muestran el día en el que Summer decide romper con Tom. Claro que eso ocurre cuando todavía queda mucho por delante, y después de que, en el trozo anterior (que en realidad ocurre después) los veamos en un banco, dándose la mano, ella con un anillo de boda. Entonces, ¿cuál es el final? Evidentemente no lo voy a desvelar, pero ya os aviso que no merece la pena descubrirlo. No porque, exceptuando la divertida estructura (que por cierto no se sigue todo el tiempo, quedando para el último acto casi todos los días del 400 en adelante) y el buen hacer de los dos protagonistas, la película está repleta de clichés, secuencias ñoñas y gratuitas, y, sobre todo, un desenlace poco menos que vergonzoso.

Definitivamente, quitaría el ridículo numero musical tras el primer ¡ejem!, la larga secuencia de los dos haciendo el tonto en Ikea, la escena ralentizada de Tom levantándose para abrir la puerta, la del brazo pintado, la rutinaria y estúpida parte de “ahora voy a ser el mejor arquitecto del mundo”... La hora y media pasa muy lenta por culpa de todo esto, que veo que a mucha gente le parece la repera (está entre las 250 mejores películas de todos los tiempos, según los usuarios de Imdb), pero sólo si eres muy joven, te alimentas exclusivamente de cine actual, disfrutas con montajes acelerados, truquitos visuales de videoclip, bromas más o menos “adultas” y conversaciones anodinas sobre nada en concreto, que no sé por qué se está traduciendo en que el guión es muy bueno (de ahí el éxito de la última de Tarantino).

En resumen, si te va el género romántico, no te la pierdas, es mejor que la mayoría de cosas que se estrenan; y si no te va este tipo de productos, puedes probar suerte y apostar por los actores, que sí están estupendos, muy naturales, hacen que te creas su particular relación. Al público que no soporte los pasteles norteamericanos, o no se acerque a la edad de los protagonistas, mi única recomendación es que pasen de pagar la entrada para ver ‘(500) días juntos’. Afortunadamente, hay otras opciones interesantes en la cartelera, y no está la cosa como para tirar el dinero.