Favoritos de kanpro en Blogdecine http://www.blogdecine.com/usuario/ seleccionado por kanpro http://www.blogdecine.com <![CDATA[1960-70: la cumbre del cine]]> http://www.blogdecine.com/reflexiones-de-cine/1960-70-la-cumbre-del-cine http://www.blogdecine.com/reflexiones-de-cine/1960-70-la-cumbre-del-cine Sun, 24 Jul 2011 16:03:27 +0000 seleccionado por kanpro annee3.jpg

Entre los muchos lugares comunes que rodean el mundo del cine, existe ese que dicta que, entre los años treinta y cincuenta del siglo veinte, sobre todo esa última década, se llegó a cimas inalcanzables. Una Edad de Oro irrepetible en la que se conjugaron genios a los que no pueden ni siquiera aspirar los grandes talentos de la actualidad, apagados injustamente por la llegada de la televisión en los años sesenta, y por el derrumbe de los estudios que levantaron un imperio de sueños y mentiras de celuloide. Como no me gustan los lugares comunes, ni estoy de acuerdo con esa idea en su mayor parte, debo decir que en verdad, bajo mi punto de vista, la cumbre del cine, en cuanto creación artística, tuvo lugar precisamente en esos años convulsos que tantos (para mi sorpresa) desprecian: los tumultuosos sesenta y los fundacionales setenta, que a mi juicio cambiaron el cine para siempre, lo devolvieron al lugar que merece entre las bellas artes, y lo despojaron de esa servidumbre consistente en considerarlo dependiente de otras artes como la literatura o el teatro, y otorgarle su verdadera plenitud.

El cine existe, entre otras cosas, porque en dos horas, poco más o menos, y dependiendo siempre del formato o de las inquietudes del artista que haya detrás, proporciona al espectador una experiencia de vida que, en el cada vez más asfixiante siglo XX (¡no digamos ya el siglo XXI!) no permite al hombre común experimentar en su propia existencia. Y esa experiencia de vida se hizo por primera vez patente con algunas de las ficciones más importantes de los años veinte, en plena época muda. Pero mientras esas obras maestras del cine mudo eran incompletas, porque carecían de la fundamental existencia del sonido, la llegada del cine con diálogos y ruido sincrónico significó una regresión en toda regla: la de olvidarse de que la imagen, y el sonido, son absolutos, y la de condenar al cine a un absurdo academicismo, a la mentira del glamour y del estrellato, a su fabricación industrial, que lo que consiguió fue encorsetarlo para poder venderlo como el arte (y el espectáculo) del siglo XX, cuando aún continúa siendo el arte del futuro, el que más cualidades posee para liberar al hombre del estado de letargo que la sociedad le impone.

Desde luego, en los años cuarenta y cincuenta, el cine norteamericano conquistó unas cuantas cumbres. En su mayor parte, gracias a emigrantes europeos que, en Estados Unidos, supieron ceñirse a las necesidades comerciales del momento para hablar de cuestiones profundamente personales. Pero no fueron cumbres más importantes que las que tuvieron lugar en Europa, con el neorrealismo, o en Asia, con la eclosión de inmensos talentos creadores. Pero estoy convencido de que no pueden compararse con las que tendrían lugar en los sesenta y los setenta. Por la sencilla razón de que el cine ya no era virgen. La semilla plantada por una serie de grandes obras de los cincuenta conocería su germen una década después. Ignorar esto, creo que es ignorar que el arte evoluciona, pese a quien pese. Si en los 50 los más grandes autores, como John Ford, habían deshecho la figura del héroe trágico, con ‘Centauros del desierto’ (‘The Searchers’, 1956), o como Robert Bresson, habían erosionado hasta destruirlo el concepto de puesta en escena tradicional (y por tanto, inservible para el espectador) con películas como ‘Un condenado a muerte se ha escapado’ (‘Un condamné à mort s’est échappé ou Le vent souffle où il veut’, 1956) o ‘Pickpocket’ (íd, 1959), o como Orson Welles, habían dinamitado el cine épico, histórico, de género o adaptaciones con ‘Sed de mal’ (‘Touch of Evil’, 1958) o ‘Mister Arkadin’ (‘Mr. Arkadin’, 1953), el cine estaba preparado para pasar al siguiente estadio.

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Los artistas que liberaron el cine

A veces pienso que se dieron la mano una serie de factores externos, más una serie de circunstancias sociales y estéticas, más algo de eso resbaladizo que llaman destino, para que en los años sesenta todo cambiara. El inabarcable pesimismo que rodeó el fin de la Segunda Guerra Mundial, la constatación de que el hombre se había superado a sí mismo en su capacidad para destruir a los de su propia raza y al resto de razas, y al propio planeta Tierra, el existencialismo y la perfección técnica de otras bellas artes como la novela, el ensayo o la divulgación científica a lo largo de los años cincuenta, la exploración de resortes emocionales como el fuera de campo, el punto de vista, el sonido psicológico, la mixtura de géneros, la secuencia musical y el silencio (inventado por el cine sonoro…), la renovación de conceptos fotográficos que bebían de las vanguardias europeas, el arte por el arte, el hedonismo conceptual y moral, se hicieron dueños de la representación cinematográfica y echaron abajo la idea del cine como un mero cuenta cuentos más o menos lujoso, para echar a andar por el fangoso (pero apasionante, rebelde, doloroso) camino del cine moderno: el que observa al hombre y al mundo con total libertad.

El cine de los años cuarenta y cincuenta, grande en sí mismo, no puede competir con el de los grandes artistas de los sesenta y setenta, porque todavía era esclavo de esa artesanía industrial en la que las estrellas mediáticas, las etiquetas de los géneros, la idea del cine como evasión lo dominaban practicamente todo. Además, sus enormes logros se veían empañados por su conservadurismo ideológico, que proponía especulaciones morales tales como que la puesta en escena era una demostración, antes que una creación de vida, un fin en sí mísmo, antes que una forma de expresión. Pero ya se estaba plantando la semilla, en los títulos nombrados y algunos otros, para dar el siguiente paso. Y tuvo lugar. En 1961 llega la fundamental ‘El año pasado en Marienbad’ (‘L’annèe dernière à Marienbad’, Alain Resnais), que tantas cosas destruyó y creó, ‘La noche’ (‘La notte’, Michelangelo Antonioni) y ‘Como en un espejo’ (‘Såsom i en spegel’, Ingmar Bergman), y el cine deja de ser un espectáculo y se convierte en una reflexión culta, profundísima, de los sentimientos y emociones humanas. Pero antes llega ‘La aventura’ (‘L’avventura’, Antonioni, 1960), y antes aún ‘Sombras’ (‘Shadows’, John Cassavetes, 1959).

Porque en los sesenta empiezan algunos de los más grandes, y transforman la faz de la cinematografía: el franco-polaco Roman Polanski en 1962, el mismo año que comienza a dirigir el gran director ruso Andrei Tarkovski. Pero otros veteranos como Luis Buñuel y Akira Kurosawa llegan a la plenitud de su trayectoria con las obras más personales (y probablemente las más completas) que han hecho hasta entonces, como ‘Viridiana’ (1961), ‘El ángel exterminador’ (1962), ‘Simón del desierto’ (1965), ‘Los canallas duermen en paz’ (‘Warui yatsu hodo yoku nemuru’, 1960), ‘Yojimbo’ (‘Yôjinbô’, 1961), ‘Sanjuro’ (‘Tsubaki Sanjûrô’, 1962). Para rematar, los mejores frutos de la Nouvelle Vage francesa (con François Truffaut y Eric Rohmer a la cabeza) y del Free Cinema británico llegan en los sesenta, muchos directores televisivos comienzan a pasarse al cine y a dotarlo de una inmediatez impensable hasta entonces, recuperando sobre todo un estilo documental que el cine norteamericano había perdido hacía varias décadas. Finalmente, de nuevo en 1960, Jean-Luc Godard firma ‘Al final de la escapada’ (‘À bout de souffle’) y el cine vuelve a ser tan libre como lo era en sus inicios, al margen de industrias, de público, de ganancias mercantiles, de academicismos. Un renacer.

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Los libérrimos caminos del cine esencial

Y si en Europa cristalizaban todos estos movimientos artísticos, todas estas pulsiones creativas, EEUU supo recoger las esencias de todo ello y darles una oportunidad a toda una serie de nuevos cineastas, pertenecientes a la primera generación de estudiantes universitarios de cine, llamados por la historia para reflejar a su modo tanta libertad creativa, tanta alegría de filmar. Los más combativos, como Dennis Hopper o John Cassavetes, impulsaron el cine independiente hasta límites que otros, hoy día, no pueden ni soñar. Y los más ambiciosos, los Spielberg, Lucas, Scorsese, Coppola, De Palma y compañía, se curtieron en televisión, en documentales, en seminarios, en cortos, hasta que por fin pudieron demostrar todo el genio que llevaban dentro. Se daban la mano los grandes talentos de EEUU y Europa para insuflar de vida y de verdad al cine, que ya daba síntomas de morir enquistado en tanto conservadurismo conceptual. Todos ellos rompieron con el pasado, mientras aprendían de él (pues había mucho de bueno también) y bebían de las ventanas abiertas por Lang, Ford, Walsh, Wilder, Hawks, Welles, Ozu, Mizoguchi, Buñuel, Hitchcock, Tourneur... La nueva generación tomaba un testigo tardío, pero robusto, y se proponía llegar lo más lejos posible.

Sin embargo, ya comentamos hace poco que todo este resurgir, este caudal de talento en ambos continentes, sin llegar a secarse, se truncó demasiado pronto, atenazado por los gustos del público (que considera, en muchas ocasiones, a este cine verdaderamente culto como el menos interesante que puede ver, lo que es desolador), por la avalancha de cine para adolescentes que comenzó a apabullar en los años ochenta, por haber atendido demasiado los cantos de sirena de los grandes estudios, y por haberse pervertido en parte. Sin embargo, hoy día, gran parte del cine más interesante de ambos continentes pertenece a esa misma estirpe esencial, transita por los mismos caminos estéticos e intenta ir más allá, sin preocuparse tanto del pasado y mirando siempre hacia el futuro, como todo verdadero artista que se precie. Los grandes artistas que surgieron o llegaron a la plenitud en los sesenta y setenta, crearon las obras de arte más audaces de la historia, y posiblemente las verdaderamente clásicas. Esto es, las que nunca envejecen, nunca pasan de moda, y están fuera de su tiempo mientras lo describen y se nutren de él.

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<![CDATA['El hobbit', imagen de los protagonistas]]> http://www.blogdecine.com/carteles/el-hobbit-imagen-de-los-protagonistas http://www.blogdecine.com/carteles/el-hobbit-imagen-de-los-protagonistas Sat, 12 Feb 2011 17:27:53 +0000 seleccionado por kanpro el-hobbit-reparto

Por fin arranca ‘El hobbit’, la nueva película de Peter Jackson. Tras superar numerosos obstáculos (lo último fue que Jackson tuvo que ser hospitalizado por una úlcera), está previsto que el rodaje comience el próximo 21 de marzo en Nueva Zelanda, y allí están ya los actores protagonistas, que aparecen retratados en la imagen que tenéis arriba. A la derecha tenéis a Martin Freeman, el elegido para dar vida al personaje central, Bilbo Bolsón (Bilbo Baggins en la versión original); los demás son James Nesbitt, Richard Armitage, William Kircher, Peter Hambleton, John Callen, Jed Brophy, Mark Hadlow y algunos más cuyos nombres no he encontrado.

Escrita por Jackson, Guillermo del Toro, Fran Walsh y Philippa Boyens, a partir de la novela de J.R.R. Tolkien, ‘El hobbit’ (‘The Hobbit’), que como sabéis será dividida en dos entregas, narra el viaje de Bilbo y trece enanos a la Montaña Solitaria, para reclamar el tesoro robado por el dragón Smaug. Ian McKellen, Elijah Wood, Andy Serkis, Orlando Bloom y Cate Blanchett han confirmado que figuran en el reparto, repitiendo los personajes que interpretaron en la trilogía de ‘El señor de los anillos’, a los que hay que añadir Saoirse Ronan, el último fichaje de Jackson. Se supone que en diciembre de 2012 se estrenará la primera de las películas, si no hay más problemas.

PD: El presupuesto de esta superproducción asciende a 500 millones de dólares.

Vía | Comingsoon

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<![CDATA['Tron Legacy' es lo que esperábamos: divertida y espectacular por fuera, floja por dentro]]> http://www.blogdecine.com/criticas/tron-legacy-es-lo-que-esparabamos-divertida-y-espectacular-por-fuera-floja-por-dentro http://www.blogdecine.com/criticas/tron-legacy-es-lo-que-esparabamos-divertida-y-espectacular-por-fuera-floja-por-dentro Fri, 17 Dec 2010 08:55:23 +0000 seleccionado por kanpro tron legacy 1

Cuando la maquinaria del marketing trabaja con la intensidad y expansión con una película como ‘Tron Legacy’ es difícil escapar a su influjo. Y como consecuencia, aproximarse al visionado resulta una experiencia contradictoria. Por una parte, se desea con ansiedad descubrir una película de la que se lleva tiempo conociendo, incluso intentando esquivar cualquier atisbo de su contenido. Por otra parte, los comentarios, las primeras críticas, la abundante información hacen que ya casi tengamos preconcebida una valoración previa que resulta difícil aparcar, a pesar de todo.

Dicho esto, cabe destacar que ‘Tron Legacy’ es lo que esparábamos. Sorprende en cuanto a su espectacularidad y no tanto en el resultado global. Pero al fin y al cabo es una película concebida para entretener. Que nadie espere encontrar una dimensión catártica en ese escenario irreal, onírico, ese mundo digital paralelo donde proyectar profundas reflexiones. Nada de esto se ha buscado y nada de esto hay en la producción de Disney. Sólo y únicamente puro entretenimiento y 3D espectacular.

‘Tron Legacy’: espectacular 3D

Y es que ‘Tron Legacy’ retoma con los recursos y esquemas de la actualidad esa pionera cinta de 1982 a la que entrega una secuela que intenta corregir y aumentar el legado digital, ese bonito traje vanguardista de colores azules y rojos de neón. Naturalmente, en este sentido empequeñece a ‘Tron’, por mucho que la que dirigiera Steven Lisberger supusiera un hito. Y es que el resultado visual es espléndido, sorprendente, con un 3D de lo mejor que se ha visto hasta el momento. También cabe señalar que la historia, el escenario y el planteamiento lo ponían en bandeja para hacer un trabajo brillante en cuanto a sus efectos visuales, como así ha sido.

Con todos los fastos dignos de una superproducción hollywoodiense épica, el ‘Tron Legacy’ de Joseph Kosinski nos regala un videojuego muy caro, un paseo por el espectáculo tridimensional de un mundo idílico, irreal pero asombrosamente bien construido (técnicamente hablando), tanto como el que fue el creado por Cameron en ‘Avatar’. Un paisaje digital cargado de luces, donde se respira en binario y donde todo es posible. Así es el mundo de Tron, donde la historia se retoma con claros guiños y donde también se recuperan los elementos esquemáticos de 1982 con solvente coherencia y bien integrados.

Ésta es la parte fácil, donde un presupuesto poderoso y un excelente equipo técnico ha trabado con cuidado y mimo para ofrecer la esencia visual de ‘Tron Legacy’. Y no se puede negar la valoración sobresaliente en este sentido, con el gran acierto del acompañamiento de Daft Punk, que compone una música machacona pero perfectamente apropiada, emocionante y que engrandece aún más si cabe a las escenas más espectaculares.

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‘Tron Legacy’ por dentro: historia rídicula, personajes absurdos y diálogos forzados

Pero cuando hablamos de cine, no solo el envoltorio es importante, aunque aquí sea básico, esencial y por donde empieza a construirse la producción –no nos olvidemos–, para completar la ecuación necesitamos una historia, unos personajes y una narración que justifique, le de sentido y emocione a unas imágenes tan bien cuidadas. Lamentablemente ‘Tron Legacy’ adolece de lo mismo que su antecesora, ‘Tron’. Demasiado esfuerzo en el apartado técnico y enormes fallas y tropiezos a la hora de construir el relato. Aunque ya ‘Tron’ demostraba que sus intenciones no eran precisamente trascender en este apartado, ofreciendo una historia tan esquemática como arquetípica, uno espera que se enmienden estos errores y obtener una continuación que consiga alejarse de estos defectos tal y como se ha conseguido visualmente. Pero no es así.

Tron Legacy’ se aprovecha de tópicos facilones (‘Blade Runner’ y ’2001: una odisea del espacio, por ejemplo) en la búsqueda de una continuación tan obvia, por momentos rídicula y no logra convencer en este sentido. La narración está condenada a ofrecer espectáculo y su búsqueda deja en evidencia el lastre de una narración condicionada para ello. En la que ni siquiera la recuperación del personaje de Kevin Flynn, en torno al que gira la aventura, se consigue aprovechar adecuadamente. Es más, su aparición en vez de emocionar –y más teniendo en cuenta que Jeff Bridges retoma su personaje casi tres décadas después– provoca bochorno. Convirtiendo en el ambicioso, hábil y atrevido joven entusiasta en un padre compulgido, que se debate entre el amor de su hijo, la carga de salvar al mundo sobre sus espaldas y conseguir una pureza interior que recoge el espíritu zen de forma absolutamente rídicula. Tando es así, que el Kevin Flynn de ‘Tron Legacy’ no es sino una especie de pésima parodia de Obi Wan.

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Por no hablar de la aportación de algunos personajes metidos con calzador y donde se acentúan las costuras de un guión sin suficiente empeño (y la presencia de un nuevo personaje, interpretado por Olivia Wilde, cuyo único cometido es aportar la belleza femenina). A todo hay que sumar lo poco convincentes que resultan las interpretaciones, aunque lastradas por diálogos a los que es difícil otorgarle seriedad, pasión y credibilidad. Tan impostados como accesorios.

Con todo hay que decir, que tampoco sorprende en este sentido. No es cuestión de querer ver defectos en el guión como si fueran excepcionales. Son los mismos que vemos a menudo en las grandes superproducciones de Hollywood. Es un mal del cine que se intenta suplir con presupuestos desorbitados y una imaginería desbordante que oculte el vacío. Aunque también hay que decir que no siempre se consigue ni siquiera este cometido. Al menos ‘Tron Legacy’ entretiene y mucho, sorprende con escenas tan esperadas como esas potentes motos luminosas (como ya lo fue en ‘Tron’) y logra dejar esa sensación de haber asistido a un espectáculo visual no hace mirar el reloj.

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<![CDATA['El árbol de la vida', tráiler y nuevo cartel]]> http://www.blogdecine.com/trailers/the-tree-of-life-trailer-y-nuevo-cartel http://www.blogdecine.com/trailers/the-tree-of-life-trailer-y-nuevo-cartel Thu, 16 Dec 2010 10:22:39 +0000 seleccionado por kanpro

La semana pasada mi compañero Jesús León nos trajo una lista con sus diez tráileres favoritos. Si yo hiciera una, definitivamente el que os traigo en esta entrada estaría en ella, es el mejor avance que he visto en mucho tiempo. Imposible no emocionarse ante el bellísimo tráiler de ‘The Tree of Life’, el nuevo y esperado trabajo de Terrence Malick (‘La delgada línea roja’, ‘El nuevo mundo’). También ha aparecido un nuevo cartel de la película, mucho más elaborado y sugerente que el anterior, aquel flojito teaser que vimos el mes pasado. La mala noticia es que todavía queda mucho para que llegue a los cines, tiene previsto su estreno el 27 de mayo, tras una más que probable presentación en el festival de Cannes.

Escrita por Malick, ‘The Tree of Life’ gira en torno a la vida de Jack, el hijo mayor de una familia norteamericana de la década de los 50, un viaje a través de la inocencia de la juventud y la decepción de la edad adulta, mientras Jack intenta corregir la complicada relación con su padre. La película está protagonizada por Brad Pitt, Sean Penn, Jessica Chastain, Fiona Shaw, Kari Matchett, Joanna Going y Jackson Hurst, entre otros.

Actualización: La película se estrena en España en septiembre con el título ‘El árbol de la vida’.

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PD: Tras echarle un segundo vistazo… ¿no parece que en el póster falta el resto del bebé?

Vía | Impawards

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<![CDATA['Tron: Legacy', la película]]> http://www.blogdecine.com/estrenos/tron-legacy-la-pelicula http://www.blogdecine.com/estrenos/tron-legacy-la-pelicula Mon, 13 Dec 2010 19:11:55 +0000 seleccionado por kanpro tron-legacy-2010

La única regla es sobrevivir.

Este próximo viernes se estrena por fin ‘Tron: Legacy’ (2010), la esperadísima secuela de ‘Tron’ (1982), auténtico título de culto dentro del género de la ciencia-ficción. Distribuida por Disney con la intención de arrasar en taquilla, la película dirigida por Joseph Kosinski llegará a nuestro país con más de 600 copias, así que no hay de qué preocuparse, no será complicado encontrarla en el cine más cercano. El único inconveniente es que de las 600, solo habrá 8 salas donde podrá verse en versión original subtitulada. Uno de esos asuntos tan viejos y tan absurdos que aún tenemos que soportar los aficionados al cine en España. ¿Hasta cuándo?

Steve Lisberger, co-guionista y director de la película original, ha participado como productor en ‘Tron: Legacy’, que han escrito Edward Kitsis y Adam Horowitz basándose en los personajes del film de 1982. Lisberger no es el único que repite en esta segunda parte, también regresan Jeff Bridges, que retoma el rol de Kevin Flynn, y Bruce Boxleitner, en el papel de Alan Bradley y Tron. Se sabe que Losinski mostró un primer montaje del film a David Fincher, que aconsejó algunos cambios, y también que Brad Bird (director de ‘Los increíbles’ y ‘Ratatouille’) y Michael Arndt (guionista de ‘Toy Story 3’) han trabajado junto al director en escenas adicionales para dotar de mayor emoción a la historia.

En Disney no quieren jugársela y han apostado muy fuerte por esta superproducción filmada en 3D que según parece ha costado en torno a 200 millones de dólares (se rumoreó que la cifra real rondaba los 300), y de la que se ha llegado a asegurar que sus efectos visuales superan lo conseguido por ‘Avatar’ hace un año. Habrá que comprobarlo. Pese a todo, los pronósticos en Estados Unidos apuntan a un fracaso del film en su fin de semana de estreno, al no haber logrado despertar tanta expectación como debería, pero no sería la primera vez que se equivocan. Sería una sorpresa que esto no tuviera éxito. ¿Tú vas a verla?

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La historia de ‘Tron: Legacy’

‘Tron: Legacy’ es una aventura de alta tecnología en 3D que tiene lugar en un mundo digital. Sam Flynn (Garrett Hedlund), un experto en tecnología de 27 años e hijo de Kevin Flynn (Jeff Bridges), investiga la desaparición de su padre y se encuentra metido en el mismo mundo de programas violentos y juegos de lucha donde su padre ha estado viviendo los últimos 25 años. Junto a la leal confidente de Kevin, (Olivia Wilde), padre e hijo se embarcan en una aventura a vida o muerte a través de un cyber universo que se ha hecho más avanzado y mucho más peligroso.

El director

Que no te extrañe si no te suena el nombre de Joseph Kosinski. Lo raro será que no suene dentro de unos meses. ‘Tron: Legacy’ es la primera película de este estadounidense nacido en Marshalltown, Iowa, hace 36 años. Todo un reto debutar con un blockbuster que aspira a barrer en las taquillas de todo el mundo, y además hacerlo con una segunda parte de un film de culto como ‘Tron’, uno de los títulos más populares del cine fantástico. Parece un gran riesgo dejar este gigantesco juguete en manos de un director debutante, que hasta el momento “solo” había destacado como técnico de efectos visuales y realizador de piezas publicitarias, así que algo debe tener. Lo que sabemos con seguridad es que le mola la ciencia-ficción; tuvo en sus manos la nueva versión de ‘La fuga de Logan’ (‘Logan´s Run’, 1976) pero, salvo catástrofe en taquilla, su próximo proyecto es un remake de ‘El abismo negro’ (‘The Black Hole’, 1979).

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Los actores

Los efectos visuales y el 3D pueden vender una película, pero para que emocione, para quede en la memoria, necesitas actores que estén afortunados con sus interpretaciones. Desde luego, contar con Jeff Bridges es toda una garantía. El veterano y querido actor, ganador de un Oscar por ‘Corazón rebelde’ (‘Crazy Heart’, 2009), vuelve a dar vida a Kevin Flynn, el protagonista de la original ‘Tron’. Gracias a la tecnología, Bridges también encarna a otro personaje que tiene su mismo aspecto, pero con 34 años. Podéis echar un vistazo a un tráiler para comprobar que el resultado es impresionante.

Pero el protagonista de la historia es el hijo de Flynn, Sam, a quien interpreta el joven Garrett Hedlund; prácticamente desconocido para el gran público, aunque ya ha participado en varias películas populares (era el “primo” de Aquiles en ‘Troya’), tuvo que superar a más de cien candidatos para lograr el papel. Otros destacables miembros del elenco son Olivia Wilde (protagonista de la serie ‘House’, ha intervenido en títulos como ‘Turistas’ o ‘Año uno’, recientemente ha rodado ‘Cowboys and Aliens’), Michael Sheen (‘The Queen’, ‘Underworld: La rebelión de los licántropos’, ‘Frost contra Nixon’), James Frain (‘Operación Reno’, ‘La venganza del conde de Montecristo’, o la serie ‘True Blood’), Beau Garrett (‘Turistas’, ‘La boda de mi novia’) y Bruce Boxleitner (‘Tron’, ‘Babylon 5’).

Lo que ha dicho la crítica sobre ‘Tron: Legacy’

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La película no tiene la complejidad de ‘Avatar’, y para algunos será como sentirse atrapado en un largo videojuego.

(Kate Muir – Times UK)

Uno de los mejores blockbusters de 2010.

(Silas Lesnick -ComingSoon)

‘TRON: Legacy’ es la mejor película que he visto partiendo de un guión realmente horrible.

(Gabe Leibowitz – Film and Felt)

Es un poco como ‘Fast and Furious’, dirigida por un Stanley Kubrick de vacaciones.

(Paul Byrnes – Sydney Morning Herald)

Como la primera, ‘Tron: Legacy’ no sabe a dónde ir, y se toma demasiado tiempo intentándolo.

(Jack Sargeant – Filmink)

Elegante pero no sofisticada, ‘Tron Legacy’ llega preprogramada para entregar unos buenos efectos visuales, sin ninguna réplica de emoción humana.

(Geoff Berkshire – Metromix)

Es una película que DEBE ser vista en salas 3D, para apreciar los genuinos efectos visuales, la música y un sonido que transporta al público a un delicioso viaje digital.

(Giles Hardie – Sydney Morning Herald)

Carteles

[[gallery: tron-legacy-carteles-de-la-pelicula-de-joseph-kosinski]]

Tráileres

  • En versión original:

  • En español:

Videoclip de Daft Punk, autores de la música de ‘Tron: Legacy’

Entrevista a Jorge Lorenzo, que ha intervenido en el doblaje

Vía | Impawards y Rottentomatoes

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<![CDATA[John McTiernan: 'Jungla de cristal']]> http://www.blogdecine.com/criticas/john-mctiernan-jungla-de-cristal http://www.blogdecine.com/criticas/john-mctiernan-jungla-de-cristal Sat, 27 Nov 2010 03:56:49 +0000 seleccionado por kanpro diehar-f1.jpg

El origen de ‘Jungla de cristal’ (‘Die Hard’, John McTiernan, 1988) hay que buscarlo en una película de las características de ‘Commando’ (id, Mark L. Lester, 1985) —para el que suscribe un deplorable film de acción, a pesar de la presencia siempre simpática de Arnold Schwarzenegger—, que estaba escrita por Steven E. de Souza, uno de los guionistas más representativos dentro del cine de acción de los 80 y buena parte de los 90. La historia que estrenaría la saga cinematográfica de John McClane era en principio un guió para realizar ‘Commando 2’ de la que se haría cargo John McTiernan. Como el director acababa de trabajar con Schwarzenegger en la estupenda ‘Depredador’ (‘Predator’, 1987), la ocasión de que ambos repitiesen era ideal, pero el actor declinó la oferta de repetir el personaje de John Matrix —en el guió él visitaba a su hija, ya crecida, en el edificio Nakatomi—, como también rechazó el papel de McClane cuando el proyectó pasó a convertirse en un film con una historia independiente.

¿A cuántos se nos cae la baba imaginando qué película habría salido con Schwarznegger a las órdenes de McTiernan? No dudo ni lo más mínimo que ahora estaríamos hablando de otro clásico del cine de acción. Pero no importa, porque lo que tenemos con Bruce Willis en su personaje más famoso, es precisamente eso, un clásico. Apareció en el momento justo, cuando el alicaído cine de acción necesitaba una fuerte revitalización, sentando las bases de nuevo. Su posterior influencia es el premio a un trabajo espléndido conseguido gracias a un guión milimétrico y una inspirada puesta en escena, obra de un hombre que se convertiría —para el que suscribe aún no ha sido superado— en el mejor director de cine de acción. John McTiernan.

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Pero antes de que Bruce Willis se hiciese con el personaje otros actores tuvieron acceso a él después de la negativa de Schwarzenegger. Sylvester Stallone, Burt Reynolds, Richard Gere, Harrison Ford y Mel Gibson fueron tentados antes y todos rechazaron el papel. Es indudable que la película se hubiese adaptado a la imagen que dichos actores se habían creado ante su público. Por eso es una suerte que ‘Jungla de cristal’ tuviese como estrella principal a un actor menos conocido, y del que el espectador se había hecho una idea de su faceta cómica gracias a la simpática serie de televisión ‘Luz de luna’ (‘Moonlighting’) y su participación en ‘Cita a ciegas’ (‘Blind Date’, 1987) y ‘Asesinato en Bervely Hills’ (‘Sunset’, 1988), dos extrañas colaboraciones con el gran Blake Edwards.

Puede haber algo del David Addison de la mencionada serie televisiva en el McClane de Willis, sobre todo en lo que respecta a sus ingeniosos comentarios, la mayoría idea del propio actor. Es evidente que el personaje en sí no es el colmo de la originalidad, el acierto está en que tanto Willis como McTiernan supieron manejar un tópico con pequeños elementos que ayudaron a dibujar un excelente personaje lleno de matices, en perfecta consonancia con el film, también rico en detalles. Uno de los más importantes es aquel en el que McTiernan reincide en un tema ya expuesto en su anterior película, en la que retornaba al hombre a su estado más primitivo para enfrentarse a un ser de otro mundo. En ‘Jungla de cristal’ la propuesta resulta más estimulante al situar la acción dentro de un enorme y sofisticado rascacielos en el que el héroe de la función se ve sólo ante el peligro, descalzo y en camiseta.

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De esa forma, para vencer a un enemigo superior en número, que se ha hecho con el control absoluto de los sistemas del edificio y que no se detendrán ante nada ni nadie —llegando a asesinar a dos personajes a sangre fría como señal de que no están para juegos—, McClane tendrá que forzar sus límites como ser humano y convertirse prácticamente en una bestia. Al respecto de esto, todas y cada una de las escenas de acción del film están filmadas con una precisión que asusta, en un crescendo dramático adornado con detalles tan ingeniosos como la relación que se establece por radio entre McLane y Al Powell —un excelente Reginald VelJohnson—, un sargento de policía que dará la alarma sobre lo que ocurre en el Nakatomi, y será la única voz amiga que oiga McClane durante su aventura.

Si en ‘Depredador’ McTiernan ya había dado muestras de su habilidad para el manejo de los espacios, en el presente film termina de confirmarse dicha habilidad, yendo un paso más allá. La extensa y frondosa selva se cambia aquí por un laberinto de pasillos, escaleras, ventanas y puertas, detrás de las cuales puede esconderse una trampa mortal, escenario en el que McTiernan hace gala de un uso muy elegante de la cámara, siempre en movimiento pero nunca cayendo en efectismos innecesarios. Como nada efectista es la historia, una aventura de apariencia simple, pero llena de emoción y suspense, a la que tampoco privan de ciertos toques de humor sobre las action man: apuntes machistas en McClane que se sorprende de que un hombre le bese, la queja de un soldado de asalto al tropezar con un rosal, o lo exageradas que están las figuras del orden, con los personajes de un policía que no sabe estar al mando, o los agentes del FBI que sueñan con hazañas bélicas a bordo de un helicóptero.

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Alfred Hitchcock solía decir que una película valía lo que el villano de la función. ‘Jungla de cristal’ cumple con creces esa especie de norma. Alan Rickman, que debutaba en el cine con esta película, compone un villano a la altura de las circunstancias. Su Hans Gruber es un hombre educado y culto, y al mismo tiempo un asesino sin escrúpulos. La compenetración con Willis, su antagonista, es máxima, desde el principio —la escena en la que Gruber, sorprendido por McClane, se hace pasar por un rehén que ha escapado— hasta el clímax final, en la que un chiste sobre ‘Sólo ante el peligro’ (‘High Noon’, Fred Zinnemann, 1952) da paso al brutal desenlace. Tal vez se caiga en alguna que otra concesión como esa repentina aparición final del personaje de Alexander Godunov, forzada a todas luces, pero que sirve para cerrar la historia personal del policía Al Powell.

Han transcurrido 22 años desde su estreno y ‘Jungla de cristal’ no sólo no ha perdido ni un ápice de su frescura, sino que ha ganado aún más con el paso de los años. Violenta —una violencia mucho más cruda e impactante que la de hoy día en films similares—, divertida, emotiva y espectacular. Con ella John McTiernan le ha lanzado al paso del tiempo un sentido “Yippee-ki-yay, hijo de puta”.

Especial John McTiernan en Blogdecine:

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<![CDATA['Eduardo Manostijeras', la libertad creativa de Burton]]> http://www.blogdecine.com/criticas/eduardo-manostijeras-la-libertad-creativa-de-burton http://www.blogdecine.com/criticas/eduardo-manostijeras-la-libertad-creativa-de-burton Mon, 08 Nov 2010 18:31:01 +0000 seleccionado por kanpro edward_scissorhands12.jpg

Por mucho que Tim Burton a menudo proclame la dureza de la industria hollywoodiense, lo cierto es que fue un niño prodigio que se amoldó a Hollywood con rapidez y profesionalidad. A su beca en Cal Arts, le siguieron el ingreso en Disney en 1979, a los veintiún años. A continuación dos estupendos cortos (‘Vincent’ y ‘Frankenweenie’), y poco después de abandonar Disney su primer encargo como director, ‘La gran aventura de Pee Wee’ (‘Pee Wee’s Big Adventure’, 1985), a los veintiséis años. Ni qué decir tiene que tanto este primer largometraje como los dos que le siguieron, ‘Bitelchús’ (‘Beetlejuice’, 1988) y ‘Batman’ (id, 1989), fueron encargos profesionales en los que él, a pesar de su escaso margen de maniobra, intentó incluir algunos de sus fetiches personales, con menor o mayor fortuna. Pero el grandioso éxito de la última de ellas le proporcionó un insólito poder en la industria y la posibilidad de llevar a cabo un proyecto que le rondaba hacía algún tiempo acerca de un misterioso muchacho con tijeras en lugar de manos, y por fin libre de la interferencia de los estudios, que se lo rifaban como el director estrella que ya era.

Nació así una de las películas estadounidenses más inclasificables de los años noventa, y la que probablemente sea la más personal y sentida de su director, que encuentra en el patético y solitario Edward un evidente alter-ego sobre el que descargar todo su amor por los cuentos clásicos, por lo gótico y por lo romántico. Sin ser ni mucho menos, a mi juicio, la obra maestra que en ocasiones se ha querido ver en ella, y estoy seguro de que tampoco la mejor película de su director (creo que ese rango lo ostenta la única película en blanco y negro que ha hecho Burton, sobre cierto director cutre y delirante…), ‘Eduardo Manostijeras’ (‘Edward Scissorhands’, 1990) sí que empieza a dar la verdadera medida del talento y la pasión de su máximo responsable, y aunque en su conjunto adolece de determinadas arritmias y zonas grises que empañan un poco su acabado, también posee tres o cuatro secuencias magistrales y conmovedoras que la aúpan muy por encima de la media del cine fantástico de los últimos años. Un filme estimable que se ve muy bien, y que se recuerda mejor.

Un personaje único

En la concepción de un personaje-metáfora tan extremo como Edward, encontramos rastros de famosos personajes literarios y cinematográficos. Edward es una suerte de pinocho que quiere convertirse en ser humano, pero también de un monstruo de Frankenstein cuyo padre le creó para dejarle incompleto, y en la puesta en escena de Burton no es difícil hallar reminiscencias de la magistral versión de James Whale de 1931. Este eterno adolescente, que no envejece jamás, es el opuesto a un Peter Pan vitalista y eufórico. En realidad se trata de una criatura con grandes dotes para el arte y lo bello, aunque su figura resulte tan siniestra y su rostro tan melancólico. Pero ante todo Edward es una metáfora de la adolescencia como época dolorosa de incomunicación y soledad, y sus tijeras pueden entenderse como la incapacidad de un muchacho para dar amor incondicional sin dañar a los que más quiere.

La interpretación de Johnny Depp no es especialmente compleja, pero el actor se volcó en un proyecto que le salvaría de convertirse, bien lo sabía él, en otra fugaz estrella adolescente, y le ayudaría a encaminar su carrera por parámetros más valientes y heterodoxos. Tim Burton había pensado antes en Tom Hanks o incluso en Michael Jackson, aunque la Fox le propuso a Tom Cruise. La futura superestrella lo rechazó finalmente, por creer que un personaje tan extraño podía ser negativo para su carrera, y dejó el camino libre a Depp, propiciando una de las relaciones director-actor más fructíferas y famosas de las últimas dos décadas. Depp no tuvo ningún reparo en dejarse afear y en renunciar a mostrar su admirado atractivo para interpretar a Edward. Su complicada caracterización fue obra del proverbial Stan Winston, mientras que el crucial diseño de producción corrió a cargo de Bo Welch, que tendría la responsabilidad de crear los dos espacios complementarios del filme: el sombrío caserón gótico hogar de Edward, y la colorista zona residencial.

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Uno de los aspectos más interesantes de este relato es la confrontación entre esos dos mundos ideados por Burton y diseñados por Welch. Al en apariencia idílico, estable, “normal” universo conformado por pequeñas casitas, de diferentes tonalidades pero idéntica arquitectura, se opone el también aparente temible universo de la negra mansión de Edward, flanqueada por ominosas criaturas esculpidas en la vegetación con ayuda de sus afiladas tijeras. En realidad, y como iremos descubriendo, la mayor parte de esos ciudadanos normales y honrados son una abyecta panda de hipócritas que se creen con el derecho de juzgar al raro y al diferente, mientras que ese ser en teoría raro y diferente tiene más corazón y más sensibilidad que estas supuestas buenas personas de moral tan dudosa. Para Burton, las zonas residenciales siempre han tenido algo de retorcido y de perverso, como también la pérdida de la invidualidad, y de perspectiva, que significa la masa frente al solitario.

Así, Edward encontrará en los pocos ciudadanos sensatos la única fuente de apoyo en su (voluntaria) “reinserción social”. Tanto Peg Boggs (una sobria Diane Wiest), que le adopta temporalmente por compasión y curiosidad, como su hija Kim (un tanto sosa aquí Winona Ryder), de la que se enamorará Edward, son su conexión con el mundo real, aunque poco pueden hacer porque sea aceptado tal como es por el mundo. El compasivo jefe de policía le deja huir al final comprendiendo que le iriá mejor viviendo solo en el caserón. Son los únicos que más o menos quieren y comprenden a Edward, el resto intenta sacar algo de él, o cambiarle, o directamente le envidian y le odian sin motivo, como el novio de Kim, e intentan destruirle. El relato se alinea completamente con Edward, e incluso su venganza final queda como un acto necesario, de un modo un tanto forzado y manipulador, pero sin duda eficaz. Ese estupendo clímax, a un mismo tiempo liberador y catártico, apuntala admirablemente esta tragedia adolescente, parábola de la inadaptación.

Burton filma esta película con gran sencillez, sin pretender hacer gran cine. Su máxima pretensión parece ser la de conmover al espectador. Y lo consigue, aunque en ocasiones su puesta en escena caiga en un sentimentalismo fácil que a punto está de arruinar la originalidad y sinceridad de su mirada. Lo mejor, sin duda, son los tres flash-backs con el gran Vincent Price (el verdadero ídolo de Burton) encarnando al creador de Edward, culminando en el último, que es un prodigio de montaje, en el momento en que Kim le enseña a abrazarla sin herirla con sus tijeras. Es muy hermoso el momento en que intenta acariciar a su padre muerto y le corta el rostro de forma involuntaria. Lo peor, probablemente, es la exagerada insistencia de Burton por justificar en exceso al personaje protagonista frente a los malvados ciudadanos, que conduce a algunos tramos reiterativos y poco interesantes, como el episodio en el que Edward ejerce de peluquero de las vecinas, que desvirtúan además el tono elegíaco y romántico de la historia, a mi parecer.

Conclusión

Meritoria película, que fue un proyecto arriesgado y personal, y que significó un importante paso adelante en la trayectoria artística de un director que, como el lector quizá ya sepa, creo que ha terminando adocenándose en su última década hasta convertirse en un mercenario con talento pero sin mucho interés. Tras ‘Eduardo Manostijeras’ aceptó hacer la secuela de ‘Batman’, firmando una de sus peores películas y confirmando su peligroso juego con los estudios, consistente en luchar por aunar comercialidad y autoría, algo que muy pocos gigantes han podido lograr, y Burton no ha sido uno de ellos, desgraciadamente.

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<![CDATA['Kung Fu Panda 2', cartel y primer tráiler]]> http://www.blogdecine.com/cine-animacion/kung-fu-panda-2-cartel-y-primer-trailer http://www.blogdecine.com/cine-animacion/kung-fu-panda-2-cartel-y-primer-trailer Tue, 09 Nov 2010 11:29:09 +0000 seleccionado por kanpro kung-fu-panda-2-poster

Aprovechando el estreno de ‘Megamind’ (otro éxito de taquilla para el estudio), DreamWorks ha lanzado el primer tráiler de ‘Kung Fu Panda 2’, que contará de nuevo con Jack Black como la voz del protagonista. Se trata de un “teaser” que apenas dura un minuto y que supongo tiene más sentido en una sala de cine, con el 3D y los críos partiéndose de risa con el gordinflón panda. Supongo, igual soy yo, que me he levantado hoy con el pie izquierdo, y a vosotros el vídeo el vídeo os parece desternillante, ya me contáis. Aprovechando el tráiler, os traigo también el cartel, que ya circulaba por la red desde hace unos días.

Escrita por Jonathan Aibel y Glenn Berger (los mismos guionistas de la primera entrega), ‘Kung Fu Panda 2’ narra la nueva aventura de Po y los Cinco Furiosos enfrentándose a un poderoso enemigo que amenaza con destruir China y el arte del kung-fu, al mismo tiempo que el panda intenta resolver los misterios de su pasado. La película está dirigida por la debutante Jennifer Yuh y además de Black cuenta con (atención) Angelina Jolie, Gary Oldman, Dustin Hoffman, Jackie Chan, James Woods, Seth Rogen, David Cross, Lucy Liu, Michelle Yeoh y Jean-Claude Van Damme dando vida a los personajes principales. El estreno está previsto para el próximo 26 de mayo, en salas 3D y 2D.

PD: También he encontrado el tráiler doblado a “español latino”:

Vía | Impawards

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<![CDATA['Shyamalan', a nadie le gusta M. Night Shyamalan]]> http://www.blogdecine.com/humor/shyamalan-a-nadie-le-gusta-m-night-shyamalan http://www.blogdecine.com/humor/shyamalan-a-nadie-le-gusta-m-night-shyamalan Sun, 07 Nov 2010 18:08:31 +0000 seleccionado por kanpro

Los chicos de College Humor se han sacado de la manga un corto de lo más divertido, que tenía que compartir con vosotros porque creo que gustará tanto a los seguidores como a los detractores del director de ‘El sexto sentido’. Se titula ‘Shyamalan’ y trata de imitar lo que sería un tráiler de una película de terror centrada en un paranoico M. Night Shyamalan, ahora que se ha convertido en un director odiado.

Recordemos que aunque Shyamalan empezó a perder popularidad desde que dirigió ‘El protegido’ (‘Unbreakable’) ha sido este año, con el estreno de ‘Airbender: El último guerrero’ (‘The Last Airbender’), cuanto todo ha estallado y ha quedado más patente que nunca lo poco que gusta este director en Estados Unidos. Tanto es así que ya son famosos los abucheos que se oyeron durante el tráiler de ‘La trampa del mal’ (‘Devil’), cuando apareció en la pantalla “De la mente de M. Night Shyamalan”.

Personalmente, la situación que está viviendo este hombre me parece muy injusta (ha dirigido mejores películas que realizadores más valorados) y muy triste si puede llegar a significar que deje de hacer películas a su manera, pero es cierto que con ‘El incidente’ (‘The Happening’) y ‘Airbender’ no ha estado muy afortunado, y no descarto tampoco lo que se apunta de manera cómica en ‘Shyamalan’, que se lo haya creído tanto que esté perdiendo la perspectiva. En cualquier caso, seguiré esperando con ilusión su próximo trabajo, que al parecer va a ser ‘One Thousand A.E.’, su primera película con un guión ajeno.

PD: En la primera imagen del vídeo, escrito en la pantalla verde, puede leerse: “Está muerto; es un supervillano; los aliens odian el agua; es la época actual; es una sirena; los árboles nos están matando. Te acabo de ahorrar 30 dólares“.

Vía | ZonaFandom

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<![CDATA[Mis películas de terror bizarro favoritas]]> http://www.blogdecine.com/en-dvd/mis-peliculas-de-terror-bizarro-favoritas http://www.blogdecine.com/en-dvd/mis-peliculas-de-terror-bizarro-favoritas Fri, 29 Oct 2010 13:55:57 +0000 seleccionado por kanpro peter jackson bad taste

Ahora que se aproxima la noche de Halloween nos llueven las ofertas para hacernos pasar miedo. Por supuesto, opciones cinematográficas tenemos hasta decir basta, pero como ya el año pasado repasé algunas de las mejores películas de terror que había visto, en esta ocasión denostamos la calidad, que no el interés, para darle protagonismo al terror bizarro.

Muchos dirán que este tipo de cine no merece ni reseñarse, pero la selección propuesta es un compendio de curiosidad, terror, gore, cintas extrañas, historias inverosímiles y un culto al cine de serie Z. Hecho con sinceridad, imaginación y muchas ganas de dar miedo. O al menos perturbar al espectador. Y lo consiguen. Así que preparados (y abstenerse estómagos remilgados).

‘La casa de los 1000 cadáveres’ (‘House of 1000 Corpses’, 2003)

El excéntrico Rob Zombie hizo su homenaje (y debut) al cine de terror bajo su particular perspectiva. Es decir, desfasada, trash, repleta de referencias visuales y clásicas del género y, por supuesto, el resultado es una alegoría del gore. Como es lógico la historia no asusta: estudiantes perdidos en una zona rural buscando al Dr. Satán y se topan con una familia un tanto sádica. Una cinta de culto y que bien merece una revisión.

‘El más allá’ (‘E tu vivrai nel terrore’, 1981)

Para muchos es el máximo exponente del cine de terror del clásico Lucio Fulci, también conocida como ‘The Beyond’, es al menos, otro título de culto repleto de jugosas escenas violentas, muy del gusto del realizador italiano. Aunque muchos denosten a Fulci y su cutrez, lo cierto es que disponía de una obsesión y a la vez personal visión sobre lo que realmente genera terror y miedo. Y esta película es buena demostración. Zombies, espíritus, un hotel encantado, fuerzas sobrenaturales,… con una puesta en escena muy original y bizarra. Abundante dosis de gore vestido de surrealismo. Acojonante. Y esencial.

‘2000 maníacos’ (‘Two Thousand Maniacs!’, 1964)

Durante mucho tiempo bien considerada, hoy en día se queda completamente light, esta cinta escrita y dirigida por Herschell Gordon Lewis es un buen ejemplo de serie B con el gore como protagonismo y casi fundacional del género. De nuevo la historia no es especialmente original, pero suficiente para poner a sus protagonistas en el escenario y desatar el terror más visceral. Me encanta la introducción advirtiendo que lo que vas a ver no es para todos los ojos. Recordemos: 1964.

‘El asesino del taladro’ (‘The Driller Killer’, 1979)

Abel Ferrara se labró un cierto prestigio en el género gracias a este trabajo. Gore de mal gusto pero con el sello de Ferrara y con escenas realmente impactantes, bizarras que dan como resultado una película tremendamente curiosa. Eso sí, aquí de presupuesto nada así que la imaginación y abundante sangre es lo que prima. Por supuesto, es una película muy deudora de Lucio Fulci. Y la historia, pues muy estimulante para almas oscuras: un artista en crisis que pierde la cabeza a base de bien y cuya locura le hace suceder episodios de lo más sangrientos con un taladro. Tremenda.

‘Basket Case’ (1982)

Escaso presupuesto y mucha violencia. Una película bestial y que vivió una gran popularidad llegando a continuar en un par de secuelas (mucho más olvidables). Sin embargo, no esperen una historia muy elaborada: un tipo que tiene a su hermano siamés en una cesta. ¿O es un monstruo? Todo lo demás ya se pueden imaginar. Cutre hasta decir basta. Bizarra al máximo, de principio a fin.

‘Phantasma’ (‘Phantasm’, 1979)

Reconozco que fue la película que más miedo me dio cuando era un crío. No debí verla porque me dejó muy traumatizado. Con el tiempo me reconcilié con ella y la disfruté al máximo (dentro de lo que se puede). Tiene escenas impresionantes. La historia es bien simple, tras un entierro un joven intrigado entra en la funeraria siguiendo a un tipo misterioso. Hoy en día provoca más risa que espanto, pero su estética es un buen ejemplo de cine de terror bizarro. Dio para una saga, pero esta cinta de ínfimo presupuesto merece un vistazo. Esa bola asesina… es inolvidable.

‘Society’ (1989)

Este subproducto es obra de Brian Yuzna, conocido por ser el productor de la exitosa ‘Reanimator’, que dirigió Stuart Gordon y con el cual crearon algunas otras películas dignas de un museo del horror cinematográfico. Yuzna se estrenó como director con este film trash nada desdeñable. Eso sí, no apto para todo los estómagos. Y encima, esta historia de una familia muy peculiar de la alta sociedad de Beverly Hills intenta ser una crítica social. Eso sí, nada de sutilezas.

‘El ciempiés humano’ (‘The Human Centipede’, 2009)

Nada recomendable para después de una suculenta cena. Esta película reciente ha encontrado un hueco en esos listados de películas más asquerosas y abyectas de la historia del cine. El caso es que es un largometraje de una crudeza tan bizarra que daña a la vista. La historia es tremebunda: comprobar como el sádico y desquiciado doctor Heiter quiere crear un ciempiés humano en plan boca-culo. La víctimas: dos turistas americanas y uno japonés. Muy bizarra.

‘Mal gusto’ (‘Bad Taste’, 1987)

Tenía que incluirla. Peter Jackson nos dejó esta pequeña joya bizarra como experimento y encima se destapó como actor con dos papeles. Bueno más bien por falta de presupuesto, al fin y al cabo es una cinta realizada entre amigos. La historia es un sinsentido de lo más curioso: una pandilla de extraterrestres que invaden un pueblo de Nueva Zelanda y quieren convertir a sus habitantes en hamburguesas. Llegan unos paramilitares para defenderlos y la situación desemboca en un enfrentamiento gore.

‘Nekromantik’ (id, 1987)

Y ya que estamos con mal gusto, nada mejor que terminar con esta cinta alemana, controvertida en su momento. Con momentos absolutamente bizarros, esta película, que tuvo una secuela, cuenta con la necrofilia como primer plato. De lo más escabroso y enfermo que he visto, pero eso sí, convincente en lo que busca: inquietar.

Hasta aquí el paseo por el terror bizarro. No estaría mal que montarse una sesión especial en la noche de Halloween con algunos de estos títulos. Miedo asegurado. Aunque luego, es recomendable reconciliarse con algo de buen cine con “mayúsculas” para recuperar el aliento.

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