Todavía queda mucho para poder ver la nueva versión de ‘Alicia en el País de las Maravillas’ (‘Alice in Wonderland’), pero para ir manteniendo el interés, esta semana han sacado tres nuevos carteles de la película, lo nuevo de Tim Burton. En las imágenes podemos ver a los diferentes personajes que interpretan Johnny Depp, Alan Rickman, Anne Hathaway, Helena Bonham Carter, Michael Sheen, Stephen Fry, Matt Lucas y Mia Wasikowska, la principal protagonista. El reparto es sin duda uno de los puntos fuertes de la producción.

Como sabéis, el clásico de Lewis Carroll gira en torno a Alicia, una joven que asiste a una fiesta en una mansión victoriana, donde descubre que está a punto de recibir una propuesta de matrimonio. Se escapa y corre tras un conejo blanco que entra a un agujero. Alicia sigue al animal y acaba en el País de las Maravillas, un lugar que visitó hace 10 años pero del cual no recuerda nada. El País de las Maravillas era un reino pacífico hasta que la Reina Roja derrocó a su hermana, la Reina Blanca. Todos esperan que Alicia les ayude…

Nadie duda que esta historia en manos de Burton, y con el apoyo de la Disney, puede dar lugar a un gran espectáculo visual, que también estará disponible en el moderno formato del 3D. Esperemos que no le pase como a Robert Zemeckis con su cuento navideño y no se quede sólo en la superficie, en la tecnología, ofreciendo también una historia que llegue al corazón.

La fecha del estreno de ‘Alicia en el País de las Maravillas’ es el 5 de marzo de 2010.

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PD: Esta película es la séptima en la que trabajan juntos Depp y Burton, y la sexta del director con Bonham Carter.

Vía | Impawards

Tener a Colin Firth tan cerca, para alguien que normalmente no suele estar rodeado de estrellas del cine, pero que las admira y las respeta, es algo realmente extraño. No parece una situación real, ya sabéis, uno está acostumbrado a ver a este tipo en la pantalla del cine o de la televisión. Pero entras en una habitación, iluminada de forma tan potente que contribuye a la sensación de irrealidad, y te invitan a sentarte delante de él, a un palmo. El hombre, perfectamente maquillado y experto en este tipo de actos promocionales, te sonríe, te da la mano y te dice que está encantado de conocerte. Oh. Bien, esto… yo tenía que preguntarle algo… a ver que mire la chuleta…

Ya os conté que la Disney invitó a Blogdecine, entre otros medios nacionales, para cubrir la premiere mundial de ‘Cuento de navidad’ (‘Disney´s A Christmas Carol’) en Londres, siendo un servidor el elegido para llevar a cabo la tarea. Además de ver la película y asistir a los actos organizados con motivo del estreno, tuve la oportunidad de entrevistar a Firth y al director Robert Zemeckis.

De alguna forma, todo fue bien, aunque casi exploto de vergüenza cuando puse la grabación y pude oír mi propia voz. No sé cómo el actor pude entenderme, la verdad. Como veréis, es una entrevista corta, especialmente en comparación con la última que publiqué, a Christian Alvart, pero es que esta vez apenas sólo tuve tres miserables minutos para hacer mis preguntas. Es lo único que me dieron. Y tuve suerte, a otros los cortaron antes (después con Zemeckis me pasó eso). Demasiada prensa y muy poco tiempo para hablar con el invitado. Que, por otro lado, no es el protagonista principal de la película, apenas interviene en tres secuencias, pero bueno, es Colin Firth, un gran actor (Copa Volpi en Venecia este año por ‘A Single Man’) y, por lo poquísimo que he podido tratar con él, un estupendo profesional.

• Jim Carrey interpreta siete u ocho personajes, Gary Oldman tiene dos, Bob Hoskins otros dos… Usted es la única estrella del reparto que sólo interpreta un papel, ¿por qué es eso?

Lo sé, es triste [risas]. No, bueno, cuando llegué ya no había ninguno disponible. Sólo estaba Fred. Trágico.

• ¿Cómo se sintió al verse en la pantalla transformado en Fred, ese personaje animado de forma tan realista?

Es un gran cambio. Porque, ya sabes, el personaje está generado por ordenador y se parece a mí, pero al mismo tiempo tiene su propio rostro, que no se parece al mío. Es algo extraño, sí, verse convertido en un personaje así. Diferente.

• ¿Piensa que, de algún modo, este tipo de películas pueden llegar a suponer un peligro para los actores?

No, porque esta animación depende por completo de los actores. Sin la actuación, es imposible hacer estas películas. Tenemos personajes animados desde hace muchas décadas, y nadie ha dejado de contratar actores. Ahora se nos involucra en el proceso de animación, así que no, no veo ningún peligro para la profesión.

• ¿Y cómo es actuar en una película como ‘Cuento de navidad’? No debe parecerse en nada a un rodaje normal.

Bueno, es un proceso muy diferente. Para empezar, no se necesitan cámaras, no hay cámaras en el set [en realidad sí se usó una, pero no es imprescindible]. Tampoco hay un público sentado delante de ti. Así que puedes usar el escenario como quieras, moverte con libertad. Y tienes a tus compañeros de reparto allí contigo, actuando en el mismo momento. De algún modo, es liberador y refrescante. Lo más incómodo es el traje, y el casco que te ponen, para capturar la interpretación, pero nada más.

• ¿Qué es más importante para usted, el guión, el director, tu personaje en la película…?

Todo es importante. Supongo que quizá guión es lo más importante, porque de ahí surge todo, pero no puedes dejar de preocuparte por los otros aspectos, porque todo tiene que funcionar. ¿Qué parte del cuerpo es más importante? ¿El cerebro, es la más importante? Puede ser, pero sin estómago no puedes vivir, así que… todo es importante.

• Entiendo, pero debo insistir, para usted, ¿cuál es el factor más relevante, para actuar en una película?

Pero es que todo está conectado. Si no tienes un buen guión, no tienes nada. Pero necesitas también un buen director. Un mal director puede estropear un buen guión, pero un buen director no puede hacer gran cosa con un mal guión. Lo mismo con los actores. Importa todo, todo está conectado.

• ¿Puede contarme algo sobre su labor humanitaria? He leído en la nota de prensa que nos ha pasado Disney que incluso ha sido usted premiado por ello.

Bueno, no es algo que planeara. Surgen cosas fuera del mundo de la actuación que me afectan, y a veces me involucro. No lo planifico. No me lo planteo como, ya sabes, una especie de carrera o un proyecto de larga duración. Depende de las circunstancias, si surgen asuntos que me apasionan, me implico. Vienen a mí, y si me interesa, tomo partido.

PD: En la rueda de prensa, el actor dijo que en cada navidad suele salir el Scrooge que todos llevamos dentro. Posteriormente, leí una entrevista donde le preguntaron si realmente odiaba la navidad (evidentemente dijo que no), cuando era un día tan especial; a eso respondió: “¡Es que ahora son tres meses especiales!”.

“¿Quieres ser el responsable de la completa extinción de la raza humana? ¿Podrás llevar esa carga?”

Carl Anheuser (Oliver Platt), lo creáis o no, esperando una respuesta.

Ayer vi una de las peores películas de los últimos años. Estábamos advertidos, dice el cartel, y es cierto. Sabía que no me iba a entusiasmar, desde luego, pero cuando me senté en la butaca, con mi refresco y mis palomitas, dispuesto a intentar pasar un buen rato viendo lo nuevo de Roland Emmerich, una superproducción de 200 millones de dólares y más de dos horas y media de duración, no me imaginaba que la película iba a ser tan estúpida, que iba a estar tan mal escrita, dirigida e interpretada. No me esperaba algo tan vergonzoso, más que un espectáculo es un despropósito increíble.

Y ahora viene la pregunta del millón. La que muchos estáis pensando ahora mismo. Si es tan mala, ¿por qué ha arrasado en taquilla? Bueno, es tan simple como que ha seguido una fórmula que funciona. Por muy mal que lo hagas, si gastas una cantidad obscena de dinero en efectos especiales, actores conocidos, publicidad, y tu película ocupa dos salas de los multicines de cada ciudad, prácticamente tienes asegurado el éxito en taquilla. Al menos el primer fin de semana. Por eso es tan importante que se estrene en todas partes al mismo tiempo, haciendo el máximo ruido posible, para que todos caigan en la trampa. No suele fallar, pero una semana después, una vez que la gente habla, el castillo de arena se va descomponiendo. Vamos a ello.

La verdad es que intentar relatar lo que ocurre en ‘2012’ sin tomártelo a cachondeo (véase el tronchante artículo de Rafa Martín en Las Horas Perdidas), es una tarea que se me antoja prácticamente imposible. Sencillamente, no puedo concebir que dos personas, adultas y profesionales del cine, como son Roland Emmerich y Harald Kloser, hayan escrito un guión tan demencial, con la intención de llevarlo a la pantalla convertido en una gran superproducción. Y que después de las carcajadas de los productores a los que se les propuso la idea, no les partieran la cara, por insultar al cine, al negocio del cine y, de forma más o menos directa, al público que potencialmente iría a ver la cosa cuando se estrenara.

Pero vamos a intentarlo. La película comienza mostrándonos cómo se produce el alineamiento planetario y el crecimiento de la actividad solar que, según el guión, ya adelantaron los mayas hace siglos, lo que provocaría que el 21 de diciembre de 2012 se produciría el fin del mundo. Pero ahora estamos en 2009, así que todavía tenemos algo de tiempo. Un científico de la Casa Blanca (Chiwetel Ejiofor) descubre, gracias a un colega que trabaja en una mina en la India, que el Sol está calentando el núcleo terrestre a una velocidad alarmante. La raza humana está condenada. El científico habla con su superior (Oliver Platt) y éste le pone en contacto con el Presidente (Danny Glover, que interpreta en realidad al Presidente de todos los seres humanos). Por el momento, nadie quiere que se sepa la verdad, mientras preparan un plan, y si alguien lo descubre, da igual quien sea, se le elimina por el bien de todos (Emmerich da a entender que por eso murió Lady Di).

Pasamos ya al año clave. Emmerich ha visto el remake de ‘La guerra de los mundos’ que hizo Spielberg hace unos años y le gustó mucho el rollo familiar. De este modo, tenemos a John Cusack como el padre desastroso con dos hijos (uno de los cuales no le soporta, porque así debe ser) que es incapaz de hacer nada bien, hasta que llega la hora de convertirse en el héroe de película y, mientras da lecciones de humanidad y moralidad, salvar a todos de los constantes peligros que van sucediéndose allá por donde pasan, cada vez más escandalosos y ridículos. Tenemos una imposible huida en limusina por las calles de Los Angeles, una vez que Cusack ha convencido a todos de que el mundo se hunde (por cierto, un imitador de Schwarzenegger muere en directo), o una serie de aún más inverosímiles trayectos en avión, donde un cirujano ejerce de experto piloto. Una de las cimas es la ya típica secuencia en la que todos van a morir, a menos que alguien se embarque en una misión suicida y dé su vida por los demás, entre lágrimillas y palmaditas en la espalda (no os cuento cómo acaba, por si acaso).

A lo largo de las más de dos horas y media, Super-Cusack, que está en plena forma y no necesita ni beber agua (de hecho, la respira), se va cruzando con todo tipo de personajes que de alguna forma le conocen y/o le ayudan, hasta que puede llevar a sus dos hijos y a su mujer hasta el sitio donde los gobiernos de todo el mundo han escondido unas arcas capaces de soportar todos los desastres naturales ideados por los guionistas, incluyendo también el ataque del Air Force One, que de tanta chorrada que ha pasado a su alrededor, se le han cruzado los cables y se ha vuelto malvado (bueno, más o menos). Al final… bah, ¿acaso no sabéis cómo acaba? No, si esperas un gran desenlace desolador y pesimista, no lo vas a tener, créeme, me llevé un chasco hasta en eso.

Sé que esto da mucha pasta, pero aun así me sigue sorprendiendo que tantos actores con cierto prestigio se hayan metido en esta pesca, que hayan aceptado trabajar para Emmerich en su nuevo atentado al cine. Especialmente, me sorprende lo de las actrices, que Thandie Newton y Amanda Peet interpreten a esos personajes huecos y segundones, sin ninguna importancia, y siempre a la sombra de los hombres, es increíble. Ojo a las memorables frases en torno a los pechos de Peet, y fijaos en quiénes toman siempre las decisiones relevantes; ninguna mujer. Pero bueno, la cantidad de escenas y diálogos que alcanzan la categoría de vergüenza ajena es tan elevada, que puede suponer un gran divertimento repasarlas a la salida del cine, si es que uno aún conserva el buen humor tras el maltrato recibido por sus retinas, y la más que probable destrucción de millones de neuronas durante el visionado.

Dicho todo esto, entiendo que hay un público para ‘2012’. Sin ir más lejos, a mi compañera Beatriz le pareció muy entretenida. Pero yo no le veo la gracia a esto. Para mí un buen espectáculo debe, para empezar, ser creíble, verosímil, también contar con buenas interpretaciones y, fundamentalmente, no tomarme por idiota. En realidad, creo que es por este tipo de productos por lo que se muere el cine, no por la piratería o la falta de talento de las nuevas generaciones. Estas mastodónticas superproducciones, que consumen tanto dinero, y que lo único que dan a cambio son interminables secuencias imposibles repletas de efectos especiales, hacen daño. Dominan el mercado y amenazan con ocuparlo por completo. Por mi parte, a menos que Emmerich se dedique a otras historias, es la última suya que veo. Ni un euro más. Demos oportunidades a otros, nos piden mucho menos y nos dan mucho más.

PD: En Sitges pude ver una comedia dramática con catástrofe que deja a ‘2012’ en pañales. Se titula ‘Haeundae’. El “problema” es que es coreana y probablemente no se estrene en España antes del año… 2012.

Aprovechando que todos los medios están como locos por hablar con James Cameron, con motivo del próximo estreno de la esperadísima ‘Avatar’, el realizador se ha soltado la lengua y ha empezado a hablar de todo un poco, destacando bastante lo que os cito a continuación, sobre su taquillera y premiadísima (y ñoña) ‘Titanic’:

Hice ‘Titanic’ porque quería lanzarme a un naufragio, no porque quisiera hacer esa película particularmente… ‘Titanic’ iba sobre “jódete dinero”. [...] Simplemente dejamos que Kate Winslet pensara que se estaba ahogando. Escupir un poco de agua y toser no cuenta para mí, porque yo casi me ahogué varias veces… Todos los que firman conmigo van a ser probados al máximo.

El realizador Hernán Migoya logró estrenar su primera película, ‘Soy un pelele’, pero la experiencia le resultó más lamentable que mágica. Ha contado lo podrido que está el negocio del cine en España, centrándose en las prácticas de la productora Iris Star:

Pere Domènech, mi productor, se jactaba de que sus películas constaban como rodadas en catalán, aunque estuvieran hechas en castellano, para cobrar de la Generalitat [...] Los productores hablaban de los 150.000 euros que esperaban sacar.

Vicente Aranda habló en la Seminci sobre su última película, ‘Luna caliente’ (nada que ver con la saga de ‘Crepúsculo’, por supuesto), y sobre el protagonista dijo esto:

Yo ya quería llevar a Eduard Fernández en una película anterior pero no quiso el productor porque, por lo visto, cuando este actor entra en un restaurante no se queda todo el mundo mirándole. No es un galán. Pero a mí me gusta como lo hace y, sobre todo, tiene una condición: que piensa. La cámara es una máquina que descubre lo que piensas. Cuando un actor piensa dicen que tiene fotogenia, pero, en realidad, quiere decir que usa la cabeza.

Ramón Antonio Gerardo Estévez, más conocido como Martin Sheen, estuvo en España rodando su nueva película, ‘The Way’, y dijo un par de cosas sobre su carrera:

Con mi currículo repleto de malos títulos no puedo abrir la boca… Soy actor y así he mantenido a mi familia. Pero habré estado en unos 10 filmes de los que puedo sentirme orgulloso.

El director Álex de la Iglesia, ahora el presidente de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, cree que lo esencial ahora es crear una industria en España, y regular para poder competir:

Hacer menos películas, pero con más entidad financiera para tener su promoción y distribución.

Kenny Ortega, el realizador de ‘This is It’, asegura que su película es honesta, que es un reflejo de cómo era Michael Jackson y la energía que aún conservaba:

Una gran parte de la película está en tiempo real, algunas partes son como un collage, una mezcla de distintos días, pero pienso que realmente captura lo que esta experiencia significó para Michael y para nosotros en este momento de nuestras vidas, todo este proceso creativo y sólo durante los cuatro meses; de marzo a junio, nada ha sido añadido.

David Trueba se ha tomado un descanso de cine (no sé si alguien lo habrá notado) para escribir su novela ‘Saber perder’. En un acto de promoción en Murcia, se refirió a Hollywood y el cine “extranjero”:

La gente está manipulada por la enorme propaganda que esa industria mueve alrededor, haciéndonos cree que todo lo que ellos hacen es fundamental para la vida y que lo que está haciendo un tipo en Suecia, Polonia, Francia o Corea no tiene mucha importancia. Este año los americanos habrán hecho unas 150 películas de vampiros y, sin embargo, la mejor película de vampiros del año es la sueca ‘Déjame entrar’ para cualquiera que se acerque y la vea sin perjuicios.

Richard Gere, actualmente en nuestras carteleras con ‘Siempre a tu lado: Hachiko’, se ha referido recientemente a los malos momentos que vive el cine actual:

Cada vez es más difícil hacer una buena película. Cuesta mucho lograr financiar un buen guión. Por muy pequeña que sea, una película en Hollywood exige diez, quince, veinte millones de dólares. Tal y cómo están las cosas, ponerlos encima de la mesa es un riesgo muy grande.

El realizador Costa-Gavras habla sobre la inmigración en su última película, ‘Edén al Oeste’, en un tono menos dramático de lo que suele ser habitual; sin embargo, parece que eso del final feliz no va con él:

El final feliz, en el sentido clásico, es siempre agradecido para el espectador porque le permite irse a casa y olvidar el asunto. Yo prefiero que la gente salga con dudas.

Alejandro Amenábar es uno de los privilegiados del mundo del cine en España, pero parece que todavía no ha perdido la perspectiva… O sí, mirad con quién se compara:

Spielberg fracasó con su quinta película. ‘Ágora’ es mi quinta película o sea que a mí ya me toca fracasar.

Robert Pattinson es un tío con suerte. Gracias a la saga ‘Crepúsculo’ está en todas partes, cuando hace unos años sólo era un secundario que salía en par de películas de ‘Harry Potter’. He encontrado estas curiosas declaraciones sobre su vida personal:

Mis hermanas mayores me vestían de niña y me llamaban Claudia. [...] El ligue no se me da nada bien. Soy más bien un solitario y un aburrido. Me quedo en casa, veo la tele y devoro comida basura.

PD: Otras perla de Cameron, ahora sobre lo que provocará ‘Avatar’: “Sabemos por los pases previos que la respuesta es público extasiado en un 95%. La mayor parte del 5% negativo son fanáticos que se han imaginado una película en sus cabezas, pero ahora tienen que enfrentarse a la mía“.

Vía | Cinematical, Elmundo, Levante-emv, EuropaPress, Zaragozaonline, 20Minutos, Lavanguardia, Noticine, Elpaís, Nortedecastilla, Libertaddigital

“Walter, eres maravilloso. De un modo repugnante”.

Hildy

Ahora que tanto se habla de la secuela de ‘Crepúsculo’, ‘Luna nueva’, estando ya muy próximo el estreno, me ha parecido una idea divertida, incluso sana, recuperar la que podríamos catalogar como la verdadera ‘Luna nueva’, que por supuesto no tiene nada que ver con ese producto de vampirillos para adolescentes (y en realidad se titula ‘His Girl Friday’, en absoluto ‘New Moon’). Como sin duda sabéis todos, se trata de una deliciosa comedia dirigida por Howard Hawks en 1940, con Cary Grant y Rosalind Russell al frente del reparto. Una gozada de principio a fin.

La película es una adaptación de la famosa obra teatral de Ben Hetch y Charles MacArthur, ‘The Front Page’, llevada al cine en varias ocasiones (en ‘Un gran reportaje’ de Lewis Milestone o ‘Primera plana’, de Billy Wilder). La historia se centra en un editor que está a punto de perder a su mejor periodista, justo cuando surge la posibilidad de un gran reportaje que requiere de su talento. Hawks y el guionista Charles Lederer introdujeron algunos cambios importantes en la trama, que a la postre se revelaron como grandes aciertos; el mayor de todos, que uno de los dos protagonistas fuera una mujer, dando pie a una impagable guerra de sexos.

Hildy Johnson (Rosalind Russell) piensa casarse por segunda vez, pero no lo tendrá fácil. Para empezar su nuevo proyecto de vida, debe romper con el periódico al que ha estado atada durante los últimos años, dirigido por el canalla Walter Burns (Cary Grant), su ex-marido. Hildy acude a la redacción para comunicar la noticia: deja su trabajo para casarse con el “bueno” de Bruce Baldwin (descrito por Walter como alguien clavado al actor Ralph Bellamy, en una de las mejores bromas de la película). Para Walter es algo imposible, inconcebible. No sólo va a perder a su mejor empleada, sino también a la mujer de su vida, aunque a ambos les resulte más fácil odiarse que llevarse bien, claro.

El editor intentará entonces todo tipo de trucos para quitarle a Hildy la estúpida idea de casarse con un tipo como Bruce, y que recupere su pasión por la profesión; si por el camino ella vuelve a caer rendida a sus brazos, pues mejor que mejor. El clavo ardiendo al que se va a agarrar Walter, para mantener a Hildy a su lado, será la ejecución del preso Earl Williams (John Qualen). Walter convence a Hildy para que cubra la noticia, como favor desesperado. El plan le saldrá mejor de lo previsto cuando pronto todo empiece a complicarse de forma alocada, y la mujer recupere su imparable ritmo de trabajo…

Da gusto ver una película como ésta porque todo funciona a la perfección, como un reloj. Y en cuanto al ritmo, va como un rayo. Es frenética. La demoledora batalla dialéctica entre Walter y Hildy es impresionante, no hay respiro, no hay tregua. No hay ni hueco para música. Van tan rápido que no esperan a que el otro termine, se pisan, hablan a la vez, en un intento por zanjar el asunto soltando la mejor réplica. Howard Hawks quería con esto dar sensación de realismo, y lo logra, a diferencia de la gran mayoría de los guionistas y cineastas actuales que se dedican a la comedia, que creen que para que sus personajes parezcan verosímiles deben decir chorradas con aire improvisado, o contar chistes o anécdotas graciosas delante de la cámara, con todos los tacos que sea posible. Es fundamental el ritmo, y esto lo saben los mejores cómicos.

‘Luna nueva’ no podía funcionar, aun con un guión espléndido y la experta y elegante dirección de Hawks, sin una pareja de actores que estuvieran a la altura de las exigencias. Pocos, muy pocos, mejores que Cary Grant para interpretar a Walter, el cínico y seductor editor jefe del periódico en el que trabaja Hildy, una estupenda Rosalind Russell que se compenetra de forma maravillosa con Grant (y eso que no fue la primera opción de Hawk, que quiso antes a Jean Arthur, Carole Lombard o Claudette Colbert, entre otras). El enfrentamiento y el progresivo (re)enamoramiento de los dos personajes encaja perfectamente con la trama en torno al proceso judicial y la sátira periodística, dando como resultado una película ejemplar, que juega con todo, que se ríe de todo, y que te no suelta en ningún momento. Verdadero cine.

Una de las cumbres de la “screwball comedy”, ‘Luna nueva’ funciona igual de bien cuando se centra en la hilarante relación entre los dos protagonistas, que cuando se lanza a pisotear la labor de los periodistas o de los políticos, presentados de forma crítica (y realista también). No pierde el tiempo, tiene una hora y media y la va a aprovechar; hoy en día se hacen películas de dos horas en las que no pasa gran cosa, como si no importara tener al espectador sentado en la butaca más tiempo del necesario. Me quedo antes con ‘La fiera de mi niña’ (1938) y sobre todo con ‘Historias de Filadelfia’ (1940), que me parecen más redondas, pero sin duda, éste es uno de los títulos imprescindibles de la gran comedia norteamericana. La que nunca pasará de moda, la que siempre estará ahí para alegrarnos el día.

Resulta extraño leer el nombre de Kenneth Branagh vinculado a una superproducción sobre un superhéroe, pero así es. Y de ahí que, al menos para un servidor, la película tenga ya la etiqueta de “must see” (obligado visionado). El brillante cineasta y actor británico se comprometió a llevar a la gran pantalla la historia de Thor, uno de los superhéroes que la factoría Marvel (comprada hace poco por la Disney, recordemos) quiere convertir en objeto de franquicia cinematográfica, junto a Iron Man o Hulk, de la que por cierto ya llevan dos intentos fallidos.

Ya conocíamos los nombres de los principales protagonistas con los que contaría Branagh, pero recientemente se han dado a conocer los tres últimos fichajes, que se incorporarán al proyecto para interpretar importantes papeles secundarios. Ellos son Stuart Townsend, Ray Stevenson y el japonés Tadanobu Asano, que se encargarán de dar vida a Fandral, Volstagg y Hogun, respectivamente. Serán los Tres Guerreros, los más leales amigos de Thor.

Imagino que de los tres actores, el que menos os suena es el último, ya que Towsend se ganó bastante fama con la adaptación de ‘La reina de los condenados’, y a Stevenson lo habéis visto muchos en la prestigiosa serie ‘Roma’ de la HBO, o si no en la lamentable nueva versión de El Castigador (‘Punisher 2: Zona de guerra’), ¿cierto? Bien, pues lo que tenéis que saber de Asano es que es uno de los actores asiáticos más populares, y que ha protagonizado títulos tan famosos como ‘Ichi the Killer’ (para espectadores con buen estómago), ‘Zatoichi’ (donde lucha contra Takeshi Kitano) o ‘Mongol’ (candidata al Oscar). Es un tipo muy frío, que gesticula lo mínimo, pero al mismo tiempo es sorprendentemente carismático.

Towsend, Stevenson y Asano se unen, por tanto, a un reparto en el que ya figuraban Natalie Portman, Tom Hiddleston, Anthony Hopkins, Samuel L. Jackson, Colm Feore, Stellan Skarsgard, Jaimie Alexander y Chris Hemsworth, que será quien interprete a Thor (durante mucho tiempo se dijo que sería Alexander Skarsgard). El rodaje, bajo las órdenes de Kenneth Branagh, comenzará el próximo mes de enero y se espera que la película pueda estar en los cines el 20 de mayo de 2011.

PD: Towsend también es famoso porque es el tío que se acuesta regularmente con Charlize Theron.

Vía | Empire

• ‘Señales del futuro’

Durante la inauguración de un nuevo colegio, los estudiantes guardan en una cápsula del tiempo varios objetos; Lucinda, una de las niñas, guarda un papel en el que ha escrito extraños números. Cincuenta años después, la cápsula del tiempo es desenterrada y Caleb, el hijo de John Koestler (Nicolas Cage), un profesor de astronomía viudo, recibe la misteriosa nota de Lucinda. John descubrirá enseguida que esos números esconden predicciones escalofriantes, algunas de las cuales ya han sucedido mientras que otras aún no…

Entretenido thriller de ciencia ficción que no sabe aprovechar el gran punto de partida, muy explosivo para la floja inventiva de la maquinaria industrial hollywoodiense. Alex Proyas logra algunos momentos inquietantes y Cage sorprende con un personaje mucho más contenido de lo habitual, en una película que parecía aspirar a quedar en la memoria, pero donde lo único inolvidable es su desastroso desenlace. Se ponen a la venta tres ediciones diferentes. Una sencilla, de un disco, sin nada destacable; una especial, con un segundo disco que contiene un making of y “comentarios del director” (¿una entrevista?); y una última para coleccionistas, con los dos discos más unos fotogramas originales, una alfombrilla para el ratón y un libreto ilustrado.

Críticas en Blogdecine:

‘Señales del futuro’, inquietante pero frágil thriller fantástico

‘Señales del futuro’, ambiciosa pero fallida

‘Señales del futuro’, Alex Proyas mezclando a Spielberg y Shyamalan

• ‘Ponyo en el acantilado’

Sosuke, un niño de cinco años, se encuentra, cuando juega en la playa, una pececita de colores llamada Ponyo, con la cabeza atascada en un tarro de mermelada. Sosuke la rescata y le dice que la protegerá. Sin embargo, el padre de Ponyo, un hechicero que vive en lo más profundo del océano, la obliga a regresar con él a las profundidades del mar. Ponyo, decidida a convertirse en una niña y regresar con Sosuke, escapa…

Nueva y fantástica película del Studio Ghibli y el genial Hayao Miyazaki, tras ‘El viaje de Chihiro’ y ‘El castillo ambulante’. La película narra la tierna relación que se crea entre un niño y una mágica y pequeña criatura marina (una especie de sirenita). Visualmente excepcional, el único “pero” que podemos encontrarle es que no es tan disfrutable para los adultos como para los niños, pero bueno, dejemos una joya para los peques, que los pobres no tienen mucho (de calidad) donde elegir. Si queremos adquirir ‘Ponyo en el acantilado’ vamos a encontrar dos ediciones, una sencilla de un disco y una especial con dos; la diferencia, aparte del estuche y el precio, son dos tráileres y el storyboard completo de la película, imagino que un “extra” imprescindible para los amantes de la animación.

Críticas en Blogdecine:

‘Ponyo en el acantilado’, el encanto de la niña pez

‘Ponyo en el acantilado’, un tsunami de animación

‘Ponyo en el acantilado’, la imaginación al poder

Ponyo, la sirenita de Hayao Miyazaki

• ‘Susurros del corazón’

Shizuku es una adolescente aficionada a la lectura que tiene como plan pasar sus vacaciones de verano leyendo en la biblioteca y traduciendo canciones extranjeras. Para su sorpresa, sus planes dan un giro cuando descubre que hay un mismo nombre, Seji Amasawa, en las fichas de los libros que coge en la biblioteca. Un día en el tren, se encuentra con un gato misterioso que la llevará a la tienda donde Seji trabaja como aprendiz de luthier. Seji le cuenta a Shuzuku que su sueño es llevar su arte a Italia, animándola también a escribir libros. A partir de entonces Shizuku y Seji prometen que estarán siempre juntos.

‘Ponyo’ no es la única perla del Studio Ghibli que se pone a la venta esta semana en nuestro país. También podremos adquirir ‘Susurros del corazon’, que también cuenta con la participación de Hayao Miyazaki, quien adaptó la historia para que fuera dirigida por Yoshifumi Kondo. La edición en DVD incorpora un documental sobre el proceso de animación y el storyboard completo de la película. Echo en falta, como en la anterior, alguna entrevista con los responsables, pero bueno, tampoco es cuestión de pedir demasiado, ya es una gran noticia que podamos conseguir este tipo de películas en España.

• ‘La cuestión humana’

Simon (Mathieu Amalric) trabaja como psicólogo en el departamento de recursos humanos de una gran multinacional petroquímica. Su labor consiste en la organización de raves y juegos de rol donde los jóvenes empresarios son llevados a la extenuación para detectar sus flaquezas y aptitudes. La fría y calculadora vida de Simon se ve alterada cuando, un día, uno de los directivos le encarga una misión confidencial: investigar al director general de la empresa, al que creen perturbado mentalmente. Inmerso en una extraña conspiración, Simon irá viendo cómo su existencia se va resquebrajando, invadida por los ecos de un pasado siniestro que le harán enfrentarse a la “cuestión humana”.

Típica atracción para el público que busca algo diferente, reflexivo y denso. A mí me engañó, fue una gran pérdida de tiempo, no encontré más que un mediocre relato pseudo-intelectual sobre la deshumanización; cine “prestigioso” para minorías, que sospecho que a veces sólo ven, sufren y se duermen viendo estas películas para reafirmar su convicción de que son diferentes de los demás. En cualquier caso, todos tenemos nuestros gustos personales, nuestra forma favorita de pasar el tiempo, y nuestros momentos raros que nos influyen al ver una película, así que entiendo perfectamente que esta cosa haya recibido aplausos. ‘La cuestión humana’ sale a la venta en una cuidada edición de dos discos, que incluye una entrevista con Nicolas Klotz y Elisabeth Perceval.

Críticas en Blogdecine:

‘La cuestión humana’, la cuestión del público

‘La cuestión humana’, demoledora y monumental obra maestra

• ‘Road House (El parador del camino)’

Jefty (Richard Widmark) dirige una bolera-cabaret. En uno de sus viajes conoce a Lily (Ida Lupino), una cantante de voz áspera pero sensual a la que contrata para que anime el local. Su socio y mejor amigo Pete (Cornel Wilde) se opone, pero Jefty está locamente enamorado de ella y no cede. Tras algunas fricciones, Pete y Lily se enamoran y comienzan una relación. Jefty, loco de celos, acusa a Pete de robar las ganancias del bar…

Uno de esos clásicos que debe estar en la estantería de todo cinéfilo. El elegante Jean Negulesco a los mandos y unos excelentes Widmark y Lupino al frente del reparto (también está Cornel Wilde, vale, la película no es perfecta) ofrecen un apasionante y tenso thriller sobre el amor y los peligrosos celos. Cine negro de calidad, del que se hacía antes y no envejece. La película sale a la venta en una edición sencilla que apenas incorpora un menú y los subtítulos en castellano (algo imprescindible que aún no sé cómo no se incluyen en un buen puñado de clásicos).

Crítica en Blogdecine:

‘El Parador del Camino’, el poder de los celos

• ‘La torre de los ambiciosos’

Cuando, de repente, el presidente de una importante empresa de muebles muere, dos vicepresidentes inician una lucha por ocupar el cargo de mayor importancia. Su particular conflicto sacará a la luz lo implacable y la corrupción de la vida empresarial. William Holden, Barbara Stanwyck, Fredric March, June Allyson, Walter Pidgeon, Shelley Winters, Paul Douglas y Louis Calhern, entre otros, encabezan el gran reparto de este tenso drama dirigido por Robert Wise (‘Ultimátum a la Tierra’, ‘West Side Story’, ‘Sonrisas y lágrimas’) en 1954. La edición en DVD sale pelada de extras, para variar.

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  ‘Madame Bovary’

Emma Bovary es la insatisfecha mujer de un médico rural que ansía pertenecer a la alta sociedad francesa. Sus ambiciones y un apasionado romance con un joven aristócrata la conducirán a una situación que prevé trágicas consecuencias.

Basada en la mítica novela del francés Gustave Flaubert, y protagonizada por Jennifer Jones y Van Heflin, el film es una crítica de los falsos valores de la burguesía rural francesa del siglo XIX. Como novedad, cabe destacar que en esta adaptación, Vincente Minnelli introdujo un prólogo y un epílogo en el que el propio escritor, interpretado por James Mason, se convertía en el narrador de la historia. No he encontrado detalles de la edición, supongo que traerá lo mínimo.

• ‘Alma de bailarina’

Basada en la novela de James Warner Bellah, Joan Crawford canta y baila en esta comedia musical donde encarna a una bailarina que no acaba de decidirse entre su manager y un seductor profesional. La película, dirigida por Robert Z. Leonard, cuenta con un reparto de lujo en el que también figuran Clark Gable, los cómicos “The Three Stooges” y, en un papel secundario, el legendario Fred Astaire, que debutaba en la gran pantalla. Edición simple en DVD.

• ‘Huracán de emociones’

Convertido ya en un icono del cine de aventuras por inolvidables títulos como ‘El halcón y la flecha’ (1950) y ‘El temible burlón’ (1952), Burt Lancaster protagoniza este título rodado en las islas del Pacífico Sur y ambientado en plena Segunda Guerra Mundial. La película es una adaptación de la obra teatral de William M. Rankin, llevada a la gran pantalla por el realizador Arthur Lubin. Filmada en blanco y negro, Lancaster, que ofrece su lado más dramático, se acompañará de la increíble belleza de Virginia Mayo.

• ‘El noviazgo del padre de Eddie’

Un niño de seis años está harto de que su padre siga viudo y sin compromiso. Decidido a solucionar el problema, el joven Eddie prepara citas para su padre y supervisa la selección de la posible candidata. La película, adaptación de la novela de Mark Toby, es la clásica comedia ligera de los 60, simpática, tontorrona y eficaz, que se ve con una sonrisa. De nuevo volvemos a encontrar al siempre interesante Vincente Minelli en la dirección, mientras que el reparto está encabezado por Shirley Jones y Glenn Ford, uno de esos actores que aportaron magia al séptimo arte.

Vía | ZonaDVD

Es el acontecimiento cinematográfico del año. Quizá de los últimos años. El próximo 18 de diciembre se estrena ‘Avatar’, la película que, dicen, va a cambiar nuestra forma de ver y entender el cine. ¿Paparruchas, una fantasmada, marketing? Bueno, ya lo descubriremos, porque, ¿alguien piensa perdérsela? Tras un primer avance, aquel largo teaser de dos minutos que nos dejó los dientes larguísimos, ya podemos echar un vistazo al tráiler completo de lo nuevo de James Cameron, once años después de estrenar la que todavía es la película más taquillera de la Historia. El teaser me encantó, pero el tráiler me ha dejado sin palabras. Tenéis que verlo.

Escrita por el propio Cameron, ‘Avatar’ gira en torno a Jake Sully, un ex-Marine en silla de ruedas que es enviado a Pandora, un exótico planeta habitado por una raza extraterrestre; Jake, a través de un “avatar” que controla con su mente, y con el que se infiltrará entre los indígenas, se verá envuelto en una lucha desesperada entre los humanos y los Na´vi. El reparto está encabezado por Sam Worthington (‘Terminator Salvation’), a quien acompañan Sigourney Weaver, Zoe Saldana, Michelle Rodriguez, Giovanni Ribisi, Stephen Lang, Dileep Rao y Joel Moore, entre otros. A continuación os dejo las nuevas imágenes de la película y del rodaje que han aparecido recientemente en Internet.

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

PD: ¿Creéis que Cameron batirá su propia marca, que ‘Avatar’ romperá el récord de ‘Titanic’ en taquilla?

Vía | LasHorasPerdidas y ComingSoon | Gracias a Álvaro por el enlace

Once crónicas después (incluyendo lo que llamé “asuntos pendientes”), llego por fin a un artículo que, posiblemente, era el que verdaderamente muchos estabais esperando, desde el día 11 que se dio el palmarés. Bueno, comprenderéis que tras dejarme la piel durante once días en Sitges, quiera tomarme un poco de tiempo para contaros todo lo que dio de sí el Festival, ¿no?

Todavía me quedan varias entrevistas por transcribir, y tengo intención de redactar críticas de las películas que más os pueden interesar (como ya he hecho con ‘Moon’, ‘La huérfana’ e ‘Infectados’), pero al margen de eso, con este texto concluyo mi repaso a la 42ª edición del Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya. He hecho una división en “lo mejor” y “lo peor” para incluir lo que ha sido el cine, la programación, y por otro lado la organización o el día a día del Festival. Espero que sea lo que queríais leer.

• Lo mejor:

Cine: De las 37 películas que pude ver en Sitges (evidentemente, no cuento una de la que sólo aguanté quince minutos), si me preguntáis cuáles fueron las diez mejores, mis diez favoritas, serían las siguientes: ‘Mr. Nobody’ de Jaco Van Dormael, ‘Thirst’ de Park Chan-wook (las mejores, sin duda, pero no sabría cuál situar primero), ‘The Road’ de John Hillcoat, ‘Moon’ de Duncan Jones (igualadas en el tercer y cuarto puesto), ‘Haeundae’ de Yun Je-gyun, ‘Bienvenidos a Zombieland’ de Ruben Fleischer, ‘Heartless’ de Philip Ridley, ‘Valhalla Rising’ de Nicolas Winding Refn, ‘Cold Souls’ de Sophia Bartes y ‘Pandorum’ de Christian Alvart.

Las últimas seis son las que incluyo con menos seguridad, pues hay varias más a las que les daría más o menos la misma valoración (en torno a un 7 sobre 10), pero he preferido éstas por los grandes momentos que encontré en ellas, detalles memorables con los que me quedo, que merecieron la pena, más que por el conjunto. Seguro que lo entendéis.

Festival: Las cinco razones por las que volvería a cubrirlo el año que viene: el pueblo donde se sitúa, pequeño, encantador y con gaticos paseando por las calles; la posibilidad de escuchar y entrevistar a directores y actores de interesantes películas, invitados por el Festival; las proyecciones en el Auditori, una sala realmente fantástica; ver películas que de otro modo quizá no vería nunca, o muy tarde (y ya no en un cine); y por último, la organización de la sala de prensa, donde te atienden enseguida, y en la que puedes quedarte un rato, sin agobios, usando uno de los portátiles que ponen a tu disposición (la conexión sólo falló un día de los once que estuve).

• Lo peor:

Cine: Dejando a un lado los diez minutos que vi de ‘Ingrid’ de Eduard Cortés, las diez peores películas que pasaron por mis castigadas retinas fueron: ‘The Countess’ de Julie Delpy, ‘Teniente corrupto’ de Werner Herzog, ‘Solomon Kane’ de Michael J. Bassett, ‘Grace’ de Paul Solet, ‘Colin’ de Marc Price, ‘Hierro’ de Gabe Ibáñez, (y las cuatro peores son) ‘Paranormal Activity’ de Oren Peli, ‘George A. Romero´s Survival of the Dead’ de Jorge Antonio Romerico, ‘Kinatay’, de Brillante Mendoza (increíble que se llevara el premio al mejor director y la mejor banda sonora) y ‘Nymph’ de Pen-Ek Ratanaruang, que me pareció la más insufrible de todas (la de Mendoza sólo está medio punto por delante, no os creáis).

En este apartado, a diferencia de con las mejores, no he tenido tantas dudas, así que supongo que, haciendo balance, o he seleccionado muy bien lo que he visto (desde luego, cada día repasaba concienzudamente lo que debía ver y lo que podía ahorrarme), o la programación de este año en Sitges ha sido bastante buena, positiva en general. Si habéis pasado por el Festival, espero que aportéis vuestras opiniones al respecto.

Festival: Las cinco razones por las que no volvería a pedir la acreditación para cubrirlo: los horarios de la programación, que hay días que parece que estén organizados a mala leche, y teniendo en cuenta que el Auditori está a veinte minutos de los otros dos cines, o te pierdes películas (a priori importantes) o te preparas para las olimpiadas; que haya películas que sólo tienen programadas una sesión o dos sesiones pero en el mismo día (qué menos que las proyecten dos días); algunos sinvergüenzas, con acreditación y edad para haber parido varios hijos, que se cuelan para conseguir tickets (que son limitados) con la excusa torera de que conocen a alguien que llegó mucho antes que ellos; los subtítulos de los cines del Prado y el Retiro, si no llegas pronto y eliges una buena butaca, bien situada, es muy posible que no puedas leerlos; y por último, que por favor, habiliten un servicio de cafetería (modesto, donde puedas tomarte un café y un donut o un sándwich) para los que estamos trabajando allí, que entre película y película no da tiempo a ir a ninguna parte, ni esperar grandes colas.

Me dejo otras cuestiones, como que el tema de las entrevistas no está muy bien llevado (hubo un par de ocasiones en que si no llamo yo, insistiendo, no me las daban), pero se trata de destacar lo peor, y ahí no lo incluiría; un asunto a mejorar, en todo caso.

PD: ¿Si volveré el año que viene? Bueno, en primer lugar no sé dónde estaré en octubre de 2010, o si alguno de mis compañeros tomará el relevo, pero lo que sí tengo claro es que no volvería a ver tres o más películas seguidas. Como dijo el Sr. Bush, si te engañan una vez es culpa tuya, pero si te engañan dos… eh… esto… si te engañan dos… ¡no te volverán a engañar! O algo así. Con la lección aprendida, volvería, claro que sí.

El pasado viernes se dio una curiosa circunstancia, se estrenaron dos películas, ambas aparentemente de terror, procedentes de Hollywood pero dirigidas por españoles; ‘Carriers’ y ‘Orphan’. Ya comenté las dos brevemente en mis crónicas del Festival de Sitges, pero quiero extenderme con sendas críticas, porque creo que se trata de dos películas mucho más interesantes de lo que parecen a simple vista, que no deberían pasar desapercibidas por el gran público, más allá del detalle de la nacionalidad de sus realizadores.

‘Orphan’, aquí ‘La huérfana’, es el tercer largometraje de Jaume Collet-Serra, tras ‘La casa de cera’ y ‘Goool 2: Viviendo el sueño’. El catalán se trasladó a Estados Unidos en busca de oportunidades, porque aquí eso de ser director es cosa de unos pocos privilegiados. Buscó su propia suerte y la encontró. Tras trabajar en publicidad y dirigir vídeos musicales, encontró la puerta del cine. Claro que pueden discutirse la calidad de los trabajos que les han puesto por delante, pero no la profesionalidad y la pericia de Collet-Serra al llevarlas a cabo, así como que su carrera sólo está despegando. Hay que seguir a este tipo, más aún cuando su próximo proyecto es un thriller con Liam Neeson.

Producida por Joel Silver y Leonardo DiCaprio, ‘La huérfana’ es algo más que una película de “terror con niño” (niña en este caso), centrándose en cómo la llegada de una niña acabará con las esperanzas de un débil matrimonio. Kate (Vera Farmiga) aún no ha superado perder al que habría sido su tercer hijo, y junto a su marido, John (Peter Sarsgaard), decide adoptar una niña, pensando que así se solucionará todo y volverán a ser felices. Son ingenuos, sí, como mucha otra gente. En el orfanato les espera la solitaria Esther, cuya tímida y artística personalidad atraerá rápidamente a Kate y John.

Evidentemente, ya desde el cartel de la película se nos dice que a Esther le pasa algo (en el original, la frase es más inquietante: “There´s something wrong whith Esther”), y si uno se ha informado mínimamente sobre lo que va a ver, encontrará que el género de ‘La huérfana’ varía entre terror y thriller. Así que, o la niña es mala, o es una condenada bastarda hija del demonio. Sin embargo, Jaume Collet-Serra, que a pesar de lo que se dice en los créditos, participó en la reescritura del guión, no está interesado en ofrecer otro churro más, destinado a asaltar las taquillas en una semana y ser olvidado cuanto antes. El realizador español se toma muy en serio lo que tiene entre manos, se preocupa por los personajes y en lugar de dar lo de siempre, mantiene a su “monstruo” en las sombras durante más tiempo del que suele ser habitual, acechando.

De esta forma, la primera vez que aparece Esther, no la vemos a ella, sino lo que ella está mirando. Se busca que nos pongamos en la piel de la criatura, antes de que sepamos nada sobre ella, en lugar de mostrarla desde el principio como una amenaza. Así es como vemos, a través de una temblorosa cámara subjetiva, a Kate y John, caminando por la nieve, a punto de entrar en el orfanato en busca de una niña que llevarse a casa. Esther sabe que es su oportunidad, y mostrará su mejor cara para ser la elegida. ¿Quién no lo haría? Como espectador, exceptuando la información que poseemos antes de sentarnos en la butaca, no tenemos nada que temer de esa pequeña, e incluso llegamos a sentir interés por ella. ¿Por qué viste así? ¿Por qué es tan solitaria? ¿Cómo ha acabado ahí?

Por supuesto, las señales apuntan a que la pequeña va a joderles la vida a estos dos incautos, pero como digo, Collet-Serra nos va a pedir paciencia, porque primero necesitamos conocer a los protagonistas, y entrar poco a poco en su vida. En una entrevista que publicaré pronto, el director decía que Esther era como una araña, que debía atrapar a estos padres para sobrevivir. Así nos la muestra, y es un gran acierto que no veamos la cara agresiva y despiadada de esta niña, llena de secretos, hasta que se nos ha presentado quién la ha adoptado y dónde va a vivir, porque no es el que parece a simple vista.

De este modo, conocemos los verdaderos problemas de los dos adultos, que enseguida ponen en evidencia que están juntos por inercia, o quizá por los hijos, pero definitivamente no por amor. Kate, a quien da vida una esforzada Vera Farmiga, no ha superado el reciente aborto (la pesadilla con la que empieza la película es bastante desagradable) y sabe que no cuenta con el apoyo de su marido, que además le fue infiel tiempo atrás; John, por su parte, encarnado por un correcto Peter Sarsgaard, es un hombre egoísta que sólo sabe culpar a su esposa, que no confía en ella. Cuando entra en esta familia, a la que también pertenecen Daniel, que la odia nada más llegar, y Max, una niña sordomunda, Esther no lo tiene fácil, aunque fuera la niña más encantadora del mundo. Cosa que, evidentemente, no es.

La película se mantiene firme durante gran parte del metraje, pero conforme pasan los minutos le cuesta más ocultar sus entrañas industriales, y poco a poco van apareciendo los típicos sustos y los habituales comportamientos incoherentes propios de las películas de Hollywood, que a veces parece que sus guiones salen de una misma fuente. El pulso de Collet-Serra se debilita ya del todo en el último tramo, con la secuencia nocturna y su continuación en la nieve, cuando ‘La huérfana’ se convierte en justo lo que había tratado de evitar a toda costa: otra más. El giro sorpresa (que aun adivinándolo, no deja de estar bien insertado) desata un final mediocre, sin sentido, que tira por tierra todos los logros anteriores.

Sin embargo, creo que es injusto quedarse con los peores momentos de ‘La huérfana’. Ha pasado un tiempo desde que vi la película y recuerdo más sus aciertos que sus errores, especialmente que no sentí la necesidad de mirar la hora hasta prácticamente el último acto. Desde luego, la interpretación de Isabelle Fuhrman (que tenía diez años durante el rodaje) como Esther es memorable, y el trabajo de la aún más pequeña Aryana Engineer (que es muda realmente, pero no sorda) es igualmente sobresaliente. Le sobra metraje, recursos facilones del género y un final muy atropellado, pero no le faltan buenas interpretaciones, una historia interesante y una dirección de lo más eficaz. En su terreno, es una película absolutamente recomendable.