‘This Is It’ ha logrado más o menos lo que se esperaba de ella, lograr un éxito de taquilla, aunque sus responsables probablemente esperaban más recaudación. El documental, que es algo así como un making off de un concierto que nunca se celebrará, ha obtenido unas críticas positivas —eso no quiere decir excelentes—, y el público votante en la IMDb la recibe con más alegría. Recordemos que el film sólo estará en cartelera durante dos semanas, curiosa peripecia comercial que no creo les salga como tenían pensado.

En el top ten se cuela ‘Amelia’, la nueva película de Mira Nair, que narra la odisea real de Amelia Earhart, aviadora que desapareció sobrevolando el Océano Pacífico en 1937, intentando dar la vuelta al mundo en avión. Hilary Swank, probablemente en otra de esas interpretaciones que huelen a Oscar, y Richard Gere, encabezan su reparto. La crítica no la trata bien, y el público votante no se muestra muy entusiasmado. Por estos lares la veremos a partir del 20 de noviembre.

Vía | IMDb

El 29 de enero del 2010 llegará a nuestras pantallas ‘Invictus’, la penúltima película dirigida —recordemos que ya se encuentra filmando otra, ‘Hereafter‘— por Clint Eastwood. Basada en la obra de John Carlin, ‘El factor humano’ —en un principio la película iba a titularse exactamente igual que el libro—, narra la vida de Nelson Mandela tras la caída del apartheid, y de cómo mediante la celebración de la Copa del Mundo de Rugby en Sudáfrica, intentó terminar de una vez para siempre con las diferencias raciales entre la gente de su país. Un tema candente que en manos de Eastwood puede dar excelentes resultados, y no sería de extrañar ver el film entre los finalistas al Oscar en la próxima ceremonia de la dorada estatuilla.

Morgan Freeman, de asombroso parecido con Mandela, encabeza el reparto, en el que también nos encontraremos con Matt Damon o Scott Eastwood, evidentemente, el hijo del director, y al que recientemente pudimos ver en un pequeño papel en ‘Gran Torino’ —era el mierda irlandés incapaz de defender a una chica—. El cartel entra de lleno en el estilo en el que suelen moverse los carteles realizados para los films de Eastwood: personaje principal casi de espaldas y poco más. Sutil y efectivo.

“Su gente necesitaba un líder, él les dio un campeón” es la excelente frase de promoción. Nosotros necesitamos buenas películas, Él nos podría dar otra obra maestra.

Vía | Impawards

Todos los años acudo al cine, con gran ilusión, a ver lo nuevo de Woody Allen. Como ya sabéis, es uno de mis cineastas favoritos. Una de las ventajas de ser un fan del neoyorquino es que trabaja con una regularidad impresionante, así que no hay que esperar demasiado para ver su último trabajo. Claro que esto, paradójicamente, dota de una cierta irregularidad a su cine, pudiéndose uno encontrar con que un año entrega una película maravillosa, y al siguiente un entretenimiento pasajero. En todo caso, salvo alguna mala cosecha, el cineasta no suele caer bajo.

Precisamente, sentía especial interés por ver ‘Whatever Works’ para quitarme el mal sabor de boca que me dejó la que considero que es su peor obra, ‘Vicky Cristina Barcelona’, cuya mediocridad me dejó perplejo hace un año, planchado en la butaca. La primera vez que Woody Allen rodaba en España, sí, pero miremos lo que hizo cuando rodó en Londres… El cineasta debió revisar muy poco uno de sus peores guiones, y a los productores españoles les traería sin cuidado, pensando en lo que iba a recaudar una comedia donde Scarlett Johansson y Penélope Cruz se metían mano. En fin, un mal año. Desde hace una semana está en nuestros cines la siguiente, que afortunadamente es mucho mejor.

Decía Allen recientemente, mientras rodaba su nueva película (de nuevo en Londres), que nunca piensa en el título hasta que el trabajo ya está terminado, y ve el resultado completo. Entonces lo decide, según crea que es buena o mala, dando una pista al público, para que no se lleve un chasco. Si esto es así, y no otra broma de un hombre íntimamente vinculado al humor, parece que el director no apostaba demasiado por ‘Whatever Works’, traducida feamente en nuestro país como ‘Si la cosa funciona’.

En realidad, dejando a un lado las suposiciones, el título le viene estupendamente a la película. Primero, porque es una frase que el protagonista usa en varias ocasiones, para destacar la escasa relevancia (verdadera) de nuestros actos; segundo, porque la película, aun con sus errores y la modesta potencia de su motor, funciona, consigue su propósito, divierte y hace reflexionar. De hecho, el principal problema de ‘Whatever Works’ es que Woody Allen ya ha filmado otras como ésta, y le han salido mejores, más completas. Si por el contrario, esta película nos hubiera llegado un par de décadas atrás, el impacto sería mayor, y también su valoración.

Así podía haber sido, si Allen no llega a guardar el guión en ese famoso cajón a donde van todas sus ideas, hasta que llega el momento apropiado para rodarlas. Al parecer, escribió la historia de ‘Whatever Works’ pensando en que Zero Mostel interpretaría al protagonista; la muerte del cómico, en 1977, hizo que Allen se olvidara del guión. Treinta años después, ante la amenaza de huelga de los actores, el director de ‘Annie Hall’ se acuerda de la vieja historia de Boris Yellnikoff. La reescribe, actualizando las referencias políticas, y se lo entrega a su equipo de casting, con la esperanza de encontrar al protagonista adecuado.

A diferencia de lo que se ha aventurado en muchos textos sobre la película, Allen nunca se planteó dar vida a Boris, porque no se parece a él. Según sus propias palabras, el personaje es demasiado antipático para que él lo pudiese encarnar adecuadamente, el público no se pondría en su lugar, lo rechazaría; necesitaba a alguien que pudiera insultar y menospreciar a los demás, pero que al mismo tiempo cayera bien, resultara simpático. Cuando se le dio a Allen el nombre de Larry David, todo cobró sentido. David ya había trabajado para él en un par de ocasiones (en ‘Días de radio’ e ‘Historias de Nueva York’), pero ésta sería la primera vez que tendría un papel importante. Y lo cierto es que está perfecto, es justo lo que necesitaba este guión.

La película se beneficia del gran trabajo de Larry David, pero para que el conjunto funcionara era necesario igualmente encontrar a una actriz que encajara en el molde de Melodie St. Ann Celestine, una de las chicas clásicas del cine de Allen. Es la chica tonta, ingenua, muy viva y alegre (posiblemente por ser tonta), el contrapunto perfecto para el protagonista, pesimista y amargado, con la idea del fin del universo siempre en mente. Uno ve a David en el personaje y cree firmemente que el hombre no haya necesitado mucho esfuerzo para interpretarlo (recomiendo desde aquí su desternillante serie ‘Curb Your Enthusiasm’). No sé hasta qué punto Evan Rachel Wood es como Melody, pero lo cierto es que la chica está impecable. Al parecer, el acento sureño lo incorporó después de que Allen le diera el papel, lo cual viene a confirmar que Wood se tomó muy en serio el trabajo.

La película brilla cuando gira en torno a estos dos personajes, Boris y Melody, pero pierde fuerza cuando se desvía para contarnos otros encuentros, otros romances (Henry Cavill es muy guapo, pero tiene el talento de un muñeco de cera) y otras vivencias paralelas. Cuando el destino, siempre presente en el cine de Allen, trae a escena a los padres de Melody (Patricia Clarkson y Ed Begley Jr.), baja bastante el interés, pues aunque haya momentos simpáticos a costa de estos dos personajes, con los que el neoyorquino puede jugar ampliamente, se interrumpe lo que verdaderamente importa, la relación entre el tipo trágico y la chica cómica, dando la impresión de que se han unido, torpemente, dos historias en un mismo guión.

Pasando por alto la escasa fortuna de Allen en este aspecto, y que se llegue a un desenlace que me parece muy forzado, creo que ‘Whatever Works’ es una de sus mejores películas. A mi compañera Beatriz no le parece que funcione, y estoy seguro que no es la única que lo piensa. Es una película muy irregular, llena de imperfecciones, pero también, sobre todo, con grandes aciertos. Logró hacerme reír a carcajadas (creedme, no soy de los que se ríen fácilmente en una sala de cine) y las reflexiones del protagonista sobre la vida y la sociedad son viejas, pero no dejan de ser acertadas y necesarias. La vida puede ser triste y monótona, corta y fugaz, pero siempre podemos recurrir al cine de Woody Allen, profundo y divertido.

En esta ficción, que se podrá ver en cines a partir de mañana, Daniel entra a hacer una sustitución en un centro de ayuda a los discapacitados. Una de sus compañeras es Laura, una mujer problemática que busca refugio en el sexo para huir de sus desagradables recuerdos familiares. Este personaje lo interpreta Lola Dueñas. Alrededor de los dos, están los demás trabajadores sociales, el hermano de Dani y la mujer de éste, que da clases de baile a jóvenes con síndrome de Down.

Nos encontramos ante un film sencillo y naturalista, que se acerca a la vida como lo haría un documental: sin decorados y sin efectismos. La cámara en mano rueda con una emulsión que produce mucho grano —no sé si serán 16 mm.— y los colores y la luz reflejan la realidad tal cual es. La forma en la que está montada ‘Yo, también’ es igualmente contemplativa y deja que entremos en ese mundo como si pasásemos por allí.

La reivindicación que soporta la película se reclama en el título y se termina de despachar en un discurso que da Daniel al inicio. Gracias a eso, los autores pueden continuar hacia delante, contándonos la historia, sin tener que hacer un hincapié excesivo en las cuestiones sociales, pero al mismo tiempo, sin que se pierda esa idea.

Dos historias de amor se nos narran en paralelo: la de Daniel y Laura y la de dos jóvenes alumnos de la clase de baile, que se topan con un sinnúmero de dificultades para vivir su relación —se les puede ver en la fotografía anterior—. En ambos casos, ‘Yo, también’ es emotiva y consigue llegarnos, pero sin caer en la lástima o en la condescendencia y sin provocar tampoco estos sentimientos en el espectador.

El personaje protagonista no se conforma con ser amigo de Laura y lo declara sin esperar a que ella se dé cuenta. El que no se haya escondido el tema del sexo, que se admita que Daniel tiene deseos y que el personaje grite que es un hombre ante la entrada de un puticlub son detalles valientes que hacen que la película no se quede en la ñoñería hollywoodiense del discapacitado entrañable que tantas veces hemos visto. Se trata de un film maduro y que afronta estos temas con total normalidad.

Daniel es un tipo simpático, que es capaz de poner gestos muy divertidos y que siempre sale con una ocurrencia inspirada. Tiene una gran personalidad. La interpretación de Pineda es tan increíble que vale toda la película. Los actores secundarios se desenvuelven a la perfección en ese realismo. Los padres de Dani y Santi son de lo mejorcito del film por su actitud. Los demás afectados por el síndrome de Down componen, asimismo, grandes personajes que siempre sorprenden con sus contestaciones, comportándose como, me imagino, lo harán habitualmente.

No negaré que Lola Dueñas es una enorme actriz, sin embargo, su intensidad interpretativa puede ser excesiva. En esta película, ella está en otro registro que el resto de los intérpretes, saturada de un dramatismo que le viene de la historia de ficción en la que se ve envuelto su personaje. No sería necesario haber cargado tanto el drama por este lado, ya que lo interesante de ‘Yo, también’ es lo que atañe a Daniel y lo mejor de esta historia es la ligereza con la que se afronta una realidad que puede ser terrible. Si algo criticaría del film es haber exagerado tanto por todo lo que se refiere a Dueñas: su historia y su interpretación. Eso sí, cuando ella interactúa con el protagonista, consigue grandes cosas.

‘Yo, también’ está acertada en casi todos sus aspectos y es efectiva en cuanto a la emotividad que busca producir. Reivindica sin resultar pesada y nos da a conocer a alguien que valía la pena saber que existe.

Mi puntuación:

Tras su tráiler, aquí os traemos el cartel de la nueva hazaña de Michael Moore, titulada ‘Capitalism: A Love Story’, que traducido a nuestro idioma es algo así como ‘Capitalismo: una historia de amor’, estrenada en los USA la semana pasada. Precisamente tuve ocasión de asistir allí a un pase de prensa, y comprobar cómo el señor Moore sigue en sus trece de querer dejar en evidencia al país que le está dando de comer. Esta vez se centra en las razones de la posible razón por la actual crisis financiera mundial, centrándose evidentemente en la nación de las barras y estrellas. Con su típica mala leche, su sentido del humor, y mucha, mucha demagogia, Moore arremete de nuevo contra Bush, se remonta hasta Reagan, le da lo suyo y se burla de todo bicho viviente.

Lo que naturalmente no cuenta Moore en su entretenido —si de algo puede presumir Moore es de ser muy entretenido con sus juegos con el montaje— documental, es que arremetiendo contra el capitalismo, su representante pide aproximadamente unos 3.000 dólares para poder entrevistar al famoso director. Es la hipocresía de alguien que utiliza las mismas artimañas de lo que suele denunciar. Eso sí, la secuencia en la que rodea uno de los bancos de Wall Street con una cinta del FBI de escena del crimen, no tiene desperdicio.

‘Capitalism: A Love Story’ aún no tiene fecha de estreno en España, y teniendo en cuenta que su anterior trabajo, ‘Sicko’, tardó casi dos años en llegar aquí, podéis esperar sentados.

Vía | Impawards

Como os adelantamos, el remake de ‘Karate Kid’ ya está en marcha, con Jackie Chan y Jaden Smith (el hijo de Will Smith) al frente del reparto. La nueva versión se titula ‘Kung Fu Kid’, y ya podemos echar un vistazo a las primeras imágenes del rodaje, que se está llevando a cabo en China. En las fotos aparecen los dos protagonistas, suponemos que durante uno de esos extraños entrenamientos que caracterizaban al Sr. Miyagi (“Dar cera, pulir cera”), o quizá al primer encuentro de los dos personajes.

La historia de ‘Kung Fu Kid’ no tiene ningún misterio. Una madre soltera debe trasladarse a China y se lleva con ella a su hijo, quien pronto tendrá problemas en su nuevo vecindario, por lo que necesitará entrenamiento en artes marciales para poder superarlos (porque Hancock está muy ocupado en Estados Unidos). Smith sustituye a Ralph Macchio como el chaval necesitado y Chan ocupa el lugar de Morita como el sabio maestro. La película, que ya imagino que no os interesa en absoluto, está siendo dirigida por Harald Zwart, responsable de la segunda parte de ‘La pantera rosa’ (la de Steve Martin), y está previsto que estrene el 11 de junio de 2010. Ya veremos las cifras de la taquilla, pueden dar lugar a secuelas de esto.

Actualización: Como veis, he incorporado a la entrada el “teaser poster” de la película, aparecido hace unas horas. El cartel es oficial, así que volvemos al título inicialmente previsto, en lugar de ‘Kung Fu Kid’, que ha sido finalmente desechado (dicen que fue cosa de Chan).

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

PD: La madre del niño está interpretada por Taraji P. Henson, nominada al Oscar por ‘El curioso caso de Benjamin Button’.

Vía | Worstpreviews

Y seguimos con fallecimientos, la maldición de mueren de tres en tres me la voy a empezar a creer, como sigamos así. Henry Gibson era uno de esos actores típicos, de los que el público no conocía el nombre, pero sí reconocía su cara. Perteneciente sobre todo al mundo de la televisión, donde apareció en infinidad de series conocidas —desde ‘Embrujada’ (‘Bewitched’), hasta ‘Boston Legal’, pasando por ‘McGyver‘—, intervino también en producciones cinematográficas de la más diversa índole, y casi siempre con personajes con un punto entrañable.

Ahí están sus colaboraciones con Robert Altman en ‘El largo adiós’ (‘The Long Goodbye’, 1973) o ‘Nashville’ (1975), y con Joe Dante en ‘El chip prodigioso’ (‘Innerspace’, 1987), ‘Gremlins 2’ (‘Gremlins 2: The New Batch’), o la olvidada y maravillosa ‘No matarás al vecino’ (‘The Burbs’, 1989) en la que interpretaba a un curioso doctor. Otros papeles memorables fueron en ‘Granujas a todo ritmo’ (‘The Blues Brothers’, John Landis, 1980) —donde interpretaba al líder de una banda nazi que perseguía a los protagonistas—, o en la impresionante ‘Magnolia’ de Paul Thomas Anderson.

Eterno secundario, de rostro amable, con carisma y gran talento, murió de cáncer a la edad de 73 años. No ocupará las portadas de los periódicos —algunos ilustres de este país ni lo nombrarán— como otros de mayor fama. Una pena.

Hasta siempre Henry.

Vía | Las horas perdidas

¿Aún se despierta a veces, no es cierto? Se despierta en la oscuridad y oye el grito de los corderos. Y cree que si salva a la pobre Catherine, eso hará que dejen de gritar, ¿no es cierto? Cree que si Catherine vive, no se despertará en la oscuridad nunca más con el horrible grito de los corderos.

-Hannibal Lecter

Uno de los aspectos más fascinantes de esta historia es el hallazgo de una crisálida de mariposa en la garganta de la última víctima de Buffalo Bill, objeto que bajo ninguna circunstancia podría haber llegado allí por sí solo, y que por tanto ha sido alojado allí deliberadamente por el asesino. Este es el descubrimiento más importante en cuanto a la persecución del psicópata, y, una vez más, han de pedir ayuda a Lecter para descifrar su significado, que no es otro que el deseo de Buffalo Bill de transformarse en mujer, pues la crisálida es una metáfora de la transformación de hombre (oruga), en mujer (mariposa). En realidad, asesina mujeres de gran envergadura porque quiere arrancarles la piel y vestirse con esa piel.

Con el secuestro de la hija de la senadora Ruth Martin, comienza la verdadera cacería en esta película, y a contrarreloj. De forma completamente lógica, por tanto, entramos en la segunda parte del relato, con dramáticas consecuencias, pues Jack Crawford comete la estupidez de hacer una oferta inexistente a Lecter en nombre de la senadora, y Lecter se divierte con todos ellos jugando al Quid Pro Quo y alimentándose del dolor ajeno, que es una de sus fuentes de placer.

Quid Pro Quo y una fuga excepcional

Clarice es una mujer muy valiente y está dispuesta a todo. Por eso es capaz de intercambiar recuerdos dolorosos de su pasado por valiosísima información acerca del psicópata al que quiere dar caza. Se inicia, por tanto, uno de los diálogos y una de las réplicas de rostros más hermosos del cine reciente. No dudo que otros directores, mucho más inseguros, mucho menos capaces de darle una oportunidad a la verdad de una mirada, hubieran mezclado las confesiones de Clarice con fugaces insertos o flash-backs. Así suele hacerse casi siempre. No es el caso de esta joya.

Con percepción de entomólogo, con la extrema dignidad de un verdadero cineasta, Demme se entrega a una sucesión de planos de Hopkins y Foster. Están tan bien, ambos, y la dirección y el tono son tan precisos, que con el relato de Clarice uno siente enardecer su imaginación y es ella la que vuela al pasado de esta atormentada mujer. De esta forma es el espectador el que crea unas imágenes que, en mi opinión, un director no debería crear muchas veces, o no debería imponer. Y este es el caso supremo, pues en cuestión de recuerdos infantiles, todos tenemos los nuestros, y a menudo es mejor dejar que cada uno se adentre en sí mismo.

Lecter pone al FBI en buen camino, pero se interpone el viscoso Chilton para advertirle a Lecter de que no existe ningún acuerdo y así intentar sacar tajada él mismo. Aquí viene uno de los momentos más complejos y más discutidos de esta película. No es otro que el modo en que el bolígrafo de Chilton termina en poder de Lecter y se convierte en una ayuda fundamental para su fuga. Esto es diferente respecto de la novela, pues en ella Lecter se construye una llave para abrir esposas valiéndose del tubo de tinta de un bolígrafo y de un clip. Pero aquí observamos perfectamente cómo utiliza el mismo clip de un bolígrafo dorado para abrir sus esposas.

El mayor enigma es intentar comprender cómo un bolígrafo que estaba en posesión de Chilton, termina en las manos de Lecter. Muchos cinéfilos se rompían, y aún se rompen, la cabeza intentando averiguarlo. La explicación es tan sencilla, que le quita un poco de magia al asunto. Durante el diálogo con Chilton, es significativa la manera en que Lecter no deja de mirar el bolígrafo. Demme va acercando la cámara cada vez más a ese objeto anhelado, abandonado sobre una toalla del propio Lecter. La estrategia del recluso es la de dar el nombre (supuesto) de Buffalo Bill, y provocando a Chilton pues sóle dirá el resto a la senadora en Tennessee. Hace esto con la esperanza de que se olvide del bolígrafo, pero no sabe si tendrá resultado.

Lecter es transferido a Tennessee, tal como deseaba, y no sabe si su ardid ha tenido éxito. La secuencia es un subidón de intensidad indescriptible, con Lecter atado y la cara cubierta con la máscara de hockey, a fin de evitar mordiscos intempestivos. Cuando Chilton debe cumplimentar el traslado firmando y no encuentra el bolígrafo, Demme efectúa un grandioso movimiento de travelling y zoom al rostro de Lecter, sin cortar. Ahora el preso tiene la esperanza de que se el bolígrafo haya viajado con él. Mira fijamente a Chilton y respira con fuerza. Luego veremos que, efectivamente, encontró el bolígrafo entre sus toallas.

La breve entrevista con la senadora pone la piel de gallina. Sentimos la aprensión de la mujer cuya hija ha sido raptada y se ve obligada a conversar con un monstruo, y sentimos el ambiente opresivo. Lecter da una nueva información (falsa, de nuevo) y se alimenta del dolor de la madre para continuar hablando. En cualquier caso esta entrevista no es más que el prólogo al mejor bloque de la película, que es la confesión final de Clarice y la huida de Lecter.

La larga, magistral, conmovedora e inolvidable secuencia del último diálogo entre Lecter y Clarice, de siete minutos de duración, esta estructurada en dos partes y una especie de epílogo. La primera parte está planificada con encuadres en movimiento circular, o lateral, la segunda con acercamientos a los rostros de ambos actores, y el epílogo con alejamientos y nuevos planos circulars, además de planos detalle. No exagero si digo que es uno de los diálogos más hermosos y terribles de la historia del cine. Demme sitúa la cámara delante de los actores, de modo que miran al objetivo. Nos convertimos de esta manera en Clarice y en Lecter. Sentimos la compasión, extraña, de Lecter, y la desazón, plena de coraje, de Clarice. Todo termina con ese bello plano detalle del dedo índice de Lecter rozando la mano de Clarice…

Todo ello sin olvidar la creación sonora de fondo, que asemeja un viento nocturno, cuidadosamente insertado de manera que no destaque. Sin palabras. Tampoco pueden describirse las lágrimas suspendidas del borde de los ojos de Lecter.

En cuanto a la huida, se podría escribir un libro sobre ella. Baste decir, para empezar, que Demme demuestra una pericia para el suspense que era impensable viendo su filmografía anterior, y que nunca más volvería a demostrar. Es tal, que no merece ser nombrado en la misma línea que Alfred Hitchcock, a quien por momentos parece capaz de dar lecciones. Con las variaciones Goldberg de fondo, interpretadas por Glenn Gould, detalle extraído de la novela, tiene lugar la hazaña de Lecter.

Aprovechando el torpe modo en que le esposan cuando le dejan la comida en el interiori de la celda, Lecter lleva a cabo sus planes: se levanta de su aseo y, con el clip entre los dedos (fenomenal el plano en zoom que se acerca a ese objeto), obedece sin rechistar. Gracias al fondo de la música, y a la dirección de los actores que interpretan a los policías, el tiempo se ralentiza exageradamente, y al espectador se le destrozan los nervios. Pide que tengan cuidado con los dibujos (precisamente de Starling y un cordero…) y es la razón por la que puede esposar al primer policía al barrote al agacharse este, y aprovechando la confusión abalanzarse sobre el segundo.

Por supuesto, todo se acelera en el momento apropiado en que la música de Gould llega a un intermedio. Y por supuesto somos nosotros los golpeados, pues en un alarde de cámara subjetiva, Lecter golpea a la cámara con la porra mientras se llena de sangre. Cuánta elegancia. Otros directores habrían mostrado gráficamente la muerte de los polícias, pero Demme no, és es un pudoroso, por eso es un grande. Además de por contar esta huída con tanto brío, y con tanto horror compasivo.

Conclusión: cazar mariposas

Con las indicaciones del fugado Lecter, Clarice acude a casa de la primera víctima (delicada y hermosa secuencia, basada en los detalles y en la mirada, una vez más) y luego continúa sus pesquisas por su parte, creyendo que Crawford está a punto de cazar a Buffalo Bill. Nadie puede pensar que el montaje en el que se muestra a Crawford equivocándose de hombre y a Clarice acertando es un engaño, porque antes, en su conversación telefónica, hemos visto la foto del sospechoso de Crawford, y sabemos que se ha equvocado. Este magistral montaje, por tanto, viene a ser una forma tremendamente ingeniosa de mostrar un hecho, y de ponernos los pelos de punta.

La identificación de Buffalo Bill por parte de Clarice es tan hermosa como otros muchos momentos ya comentados. Basta una polilla para que se de cuenta de que el inocente civil que ha ido a visitar es el monstruo que persigue. Y con su mirada él sabe que ella sabe. Nadie se cambiaría por Clarice en este momento. Vemos el cuadro de una mariposa detrás de ella, un augurio de su descubrimiento. Se lanza y saca el arma, torpemente, pero él se zafa. Lo que sigue es la negación, la destrucción, de décadas de años de cine de machadas y chorradas de super-héroes armados con pistolas. Esto es la vida real. Foster está asombrosa, y nos morimos de miedo con ella.

Ya no es sólo una mazmorra, como con Lecter, ahora también es un laberinto de habitaciones. Pero consigue vencer al monstruo (al minotauro) en la oscuridad, gracias a una valentía indescriptible. Llega a donde ningún hombre es capaz de llegar, y lo hace ella sola, sin ayuda de ningún hombre. Al graduarse, la llama el doctor Lecter, y sabemos que la victoria sobre el horror ha sido pírrica, pues el más grande de los monstruos ahora está suelto. El final viene a demostrar que el horror es siempre posible en este mundo atroz, mientras que debemos venerar el coraje y la generosidad de los valientes como Starling. El plano final, que aún continúa en los títulos de crédito, permite a este relato seguir vivo (y seguir aterrorizando nuestro subconsciente) una vez terminada la película.

En Blogdecine:

• ‘El silencio de los corderos’, la mente del dragón (I)

Aquí lo tenéis, el cartel de la esperada película sobre Michael Jackson, algo que todos sabíamos que saldría más temprano que tarde, y es que desde su muerte, todos se han vuelto locos tratando de explotar y vender cualquier cosa que esté relacionada con el famoso artista. Pero ojo, ‘This Is It’ no es una película de ficción sobre Jackson, ni tampoco estrictamente un documental sobre su vida y su obra, para limpiar su imagen y que se le idolatre aún más.

‘This Is It’ (en español se traduciría como “Esto es todo”, pero tranquilos, no van a tocarlo, con esto no se atreven) es una película centrada en el retrato del cantante mientras preparaba su nueva gira de conciertos, habiéndose grabado cientos de horas de ensayos y escenas entre bastidores (espero que hayan recortado algo, aparte de intimidades que nadie necesita ver).

A esto se le ha sumado una especial selección de secuencias en 3D, porque es lo que está de moda y así se puede sacar más dinero, y entrevistas con amigos y colaboradores cercanos de Michael Jackson. En resumen, un homenaje que sin duda hará las delicias de los fans del rey del pop. El responsable de orquestar todo ha sido Kenny Ortega, encargado de esa cosa llamada ‘High School Musical 3: Fin de curso’, pero imagino que sin Zac Efron a bordo, no hay problema, ¿cierto?

La fecha del estreno de ‘This Is It’ es el próximo 28 de octubre, en todo el mundo, y, al parecer, sólo estará en los cines durante dos semanas. De postre, un par de vídeos, para recordar al artista:

PD: “Como nunca lo habías visto antes”. Ajam, vale, eso puede dar lugar a algunas interpretaciones…

Vía | Impawards

Lo que son las cosas. Peter Jackson sorprendió a muchos fichando al prometedor, y casi desconocido, Neill Blomkamp para dirigir la arriesgada y esperada adaptación del famoso videojuego ‘Halo’ a la gran pantalla; sin embargo, el proyecto fue finalmente cancelado (Steven Spielberg lo ha vuelto a recuperar). Jackson quedó decepcionado pero quiso seguir siendo el que le diera a Blomkamp el impulso para dirigir su primera película, y le preguntó si tenía alguna idea. De ahí surgió ‘District 9’, que ha cosechado un merecidísimo, y nada sorprendente, éxito en Estados Unidos.

Por suerte, el público español no tendrá que esperar demasiado para verla, ‘District 9’ se estrena en España el próximo viernes, día 11 de septiembre, y ya os adelanto que es una de las películas más estimulantes, inteligentes, espectaculares y entretenidas que se han hecho en los últimos años. Parece increíble que sea obra de un debutante en el cine, aunque al mismo tiempo no deja de ser lógico, viendo la manera en la que narra la conflictiva llegada de una nave alienígena a nuestro planeta. Sin exagerar, Neill Blomkamp ha estado cerca de debutar con la mejor película de ciencia ficción desde ‘Blade Runner’.

La idea que Blomkamp dio al máximo responsable de la trilogía de ‘El señor de los anillos’ estaba en un cortometraje que realizó en el año 2005, titulado ‘Alive in Joburg’. En dicha obra, el director sudafricano planteaba una visión fantástica del apartheid. Simulando un reportaje televisivo, se nos mostraba cómo una raza alienígena había llegado a nuestro planeta, pero lejos de suponer una gran alegría o un terrible temor, la situación resultaba problemática, ya que no había sitio para acoger a los extraterrestres; la salida humana (nótese la ironía de esto) fue aislarlos en una zona apartada, donde malviven y son tratados como animales peligrosos.

El cortometraje destacaba por el planteamiento y también por la forma en la que Neill Blomkamp integraba los efectos especiales en lo que parecía ser una pieza informativa real cubierta por medios de comunicación reales y protagonizada por personajes reales (que intervenían hablando a la cámara). El realizador quiso explotar estos hallazgos y darle una nueva dimensión, alargando y mejorando el desarrollo de tan interesante punto de partida.

Y así llegamos a ‘District 9’, en la que se da esa misma situación ya expuesta, extendiéndola y aprovechando al máximo el formato cinematográfico, ofreciendo un espectáculo que deja sin aliento. En la ficción, una nave alienígena llegó a la Tierra hace dos décadas; en concreto, a Johannesburgo, en Sudáfrica. Lejos de lo que cabía suponer, no hay contacto ni ataque, el aparato en el que han llegado estos seres de otro planeta se mantiene flotando en el cielo, quieto, como si se hubiera apagado. Pronto se descubre que la situación de los extraterrestres es precaria, están hacinados en un vehículo muerto.

El primer paso es sacar a los extraños seres de la nave e instalarlos temporalmente en el Distrito 9 (a saber por qué no se ha traducido el título, no aciertan ni una), hasta que se decida qué hacer con ellos. La situación se vuelve rápidamente insostenible y se decide volver a situarlos a otra parte, a una especie de campo de concentración, más alejado de las personas, donde podrán estar mejor atendidos… en realidad, controlados. La operación, peligrosa, será llevada a cabo por una poderosa compañía llamada Multi-National United (MNU), más interesada en la impresionante tecnología y el armamento alienígena que en la seguridad y el trato digno a las criaturas (llamadas de forma despreciativa como “gambas”).

Neill Blomkamp se descubre como un narrador de un talento impresionante, mostrándonos con garra el caos que se produce en la zona cuando el inevitable fallo del control humano se produce, iniciándose una cadena de acontecimientos explosivos, de una gran carga dramática, perfectamente planificados y puestos en escena, resultando una película arrolladora, fresca y sumamente divertida. Tenemos el clásico desencuentro entre civilizaciones, la imposición de reglas por los más fuertes a los (aparentemente) más débiles, el dilema del comportamiento humano, las posibilidades de una ciencia superior a la nuestra… pero también hay espectaculares escenas de acción y unos personajes de carne y hueso (nominación al Oscar para Sharlto Copley, ya).

Como las grandes obras del género de ciencia ficción, ‘District 9’ nos hace reflexionar sobre las circunstancias de un escenario que parece real, de hecho, sacado de la realidad para llevarlo más lejos, que nos resulta cercano y posible, coherente aunque estemos viendo a enormes insectos inteligentes rebuscando en la basura y vistiendo harapos. Por cierto, si hubiera que darle una nota a los efectos visuales de la película no podría ser otra que la matrícula de honor, porque la manera en la que se logra situar a los alienígenas y su tecnología en nuestro mundo es totalmente alucinante.

Entonces, ¿dónde falla? En algo que no puedo/quiero escribir aquí, porque mi último deseo con este texto es arruinaros cualquier sorpresa (ya sabéis que en mis críticas intento no destripar nada relevante de la trama), pero os esperaré en los comentarios cuando la veáis, y la comentamos con spoilers y todo. Sólo os digo que el problema está en el punto de vista, y, un poco menos, en ciertos comportamientos y aspectos concretos del guión que no casan con el crudo y realista conjunto, siendo más propios del resto de películas que nos llegan, repletas de tópicos e incoherencias, inverosímiles.