Genial. Ahí arriba tenéis el fantástico primer cartel oficial de ‘Rango’, la nueva película del director Gore Verbinski. El responsable del remake de ‘The Ring’ y la trilogía de ‘Piratas del Caribe’ ha vuelto a colaborar con la estrella Johnny Depp, quien presta su voz al personaje protagonista, el camaleón que tenéis en la imagen. Muy poco se sabe de la historia de esta producción animada de Paramount Pictures, escrita por John Logan, sólo que gira en torno al reptil y que sufre una crisis de identidad.

También ha salido ya un nuevo tráiler de ‘Rango’, que si bien revela mucho más que aquel delirante teaser que vimos hace poco, tampoco puede decirse que destripe la trama o nos descubra escenas importantes de la película. Lo que sí hace es dejar con la boca abierta, y es que hay algunas imágenes realmente poderosas en el vídeo de adelanto. Lo tenéis más abajo, no os lo perdáis.

Además de Depp, el reparto de voces incluye a gente tan conocida como Bill Nighy, Ray Winstone, Timothy Olyphant, Abigail Breslin, Isla Fisher, Harry Dean Stanton y Alfred Molina, entre otros. La fecha del estreno es el 4 de marzo de 2011.

PD: ‘The Rum Diary’, ‘The Tourist’, ‘Rango’, ‘Piratas del Caribe 4’... Johnny Depp se ha puesto las pilas.

Vía | ImpAwards

“Estamos a salvo. América es segura. Queréis mi propiedad… ¡imposible! Pero os he hecho un gran favor. He privatizado con éxito la paz mundial.

(Tony Stark)

El pasado 30 de abril aterrizó en nuestro país uno de los blockbusters más esperados del año, ‘Iron Man 2’, que se estrena hoy en EE.UU. A pesar de la fuerte promoción la película no está atrayendo tanto como se esperaba al público español, que parece aún cautivado por el vacío espectáculo en 3D de ‘Alicia en el país de las maravillas’, lo peor y más blando que ha hecho Tim Burton hasta la fecha. Tampoco deja de resultar extraño, al menos para un servidor, que la mayoría de comentarios que se están haciendo aquí sobre el regreso del personaje de la Marvel hablen de decepción, calificando el film de aburrido e inferior a la primera parte. No estoy nada de acuerdo.

En teoría, una secuela debe ser más grande, más espectacular, más retorcida y más entretenida que la anterior, pues ya no tiene que perder tiempo en presentaciones, y para compensar el efecto sorpresa de su predecesora (como apuntaba mi compañero Jesús León en su crítica). En este sentido, a mí me parece que no hay nada que objetar a ‘Iron Man 2’, cumple con todo lo que cabía esperar. Desde luego, es una película previsible, prefabricada para la taquilla, dirigida sin talento, con una trama repleta de absurdos y unos personajes imposibles, pero oye, todo eso estaba en la primera, que por el contrario tenía un primer acto de lo más plomizo y un villano de pacotilla. La secuela corrige los errores de ‘Iron Man’ y cuenta con un reparto impresionante. Para ser un producto hollywoodiense de usar y tirar, no está nada mal.

Rourke y Rockwell, grandes incorporaciones

‘Iron Man 2’ se inicia con un breve y acertado recordatorio en el que vemos de nuevo el final de la primera parte, protagonizado por la rueda de prensa en la que Tony Stark (un intachable y carismático Robert Downey Jr.) desvela al mundo que él es Iron Man. Por supuesto, este hecho tiene importantes consecuencias, y sobre eso va la película. Por un lado, Stark, que acaba de inaugurar una exposición tecnológica ideada tiempo atrás por su padre, debe esquivar la demanda del senado y el ejército estadounidense, que piden que comparta su tecnología para poder defender mejor el país; por otro, está ocultando a todos, incluyendo a su chica, Pepper Potts (una correcta Gwyneth Paltrow), que su salud se deteriora rápidamente y no es capaz de encontrar una solución, esto es, se muere.

Todo se complicará más cuando aparezca en escena un misterioso y temerario individuo llamado Ivan Vanko (sensacional Mickey Rourke), quien parece haber logrado imitar los logros de Tony Stark. Vanko viaja de Rusia a Estados Unidos con la intención de sorprender al mundo y acabar con el héroe de la armadura roja y dorada. Irrumpe de manera espectacular (quizá la mejor secuencia de la película) en el circuito de Mónaco durante una carrera en la que compite el propio Stark, quien ha sustituido al piloto de su escudería a última hora, y se produce el primer enfrentamiento entre ambos; una contienda retransmitida en directo cuya principal víctima es la reputación y la suerte del multimillonario protagonista. El traficante de armas Justin Hammer (divertidísimo Sam Rockwell) está al acecho y se hace con los servicios de Vanko, quien le promete acabar definitivamente con Stark.

Pobre realización, chispazos de guión

Detrás las cámaras repite el anodino Jon Favreau, del que lo mejor que podemos decir es que, al menos, no va a peor (recordemos que antes de ‘Iron Man’ había dirigido ‘Zathura’ y ‘Elf’); es una lástima que al frente de este proyecto no esté un realizador más habilidoso, arriesgado e imaginativo (de los que cada vez quedan menos), capaz de sacar más provecho de las escenas de acción, faltas de intensidad y en las que a veces no se ve nada. Quien ya no está es Terrence Howard en el papel de James Rhodes, “Rodhey”, amigo de confianza de Stark y su nuevo compañero de fatigas en el segundo tramo de esta secuela; problemas con la renegociación de su salario (y se rumorea que también con el resto del equipo) dejaron fuera al actor, que fue sustituido por el más conformista y muy competente Don Cheadle. Como si nada.

Otra de las principales novedades de esta segunda parte es el cambio de guionista. Mientras que ‘Iron Man’ la escribieron (y no muy bien) hasta cuatro profesionales (Mark Fergus, Hawk Ostby, Art Marcum y Matt Holloway), el irregular guión de ‘Iron Man 2’, lleno de guiños a los fans de los cómics (Stark abusando del alcohol), diálogos chispeantes (Stark y Justin Hammer se llevan los mejores) y divertidos momentos gamberros (¿tiene cremallera la armadura de Iron Man?), así como de soluciones incoherentes (el rebuscado súper-plan del villano) y otras directamente escandalosas (la construcción de la nueva armadura en tiempo récord), viene firmado por el actor y director Justin Theroux, fichaje recomendado por Downey Jr. tras trabajar juntos en ‘Tropic Thunder’ (escrita por Theroux y Ben Stiller). En términos generales, un acierto, los mejores momentos son impagables y los malos… como los de la primera.

Por supuesto, otro importante cambio es la incorporación de la famosa Scarlett Johansson, convertida ya en un mero adorno valioso por sus curvas, quién lo habría dicho cuando hace unos años era una estrella aplaudida por su talento como actriz. Johansson interpreta a la nueva secretaria de Stark, la enigmática y fría Natascha Romanoff, una mujer de ropas muy ajustadas y experta en artes marciales cuya verdadera función en la trama (aparte de tener al público masculino pegado a la pantalla) se desvela hacia la mitad del metraje, que por cierto, es totalmente excesivo. No es novedad, pero casi, pues sólo aparecía en una breve escena tras los créditos, la jugosa participación de Samuel L. Jackson como Nick Fury, otro de los puntos a favor del film.

En definitiva, a ‘Iron Man 2’ la salvan los actores, que están casi todos muy bien, y los chispazos del guión de Theroux, que hacen de la película una divertida propuesta de acción y excelentes efectos visuales, que no creo que defraude a los siempre exigentes aficionados al cómic. Claro que el film tiene importantes defectos, bajones de ritmo que pueden llegar a aburrir, no tiene tanta acción como pueden demandar los más jóvenes (apenas tres secuencias en dos horas) y se echa de menos un poco más de sangre, de violencia. Está lejos de los mejores títulos centrados en superhéroes, como ‘Superman’ de Richard Donner, ‘X-Men’ y ‘X-Men 2’ (de Bryan Singer), ‘Hulk’ de Ang Lee, ‘El caballero oscuro’ de Christopher Nolan, o la que quizá es la más perfecta, ‘El protegido’ de M. Night Shyamalan, pero repito, supera a la primera parte y es una opción muy recomendable para pasar un rato ameno. Cine palomitero, ni más ni menos.

‘This Is It’ ha logrado más o menos lo que se esperaba de ella, lograr un éxito de taquilla, aunque sus responsables probablemente esperaban más recaudación. El documental, que es algo así como un making off de un concierto que nunca se celebrará, ha obtenido unas críticas positivas —eso no quiere decir excelentes—, y el público votante en la IMDb la recibe con más alegría. Recordemos que el film sólo estará en cartelera durante dos semanas, curiosa peripecia comercial que no creo les salga como tenían pensado.

En el top ten se cuela ‘Amelia’, la nueva película de Mira Nair, que narra la odisea real de Amelia Earhart, aviadora que desapareció sobrevolando el Océano Pacífico en 1937, intentando dar la vuelta al mundo en avión. Hilary Swank, probablemente en otra de esas interpretaciones que huelen a Oscar, y Richard Gere, encabezan su reparto. La crítica no la trata bien, y el público votante no se muestra muy entusiasmado. Por estos lares la veremos a partir del 20 de noviembre.

Vía | IMDb

El 29 de enero del 2010 llegará a nuestras pantallas ‘Invictus’, la penúltima película dirigida —recordemos que ya se encuentra filmando otra, ‘Hereafter‘— por Clint Eastwood. Basada en la obra de John Carlin, ‘El factor humano’ —en un principio la película iba a titularse exactamente igual que el libro—, narra la vida de Nelson Mandela tras la caída del apartheid, y de cómo mediante la celebración de la Copa del Mundo de Rugby en Sudáfrica, intentó terminar de una vez para siempre con las diferencias raciales entre la gente de su país. Un tema candente que en manos de Eastwood puede dar excelentes resultados, y no sería de extrañar ver el film entre los finalistas al Oscar en la próxima ceremonia de la dorada estatuilla.

Morgan Freeman, de asombroso parecido con Mandela, encabeza el reparto, en el que también nos encontraremos con Matt Damon o Scott Eastwood, evidentemente, el hijo del director, y al que recientemente pudimos ver en un pequeño papel en ‘Gran Torino’ —era el mierda irlandés incapaz de defender a una chica—. El cartel entra de lleno en el estilo en el que suelen moverse los carteles realizados para los films de Eastwood: personaje principal casi de espaldas y poco más. Sutil y efectivo.

“Su gente necesitaba un líder, él les dio un campeón” es la excelente frase de promoción. Nosotros necesitamos buenas películas, Él nos podría dar otra obra maestra.

Vía | Impawards

Todos los años acudo al cine, con gran ilusión, a ver lo nuevo de Woody Allen. Como ya sabéis, es uno de mis cineastas favoritos. Una de las ventajas de ser un fan del neoyorquino es que trabaja con una regularidad impresionante, así que no hay que esperar demasiado para ver su último trabajo. Claro que esto, paradójicamente, dota de una cierta irregularidad a su cine, pudiéndose uno encontrar con que un año entrega una película maravillosa, y al siguiente un entretenimiento pasajero. En todo caso, salvo alguna mala cosecha, el cineasta no suele caer bajo.

Precisamente, sentía especial interés por ver ‘Whatever Works’ para quitarme el mal sabor de boca que me dejó la que considero que es su peor obra, ‘Vicky Cristina Barcelona’, cuya mediocridad me dejó perplejo hace un año, planchado en la butaca. La primera vez que Woody Allen rodaba en España, sí, pero miremos lo que hizo cuando rodó en Londres… El cineasta debió revisar muy poco uno de sus peores guiones, y a los productores españoles les traería sin cuidado, pensando en lo que iba a recaudar una comedia donde Scarlett Johansson y Penélope Cruz se metían mano. En fin, un mal año. Desde hace una semana está en nuestros cines la siguiente, que afortunadamente es mucho mejor.

Decía Allen recientemente, mientras rodaba su nueva película (de nuevo en Londres), que nunca piensa en el título hasta que el trabajo ya está terminado, y ve el resultado completo. Entonces lo decide, según crea que es buena o mala, dando una pista al público, para que no se lleve un chasco. Si esto es así, y no otra broma de un hombre íntimamente vinculado al humor, parece que el director no apostaba demasiado por ‘Whatever Works’, traducida feamente en nuestro país como ‘Si la cosa funciona’.

En realidad, dejando a un lado las suposiciones, el título le viene estupendamente a la película. Primero, porque es una frase que el protagonista usa en varias ocasiones, para destacar la escasa relevancia (verdadera) de nuestros actos; segundo, porque la película, aun con sus errores y la modesta potencia de su motor, funciona, consigue su propósito, divierte y hace reflexionar. De hecho, el principal problema de ‘Whatever Works’ es que Woody Allen ya ha filmado otras como ésta, y le han salido mejores, más completas. Si por el contrario, esta película nos hubiera llegado un par de décadas atrás, el impacto sería mayor, y también su valoración.

Así podía haber sido, si Allen no llega a guardar el guión en ese famoso cajón a donde van todas sus ideas, hasta que llega el momento apropiado para rodarlas. Al parecer, escribió la historia de ‘Whatever Works’ pensando en que Zero Mostel interpretaría al protagonista; la muerte del cómico, en 1977, hizo que Allen se olvidara del guión. Treinta años después, ante la amenaza de huelga de los actores, el director de ‘Annie Hall’ se acuerda de la vieja historia de Boris Yellnikoff. La reescribe, actualizando las referencias políticas, y se lo entrega a su equipo de casting, con la esperanza de encontrar al protagonista adecuado.

A diferencia de lo que se ha aventurado en muchos textos sobre la película, Allen nunca se planteó dar vida a Boris, porque no se parece a él. Según sus propias palabras, el personaje es demasiado antipático para que él lo pudiese encarnar adecuadamente, el público no se pondría en su lugar, lo rechazaría; necesitaba a alguien que pudiera insultar y menospreciar a los demás, pero que al mismo tiempo cayera bien, resultara simpático. Cuando se le dio a Allen el nombre de Larry David, todo cobró sentido. David ya había trabajado para él en un par de ocasiones (en ‘Días de radio’ e ‘Historias de Nueva York’), pero ésta sería la primera vez que tendría un papel importante. Y lo cierto es que está perfecto, es justo lo que necesitaba este guión.

La película se beneficia del gran trabajo de Larry David, pero para que el conjunto funcionara era necesario igualmente encontrar a una actriz que encajara en el molde de Melodie St. Ann Celestine, una de las chicas clásicas del cine de Allen. Es la chica tonta, ingenua, muy viva y alegre (posiblemente por ser tonta), el contrapunto perfecto para el protagonista, pesimista y amargado, con la idea del fin del universo siempre en mente. Uno ve a David en el personaje y cree firmemente que el hombre no haya necesitado mucho esfuerzo para interpretarlo (recomiendo desde aquí su desternillante serie ‘Curb Your Enthusiasm’). No sé hasta qué punto Evan Rachel Wood es como Melody, pero lo cierto es que la chica está impecable. Al parecer, el acento sureño lo incorporó después de que Allen le diera el papel, lo cual viene a confirmar que Wood se tomó muy en serio el trabajo.

La película brilla cuando gira en torno a estos dos personajes, Boris y Melody, pero pierde fuerza cuando se desvía para contarnos otros encuentros, otros romances (Henry Cavill es muy guapo, pero tiene el talento de un muñeco de cera) y otras vivencias paralelas. Cuando el destino, siempre presente en el cine de Allen, trae a escena a los padres de Melody (Patricia Clarkson y Ed Begley Jr.), baja bastante el interés, pues aunque haya momentos simpáticos a costa de estos dos personajes, con los que el neoyorquino puede jugar ampliamente, se interrumpe lo que verdaderamente importa, la relación entre el tipo trágico y la chica cómica, dando la impresión de que se han unido, torpemente, dos historias en un mismo guión.

Pasando por alto la escasa fortuna de Allen en este aspecto, y que se llegue a un desenlace que me parece muy forzado, creo que ‘Whatever Works’ es una de sus mejores películas. A mi compañera Beatriz no le parece que funcione, y estoy seguro que no es la única que lo piensa. Es una película muy irregular, llena de imperfecciones, pero también, sobre todo, con grandes aciertos. Logró hacerme reír a carcajadas (creedme, no soy de los que se ríen fácilmente en una sala de cine) y las reflexiones del protagonista sobre la vida y la sociedad son viejas, pero no dejan de ser acertadas y necesarias. La vida puede ser triste y monótona, corta y fugaz, pero siempre podemos recurrir al cine de Woody Allen, profundo y divertido.

En esta ficción, que se podrá ver en cines a partir de mañana, Daniel entra a hacer una sustitución en un centro de ayuda a los discapacitados. Una de sus compañeras es Laura, una mujer problemática que busca refugio en el sexo para huir de sus desagradables recuerdos familiares. Este personaje lo interpreta Lola Dueñas. Alrededor de los dos, están los demás trabajadores sociales, el hermano de Dani y la mujer de éste, que da clases de baile a jóvenes con síndrome de Down.

Nos encontramos ante un film sencillo y naturalista, que se acerca a la vida como lo haría un documental: sin decorados y sin efectismos. La cámara en mano rueda con una emulsión que produce mucho grano —no sé si serán 16 mm.— y los colores y la luz reflejan la realidad tal cual es. La forma en la que está montada ‘Yo, también’ es igualmente contemplativa y deja que entremos en ese mundo como si pasásemos por allí.

La reivindicación que soporta la película se reclama en el título y se termina de despachar en un discurso que da Daniel al inicio. Gracias a eso, los autores pueden continuar hacia delante, contándonos la historia, sin tener que hacer un hincapié excesivo en las cuestiones sociales, pero al mismo tiempo, sin que se pierda esa idea.

Dos historias de amor se nos narran en paralelo: la de Daniel y Laura y la de dos jóvenes alumnos de la clase de baile, que se topan con un sinnúmero de dificultades para vivir su relación —se les puede ver en la fotografía anterior—. En ambos casos, ‘Yo, también’ es emotiva y consigue llegarnos, pero sin caer en la lástima o en la condescendencia y sin provocar tampoco estos sentimientos en el espectador.

El personaje protagonista no se conforma con ser amigo de Laura y lo declara sin esperar a que ella se dé cuenta. El que no se haya escondido el tema del sexo, que se admita que Daniel tiene deseos y que el personaje grite que es un hombre ante la entrada de un puticlub son detalles valientes que hacen que la película no se quede en la ñoñería hollywoodiense del discapacitado entrañable que tantas veces hemos visto. Se trata de un film maduro y que afronta estos temas con total normalidad.

Daniel es un tipo simpático, que es capaz de poner gestos muy divertidos y que siempre sale con una ocurrencia inspirada. Tiene una gran personalidad. La interpretación de Pineda es tan increíble que vale toda la película. Los actores secundarios se desenvuelven a la perfección en ese realismo. Los padres de Dani y Santi son de lo mejorcito del film por su actitud. Los demás afectados por el síndrome de Down componen, asimismo, grandes personajes que siempre sorprenden con sus contestaciones, comportándose como, me imagino, lo harán habitualmente.

No negaré que Lola Dueñas es una enorme actriz, sin embargo, su intensidad interpretativa puede ser excesiva. En esta película, ella está en otro registro que el resto de los intérpretes, saturada de un dramatismo que le viene de la historia de ficción en la que se ve envuelto su personaje. No sería necesario haber cargado tanto el drama por este lado, ya que lo interesante de ‘Yo, también’ es lo que atañe a Daniel y lo mejor de esta historia es la ligereza con la que se afronta una realidad que puede ser terrible. Si algo criticaría del film es haber exagerado tanto por todo lo que se refiere a Dueñas: su historia y su interpretación. Eso sí, cuando ella interactúa con el protagonista, consigue grandes cosas.

‘Yo, también’ está acertada en casi todos sus aspectos y es efectiva en cuanto a la emotividad que busca producir. Reivindica sin resultar pesada y nos da a conocer a alguien que valía la pena saber que existe.

Mi puntuación:

Tras su tráiler, aquí os traemos el cartel de la nueva hazaña de Michael Moore, titulada ‘Capitalism: A Love Story’, que traducido a nuestro idioma es algo así como ‘Capitalismo: una historia de amor’, estrenada en los USA la semana pasada. Precisamente tuve ocasión de asistir allí a un pase de prensa, y comprobar cómo el señor Moore sigue en sus trece de querer dejar en evidencia al país que le está dando de comer. Esta vez se centra en las razones de la posible razón por la actual crisis financiera mundial, centrándose evidentemente en la nación de las barras y estrellas. Con su típica mala leche, su sentido del humor, y mucha, mucha demagogia, Moore arremete de nuevo contra Bush, se remonta hasta Reagan, le da lo suyo y se burla de todo bicho viviente.

Lo que naturalmente no cuenta Moore en su entretenido —si de algo puede presumir Moore es de ser muy entretenido con sus juegos con el montaje— documental, es que arremetiendo contra el capitalismo, su representante pide aproximadamente unos 3.000 dólares para poder entrevistar al famoso director. Es la hipocresía de alguien que utiliza las mismas artimañas de lo que suele denunciar. Eso sí, la secuencia en la que rodea uno de los bancos de Wall Street con una cinta del FBI de escena del crimen, no tiene desperdicio.

‘Capitalism: A Love Story’ aún no tiene fecha de estreno en España, y teniendo en cuenta que su anterior trabajo, ‘Sicko’, tardó casi dos años en llegar aquí, podéis esperar sentados.

Vía | Impawards

Como os adelantamos, el remake de ‘Karate Kid’ ya está en marcha, con Jackie Chan y Jaden Smith (el hijo de Will Smith) al frente del reparto. La nueva versión se titula ‘Kung Fu Kid’, y ya podemos echar un vistazo a las primeras imágenes del rodaje, que se está llevando a cabo en China. En las fotos aparecen los dos protagonistas, suponemos que durante uno de esos extraños entrenamientos que caracterizaban al Sr. Miyagi (“Dar cera, pulir cera”), o quizá al primer encuentro de los dos personajes.

La historia de ‘Kung Fu Kid’ no tiene ningún misterio. Una madre soltera debe trasladarse a China y se lleva con ella a su hijo, quien pronto tendrá problemas en su nuevo vecindario, por lo que necesitará entrenamiento en artes marciales para poder superarlos (porque Hancock está muy ocupado en Estados Unidos). Smith sustituye a Ralph Macchio como el chaval necesitado y Chan ocupa el lugar de Morita como el sabio maestro. La película, que ya imagino que no os interesa en absoluto, está siendo dirigida por Harald Zwart, responsable de la segunda parte de ‘La pantera rosa’ (la de Steve Martin), y está previsto que estrene el 11 de junio de 2010. Ya veremos las cifras de la taquilla, pueden dar lugar a secuelas de esto.

Actualización: Como veis, he incorporado a la entrada el “teaser poster” de la película, aparecido hace unas horas. El cartel es oficial, así que volvemos al título inicialmente previsto, en lugar de ‘Kung Fu Kid’, que ha sido finalmente desechado (dicen que fue cosa de Chan).

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

PD: La madre del niño está interpretada por Taraji P. Henson, nominada al Oscar por ‘El curioso caso de Benjamin Button’.

Vía | Worstpreviews

Y seguimos con fallecimientos, la maldición de mueren de tres en tres me la voy a empezar a creer, como sigamos así. Henry Gibson era uno de esos actores típicos, de los que el público no conocía el nombre, pero sí reconocía su cara. Perteneciente sobre todo al mundo de la televisión, donde apareció en infinidad de series conocidas —desde ‘Embrujada’ (‘Bewitched’), hasta ‘Boston Legal’, pasando por ‘McGyver‘—, intervino también en producciones cinematográficas de la más diversa índole, y casi siempre con personajes con un punto entrañable.

Ahí están sus colaboraciones con Robert Altman en ‘El largo adiós’ (‘The Long Goodbye’, 1973) o ‘Nashville’ (1975), y con Joe Dante en ‘El chip prodigioso’ (‘Innerspace’, 1987), ‘Gremlins 2’ (‘Gremlins 2: The New Batch’), o la olvidada y maravillosa ‘No matarás al vecino’ (‘The Burbs’, 1989) en la que interpretaba a un curioso doctor. Otros papeles memorables fueron en ‘Granujas a todo ritmo’ (‘The Blues Brothers’, John Landis, 1980) —donde interpretaba al líder de una banda nazi que perseguía a los protagonistas—, o en la impresionante ‘Magnolia’ de Paul Thomas Anderson.

Eterno secundario, de rostro amable, con carisma y gran talento, murió de cáncer a la edad de 73 años. No ocupará las portadas de los periódicos —algunos ilustres de este país ni lo nombrarán— como otros de mayor fama. Una pena.

Hasta siempre Henry.

Vía | Las horas perdidas

¿Aún se despierta a veces, no es cierto? Se despierta en la oscuridad y oye el grito de los corderos. Y cree que si salva a la pobre Catherine, eso hará que dejen de gritar, ¿no es cierto? Cree que si Catherine vive, no se despertará en la oscuridad nunca más con el horrible grito de los corderos.

-Hannibal Lecter

Uno de los aspectos más fascinantes de esta historia es el hallazgo de una crisálida de mariposa en la garganta de la última víctima de Buffalo Bill, objeto que bajo ninguna circunstancia podría haber llegado allí por sí solo, y que por tanto ha sido alojado allí deliberadamente por el asesino. Este es el descubrimiento más importante en cuanto a la persecución del psicópata, y, una vez más, han de pedir ayuda a Lecter para descifrar su significado, que no es otro que el deseo de Buffalo Bill de transformarse en mujer, pues la crisálida es una metáfora de la transformación de hombre (oruga), en mujer (mariposa). En realidad, asesina mujeres de gran envergadura porque quiere arrancarles la piel y vestirse con esa piel.

Con el secuestro de la hija de la senadora Ruth Martin, comienza la verdadera cacería en esta película, y a contrarreloj. De forma completamente lógica, por tanto, entramos en la segunda parte del relato, con dramáticas consecuencias, pues Jack Crawford comete la estupidez de hacer una oferta inexistente a Lecter en nombre de la senadora, y Lecter se divierte con todos ellos jugando al Quid Pro Quo y alimentándose del dolor ajeno, que es una de sus fuentes de placer.

Quid Pro Quo y una fuga excepcional

Clarice es una mujer muy valiente y está dispuesta a todo. Por eso es capaz de intercambiar recuerdos dolorosos de su pasado por valiosísima información acerca del psicópata al que quiere dar caza. Se inicia, por tanto, uno de los diálogos y una de las réplicas de rostros más hermosos del cine reciente. No dudo que otros directores, mucho más inseguros, mucho menos capaces de darle una oportunidad a la verdad de una mirada, hubieran mezclado las confesiones de Clarice con fugaces insertos o flash-backs. Así suele hacerse casi siempre. No es el caso de esta joya.

Con percepción de entomólogo, con la extrema dignidad de un verdadero cineasta, Demme se entrega a una sucesión de planos de Hopkins y Foster. Están tan bien, ambos, y la dirección y el tono son tan precisos, que con el relato de Clarice uno siente enardecer su imaginación y es ella la que vuela al pasado de esta atormentada mujer. De esta forma es el espectador el que crea unas imágenes que, en mi opinión, un director no debería crear muchas veces, o no debería imponer. Y este es el caso supremo, pues en cuestión de recuerdos infantiles, todos tenemos los nuestros, y a menudo es mejor dejar que cada uno se adentre en sí mismo.

Lecter pone al FBI en buen camino, pero se interpone el viscoso Chilton para advertirle a Lecter de que no existe ningún acuerdo y así intentar sacar tajada él mismo. Aquí viene uno de los momentos más complejos y más discutidos de esta película. No es otro que el modo en que el bolígrafo de Chilton termina en poder de Lecter y se convierte en una ayuda fundamental para su fuga. Esto es diferente respecto de la novela, pues en ella Lecter se construye una llave para abrir esposas valiéndose del tubo de tinta de un bolígrafo y de un clip. Pero aquí observamos perfectamente cómo utiliza el mismo clip de un bolígrafo dorado para abrir sus esposas.

El mayor enigma es intentar comprender cómo un bolígrafo que estaba en posesión de Chilton, termina en las manos de Lecter. Muchos cinéfilos se rompían, y aún se rompen, la cabeza intentando averiguarlo. La explicación es tan sencilla, que le quita un poco de magia al asunto. Durante el diálogo con Chilton, es significativa la manera en que Lecter no deja de mirar el bolígrafo. Demme va acercando la cámara cada vez más a ese objeto anhelado, abandonado sobre una toalla del propio Lecter. La estrategia del recluso es la de dar el nombre (supuesto) de Buffalo Bill, y provocando a Chilton pues sóle dirá el resto a la senadora en Tennessee. Hace esto con la esperanza de que se olvide del bolígrafo, pero no sabe si tendrá resultado.

Lecter es transferido a Tennessee, tal como deseaba, y no sabe si su ardid ha tenido éxito. La secuencia es un subidón de intensidad indescriptible, con Lecter atado y la cara cubierta con la máscara de hockey, a fin de evitar mordiscos intempestivos. Cuando Chilton debe cumplimentar el traslado firmando y no encuentra el bolígrafo, Demme efectúa un grandioso movimiento de travelling y zoom al rostro de Lecter, sin cortar. Ahora el preso tiene la esperanza de que se el bolígrafo haya viajado con él. Mira fijamente a Chilton y respira con fuerza. Luego veremos que, efectivamente, encontró el bolígrafo entre sus toallas.

La breve entrevista con la senadora pone la piel de gallina. Sentimos la aprensión de la mujer cuya hija ha sido raptada y se ve obligada a conversar con un monstruo, y sentimos el ambiente opresivo. Lecter da una nueva información (falsa, de nuevo) y se alimenta del dolor de la madre para continuar hablando. En cualquier caso esta entrevista no es más que el prólogo al mejor bloque de la película, que es la confesión final de Clarice y la huida de Lecter.

La larga, magistral, conmovedora e inolvidable secuencia del último diálogo entre Lecter y Clarice, de siete minutos de duración, esta estructurada en dos partes y una especie de epílogo. La primera parte está planificada con encuadres en movimiento circular, o lateral, la segunda con acercamientos a los rostros de ambos actores, y el epílogo con alejamientos y nuevos planos circulars, además de planos detalle. No exagero si digo que es uno de los diálogos más hermosos y terribles de la historia del cine. Demme sitúa la cámara delante de los actores, de modo que miran al objetivo. Nos convertimos de esta manera en Clarice y en Lecter. Sentimos la compasión, extraña, de Lecter, y la desazón, plena de coraje, de Clarice. Todo termina con ese bello plano detalle del dedo índice de Lecter rozando la mano de Clarice…

Todo ello sin olvidar la creación sonora de fondo, que asemeja un viento nocturno, cuidadosamente insertado de manera que no destaque. Sin palabras. Tampoco pueden describirse las lágrimas suspendidas del borde de los ojos de Lecter.

En cuanto a la huida, se podría escribir un libro sobre ella. Baste decir, para empezar, que Demme demuestra una pericia para el suspense que era impensable viendo su filmografía anterior, y que nunca más volvería a demostrar. Es tal, que no merece ser nombrado en la misma línea que Alfred Hitchcock, a quien por momentos parece capaz de dar lecciones. Con las variaciones Goldberg de fondo, interpretadas por Glenn Gould, detalle extraído de la novela, tiene lugar la hazaña de Lecter.

Aprovechando el torpe modo en que le esposan cuando le dejan la comida en el interiori de la celda, Lecter lleva a cabo sus planes: se levanta de su aseo y, con el clip entre los dedos (fenomenal el plano en zoom que se acerca a ese objeto), obedece sin rechistar. Gracias al fondo de la música, y a la dirección de los actores que interpretan a los policías, el tiempo se ralentiza exageradamente, y al espectador se le destrozan los nervios. Pide que tengan cuidado con los dibujos (precisamente de Starling y un cordero…) y es la razón por la que puede esposar al primer policía al barrote al agacharse este, y aprovechando la confusión abalanzarse sobre el segundo.

Por supuesto, todo se acelera en el momento apropiado en que la música de Gould llega a un intermedio. Y por supuesto somos nosotros los golpeados, pues en un alarde de cámara subjetiva, Lecter golpea a la cámara con la porra mientras se llena de sangre. Cuánta elegancia. Otros directores habrían mostrado gráficamente la muerte de los polícias, pero Demme no, és es un pudoroso, por eso es un grande. Además de por contar esta huída con tanto brío, y con tanto horror compasivo.

Conclusión: cazar mariposas

Con las indicaciones del fugado Lecter, Clarice acude a casa de la primera víctima (delicada y hermosa secuencia, basada en los detalles y en la mirada, una vez más) y luego continúa sus pesquisas por su parte, creyendo que Crawford está a punto de cazar a Buffalo Bill. Nadie puede pensar que el montaje en el que se muestra a Crawford equivocándose de hombre y a Clarice acertando es un engaño, porque antes, en su conversación telefónica, hemos visto la foto del sospechoso de Crawford, y sabemos que se ha equvocado. Este magistral montaje, por tanto, viene a ser una forma tremendamente ingeniosa de mostrar un hecho, y de ponernos los pelos de punta.

La identificación de Buffalo Bill por parte de Clarice es tan hermosa como otros muchos momentos ya comentados. Basta una polilla para que se de cuenta de que el inocente civil que ha ido a visitar es el monstruo que persigue. Y con su mirada él sabe que ella sabe. Nadie se cambiaría por Clarice en este momento. Vemos el cuadro de una mariposa detrás de ella, un augurio de su descubrimiento. Se lanza y saca el arma, torpemente, pero él se zafa. Lo que sigue es la negación, la destrucción, de décadas de años de cine de machadas y chorradas de super-héroes armados con pistolas. Esto es la vida real. Foster está asombrosa, y nos morimos de miedo con ella.

Ya no es sólo una mazmorra, como con Lecter, ahora también es un laberinto de habitaciones. Pero consigue vencer al monstruo (al minotauro) en la oscuridad, gracias a una valentía indescriptible. Llega a donde ningún hombre es capaz de llegar, y lo hace ella sola, sin ayuda de ningún hombre. Al graduarse, la llama el doctor Lecter, y sabemos que la victoria sobre el horror ha sido pírrica, pues el más grande de los monstruos ahora está suelto. El final viene a demostrar que el horror es siempre posible en este mundo atroz, mientras que debemos venerar el coraje y la generosidad de los valientes como Starling. El plano final, que aún continúa en los títulos de crédito, permite a este relato seguir vivo (y seguir aterrorizando nuestro subconsciente) una vez terminada la película.

En Blogdecine:

• ‘El silencio de los corderos’, la mente del dragón (I)