Las películas de robos y atracos han funcionado muy bien a lo largo y ancho de la historia del cine. Cualquier cinta de Film Noir, o acción, que se precie posee un atraco con la intención de añadir tensión al relato en cuestión, o simplemente empezar a lo bestia como decía Cecil B. DeMille —en el caso de Christopher Nolan y su mejor entrega sobre Batman— y de ahí para arriba. Hoy vamos con una de esas listas que tanto os/nos gustan por aquello de animar un poco la función hablando de nuestros atracos o robos favoritos en el séptimo arte.

Como suele pasar en todas las listas, ni están todas las que son ni son todas las que están. Lo cierto es que hay material de sobra para realizar una lista corta, pero tampoco vamos a poner aquí un listado interminable de películas, que entonces sí que aburrimos al personal. Desde Stanley Kubrick a Nolan, pasando por Robert Siodmak, Michael Mann o Katrhyn Bigelow. Pasen y disfruten de una de las actividades más deseables del ser humano: robar. Y más en estos tiempos.

‘Atraco perfecto’

La primera gran obra de Stanley Kubrick es ‘Atraco perfecto’ (‘The Killing’, 1955), imitada hasta la saciedad en numerosos films posteriores. Toda la película es un prodigio de ritmo, suspense y planificación, medida con la precisión de un reloj suizo. La escena del atraco al hipódromo sigue siendo uno de los instantes más poderosos del relato, que como en todo buen Film Noir está bañado de fatalismo. Tensión del momento: muy alta, de ese robo depende el futuro del protagonista, que ya nos ha caído bien.

‘El caballero oscuro’

Tras el trabajo de Kubrick era lógico citar el mejor trabajo de Christopher Nolan, ‘El caballero oscuro’ (‘The Dark Knight’, 2008), cuyo inicio además de rendir tributo a la máxima antes mencionada sobre Cecil B. DeMille es todo un homenaje al atraco anterior. Uno de los inicios más vibrantes y endiabladamente entretenidos del cine reciente y toda una lección de cine —ya sé que Nolan no es un maestro como John Ford, pero no me voy a poner quisquilloso, esta secuencia es magistral—, con la enigmática presencia, aunque jamás le vemos la cara, de uno de los villanos más admirados del cine. Tensión del momento: Muy alta, si el espectador no es capaz de engancharse ya no lo hará.

‘El abrazo de la muerte’

Robert Siodmak fue uno de los grandes del Film Noir, y ‘El abrazo de la muerte’ (‘Criss Cross’, 1949) es una de sus obras maestras. Repitiendo con Burt Lancaster tras la imprescindible ‘Forajidos’ (‘The Killers’, 1946) se marca otro relato electrizante, en el que uno de sus puntos álgidos es sin duda ese maravilloso atraco al frugón blindado, el cual no ha sido superado aún. Impresionante el detalle de las bombas de humo. Tensión del momento: Muy alta, el relato puede devenir en cualquier cosa y la previsibilidad no existe.

‘Rififi’

De la imprescindible cinematografía francesa de los años 50, destaca sobremanera una joya del calibre de ‘Rififi’ (‘Du rififi chez les homme’, Jules Dassin, 1955), probablemente la mejor cinta de robos que exista. La escena del robo en cuestión es sin diálogos y tan larga que le lleva a uno al borde del infarto. Nadie se atrevería con ello hoy día. Tensión del momento: Muy alta, el que los personajes mantegan el silencio mientras trabajan hipnotiza al espectador hasta límites insospechados.

‘Le llaman Bodhi’

Con la ayuda de J. Michael Muro, excepcional operador de cámara perfecto utilizador de la steadycam, ahora metido a competente director de fotografía —suyo es el trabajo de la insípida ‘Parker’ (id, Taylor Hackford, 2012) en la que podemos ver un par de aburridos y sosos atracos—, Kathryn Bigelow se marca un atraco en concreto espectacular, aquel en el que el policía infiltrado al que da vida Keanu Reeves es obligado a participar. Gritos, emoción y la Bigelow que baja la cámara a ras de suelo y todo estalla. Tensión del momento: Muy alta, la emoción no está solo en que el bueno de la película puede ser abatido, sino en la inesperada reacción del cliente/policía que se encuentra en el banco y decide intervenir. Brutal.

‘Heat’

El último gran neo thriller —subgénero que dio comienzo con ‘El rastro de un suave perfume’ (‘Hickey & Boggs’, Robert Culp, 1972)— que ha venido de tierras yanquis, de la mano de uno de los realizadores más interesantes de las dos últimas décadas, Michael Mann. En realidad no vemos ni el atraco ni el robo, sólo las consecuencias del mismo, y esas no son más que una de las mejores escenas de acción jamás filmadas, tanto que no podía faltar en esta lista. Un enfrentamiento monumental entre los hombres de Robert De Niro y los de Al Pacino. Tensión del momento: Muy alta, Mann coloca la cámara en el cogote de los personajes y nos mete de lleno en un tiroteo impresionante que nos deja aturdidos y alucinados.

Su turno, damas y caballeros.

Por fin se pone en marcha uno de los proyectos más esperados por cualquier cinéfilo. Tras más de una década de preparación, de anuncios y retrasos, Martin Scorsese comenzará a rodar ‘Silence’ este próximo verano y ya tenemos los nombres de dos de sus protagonistas. Se trata del estadounidense Andrew Garfield, famoso por encarnar al nuevo Spider-Man, y el japonés Ken Wantanabe, empleado por Christopher Nolan en ‘Batman Begins’ (2005) y ‘Origen’ (‘Inception’, 2010).

En 2009 se dijo que el director de ‘La invención de Hugo’ (‘Hugo’, 2011) quería que el reparto de ‘Silence’ estuviera encabezado por Daniel Day-Lewis y Benicio del Toro, y aún es posible que al menos uno de los actores acabe participando en la película ya que Watanabe dará vida a un intérprete que acompaña a los dos personajes principales. Lewis no tiene ningún rodaje en camino y aunque Del Toro está negociando para aparecer en ‘Inherent Vice’ —lo próximo de P.T. Anderson— sería para un papel secundario por lo que tampoco cabe descartarle todavía.

Jay Cocks y el propio Scorsese firman el guion de ‘Silence’, adaptación de una novela de Shusaku Endo ambientada en el siglo XVII y centrada en dos misioneros jesuitas que emprenden un viaje a Japón para promover la enseñanza de las escrituras cristianas, descubriendo una violenta persecución religiosa por parte de las autoridades. El texto ya fue llevado al cine por Masahiro Shinoda en 1971.

Imagen e información | Indiewire

Hace poco os hablaba de la fallida ‘Emergo’ (Carles Torrens, 2011) como uno de los infinitos ejemplos de la ya cansina técnica de rodaje conocida como found footage. En este especial de placeres culpables entra de lleno un reciente found footage que tal vez posea todos los defectos de este tipo de films en los que el punto de vista se altera peligrosamente. ‘Project X’ (id, Nima Nourizadeh, 2012) es una salvajada; la película más bajada del año pasado propone la fiesta casera más bestia jamás vista. Tanto que recientemente sirvió de inspiración a un grupo de imbéciles que celebrando un cumpleaños destrozaron una casa rural por valor de 30.000 euros, justificando ante la Guardia Civil el presente film como única razón para su acto. La realidad superando a la ficción, o los débiles de mente demostrando cuan peligrosa es la ignorancia.

En cualquier caso el film puede verse como una puesta al día de lo realizado por John Landis en películas como ‘Desmadre a la americana’ (‘Animal House’, 1978), salvando las distancias evidentemente. El director de ‘Resacón en las Vegas’ (‘The Hangover’), Todd Phillips, más el veterano Joel Silver, producen el evento siendo muy conscientes de la fórmula. Se tratada de filmar un fiestón, como en el caso del film mencionado —y cuya tercera entrega nos llegará próximamente— pero bajando la edad del público objetivo. Esta vez serán unos adolescentes con las hormonas disparadas los que prepararán una enorme fiesta de cumpleaños que se les termina yendo de las manos, perdiendo el control hasta límites insospechados.

(From here to the end, Spoilers) ‘Project X’ no tiene un argumento complicado o difícil, ni siquiera hay peligro de spoilers. Se trata de una fiesta por el decimo séptimo cumpleaños de Thomas (Thomas Mann), organizada por su amigo del alma Costa (Oliver Cooper), y cuyo argumento encuentra su razón de ser en un hecho real acaecido en Australia —el cine inspirándose en un hecho real, y la película que inspira un hecho real, la pescadilla que se muerde la cola— en la que un chaval daba una fiesta en su casa y puso su dirección en My Space. Acudieron unas 500 personas y los destrozos fueron cuantiosos, apareciendo periodistas y policías a informar unos y tratar de pararlo todo los otros. Como decía uno de los que me acompañaba en el visionado, ojalá yo tuviera una fiesta como esa —¿quién no lo desea?— pero en una casa que no fuera la mía.

‘Project X’ —no confundir evidentemente con la película de idéntico título protagonizada por Matthew Broderick y que trataba de un chimpacé más inteligente que todos los personajes juntos del presente film— posee todos los elementos característicos de los found footages. Primero tenemos una presentación de personajes, tres amigos que desean ser populares y para ello organizan un fiestón. Más tarde, metidos en harina, la situación va degradándose más y más, con situaciones hilarantes algunas más locas que otras y siempre con un muy bien marcado crescendo que concluye con todo un clímax antológico en el que la anarquía reina a sus anchas. Y es que cuando una situación escapa al control del orden, es realmente difícil contenerla. En ese aspecto, la película es un continuo “más difícil todavía”, como si se tratase de una película de acción pero aplicada a lo que se supone una comedia adolescente.

Es encomiable el trabajo de montaje, teniendo en cuenta que todos los implicados en el film, incluidos los extras, estaban grabando material para la película, llegando a grabar más de diez horas. Incluso algunas de las escenas son reales, como la de la chica orinando detrás de un coche o aquellas en las que alguno de los personajes está borracho. Realismo mezclado con ficción imitando la realidad, y que en este caso sirve perfectamente a las pretensiones de un film que no busca nada más que entretener y escapa de realizar todo juicio moral, marcando eso sí una línea muy fina entre lo que significa ser adulto y ser adolescente. Mientras el colegio vitorea la fiesta vivida, los adultos la condenan pero el padre se siente orgulloso de que su hijo haya sido capaz de algo así, y en la fiesta incluso llega a colarse un vecino que les triplica la edad a todos y se lo pasa en grande.

Efectivamente, me sumaría a una fiesta de esas proporciones y dejaría que el descontrol me dominase con el resto, pero en casa de otro. Y no terminaría a las seis de la mañana, sino mucho más tarde.

No conozco la obra del escritor francés Boris Vian y por lo tanto, desconocía ‘La espuma de los días’, la novela de 1946 que ha adaptado al cine el siempre especial Michel Gondry, aunque leyendo su argumento parecía bastante obvio que si alguien debía llevarla al cine, ese era Michel ‘amante de los cachivaches’ Gondry: una pareja se enamora locamente y tras casarse a ella le encuentran un nenúfar en el pulmón y todo ello, situado en un universo poético y algo surrealista, que bien se adapta al imaginario del director francés.

Aunque todavía sin fecha de estreno en España, ‘La espuma de los días’ es, sin duda, una de las grandes apuestas del cine francés del año, ya no solo por su reputado director, sino porque adapta una novela muy popular en Francia y cuenta en su reparto con cuatro de las grandes estrellas del cine galo: Romain Duris, Audrey Tautou, Omar Sy y Gad Elmaleh. Quizás por sus altas expectativas –y por su demasiado apabullante propuesta visual de la que os hablaremos luego–, la película resulta algo fría y no consigue que el espectador entre de lleno en la triste y poética de Colin y Chloé.

El surrealismo y sus cachivaches

Una película de Michel Gondry, no sería de Michel Gondry si el surrealismo no fuera una parte crucial de su forma de contarnos la historia, y es que hasta los títulos de su filmografía que parecen más normales como ‘¡Olvídate de mí!’ (‘Eternal sunshine of the spotless mind’, 2004) o ‘Rebobine, por favor’ (‘Be kind rewind’, 2008), no serían lo que son sin ese toque surrealista y poético que las envuelve. El surrealismo es uno de los puntos clave del cine de Gondry y ‘La espuma de los días’ con todas sus metáforas poéticas sobre el amor, la enfermedad y la muerte es el escenario perfecto para que el director francés despligue todo su arsenal de trucos de mago, para adentrarnos en este universo único y especial que creó Boris Vian; un universo luminoso y lúgubre y que llega a ser pantanoso y desagradable, como la vida misma.

Y es que se podrían hacer diferentes lecturas de ‘La espuma de los días’. Podemos aceptar lo que es: la historia de una pareja enamorada y feliz que tiene que afrontar un duro golpe como la enfermedad y la muerte de uno de ellos, o entenderla como una metáfora en sí misma sobre el amor y como acaba muriendo con el tiempo –para esto último os recomiento la fantástica ‘Blue Valentine’ (id, 2010) de Derek Cianfrance–. Una lástima que lo que podría haber sido una interesante y original historia sobre la pérdida y la degradación del amor, termina apabullándonos con semejante propuesta visual.

Si tuviéramos que compararla con alguna de sus anteriores trabajos, ‘La espuma de los días’ estaría mucho más cerca de ‘La ciencia del sueño’ (‘La science des rêves’, 2006) y a su uso, completamente disparatado de trucajes a la vieja usanza y cachivaches inútiles por doquier. Está claro que es una de las señas de identidad del director galo, al que le gusta bien poco usar efectos especiales por ordenador y que ese ‘veo el truco’ y la utilización del stop- motion le da ese toque especial y original a la historia de Colin y Chloé, pero sólo hasta cierto punto. Y es que llega un momento en el que parece que Gondry está más interesado en mostrarnos su apabullante, alocado y original mundo interior que el de sus personajes, y alguna secuencia llega a convertirse en un auténtico catálogo de cachivaches inútiles que sólo sirven para que el espectador se aleje poco a poco de la historia. Pero no todo es malo en esta apabullante propuesta visual, y es que el uso de colores y su degradación, pasar del tecnicolor de los años 60 al más arcaico blanco y negro del cine mudo, funciona sin que el espectador se dé casi cuenta.

Y como siempre me gusta hablar del reparto, en esta ocasión no podía ser menos, sobre todo, teniendo en cuenta de que la película la protagonizan cuatro grandes estrellas del cine francés. Romain Duris y Audrey Tautou interpretan a la pareja protagonista, dotándole él el punto romántico justo y ella, esa fragilidad de lo efímero que requiere su personaje. Junto a ellos y en papeles pequeños, el siempre desbordante y aquí un poco desaprovechado Omar Sy, como amigo complice –y cocinero– de la pareja o Gad Elmaleh y hasta una participación del propio director.

En definitiva, ‘La espuma de los días’ no termina emocionar como debería porque el espectador se entretiende más contemplando las maravillas del piano que hace cócteles o las mesas ondulantes o al pequeño ratón con cara de Alain Chabat que recorre la casa, que en la triste y trágica historia de amor. Una pena.

Por razones que escapan a cualquier lógica, la cartelera está un poco abandonada, sin una oferta demasiado interesante, ideal para que arrase con todo el último blockbuster distribuido por Disney, ‘Iron Man 3’ (Shane Black, 2013) —hay cines que le dedican varias salas: 2D, 3D, digital… y porque no la hay en 4D—, pero esto va a cambiar pronto. El próximo viernes llega a nuestras pantallas una propuesta muy atractiva: ‘Stoker’ (2013), lo nuevo de Park Chan-wook.

Se trata del debut estadounidense del prestigioso cineasta surcoreano, quien ha trasladado a la gran pantalla un guion original de Wentworth Miller —la estrella de la serie ‘Prison Break’ (2005-2009)—, música de Clint Mansell y un reparto encabezado por Nicole Kidman, Mia Wasikowska y Matthew Goode. ‘Stoker’ se presentó ayer en el Festival de Cine Fantástico de Bilbao (FANT) tras pasar por otros certámenes como los de Sundance, Rotterdam y Toronto. Por si os sirve de algo, tiene una valoración de 7,5 en IMDb, casi 6 en Metacritic y un 6,4 en RottenTomatoes.

La sinopsis de ‘Stoker’

Cuando India Stoker (Wasikowska) pierde a su amado padre y a su mejor amigo Richard en un trágico accidente de tráfico el día de su 18º cumpleaños, su tranquila vida familiar se ve sacudida. Con una gran delicadeza, India muestra una actitud impasible que enmascara los profundos sentimientos que sólo su padre podía entender. India se ve entonces atraída hacia el hermano de su padre, Charlie (Goode), que se presenta de manera inesperada en el funeral y decide quedarse con ella y su emocionalmente inestable madre, Evie (Kidman). En un principio India no confía en su encantador y misterioso tío, pero después descubrirá todo lo que tienen en común…

El director

Park Chan-wook (23-08-1963, Seúl, Corea del Sur) es presentado en el cartel de ‘Stoker’ como “el director de Old Boy“. Ciertamente, la adaptación del manga de Garon Tsuchiya y Nobuaki Minegishi consolidó la carrera de un realizador conocido por su ingenio visual y su gusto por las historias retorcidas y violentas. Su primer éxito fue el thriller ‘JSA: Joint Security Area’ (‘Gongdonggyeongbiguyeok jeieseuei’, 2000), continuado por la llamada “trilogía de la venganza” compuesta por ‘Sympathy for Mr. Vengeance’ (‘Boksuneun Naui Geot’, 2002), ‘Old Boy’ (‘Oldeuboi’, 2003) —cuya nueva versión nos llegará este año de la mano de Spike Lee— y ‘Sympathy for Lady Vengeance’ (‘Chinjeolhan geumjassi’, 2005), con la que empezó a perder caché.

Su siguiente film, ‘Soy un cyborg’ (‘I´m a Cyborg, but that´s OK’/‘Ssaibogeujiman Gwaenchanha’, 2006), parecía confirmar que el coreano estaba en declive tras tocar techo con ‘Oldboy’, pero recuperó su mejor nivel con ‘Thirst’ (‘Bakjwi’, 2009), su particular aportación al cine de vampiros, tan de moda en los últimos años por cierta saga para adolescentes. Después de debutar en inglés con ‘Stoker’ ayudó a su amigo Bong Joon-ho como productor de la ambiciosa ‘Snowpiercer’, uno de los estrenos más esperados de los próximos meses, y tiene entre manos dos proyectos: ‘Corsica 72’ y ‘The Brigands of Rattleborge’.

Los protagonistas

La primera gran oportunidad en el cine para Mia Wasikowska llegó cuando Disney la eligió para protagonizar ‘Alicia en el país de las maravillas’ (‘Alice in Wonderland’, 201) una de las películas más flojas pero también más taquilleras de Tim Burton. La joven actriz australiana no estuvo acertada pero el papel le sirvió para darse a conocer y tener más oportunidades, algo que sin duda está aprovechando. Demostró su talento en ‘Los chicos están bien’ (‘The Kids Are All Right’, Lisa Chodolenko, 2010) y ‘Jane Eyre’ (Cary Fukunaga, 2011), y personalmente recomiendo ver su trabajo en la serie ‘En terapia’ (‘In Treatment’, varios, 2008-2011).

También de Australia, curiosamente, proceden otras dos importantes intérpretes del reparto: Nicole Kidman y Jacki Weaver. La primera fue una de las mayores estrellas de Hollywood desde finales de los 90 pero prácticamente desde que ganó el Oscar por ‘Las horas’ (‘The Hours’, Stephen Daldry, 2002) una serie de decisiones profesionales desafortunadas mancharon su brillante carrera. Poco a poco Kidman se ha ido recuperando y caben destacar sus trabajos en ‘Rabbit Hole’ (John Cameron Mitchell, 2010) y ‘El chico del periódico’ (‘The Paperboy’, Lee Daniels, 2012). Weaver se ha convertido en una secundaria de lujo tras optar al Oscar por ‘Animal Kingdom’ (David Michôd, 2010); recientemente pudimos verla en ‘El lado bueno de las cosas’ (‘Silver Linings Playbook’, David O. Russell, 2012).

Colin Firth iba a encarnar al personaje de Charlie pero a causa de otros compromisos tuvo que ser sustituido por Matthew Goode, con quien compartió escenas en ‘Un hombre soltero’ (‘A Single Man’, Tom Ford, 2009). A Goode lo reconoceréis probablemente por ‘Match Point’ (Woody Allen, 2005) o por la adaptación de ‘Watchmen’ (Zack Snyder, 2009). También figuran en el elenco de ‘Stoker’ Dermot Mulroney —‘La boda de mi mejor amigo’ (‘My Best Friend’s Wedding’, P.J. Hogan, 1997), ‘Infierno blanco’ (‘The Grey’, Joe Carnahan, 2011)—, Lucas Till —‘Hannah Montana – La película’ (‘Hannah Montana: The Movie’, Peter Chelsom, 2009), ‘X-Men: Primera generación’ (‘X-Men: First Class’, Matthew Vaughn, 2011)—, Alden Ehrenreich —‘Tetro’ (Francis Ford Coppola, 2009), ‘Hermosas criaturas’ (‘Beautiful Creatures’, Richard LaGravenese, 2013)— y Harmony Korine —guionista de ‘Kids’ (Larry Clark, 1995) y director de ‘Spring Breakers’ (2012)—-, entre otros.

Todos los carteles de la película

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

Todos los vídeos de ‘Stoker’

• Spot televisivo en español:

• Tráiler español:

• Tráiler original subtitulado:

• Clip con una escena del film (en español):

• Clip en versión original:

• Rueda de prensa con Park Chan-wook en el FANT 2013:

James McTeigue parecía destinado a convertirse en el nuevo chico de oro de Hollywood. Avalado por los hermanos Wachowski, debutó con la adaptación cinematográfica de ‘V de Vendetta‘ (‘V for Vendetta’, 2006), pero, sin llegar a ser un fracaso, no respondió a las expectativas comerciales que había a su alrededor. Peor fortuna tuvo con ‘Invasión‘ (‘Invasion’, Oliver Hirschbiegel, 2007), donde, gracias al apoyo de los Wachowski, rodó la mayoría de la película pese a no figura oficialmente como su director, la olvidable ‘Ninja Assassin‘ (id, 2009) y la lamentable ‘El enigma del cuervo‘ (‘The Raven’, 2012), por lo que parece destinado a encargarse de proyectos no especialmente estimulantes como ‘Survivor‘, cinta que acaba de saberse que será dirigida por McTeigue.

Encabezando el reparto de ‘Survivor’ tenemos a Clive Owen —una lástima que en Hollywood no estén sabiendo aprovechar su talento— y Katherine Heigl. La historia girará alrededor de una trabajadora del Departamento de Estado que acaba de empezar a trabajar en la embajada americana en Londres. Su vida dará un giro de 180 grados cuando una bomba acaba con la vida de todos sus compañeros, siendo acusada posteriormente por crímenes que no ha cometido y perseguida por un grupo de asesinos que quiere acabar con ella. Todo se complica aún más cuando tiene que darse la fuga y hacer todo lo posible para evitar un ataque terrorista que tendrá lugar durante la noche de fin de año.

Está previsto que el rodaje de ‘Survivor’ comience este próximo mes de julio y he de reconocer que sentiría mayor interés en el proyecto si contase con una auténtica actriz para su papel principal y no con la sosa de Katherine Heigl, ¿y vosotros?

Vía | Screen Daily

“¡Nazis y ocultismo! ¿Si le funcionó a Spielberg, por qué no iba a funcionarme a mí?”. Algo así tenía que estar pensando Michael Mann cuando, tras su estreno en la gran pantalla en 1981 con ‘Ladrón‘ (‘Thief’, 1981), comenzó a buscar el proyecto con el que continuar su carrera cinematográfica, encontrándolo en este filme que suponía la adaptación de ‘The keep‘ una novela firmada por F.Paul Wilson en la que, como apuntaba al comienzo del párrafo, se mezclan nazis, ciencias ocultas, demonios y ángeles en un cóctel tan explosivo que no es de extrañar que le terminara estallando en la cara al realizador de ‘El último mohicano‘ (‘The last of the mohicans’, 1992).

Y lo irónico es que, sobre el papel y atendiendo a la novela original, había material como para poder haber rodado un filme que no se arrastrara por el fango tras un primer acto en el que la exposición de personajes todavía no apunta al infumable esperpento que tendremos que soportar durante el resto del metraje. De hecho, un rápido vistazo al reparto confirma que había voluntad por parte de Mann de filmar algo medianamente digno a tenor de nombres como Jürgen Prochnow, recién salido del éxito que había sido ‘El submarino‘ (‘Das boot’, Wolfgang Petersen, 1981), Ian McKellen, Scott Glenn —que el mismo año estrenaba ‘Elegidos para la gloria‘ (‘The right stuff, Philip Kauffman, 1983)— o un Gabriel Byrne al que dos años antes habíamos visto en ‘Excalibur‘ (id, John Boorman, 1981).

(Spoilers ahead) Presupuestada en 6 millones de dólares, todo se aúna en ‘El torreón‘ (‘The keep’, 1983) para que el espectador tenga que hacer un duro ejercicio de contención y no termine profiriendo insultos contra aquellos que, hace treinta años, fueron responsables de un filme que no hay por donde cogerlo: ya en el comienzo, con esas tropas nazis avanzando al compás de la horrenda partitura compuesta por Tangerine Dream —¡y pensar que este grupo fue el elegido para sustituir la música de Jerry Goldmisth para ‘Legend‘ (id, Ridley Scott, 1985) en su versión europea americana!— comienza a intuirse que algo no cuadra, pero lo enigmático del arranque, la presencia de Prochnow y la intriga por saber qué será esa fortaleza imponente que guarda un pequeño pueblo de Rumanía hacen que la actitud crítica quede aletargada momentáneamente.

De hecho, si dejamos a un lado lo ridículo del planteamiento visual inicial de la secuencia —digna hija de los ochenta, por otra parte— el momento en el que los dos soldados alemanes descubren la inmensa cueva que oculta la fortaleza es de esos que promete, a partir de entonces, emociones de una dimensión considerablemente épica. Pero el concepto de la épica de Mann, que trata por todos los medios de ser original con sus encuadres y ese especial abuso que hace de la cámara lenta, es de una endeblez tal que, en cuanto Byrne y McKellen se suman a la función, toda ilusión de estar ante una cinta medianamente sólida se esfuma en cinco minutos, los que necesita el realizador para que haga acto de presencia Molasar, el perverso demonio que la fortaleza mantenía atrapado.

A partir de ahí, la poca suspensión de credulidad que le quedaba al filme se toma unas vacaciones y la cinta da un brusco giro hacia el completo festival del absurdo que podemos ver en su segunda mitad. Una mitad en la que se suceden secuencias de diálogos sin sentido, montadas con un extremo grado de dejadez por parte de Dov Hoenig y Chris Kelley —inexplicable el pésimo trabajo que hace aquí el primero, editor de títulos como ‘Dark city‘ (id, Alex Proyas, 1998) o ‘Heat‘ (id, Michael Mann, 1995)—, con un affair romántico/sexual entre la única mujer del reparto y un hierático Scott Glenn, y la construcción de un clímax en el que la norma es que no hay normas.

Revelados los oscuros planes del demonio —intuimos que son oscuros, porque en ningún momento se nos dice qué pretende más allá de hacer el mal— y el papel que Scott Glenn juega en todo el tinglado, la secuencia del enfrentamiento final entre el bien y el mal sólo puede calificarse como desopilante, quedando para el recuerdo ese tubo metálico que dispara fulgores rosáceos con el que el personaje de Glaeken Trismegestus, el “ángel” encarnado por el citado actor, derrota a Molasar, todo un claro ejemplo de lo olvidable que termina resultando un filme que se estrelló en taquilla y que, inexplicablemente, mucha gente considera como una producción de culto.

Una mujer corre aterrada. De fondo el skyline neoyorquino termina desapareciendo en un hongo nuclear. Un hombre despierta gritando. Todo ha sido un sueño. Y en torno a los sueños gira ‘La gran huida‘ (‘Dreamscape’, Joseph Ruben, 1984), horrible traducción del título original y uno de esos filmes que se abraza a “tenemos una idea estupenda para una película, ¿qué podemos hacer para arruinarla?”. Quizás no lo haga con la intensidad que otros filmes de los ochenta ostentaban —y no voy a poner ejemplos por no hacer eterno este párrafo introductorio—, y los varios aciertos terminen sobresaliendo sensiblemente por encima de sus más que sus visibles errores, pero ello no quita para que esta cinta de fantasía desaproveche sobremanera su premisa de partida.

Esta no es otra (spoilers de aquí en adelante) que la existencia de una investigación gubernamental que pretende utilizar a personas con poderes psíquicos para introducirse en los sueños de otros y solucionar los problemas de su subconsciente. Pero, como suele pasar cuando una rama oculta del gobierno está presente en la trama, hay intereses que van más allá de la ayuda, y el potencial de asesinar a alguien mientras duerme es algo que Bob Blair, el personaje interpretado por un espléndido Christopher Plummer, no va a dejar pasar.

Captado por la organización tenemos al héroe de la trama, un joven Dennis Quaid recién salido de su simpático Gordon Cooper en ‘Elegidos para la gloria‘ (‘The right stuff’, Philip Kauffman, 1983) que interpreta a ese tipo de caraduras que tan bien encarnaría, tres años más tarde, en ‘El chip prodigioso‘ (‘Innerspace’, Joe Dante, 1987). Reclutado por el otro gran miembro del reparto, el siempre excelente Max Von Sydow, el personaje de Quaid se verá absorbido por un experimento controlado por la Dra. Jane DeVries, a la que pone rostro y desigual convicción una Kate Capshaw que el mismo año se dejaba los pulmones de forma mucho más eficaz en ‘Indiana Jones y el templo maldito’ (‘Indiana Jones and the temple of doom, Steven Spielber, 1984).

Completando el reparto, el niño malo de la acción, un personaje horriblemente dibujado llamado Tommy Ray encarnado de teatrales maneras por David Patrick Kelley, el T.Bird de ‘El cuervo‘ (‘The crow’, Alex Proyas, 1994). Hasta su aparición, que más o menos marca el segundo acto del filme, la cinta se ha movido con interés en la presentación de los diversos “actores” de la trama y el ya citado planteamiento en torno al cual gira el filme, pero el esfuerzo del guión —escrito a seis manos por David Loughery, Chuck Russell y el propio Joseph Ruben— por que desde un principio sepamos que Tommy Ray es uno de los malos de la película comienza a abrir una brecha en la misma.

Aunque otro tanto pase con el personaje de Plummer, las tablas y lo comedido de su interpretación se apartan de la caricatura que es su mentorizado, encontrando el filme sus mejores momentos en los cara a cara del actor con Von Sydow y Quaid. Será éste último el que, con sus diversas incursiones en los sueños vaya animando un segundo acto resuelto con celeridad en el que hay lugar para el humor, el terror e inanes aproximaciones al erotismo, todo ello bajo la dirección de un Ruben que se mantiene en la sombra sin ningún atisbo de personalidad que sea digno de destacar algo que, lamentablemente, es extensible a su mediocre trayectoria.

Con la avance de la trama marcado por la estridente partitura que Maurice Jarre compone para la ocasión, la cinta encara el showdown: referencias a la guerra fría, la amenaza nuclear de ella derivada y el manido recurso del ansia por la acumulación de poder que termina desdibujando al personaje de Plummer, son los motores que impulsan la cinta hacia la onírica secuencia final, en la que Quaid y Kelley se ven las caras en unos dominios que el personaje del segundo controla a placer.

El tono apocalíptico en el que se enmarca dicho enfrentamiento, y el ¿consciente? homenaje a Ray Harryhausen que se saca de la manga el equipo de efectos visuales conforman los mayores atractivos de un clímax en el que la sensación de supuesto peligro que corren los personajes queda diluida por lo patético de la puesta en escena y el ¿inconsciente? humor que deviene de ver a Tommy enfundado en un kimono negro y usando unos nunchakus (sic). A partir de ahí da todo igual, tanto que los buenos salgan airosos como que los malos pierdan la razón, no dejando el chiste final lugar a dudas acerca de la gran broma que es un filme simpático y poco más.

El estreno de la notable ‘Hard Candy‘ (id, 2005) hizo que muchos cinéfilos tuvieran grandes esperanzas en los siguientes trabajos detrás de las cámaras de David Slade, pero las dudas no tardaron en llegar. A la decepcionante ‘30 días de oscuridad‘ (‘30 Days of Night’, 2007) le siguió ‘La saga Crepúsculo: Eclipse‘ (‘The Twilight Saga: Eclipse’, 2010), la, eso sí, entrega menos mala de una cuestionable franquicia que hace unos meses llegó a su final. Sólo sus trabajos televisivos en series como ‘Breaking Bad‘ (2008-2013) o ‘Hannibal‘ (2013-En emisión) ayudaban a mantener la fe en Slade, pero acaba de confirmarse su retorno al cine con ‘The Widow‘.

David Slade regresará al thriller psicológico con ‘The Widow’, ya que nos contará la historia de una joven mujer que inicia una amistad con una viuda solitaria, pero las cosas se complican cuando descubra que su primer encuentro estuvo lejos de ser una simple coincidencia. Del guión se ha encargado Ray Wright, el hombre detrás de los libretos de cintas como ‘The Crazies‘ (id, Breck Eisner, 2010) y ‘Expediente 39‘ (‘Case 39’, Christian Alvart, 2009), un bagaje un tanto desigual que despierta ciertas dudas sobre lo que pueda haber hecho en ‘The Widow’. Está previsto que el rodaje comience a finales de año, pero aún no se sabe la fecha exacta.

Vía | Hollywood Reporter

No había oído hablar de ‘Tú eres el siguiente’ (‘You´re Next’) hasta hace muy poco, y me sorprendió leer en un par de sitios que era una de las más películas esperadas del año. La siniestra imagen de unos tipos con máscaras de animales me llamó la atención, decidí informarme más y buscar el tráiler. Ahora entiendo por qué hay gente deseando verla. Más abajo os he dejado el avance, en inglés y con subtítulos en castellano. Si os gusta el cine de terror, no os lo podéis perder.

Aunque ‘Tú eres el siguiente’ es una producción de 2011 se estrenará finalmente este verano, tanto en EE.UU. como en España; concretamente, Filmax nos la traerá el 30 de agosto. El film se enmarca dentro del subgénero de los asaltos domésticos, en la línea de ‘Funny Games’ (M. Haneke, 1997), ‘Los extraños’ (‘The Strangers’, Bryan Bertino, 2008) o ‘Secuestrados’ (Miguel Ángel Vivas, 2010). La historia, escrita por Simon Barrett, se centra en una reunión familiar que es interrumpida por la llegada de un grupo de asesinos enmascarados.

De la dirección se encarga Adam Wingard —‘A Horrible Way to Die’ (2010), el segmento “Q Is for Quack” de ‘The ABCs of Death’ (varios, 2012)— mientras que el reparto, sin caras conocidas, está encabezado por Sharni Vinson, Ty West, Barbara Crampton, Amy Seitmetz y Rob Moran, entre otros.

PD: La película tiene una valoración de 6,6 en IMDb y alcanza el notable en la exigente Metacritic.