‘Transformers 3: El lado oscuro de la Luna’

La idea de un grupo de robots gigantes que encima pueden transformarse en otra cosa es algo que, sobre el papel, me resulta atractiva. El problema es cuando luego Michael Bay hace una película cansina, sin emoción y en la que, en muchas ocasiones, cuesta seguir el hilo de la acción. Y además es bastante aburrida, el gran pecado capital de cualquier película de estas características. Sin embargo, y para todos aquellos que la disfrutaron, ya se va a poder comprarla para verla en casa cuantas veces quieras. Eso sí, no esperéis ver el más mínimo extra, porque, en una decisión bastante sorprendente, no se incluye ninguno, ni en la edición en dvd (19,95 euros) ni en el bluray (24,95 euros) que también incluye el dvd a modo de regalo. Habrá que esperar unos días más si queréis comprar el steelbook que también incluirá una copia del bluray en 3D (35,95 euros). También se puede adquirir un pack con las tres entregas de la saga hasta la fecha tanto en dvd (30,95 euros) como en bluray (49,95). Eso sí, como aviso para coleccionistas, apuntar que dentro de unos días saldrá otro pack en bluray que incluirá las tres entregas dentro de una cabeza con forma de Autobot y sorprendentemente el precio (69,95 euros) no es tan estafador como cabría esperar.

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‘Midnight in Paris’

Woody Allen puede estar unos cuantos años haciendo películas que hagan añorar sus mejores tiempos, pero aún tiene la capacidad de sorprender con películas bastante logradas e imaginativas de vez en cuando, y ese fue el caso de ‘Midnight in Paris’. El problema es que sus ediciones en formato doméstico siempre han carecido de contenidos adicionales con la más mínima profundidad y ésta no es una excepción a la regla. Se puede adquirir tanto en dvd (15,95) como en bluray (19,95) en cualquier comercio, pero Cameo ha llegado a un acuerdo con Fnac para lanzar una edición exclusiva de la multinacional francesa, la cual incluirá tanto el dvd como el bluray de la película y además contará con una presentación especial en formato digibook. En este caso, el precio es de 24,95 euros.

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‘My fair lady’

El bluray es un formato que pide a gritos la aparición de muchos grandes clásicos y ahora le ha llegado el turno a la estupenda ‘My fair lady’. Quizá sea demasiado larga, pero lo cierto es que me parece una película claramente superior a la mitificada ‘Desayuno con diamantes’, aunque, todo hay que decirlo, la mejor película protagonizada por Audrey Hepburn es ‘Charada’ y ya tenemos la fortuna de contar con una edición en este formato de dicha película. En lo referente a ‘My fair lady’, se ha optado por incluir el mismo contenido adicional ya presente en la edición especial en dvd del 2004. El precio de 19,95 euros invita a su compra a los que, como yo, nunca llegamos a adquirirla en dvd.

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Las tres primeras entregas de las aventuras de Jack Ryan

Sí tengo que ser sincero, la verdad es que la única de estas tres películas que realmente me gusta es ‘La caza del Octubre Rojo’ y creo que el cambio de Alec Baldwin por Harrison Ford como Jack Ryan fue algo negativo. Eso sí, la aparición de Willem Dafoe en ‘Peligro inminente’ fue todo un acierto. No obstante, parece que es la propia Paramount la que reniega del cambio posterior de Harrison Ford por Ben Affleck, ya que también posee los derechos de ‘Pánico nuclear’ y ha preferido obviar su aparición en bluray. Tanto ‘La caza del Octubre Rojo’ como ‘Juego de patriotas’ y ‘Peligro inminente’ salen con el precio de 19,95 euros y con un limitado número de contenidos adicionales que se limita a repetir lo que ya podemos encontrar en las antiguas ediciones especiales en dvd.

‘Hook’

La aventura peterpanesca de Steven Spielberg era una de las muchas películas suyas que aún no habían aparecido en bluray, pero Sony pone solución a ese problema esta semana. Llama la atención la ausencia total de extras, ya que ni siquiera recurre al viejo de truco de incluir al menos el tráiler para aparentar que no es una edición algo descuidada. No obstante, Sony es una editora que suele cuidar mucho la calidad tanto de la imagen como del sonido, por lo que sus 14,95 euros de precio parecen bastante ajustados. Total, luego la mayoría no suele ver los extras, así que mejor un precio más bajo. Eso sí, habiendo extras incluidos en la antigua edición especial en dvd, no termino de entender el motivo de su exclusión.

‘Space Jam’

Esta es una película a la que tenía mucho cariño en mis años mozos, ya que siempre me ha gustado el baloncesto y la idea de unir a Michael Jordan con Bugs Bunny y compañía me parecía casi la perfección en esa época. Ahora, la verdad es que me sigue pareciendo una película entretenida y se agradece la presencia (algo desaprovechada, no voy a negarlo) de Bill Murray. Esta semana nos llega la edición en bluray cuyo extra más interesante, el audiocomentario con la presencia de varios personajes de los ‘Looney Tunnes’, carece de subtítulos al ser un título que edita Warner. Lo mejor es el precio, ya que mantiene la línea de la editora de ir sacando títulos de catálogo a coste reducido: Tan sólo 9,95 euros.

‘Rio’

Lo cierto es que este título de animación de la Fox no me parece que mejore en demasía a la saga de ‘Ice Age’, pero tampoco es una película que convenga despreciar sin más, ya que ofrece un entretenimiento digno si sabes ver que no puedes exigir lo mismo que en una producción de Pixar. Aquí, y siguiendo la política de Fox de los últimos tiempos, tendrás que comprar sí o sí la edición que incluye la película en dvd y bluray, pero con la ventaja de poder escoger una funda tamaño dvd o bluray. Se incluyen varios extras que parecen centrados en la atención de los más pequeños de la casa, aunque llama la atención es que se incluyan vídeos del juego ‘Angry Birds’. El precio es de 21,95 euros, pero sí tienes la suerte de contar con una televisión y un reproductor compatible con la tecnología 3D también puedes adquirir ‘Rio’ en la edición que incluye lo mismo que la edición normal y una copia en 3D de la película en bluray por 29,95 euros.

Colección Pixar

Se acercan ya las Navidades y es normal que se empiecen a lanzar packs pensando en conseguir más dinero vendiendo lo mismo con otro envoltorio, y eso es lo que nos propone Pixar con el lanzamiento de 11 de sus películas en un voluminoso pack en bluray. ¿Cuál es el problema? Pues que ni siquiera pueden llamarlo colección completa al no haberse aún ‘Buscando a Nemo’ en ese formato. Además, no se incluyen todos los discos de las ediciones individuales, ya que se incluye un disco por película cuando las de películas como ‘Wall-E’, ‘Up’ o ‘Toy Story 3’ llevaban dos. Un pack al que le viene bastante bien el concepto de sacacuartos, aunque al menos no tiene un precio excesivo, ya que 11 películas en bluray por 144,95 euros es algo bastante aceptable. Yo, de estar interesado, esperaría a las rebajas posteriores a Navidad para comprarlo, eso sí. También aparece en formato dvd, eliminando los segundos discos de las ediciones especiales e incluyendo ‘Buscando a Nemo’ por el módico precio de 92,99 euros. ¿Por qué las comillas en módico? Pues porque hace apenas unos meses apareció un pack que incluye los mismos títulos con la salvedad de ‘Cars 2’ y costaba 32 euros menos. Vamos, un timo.

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‘Up’

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‘Wall-E’

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‘Cars’

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‘Ratatouille’

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Vía | ZonaDVD

Una isla misteriosa. Un orfanato abandonado, al que llega el joven Jacob, de dieciséis años, para descubrir que los niños que una vez vivieron allí fueron algo más que peculiares. Una niña que levitaba sobre el suelo, un par de gemelas con telepatía, una que podía mantener el fuego encendido en sus manos sin quemarse… Uno de los internos fue su abuelo, que acaba de morir y que durante la infancia de Jacob siempre le contó historias sobre el orfanato, algunas de ellas terroríficas. Quizá fueran puestos en cuarentena en esa desolada isla por una buena causa, quizá eran peligrosos. Y de algún modo –aunque parezca imposible– puede que sigan vivos.

Esta es la historia de ‘Miss Peregrine’s Home For Peculiar Children’ –no se ha publicado en España, por lo que no hay traducción oficial, pero quiere decir algo así como “El orfanato de la Señorita Peregrine para niños peculiares“–, la primera novela de Ransom Riggs, cuyos derechos han adquirido la 20th Fox y Chernin Entertainment con la idea de que Tim Burton dirija su adaptación. El libro incluye fotografías, que se han podido ver en el tráiler anterior, por lo que el director ya se habrá hecho una idea de cómo afrontar los decorados, aunque no nos extrañaría que los convirtiese en algo aún más oscuro y siniestro.

Burton todavía tiene que aceptar el proyecto y en estos momentos, se encuentra muy ocupado finalizando ‘Dark Shadows’ y supervisando la adaptación a largo de stop-motion de su corto ‘Frankenweenie’.

No todo lo que ha hecho Tim Burton ha sido de mi completo agrado, pero otras de sus películas me parece que son entre brillantes y obras maestras. Lo que no se le puede negar es una visión muy personal y casi hasta diría que radical para ambientar cierto tipo de historias y la de ‘Miss Peregrine’s Home For Peculiar Children’ parece ideada para él. Si finalmente se decide a llevarla a cabo, puede que nos encontremos ante una peculiar y atractiva película. Y, de momento, otro libro que habrá que buscar, pues no es poca la curiosidad que me ha creado.

Vía | Empire.

Las películas basadas en hechos reales son ese gran filón que la industria del cine suele aprovechar para dos cosas: Rellenar el horario peliculero de Antena 3 los fines de semana después de comer o hacer obras que utilizan lo que sucedió realmente según les interese a sus responsables. ¿Que podemos basarnos en una hipótesis no demostrada (y muy discutible) para dejar a William Shakespeare a la altura del betún? Pues hacemos la absurda ‘Anonymous’. Cierto que esas licencias pueden ser necesarias para rellenar huecos que los secretos de estado impiden saber con certeza su verosimilitud (me viene a la mente la excelente ‘J.F.K.: Caso abierto’) o simplemente buscando ser más consecuentes con la historia que se estaba contando (‘Malditos bastardos’). Mantenerse fiel a la realidad es sólo una opción una vez que te has asegurado de tener los derechos sobre la historia para que luego no te caigan un montón de demandas. El resto de problemas que puedan causar la película es algo que poco importa.

‘Asesinos de élite’ nos cuenta la historia de un asesino a sueldo (Jason Statham) que ya no puede soportar el trabajo que realiza, pero al que el secuestro de su compañero de profesión y mejor amigo (Robert De Niro) le obliga a tener que aceptar un último trabajo. Ya empezamos mal con el tópico de alguien a punto de retirarse y todo lo que eso trae consigo. Afortunadamente, no estamos ante un policía secundario en la trama, porque entonces todos sabemos que no pasarían ni cinco minutos antes de que lo cargasen. En este caso, el gran peaje a pagar es la inclusión de una trama romántica para el protagonista que, a ratos, recuerda a una muy similar que el propio Statham tenía en ‘Los mercenarios’, pero he de apuntar que aquí está mejor llevada y no me daban ganas de dormirme, cosa que sí sucedía en los momentos equivalentes de la película de Sylvester Stallone.

Volviendo al argumento, Statham tiene que matar a los culpables de las muertes de tres hijos de un jeque árabe (al verle mi cabeza sólo podía pensar en Osama Bin Laden), pero la cosa es especialmente complicado porque los responsables son miembros del Servicio Especial Aéreo británico, y cuenta la leyenda que es muy complicado acceder a ellos sin que una malévola organización secreta que los protege no acabe capturándote y, espero que captéis lo que quiero decir, haciéndote desaparecer.

Una de las cosas que llamaron mi atención en un primer momento fue que ‘Asesinos de élite’ es la primera película como director de Gary McKendry y también el primer trabajo como guionista de Matt Sherring, algo que me despertó bastante dudas sobre el resultado final. No obstante, su trabajo no supone realmente una lacra, sino que simplemente no destaca. McKendry dirige con corrección, pero no tiene la suficiente capacidad como para que las escenas de acción resulten vibrantes y te tengan atado a la butaca. Y Sherring consigue que una historia que podía tender muy fácilmente hacia el absurdo con la organización secreta que protege a las víctimas potenciales se siga con claridad. A cambio, la evolución del argumento es previsible (ya de entrada apostaba por un final como el que acaba teniendo la película) y acaba siendo un tanto redundante al dejar una molesta sensación de repetición con uso reiterado de este esquema: Ejecución-persecuciones-ejecución, etc. Y además, Sherring se saca de la manga un giro de guión que, si bien puede estar justificado, sólo sirve para alargar la agonía de las repeticiones. Y es que ‘Asesinos de élite’ dura casi dos horas cuando algo más cercano a los noventa minutos le hubiese sentado de maravilla.

‘Asesinos de élite’, la solvencia de los actores

En mi opinión, Jason Statham debería ser el gran héroe de acción del cine contemporáneo, pero no ha logrado encontrar el gran éxito que pueda convertirle en, salvando las distancias, el nuevo Bruce Willis. Cierto que ha protagonizado sagas de éxito como ‘Transporter’ o ‘Crank’, pero su impacto en las taquillas no fue tan grande y además últimamente parece que Statham no interprete un papel, sino al tópico que él ha creado de héroe de acción. Mismas expresiones, reacciones, líneas de diálogo casi clónicas e incluso argumentos con unos cuantos puntos en común, ya que ‘Asesinos de élite’ tiene varios elementos en común con ‘The mechanic’. Así nunca lo va a conseguir, porque encima opta por una intensidad en la que no ha lugar la comicidad, y eso hoy en día resulta imprescindible. En el caso que nos ocupa, Statham está igual de bien (o mal, aquí ya entran los gustos personales) que en la mayoría de sus últimas películas. Eso sí, creíble en el papel lo es de sobra y carisma tiene el suficiente para que no nos cansemos de las diatribas morales de su personaje, pero ya está. No esperéis un personaje mítico que perdure, puesto que al de unas horas de haber visto la película ya había olvidado su nombre, y no mucho después ya empezaba a mezclar cosas de ‘Asesinos de élite’ con otras películas suyas. Eso sí, como “fan” (muy necesarias las comillas) suyo a mí no es algo que me resultase molesto mientras veía la película, lo cual, a fin de cuentas, es lo realmente importante.

Más interesante resulta el trabajo de sus dos coprotagonistas, aunque aquí conviene hacer una aclaración para evitar posibles decepciones: Robert De Niro tiene un papel muy secundario, casi más propio de ser llamado un cameo extendido que de colocarle a la altura de los otros dos protagonistas. Y es una pena, porque De Niro parece que disfrutó rodando la película y si bien no ofrece un trabajo del nivel de, por poner un ejemplo, ‘Toro salvaje’, sí que se nota que se está esforzando y no aparece en la película sólo para cobrar un cheque. Sin embargo, el gran atractivo de ‘Asesinos de élite’ es la presencia de Clive Owen, el actor que podría ser poco menos que un Dios en el cine de acción si se lo propusiera (basta con ver su trabajo en la entretenidísima ‘Shoot ´Em Up’ para hacerse una idea), pero que sabiamente ha preferido llevar una carrera mucho más variada. Y la cuestión es que en esta película vuelve a demostrar su gran capacidad en un personaje marcado por sus obsesiones y que Owen sabe aprovechar para erigirse como lo mejor de ‘Asesinos de élite’ con mucha diferencia. Tampoco lo tenía muy difícil.

En el resto del reparto sobresalen dos rostros eminentemente televisivos: Yvonne Strahovski es la chica de la trama amorosa del protagonista y lo mejor que puede decirse de ella es el acierto de la película en dejar que use su acento australiano. Por lo demás, un personaje vulgar con muy poco que ver con el que la actriz tiene en la serie ‘Chuck’. Por otro lado, tenemos a Dominic Purcell, el hermano encarcelado que había que liberar en ‘Prison break’, como el compañero deslenguado de Statham, y hay que decir que cumple perfectamente con un papel que básicamente combina el aspecto físico con una inteligencia moderada. El resto del reparto cumple a secas su cometido siguiendo así la tónica general de la propia película.

En definitiva, ‘Asesinos de élite’ es una película que debería haberme encantado, pero que se queda en tierra de nadie. Ni buena, ni mala. Ni entretenida, ni aburrida. Simplemente, una obra anodina que desaprovecha un reparto harto prometedor en el que hasta Robert De Niro se desmarca con un buen trabajo, algo no demasiado habitual en su carrera en los últimos ¿10 años? Quizá más. Y tampoco es la película que vaya a convertir a Jason Statham en la gran figura del cine de acción que debería ser, pero que parece nunca conseguirá ser. ‘Asesinos de élite’ es un pasatiempo menor, suficientemente aceptable para pasar un par de horas aburridas en casa en las que no sepas qué hacer, pero que no justifica el pagar una entrada de cine. Si buscáis algo llevadero con lo que no quedar demasiadas neuronas haréis mejor esperando al estreno de la simpática ‘El gato con botas’ la próxima semana.

En lo que llevamos de año nos hemos encontrado, en lo referente a las bandas sonoras, con agradables sorpresas, algunos chascos, pero en general, queda la sensación que lo mejor está por llegar. Aún quedan algunos títulos que entre este final de año y comienzo del que viene nos deben sorprender, esperemos que gratamente.

Son títulos muy esperados, películas que deben alcanzar gran notoriedad y que vienen acompañadas de compositores que podrían haber puesto lo mejor de sí mismos para ayudar al éxito de estos films. Por ello, vamos a repasar cinco bandas sonoras que deben sorprendernos, que podrían elevar la satisfacción a los aficionados a la música de cine.

‘In Time’

El compositor Craig Armstrong ha sido el encargado de ponerle música al nuevo film de Andrew Niccol. ‘In Time’ cuenta con acción, suspense y ciencia ficción, los ingredientes donde parece que Armstrong ha logrado un trabajo de gran altura. Según las críticas, casi mejor que el resultado de Niccol en la dirección de la película.

Pero esperemos un poco que en breve llega a nuestras pantallas (2 de diciembre) y podremos descubrir cómo encaja el trabajo de Armstrong con las imágenes. Parece que se ha querido desmarcar de los sonidos propios del futuro y fantásticos, para apostar más por la intensidad, el ritmo de sintetizadores, percusión y con intensidad a lo largo de toda banda sonora. El tema principal es evocador y estimulante.

‘War Horse’ (‘Caballo de batalla’)

En un plazo breve vamos a poder disfrutar de la segunda banda sonora de John Williams. Hemos gozado con la música para ‘Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio’ y en breve acompañará a ‘War Horse’ (‘Caballo de batalla’), colaborando por enésima vez con Spielberg, como no podía ser de otra forma. Ya se conoce la lista de temas, pero por suerte no hace mucho que en la emisora de radio WQXR en un especial exclusivo adelantaron algunos fragmentos que aquí se pueden disfrutar (intercalados entre famosos temas del compositor), o bien en YouTube podrán escucharlos (o adquirir el score completo en Amazon, por ejemplo).

Muy en la línea de John Williams desde luego y con toda la épica que es capaz de otorgar para esta historia que debe arrastrar a las familias a las salas en las próximas semanas (su estreno en Estados Unidos es el día de Navidad). ¿Será capaz de reinventarse, de sorprender nuevamente? Con ‘Tintín’ hay sentimientos encontrados, siendo el resultado global muy notable. Veremos de qué es capaz con ‘War Horse’ (‘Caballo de batalla’).

‘La invención de Hugo’

La nueva película del gran Martin Scorsese nos trasladará a París en los años 30 y bajo el prisma de un niño huérfano sobre el gira el argumento. Para ponerle música Scorsese ha acudido a Howard Shore (por cierto que estrena sello discográfico propio con este trabajo: Howe Records) por sexta ocasión. Se espera mucho de Shore y debería ser capaz de demostrar lo mejor de sí. La historia, ambientación… todo acompaña para Shore juegue con la imaginación en ‘La invención de Hugo’.

La banda sonora se podrá adquirir a partir del día 22 de noviembre, justo antes del estreno. Y el tema principal, según ha descrito el propio compositor, se trata de un vals parisino, para el que ha contado con Elizabeth Cotnoir. Eso sí, una cuestión cuanto menos estimulante es que el compositor ha compuesto temas centrados en los personajes, lo que puede resultar “un matrimonio de luz y sonido”, como lo ha calificado.

‘Sherlock Holmes: juego de sombras’

La primera parte de la nueva aproximación al mítico detective contó con una magistral composición de Hans Zimmer. Entre lo mejor de hace un par de años, lástima que fuera una banda sonora muy breve y quizás le restara enteros para competir, a nivel de premios, con otras, pero suficientemente meritoria para alabarla en su justa medida. Esta segunda parte cuenta de nuevo con la aportación de Zimmer, que es de suponer se basará en su excelente partitura para hacer más variaciones.

Con lo poco que se puede apreciar de momento, el resultado podría tomar dos vías: que consiga mejorar aún más y darle más desarrollo a los brillantes temas anteriores. O bien que no sea más que un remix, explotando una y otra vez el tema principal, sin aportar muchos más matices. De Zimmer siempre hay que esperar lo mejor, así que soy optimista con ‘Sherlock Holmes: Juego de sombras’. Se podrá adquirir a partir del 13 de diciembre y al parecer contará también con temas clásicos como un fragmento de ‘Don Giovanni’ de Mozart, ‘Die Forelle’ de Schubert y también de Ennio Morricone (‘Dos mulas y una mujer’).

‘Mision Imposible 4: protocolo fantasma’

Explotando una saga más en Hollywood que cuenta, como no podía ser de otra forma, con un tema principal mítico (de Lalo Schifrin), versionado hasta la saciedad. Esto es una ventaja para identificar al film, pero también puede ser un lastre para componer una completa partitura sin desentonar. No hay nada imposible, así que jugado con el título nada mejor que contar con el imprescindible Michael Giacchino. Que además repite en la saga, por cierto.

Es probable que el compositor ofrezca algo muy diferente a lo que nos tiene acostumbrados. Que se aleje del minimalismo para dar paso a la imaginación, a ritmos más trepidantes que acompañen la acción del heróico Ethan Hunt (encarnado por el eterno Tom Cruise). A ver si también el reto le afina la inspiración y consigue mejorar incluso su trabajo anterior para ‘Misión Imposible III’ (2006), que era demasiado frenético y acelerado.

Aún no se conoce fecha de lanzamiento ni más detalles, esperemos que no tardemos mucho más en descubrir lo nuevo de Giacchino.

¿Alguna otra banda sonora que esperéis con muchas ganas?

Si quieres guiar a la gente, tienes que tener una meta…

-El Chico de la Moto

El Chico de la Moto no manda (rules), sino que reina (reigns). Eso rezan las pintadas que inundan esa ciudad fantasmal (una Tulsa abstracta), y en verdad está tratado como una figura shakesperiana (un rey en el exilio, le llaman algunos) e inasible para su propio hermano Rusty James. El primero es un pletórico Mickey Rourke de 31 años, el segundo un fabuloso Matt Dillon de 18. En realidad ambos son espejos románticos del hermano mayor de Francis, y del propio Francis, respectivamente. Esto es una declaración de amor.

Y no sólo su propio hermano (al que está dedicada la película), sino también a la literatura de Susan E. Hinton, de quién adapta una segunda novela con pocos meses de diferencia y de manera consecutiva, en un ejemplo sin precedentes, al menos recientes, de una adhesión semejante a un mismo autor. Con la espada de Damocles más lejana, después del grandioso éxito de ‘Rebeldes’, Coppola firma la película más artística, desatada y vanguardista de toda su carrera. Coppola ya no en el abismo, sino frente al espejo de Welles.

De una manera obvia, pero tremendamente natural, ‘La ley de la calle’ (interesante título para el original ‘Rumble Fish’, pez luchador…) es la otra cara de la moneda con ‘Rebeldes’. Todo lo que allí era placidez y luz, aquí es nervio y sombras. Y aunque en aquélla, a pesar de la dureza en el retrato de una juventud desamparada, aún queda algo de esperanza, en esta se estamos en la pérdida de la ilusión. Y si allí el tema era la libertad, aquí es el tiempo, desde luego, muy presente tanto en los diálogos o discursos, como el de Benny (gran Tom Waits, que compuso las canciones de ‘Corazonada’ y que alcanzó la cumbre de su colaboración con Coppola interpretando nada menos que a Renfield en ‘Dracula’), así como en los múltiples relojes y en el sonido, que imita a menudo al minutero de un reloj.

De hecho, gran parte del reparto de ‘Rebeldes’ está presente en este ‘La ley de la calle’, con mención especial para Dillon, que parece prolongar con gran acierto y lucidez su maravilloso personaje de Dallas, para enriquecerlo con su inolvidable Rusty James, el renqueante hermano menor, una fuerza de la naturaleza descarriada que no deja de cometer las más grandes insensateces, y de fastidiar a todo el mundo, obsesionado como está por la figura de su hermano mayor, el misterioso, místico, Chico de la Moto. También vuelve Dennis Hopper, y claro, la guapísima Diane Lane, además de otros intérpretes con los que Coppola forma una troupe unida y muy bien entramada.

Y al color de ‘Rebeldes’ se opone el rotundo, elocuente blanco y negro dirigido por el mismo operador del anterior, Stephen H. Burum, y que busca el manierismo por encima de cualquier otra consideración, buscando en la cualidad de la imagen una razón de ser narrativa y anímica. El referente más nítido es ‘Sed de mal’, pero también ‘El extraño’ y ‘Campanadas a medianoche’. Coppola sabe que está a la altura de lo que intenta homenajear, y se entrega a la labor con una vehemencia digna de elogio. Parece filmar y montar con una alegría y una energía avasalladoras, organizando a sus actores como si fueran bailarines de ballet, haciéndoles girar y moverse dentro y fuera de cuadro, sin importarle una verosimilitud, digamos, realista.

El Chico de la Moto es como Michael Corleone, como Kurtz, como Drácula, una figura patética, vencida por el tiempo, más allá de la moral o de la muerte, incapaz de aleccionar o de hacerse entender por los que le rodean. Está lejos aunque esté cerca, y desde su regreso de California está más extraño que nunca. Sigue protegiendo a su hermano (aunque llega, por dos veces, tarde) pero tiene asuntos pendientes con su propio vacío. El viaje que emprenden juntos, más emocional que físico, por las calles nocturnas de la ciudad, es una maravilla abstracta y poética. Averiguamos que el blanco y negro es por la visión defectuosa del Chico de la Moto. Pero los peces son de colores

No es de extrañar el rotundo fracaso comercial de esta película, con la que Coppola fundió los beneficios recién adquiridos de la anterior. No es un relato clásico, es lo que ‘El padrino II’ a ‘El Padrino’: al pretendido clasicismo se le opone un vanguardismo, una audacia extremas. El tiempo pasa volando y no hay tiempo para lamentarse. Esta será la última vez que Coppola goce de esta libertad y esta plenitud. Su desastroso estreno le obliga a firmar en cierta película de época en la que tendrá muy poco tiempo para rectificar las cosas. La suerte está echada, y a la ambición se une la amarga ley de la taquilla.

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Es curioso que mañana se estrene ’88 Minutos’, lamentable película en la que sólo se salva la presencia de Al Pacino (y fíjense que digo presencia y no interpretación), en la que se supone que el espectador va a sumergirse en una historia de suspense en la que el tiempo es un factor esencial. Ya hablaré en un próximo post del despropósito firmado por Jon Avnet, pero lo cito porque ‘Fourteen Hours’ es una película al revés. Me explico. Una vez mostrada la premisa que da lugar a todo el film, el espectador queda atrapado en un drama en el que el tiempo también es algo primordial, pero mientras en el film de Avnet, éste tiene límite e influye en la acción, en la presente película no tenemos ni idea de cómo acabará todo, aun a pesar de su título, el cual hace referencia a las horas que dura la situación planteada.

‘Fourteen Hours’ nunca se estrenó en nuestro país. Ni siquiera fue emitida por televisión. Tampoco aparece en la famosa Guía del Vídeo-Cine de Carlos Aguilar, probablemente la mejor recopilación en español de películas que existe. Las razones se me escapan, porque estamos ante un drama, con tintes de thriller, realmente original, y estupendamente filmado, por un excelente director como fue Henry Hathaway, responsables, entre otras joyas, de ‘Sueño de Amor Eterno’ o ‘El Beso de la Muerte’.

SPOILERS

‘Fourteen Hours’ empieza cuando un botones le lleva el desayuno a un hombre a la habitación en la que se hospeda en un hotel de Nueva York. En un abrir y cerrar de ojos, el hombre sale a la cornisa y amenaza con suicidarse. Pronto salta la alarma, tanto porque la da el botones, como la gente que pasa por la calle y ve a un hombre en el piso 14 de un edificio dispuesto a saltar. Entre la multitud hay un guardia de tráfico que es el primero en subir hasta la habitación. El policía logrará establecer una estrecha relación con el misterioso hombre que quiere quitarse la vida. Mientras tanto, especialistas y policía tratarán de averiguar cómo ha llegado a esa situación.

Lo más llamativo de la película es que prácticamente toda se desarrolla en una cornisa, en la que nuestro desesperado personaje mantiene algunas conversaciones con los distintos personajes que desfilan por el film. A parte de eso, se suceden varias situaciones, alejadas de ese lugar, pero notablemente derivadas por el intento de suicidio. Allá abajo, entre la muchedumbre anónima, se suceden varias microhistorias que no dejan indiferente al espectador. desde los taxistas que no pueden realizar su trabajo por culpa del atasco que se produce en las calles, y deciden apostar sobre cuánto tardará en tirarse el hombre, pasando por la pareja que se conoce justo al pie del edificio y se enamoran, hasta llegar a la pareja que en una oficina del edificio de enfrente están ultimando su divorcio. Ninguna de esas ramificaciones de la trama central, estorban lo más mínimo al ritmo de la película, al contrario, terminan de revestir a la misma, dotándola de nuevos matices. Incluso hay un descarnado ataque a la Iglesia en el momento en el que un patético cura hace acto de presencia. Todo ello gracias a un conciso guión de John Paxton, quien hizo varios trabajos para Edward Dmytrick, como por ejemplo, las famosas ‘Historia de un Detective’ o ‘Encrucijada de Odios’.

Las puesta en escena de Henry Hathaway es ejemplar, sacando un enorme provecho de los lugares, y alternando las acciones de la cornisa y las que suceden alejadas de la misma, con envidiable pericia. También logra una gran sensación de realismo, sobre todo porque los personajes son personas normales y corrientes con las que es fácil identificarse. No tenemos ningún policía ejemplar o malvado carismático. Personas de a pie, que tranquilamente podrían ser nuestros vecinos. Para ello, la elección de actores rehuye de las típicas estrellas o caras conocidas. Richard Baseheart y Paul Douglas dan vida al suicida y al policía respectivamente con una compenetración perfecta. Después desfilan actrices como Agnes Moorehead, en un rol muy de su genio, Debra Paget, Barbara Bel Geddes, inmortalizada en la serie ‘Dallas’, o Grace Kelly, cuando no era conocida (estamos en 1951), y actores como Jeffrey Hunter, antes de sus títulos más famosos. Un reparto que funciona como un mecanismo de relojería, mezclándose en lo que podría considerarse un antecedente de las películas de varias historia.

Una película magnífica, a la que le reprocho simplemente el hecho de en cierto momento, llegando al final, uno de los psicólogos llega a una conclusión acertadísima, teniendo muy pocos datos para ello. Pero se trata de algo muy anecdótico en una película tan viva como ésta. Si os interesa, está editada en dvd al otro lado del charco.

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Estimado señor: vi sus películas Ciudad abierta y Paisà, que me gustaron muchísimo. Si necesita a una actriz sueca que habla muy bien inglés, que no ha olvidado su alemán, que no es muy comprensible en francés y que en italiano sólo sabe decir “ti amo”, estoy lista para ir a hacer una película con usted.

-Ingrid Bergman (carta a Roberto Rossellini).

Revisando mi colección de DVD’s, reparé en esta ‘Stromboli, tierra de dios’ (‘Stromboli, terra di Dio’, 1950) de Roberto Rossellini. Famosísima en su época sobre todo por el romance extramatrimonial que vivieron durante el rodaje Rossellini, su director, e Ingrid Bergman, su protagonista. Esto provocó que tuviera una acogida crítica nefasta (que no de público) y aún hoy lleva el estigma de ser un mero vehículo de lucimiento para Ingrid Bergman como regalo de un enamorado Rossellini.

Me lancé a ella de inmediato, porque acababa de devorar la fantástica ‘Te querré siempre’ (‘Viaggio in Italia’, 1954) y también por un motivo sentimental: es la película favorita de mi padre. Al terminar de verla, me quedaron claras tres cosas: que ya no hay actrices como la Bergman, que Rossellini hace obras maestras como churros y que mi padre tiene un gusto espectacular.

Roberto Rossellini acababa de dirigir la obra fundacional del neorrealismo, ‘Roma, ciudad abierta’ (‘Roma, città aperta’, 1945), un fantástico alegato antinazi y una carta de amor a los italianos que dieron su vida por la resistencia. El film, aparte de ser inmediatamente prohibido en nuestro país, se llevó la Palma de Oro del festival de Cannes, y acuñó un nuevo género cinematográfico: el neorrealismo italiano, caracterizado por las tramas realistas, actores no profesionales interpretando roles de las capas bajas de la sociedad (a veces, simplemente se interpretaban a sí mismos) y sonido directo.

Ingrid Bergman, actriz sueca y la estrella más grande de Hollywood por aquel entonces. La protagonista de Casablanca (id, Michael Curtiz, 1942) o Encadenados (Notorious, Alfred Hitchcock, 1946). Ganadora de un Óscar. Cuatro veces nominada. Deja la fábrica de sueños y se larga a una ignota isla italiana a rodar en un idioma que no conoce y en unas condiciones extremas. Dos mundos en colisión. El resultado es una Obra Maestra absoluta.

La película narra la historia de Karin, una inmigrante lituana sin papeles y recluída en un campo de prisioneros italiano tras la segunda guerra mundial. Ésta conoce a un humilde pescador y decide casarse con él y escapar así del campo. Él le llevará a una isla presidida por un enorme volcán en permanente peligro de erupción: Stromboli (el Etna, en realidad). El choque de Karin con este mundo es brutal. La isla es de una pobreza extrema. La lava del volcán no permite que crezca nada y las casas son poco más que cuevas. Por otro lado, los lugareños reciben de una manera hostil a nuestra heroína. Es una intrusa en un mundo cerrado, profundamente religioso y anclado eternamente en el tiempo. Una extraña en un espacio mineral, lunar, en el que el propio ser humano es un intruso. Karin ha salido de una prisión para encontrarse en otra, todo ello bajo la omnipresente amenaza del volcán. Es tremenda la escena de la Bergman vagando sin rumbo por las calles desiertas de la localidad mientras oímos el lllanto de un bebé. Nadie sale a su encuentro. Todas las puertas están cerradas y el mar hace la huída imposible. Karin grita de rabia.

El marido asiste aturdido al comportamiento de su esposa e intenta que se adapte a la austera vida de Stromboli. En algún momento parece que lo va a conseguir, pero es imposible. Sus mundos son demasiado diferentes. Karin acaba tachada de adúltera por su amistad con el farero de la isla y su marido decide encerrarla en casa. Una prisión dentro de otra prisión. Entonces todo tiembla. En la película y en la realidad (la erupción era real). El volcán entra en erupción, como una maldición que se repite una y otra vez. Los habitantes de la isla, resignados, se refugian en el mar con sus barcas y rezan a ese dios salvaje para que les perdone la vida. Karin no. Y la película entra en territorio mítico.

Mientras el volcan sigue en erupción, el personaje de Ingrid Bergman consigue huir de su casa-prisión y decide atravesar la ladera del volcán y así pasar al otro lado, donde una hipotética barca le llevaría lejos de allí. La mujer contra el volcán, contra la naturaleza y contra dios. En el trancurso de su asombroso viaje hacia un infierno de cenizas y lava, Karin dialoga consigo misma y con el volcan. Es un diálogo fiero, asombroso, pero la naturaleza es aún más fiera, y Karin acaba implorando a Dios (al volcán) por su destino. La fuerza telúrica de esta escena es pasmosa, al igual que su resolución (que no destriparé), de una modernidad absoluta. Al final, a uno no le queda más remedio que levantarse y aplaudir ante esta auténtica leccion de cine.

Bonus track: la escena de la pesca del atún

Para terminar, una perla, una pieza magistral que funciona de manera independiente al film : Karin quiere tener un gesto de acercamiento a su marido y decide visitarle en su quehacer diario, la pesca. En estos escasos minutos asistimos a un ritual, la caza del atún, que sobrecoge por su fuerza, su autenticidad y su humanismo. Rodada con los verdaderos pescadores de la isla, es un momento mágico. El hombre y el mar. Nada más. Nada menos. Disfrutad.

La semana pasada recomendaba una película francesa porque se trataba de una de las propuestas más extrañas que me había echado a la cara en mucho tiempo y, entre otras cosas, ese soplo de aire fresco supuso que gozase el film.

Sin embargo, en esta ocasión, dentro aún del cine francés, de lo que vengo a hablar es de un producto canónico, que sigue esquemas y fórmulas sin más. A pesar de ello, ‘Los seductores’ (‘L´arnacoeur’, 2010) funciona, que ya es decir. Una película que se aleja de todo lo esperable cuenta con su peculiaridad como virtud y quizá no necesita mucho más. Pero otra que haga lo de siempre, lo que los espectadores han visto infinidad de veces, tendrá que estar engranada a la perfección par conmover, entretener o hacer reír, ya que no puede echar mano del aliciente de la sorpresa.

Pascal Chaumeil dirige esta historia que no se declara como un remake, pero que cuenta con predecesoras de similar argumento y de parecido título, tanto en nuestra traducción como en su «rompecorazones» original —sí se ha hablado de posible revisión norteamericana—. En ella, un equipo profesional se encarga de romper relaciones a cambio de dinero, para lo cual el protagonista cuenta con frases y gestos ensayados que conquistan a la parte femenina de la pareja hasta hacerle ver desperdiciará su vida si continúa con su prometido.

Tras la presentación de la ocupación de estos tres mercenarios con un ejemplo y una explicación, ‘Los seductores’ arranca con la consabida planificación de un trabajito —como si fuese un atraco—: reparto de funciones, adquisición de elementos necesarios, infiltración, indagación, fichajes… Esto supongo que va en cuestión de gustos: seguro que hay quien lo disfruta en grande, pero personalmente me cansa volver a ver estas preparaciones. Por lo tanto, cuando el film ya se ha encaminado hacia la historia, sube varios grados en interés.

Los minutos en los que ninguno de los dos protagonistas admite los sentimientos que alberga hacia el otro, como si fuese una novela de Jane Austen, hablan por sí solos, sin explicaciones, y aguantan la tensión. (Posible spoiler) No parece fácil afrontar una escena final que se ve venir, que el público conoce de memoria. Hace falta valentía para rodar de nuevo la carrera, el encuentro, la declaración… La solución de en medio habría sido acabarlo con otra resolución. Pero los tres guionistas se aferran a este final feliz y, a pesar de todo, el director consigue que haya emoción en su presentación de los tan manidos momentos. Algo es algo. (fin del spoiler)

Increíbles, si acaso, pueden ser las motivaciones del padre de ella a la hora de encargar el trabajo. O bien habría que confiar en la buena fe de un tipo que en absoluto aparenta preocuparse por los demás, o bien pasar el detalle por alto, que quizá es una actitud más adecuada en la contemplación de una comedia tan ligera como ésta. Pero no habría estado de más una búsqueda de la justificación, que, por otro lado, podría haber contribuido a la comedia.

Romain Duris responde perfectamente a las exigencias del título de la película: pese a su falta de belleza clásica, su mirada y sus movimientos aseguran la seducción que se transmite más allá de la pantalla. Aparte de seductor, está gracioso en los momentos en los que muestra una desaprovechada vena cruel —los llantos forzados—. Vanessa Paradis encaja admirablemente en cualquiera de los dos extremos de su dilema, es decir, que nos la creemos como pija y también la vemos en una vertiente alocada y desinhibida. El humor llega casi siempre servido por los secundarios, Julie Ferrier y François Damiens (ambos en la fotografía siguiente), quienes elaboran descabellados planes para urdir sus engaños y encarnan el matrimonio asentado que sirve de contraste a la actitud de Alex.

«Desaprovechada vena cruel» porque recuerdo un relato en el que un bello joven disfrutaba seduciendo a mujeres poco agraciadas para acabar con parejas que se consideraban felices. En ‘Los seductores’, por el contrario, los mercenarios declaran que nunca destrozan idilios. Se introduce este punto de romanticismo para endulzar al protagonista y pedir perdón por la trama de fondo. Más adelante, su actitud se justifica aún más con la inclusión de los matones y la necesidad acuciante de liquidez. Así se anula una posible personalidad canalla que habría aportado interés a los primeros minutos del film, los más anodinos, y al mismo tiempo, habría convertido la transformación del personaje en algo más valioso y valiente. Un cínico que no cree en el amor, ni siquiera en el ajeno, y sólo piensa en el dinero habría sido un mejor protagonista de partida para mostrar un dilema mayor en la evolución posterior de la película.

‘Los seductores’, que se estrena el viernes, 22 de octubre, no se coloca entre las mejores opciones que puede ofrecer la cartelera, ya que carece por completo de originalidad o novedad. Pero al menos está lograda, contiene una buena dosis de comedia y ofrece la posibilidad de pasar un rato entretenido.

Mi puntuación:

En el anterior capítulo del especial dedicado al cine de vampiros hablábamos de ‘I Vampiri’ (id, 1957) la película de Riccardo Freda —y Mario Bava, recordemos— que fue una de las cintas más influyentes en el posterior cine de terror italiano. Coincidía el estreno de dicha película con el auge que adquiría la productora británica Hammer —en poco tiempo nos adentraremos en esta fascinante casa del horror, origen de todo el terror moderno—, auténtica pionera en los cambios que sufría el género, añadiendo dos elementos hoy día indispensables: sangre y sexo. El film que hoy nos ocupa bien podría haber pertenecido a la Hammer, ya sea por su uso del color, por su argumento y por incluir elementos atrevidos. Curiosamente su guionista es Jimmy Sangster, uno de los guionistas más reputados de la casa británica.

‘La sangre del vampiro’ (‘Blood of the Vampire’, 1958, Henry Cass) es una de esas películas que a pesar de su importancia histórica no han tenido toda la repercusión que merecen. No se encuentra editada en DVD en nuestro país, y sus pases televisivos han sido escasos, por no decir que hoy día sería imposible su emisión, los responsables del cine en las cadenas televisivas conocen tanto el séptimo arte como yo la vida sexual del oso hormiguero. En cualquier caso, ya estamos nosotros para recuperar este tipo de cintas y si se puede, picar vuestra curiosidad para que os animéis a verlas, sea por el método que sea.

El argumento de ‘La sangre del vampiro’ nos lleva a un recóndito lugar de Europa central. Allí un científico llamado Callistratus realiza experimentos con los criminales encarcelados en una prisión. Dichos experimentos tienen que ver con la transfusión de sangre. Callistratus es en realidad un vampiro muy particular, ajusticiado hace tiempo pero que ha regresado a la vida gracias a un trasplante de corazón, el cual le ha creado una infección en la sangre, por lo que su supervivencia depende de las mencionadas transfusiones hasta que encuentre las células adecuadas que le permitan curar la infección. Para ello contará con la ayuda de un doctor encarcelado injustamente, el supuesto héroe de la función.

Como puede apreciar el lector el argumento hace que el film se aparte de las típicas películas de vampiros, algo que sólo se habían atrevido a hacer en muy determinadas ocasiones como en ‘Sombras trágicas, ¿vampiros?’ (‘The Vampire Bat’, 1933, Frank R. Strayer) o la mencionada ‘I Vampiri’, ambas comentadas en el especial. En ‘La sangre del vampiro’ no aparece el vampiro tradicional que todos conocemos, esa criatura fantástica y fascinante donde las haya, con su colmillos y su irresistible presencia —algo que en la extraordinaria tercera temporada de ‘True Blood’ están llevando hasta sus últimas consecuencias—, aunque el título de la película, esa alusión a Drácula en la frase promocional del film, y el hecho de contar con Sangster y la actriz Barbara Shelley —una de las grandes musas del terror— en el reparto pueden hacer pensar lo contrario.

Todo responde a las inquietudes de sus productores, Robert S. Baker y Monty Berman, que revolucionaron el género al mismo tiempo que también lo hacía la Hammer, ambos en tierra inglesa, y la AIP en Estados Unidos con Roger Corman y su ciclo de Edgar Allan Poe. Estos atrevidos productores, al igual que Corman, basaban sus producciones en emplear poco dinero y usar la imaginación. Para ello se rodeaban de gente con las ideas muy claras, como el caso de Sangster en el guión o el propio Berman en la fotografía, de colores muy vivos que nos recuerdan a las producciones de la Hammer. Un sentido de la comercialidad muy marcado sin descuidar aspectos temáticos y formales. Alcanzaron su apogeo en 1960 con ‘El demonio y la carne’ (‘The Flesh and The Fiends’, 1960, John Gilling) pasando años después al mundo de la televisión.

‘La sangre del vampiro’ maneja muy bien el elemento del mad doctor, en este caso el Doctor Callistratus, al que da vida Donald Wolfit —uno de los actores que salen en la mítica ‘Lawrence de Arabia’ (‘Lawrence of Arabia, 1962, David Lean), que próximamente mi compañero Adrián Massanet comentará—, que en el film tiene un sospechoso parecido con Bela Lugosi, en lo que parece todo un homenaje a las viejas películas de terror de la Universal. Cass dirige con ritmo, empleando el suspense de forma inteligente. Hitchcock siempre definió el suspense como algo que conocía el espectador pero desconocía el personaje. En ‘La sangre del vampiro’ el espectador sabe que el Doctor Callistratus es el ajusticiado del inicio del film, pero nunca llegan a revelarlo hasta el final, por lo que la duda siempre está en el aire.

Barbara Shelley empezaba a despuntar como el mito erótico terrorífico en el que se convirtió, con rasgadura de vestido incluida. Al lado de ella, Vincent Ball no tiene nada que hacer, no porque el espectador esté más atento de lo que pasa o de mirar para la Shelley, sino porque el actor está francamente mal en su personaje. A eso sumamos una resolución de la historia un poco surrealista y forzada, que denotan cierta prisa. Imagino que el interés de estrenarla antes del ‘Drácula’ de Terence Fisher tuvo mucho que ver en ello, la película se rodó en apenas mes y medio, y la economía de medios es visible. Sin embargo, ‘La sangre del vampiro’ demuestra lo que Corman demostró muchas veces: para hacer una buena película no se necesita una gran presupuesto.

Vampiros de verdad en Blogdecine:

• ‘Nosferatu’
• ‘Dracula’ de Tod Browning
• ‘Sombras trágicas, ¿vampiros?’
• ‘Drácula’, de Goerge Melford
• ‘Vampyr’ de Carl Theodor Dreyer
• ‘La marca del vampiro’ de Tod Browning
• ‘El regreso del vampiro’ de Lew Landers
• ‘Drácula’ de Terence Fisher
• ‘Las novias de Drácula’ de Terence Fisher
• ‘Planeta sangriento’ de Curtis Harrington

• ‘I Vampiri’ de Riccardo Freda

El pato de la fotografía es uno de los elementos característicos de ‘Convoy’ (id, 1978), utilizado años más tarde por ese tipo de apellido Tarantino en la penosa ‘Death Proof’ (id, 2007), película que en cierto modo recuerda al presente trabajo de un Peckinpah en horas bajas. Un homenaje de un cinéfilo compulsivo hacia uno de los grandes narradores del cine y curiosamente hacia una de sus películas menos ricas, debido al total desinterés en la postproducción por parte de un cineasta cansado ya de muchas cosas, considerablemente afectado por el alcohol y la cocaína, pero proclamando a los cuatro vientos su amor incondicional por el trabajo que mejor sabía hacer: dirigir películas. ‘Convoy’ es la demostración palpable de que el máximo responsable de una película es su director, el único que hará que una película sea buena o mala. Él y nadie más.

Con ‘La cruz de hierro’ (‘Cross of Iron, 1977) en fase de montaje, Peckinpah ya andaba buscando otro proyecto en el que meterse de lleno. Al director de ‘Grupo salvaje’ no le gustaba andar perdiendo el tiempo, y tal vez por su broncas con los productores en la larga fase del montaje de un film, prefería encontrar otra película con la que satisfacer su hambre de cine. Le hicieron llegar un guión de Bill L. Norton que se inspiró en una canción de Bill Fries, acreditado aquí como C.W. McCall, que se titula precisamente ‘Convoy’. Sí, Sam Peckinpah dirigiendo una película basada en una canción sobre camioneros. Delirante, ¿no?

Con ‘Los aristócratas del crimen’ Peckinpah había iniciado una nueva etapa en su carrera, la de la exageración bien entendida en algunos casos como el que nos ocupa. El guión de ‘Convoy’ es una de las más grandes idioteces que se hayan visto en una película decente, de una simpleza pasmosa e indigna de director que ha firmado obras tan bellas como ‘Duelo en la alta sierra’ (‘Ride the High Country’, 1961) o ‘La balada de Cable Hogue’ (‘The Ballad of Cable Hogue, 1970). Martin Penwald es un camionero apodado Pato de goma, a quien un sheriff se la tiene jurada. Tras una provocación por parte de éste hacia uno de los amigos de Martin, se meten en una pelea en un bar con el sheriff, a partir de lo cual se desencadena toda una orgía de violencia. Una gran persecución por parte de la policía a los camioneros que se unen a la ¿causa? de pato de goma. No hay más y lo ciertos es que ¿qué nos podíamos esperar al tratarse de la adaptación de una canción?

Peckinpah era muy consciente de que el material era muy pobre, y aún así quedó maravillado por las posibilidades que ofrecía el relato. Su intención era hacer un western moderno —algo que puede considerarse así—, una especie de ‘Grupo salvaje’ con un grupo de camioneros enfrentándose a un mortal destino. Y algo de eso hay en la película, la cual contiene grandes e intensos momentos en los que sí vemos la mano de Peckinpah. Toda la película está planteada como si de una canción se tratase, con estribillo y todo. Incluso hay un instante que retrata a la caravana de camiones por la noche en el que oímos un diálogo entre Ali MacGraw y Kris Kristofferson, que apoyado en la guitarra de Chip Davis semeja una canción debido a la cadencia de las palabras. Ni que decir tiene que esto se pierde con el doblaje. Es un momento de una belleza arrebatadora, que comparte su espacio con otros mucho más pueriles —la pelea en el bar, curiosamente el detonante de todo—, y otros en los que Peckinpah hace gala de esa comentada exageración convirtiendo algo vacío en un completo despiporre y un entretenimiento de primera.

Peckinaph contó con viejos amigos para la película: Kris Kristofferson, que ya había participado con él en dos grandes películas, Ali MacGraw, que lo había hecho en una, Ernest Borgnine y Burt Young, ídem de lo mismo. Existe una anécdota con respecto a Kristofferson; el actor estaba en una etapa de su vida en la que había dejado todos los excesos con el alcohol, por lo que Peckipnah se encontró con alguien totalmente diferente de quien había conocido. Cuenta la leyenda —siempre preferible a la realidad— que el actor hizo prometer al director que no bebería durante el rodaje y que éste aceptó por amistad. Lo que sí es cierto es que Peckinpah, convencido de que la película iba a ser una mierda, quiso abandonar el rodaje a las dos semanas de comenzar; los productores —los grandes enemigos de Peckinpah— no se negaron y fue entonces cuando Kristofferson amenazó con dejarlo en caso de que el director también se fuese.

Con Ali MacGraw el director discutía siempre entre escena y escena ya que las dotes interpretativas de la ex top model no eran precisamente las que un film de Peckinpah requiere. Mucho del trabajo de actores se los dejó a ellos mismos, improvisando sobre sus propios personajes, filmando horas y horas de película para poder sacar algo en limpio. Así sucede en las secuencias entre MacGraw y Kristofferson dentro de la cabina del camión en la que los ángulos para la cámara son limitados. El director dejó que los actores hablasen y hablasen hasta dar con algo que merecía la pena. Ésa fue mayormente la técnica utilizada en el campo interpretativo, pues no se sabe si por vagancia, porque todo le importaba un pimiento, o porque realmente sabía lo que hacía, Peckinpah confió de pleno en gente conocida. En sus amigos. Tras las cámaras estaba con él otro viejo amigo realizando la tarea de director de segunda unidad: James Coburn, quien quería conseguir el carnet de director y le pidió ayuda a Peckinpah. las malas lenguas dicen que Coburn también dirigió más secuencias que las de acción cuando Peckinpah desaparecía misteriosamente.

El director, tras pasarse en días de rodaje y doblar el presupuesto inicial de 6 millones de dólares, tuvo listo un montaje de tres horas y media de duración, algo impensable para una película de estas características —lo que hubiera dado yo por verlo—, así que lo productores despidieron a Peckinpah y realizaron el montaje que todos conocemos, algo que no le importó lo más mínimo al director y que por primera vez en su carrera no opuso resistencia. El cansancio hacía ya mella en él, sus excesos no tardarían en pasarle factura y tendría algunos problemas para volver a dirigir. Irónicamente ‘Convoy’ fue el éxito más grande en la carrera del director. Merecido o no, y reconociendo sus limitaciones, yo me lo paso en grande con un film totalmente desvergonzado y libre de prejuicios, dándole la vuelta a su discurso sobre la amistad, los personajes de Kristofferson y Borgnine tienen una progresión similar al de James Coburn y Maximillian Schell en ‘La cruz de hierro’, comienzan odiándose y terminan entendiéndose y respetándose. Aquí con mucho más sentido del humor.

Especial Sam Peckinpah en Blogdecine:

• Un título profético
• ‘Duelo en la alta sierra’
• ‘Mayor Dundee’
• ‘Grupo salvaje’
• ‘La balada de Cable Hogue’
• ‘Perros de paja’
• ‘Junior Bonner’
• ‘La huida’
• ‘Pat Garrett y Billy the Kid’
• ‘Quiero la cabeza de Alfredo García’
• ‘Los aristócratas del crimen’

• ‘La cruz de hierro’