El cine de acción y aventuras, que en la actualidad no creo que pase por su mejor momento, siempre ha sido considerado de segunda clase, de nulo prestigio, de una importancia inferior a la de otras formas de cine, por razones incomprensibles para quien esto escribe. Así, algunos hitos de este cine fueron despachados, durante años, por los especialistas, como mero cine comercial sin la menor relevancia estética. Y si tal cosa ocurrió nada menos que con ‘Terminator’ o ‘Mad Max’, mucho más con otro famoso título de los 80, situado entre ambos, la fenomenal ‘Rambo: Acorralado’.

Viéndola de nuevo, casi tres décadas después de su aparición, resulta que no ha envejecido en absoluto, más bien es sorprendentemente moderna y su discurso y trasfondo aún están vivos hoy día, quizá más aún que en el momento de su estreno. Su vértigo y su trepidación permanecen intactos, y su drama, el de un hombre demolido por la guerra, merece situarse como uno de los relatos de acción más importantes de los ochenta, y, por tanto, una importantísima muestra de cine de aventuras, única forma de entretenimiento capaz de aunar divertimento y tragedia.

Adaptación bastante libre de la más que decente novela de David Morrell, algunos famosos actores fueron considerados para el papel de John Rambo, entre ellos Clint Eastwood, Steve McQueen, John Travolta o Dustin Hoffman. La llegada de Sylvester Stallone, que ya estaba un poco cansado de su Rocky Balboa, al parecer propició algunos cambios en el personaje que a mi modo de ver son muy interesantes, porque añaden un nivel de crítica social que no se encontraba en el original literario y que es uno de los elementos que hacen a este filme tan emocionante.

La soledad del guerrero

El comienzo es magnífico, con John Rambo, veterano de la Guerra de Vietnam, miembro de una unidad de las fuerzas especiales, y galardonado con la Medalla de Honor, averiguando que un viejo amigo y compañero de su unidad ha muerto de cáncer (luego sabremos que era el último de sus compañeros que aún vivía), y vagando después sin rumbo hasta encontrarse con el pueblo de Hope (un irónico nombre, “Esperanza”...), lugar en el que no podrá ni descansar ni comer algo porque el sheriff local (estupendo Brian Dennehy) primero le echa por considerarle un vagabundo y luego le arresta cuando Rambo ejerce su derecho de caminar o dirigirse a donde le apetezca.

Sin el menor esfuerzo, sin trampas, nos sentimos completamente identificados con Rambo. Los que crean que el personaje del sheriff es un truco de guión o una exageración, quizá deberían pasarse por ciertos pueblos de Estados Unidos o incluso de España, lugares en los que los extranjeros son menos que nada, y cualquier sospecha conlleva un enfrentamiento directo con las fuerzas de la autoridad locales. La brutalidad policial de la que es objeto y su posterior fuga, son momentos de gran violencia, pero no una violencia elaborada por motivos bajos o comerciales, sino para mostrarnos la desesperada existencia de un hombre abandonado. Por eso cuando escapa veloz en su moto sentimos una inyección de adrenalina, porque nos gustaría ser capaces de enfrentarnos a la opresión policial con semejante destreza.

John Rambo es un monstruo, un animal de guerra producido por la implacable maquinaria belicista de Estados Unidos, que al regresar al lugar que en teoría ha contribuido a hacer más libre (en realidad, a enriquecerse y a fortalecerse en sus privilegios de bienestar y comodidad) es tratado como escoria, como basura prescindible, un ser sin sentimientos, por policías que son como matones, hombres acomplejados que así se sienten más hombres, más duros. Poco después, descubren que el piojo que ellos creían blanco legítimo de su violencia, es en verdad un lobo mucho más peligroso que todos ellos juntos, un hombre que no ha hecho absolutamente nada y cuya venganza será terrible.

Sentimos compasión por él, y una vez que los policías deciden salir a cazarle, deseamos que sea él quien los cace a ellos, deseamos que su reacción sea lo más violenta posible. Pero cuando el ayudante del sheriff, el más brutal, cae por accidente del helicóptero y muere, nuestra euforia se nos atraganta y se nos mezcla con ácido en el estómago. Sentimos, como pocas veces, las consecuencias de la violencia y la brutalidad, a través de muertes terribles, por mucho que mueran los más abyectos. Así, ‘Acorralado’ nos golpea con fuerza en la conciencia mientras nos proporciona un subidón de energía poco habitual en el cine.

Un filme eléctrico

El artesano Ted Kotcheff dirige con inusitada habilidad un drama tan propenso a caer en los lugares comunes y en la exageración, hasta el punto de que logra mucha elegancia y sobriedad en un su puesta en escena. Sacando el máximo partido a los excelentes escenarios naturales de Canadá, la fotografía de Andrew Lazslo y el montaje de Joan Chapman son soberbios, como soberbia es la música de un Jerry Goldsmith muy inspirado, pues mezcla con sencillez la intensidad con el lirismo, en uno de sus scores más recordados.

‘Acorralado’ consigue todo lo que intenta conseguir. La distancia entre lo que busca y lo que encuentra es ínfima, casi inexistente. Hay violencia y tensión en sus imágenes, dinamismo y verdad, dolor y desesperación. No fue un grandioso éxito como algunos piensan, aunque propició una saga bastante lamentable (cuyo segundo título está escrito, en colaboración con Stallone, por James Cameron, en el que probablemente sea el trabajo de guión más deleznable que haya firmado el realizador canadiense). Stallone, del que siempre he pensado que es un buen actor desaprovechado, borda un papel muy físico, muy exigente, provoca miedo y pena al mismo tiempo, algo más difícil de hacer de lo que parece.

De estilos muy diferentes, pocos directores son tan sinónimo de la época dorada de Hollywood como Alfred Hitchcock y Billy Wilder, y aún menos pudieron siquiera igualar la recaudación de sus grandes éxitos. Durante los años cincuenta, como tantos otros maestros, llegaron a su plenitud profesional y de prestigio. El primero dirigió once largometrajes en esa década, entre los que se cuentan las obras maestras ‘La ventana indiscreta’, ‘El hombre que sabía demasiado’, ‘Vértigo’ y ‘Con la muerte en los talones’. El segundo dirigió nueve, algunos tan importantes como ‘Sunset Blvd.’, ‘Testigo de cargo’ (esa película tan hitchcockiana) y ‘Con faldas y a lo loco’.

Ambos llegaron a 1960 pletóricos de fuerzas, creatividad y autoconfianza. Wilder con cincuenta y tres años y Hitchcock con sesenta. Y ambos fueron nominados ese año a mejor director por sendas películas: ‘El apartamento’ y ‘Psicosis’, dos polémicos taquillazos. Se lo llevó Wilder, al mismo tiempo que el de mejor película y mejor guión original (y mejor montaje y dirección artística). Pocos podían suponer que este fulgurante inicio de década sería tan diferente del final de la misma, en la que ambos directores veteranos sufrieron por fin el fracaso en taquilla, y de forma tan paralela y similar.

Provenientes ambos de Europa, cultos y arrogantes, Wilder y Hitchcock trabajaron siempre por crear éxitos universales. No cabía para ellos la posibilidad de un cine personal para minorías, más bien que su cine llegara a cuanta más gente mejor, y se encontraban en el sitio ideal para conseguirlo. Ya ancianos, llegó al medio la teoría de los autores, y los directores a ser considerados algo más que artesanos, lo que agradó a Hitchcock y fue indiferente para Wilder. Ambos eran currantes, sobre todo, grandísimos profesionales. Sin embargo, no supieron adaptarse a los tiempos, lo que hasta cierto punto resulta meritorio, porque quizá entonces empezaron a ser autores.

Los difíciles años 60

Los años sesenta fueron el principio del final de los grandes estudios, la llegada masiva de la televisión y el cambio de tendencias en el cine. Los viejos maestros se encontraron cada vez más incómodos en el seno de Hollywood, pero Wilder aún conocería dos exitazos con ‘Uno, dos, tres’ y, sobre todo, con ‘Irma, la dulce’ en 1963, bastante atacada por la crítica, pero que dio muchísimo dinero. Hitchcock, por su parte, esperó hasta 1963 para realizar su siguiente película desde ‘Psicosis’, la extraña, oscura y vanguardista ‘Los pájaros’, que por suerte aún le dio algunas alegrías en la taquilla.

1964, sin embargo, fue el año clave en la carrera de ambos cineastas. Billy Wilder llegaba más lejos que nunca en su cruel misantropía y su subversión de los códigos sociales con su brillante ‘Bésame, tonto’, que fue destrozada por la puritana crítica de la época, y que significó también un doloroso fracaso de taquilla. Hitchcock, por su parte, firmaba la irregular ‘Marnie, la ladrona’, se obsesionaba absurdamente por Tippi Hedren, y en un descanso del rodaje llegaba más lejos que nunca y le ofrecía directamente a la actriz una proposición sexual, que fue rechazada de plano. El fracaso de la película terminó por destruir gran parte de la confianza que un Hitchcock de 65 años tenía en sí mismo.

1966 fue el año en que ambos cineastas llevaron a cabo lo que Hitchcock siempre denominó un ‘Run for cover’, es decir, un proyecto no demasiado arriesgado con el que un director intenta capear un fracaso anterior. Wilder firmó la estupenda ‘En bandeja de plata’ y Hitch ‘Cortina rasgada’. Ambas no dieron mucho dinero, pero fueron recibidas con relativo entusiasmo. Consiguieron más o menos lo que buscaban, recuperarse y redimir un poco su condición de directores estrella. Sin embargo, todo se estropearía en el siguiente proyecto de ambos.

1969 vio nacer la fabulosa ‘La vida privada de Sherlock Holmes’ y la infravalorada ‘Topaz’. La película de Wilder fue una gran producción mutilada en su montaje de manera brutal, y que sin embargo es una maravilla de equilibrio formal y ritmo, un milagro. Wilder planeó para ella una gran producción de varias horas, pero ya no tenía el poder ni la energía para enfrentarse al estudio. Como resultado, en lugar de estrenarse en 1969, lo hizo en 1970, después de innumerables cambios, y para cuando se estrenó era un desastre anunciado. Recaudó poquísimo dinero, Wilder fue tachado de anticuado, y el proyecto fue un fracaso absoluto del que el director vienés jamás se recuperó.

Hitch, por su parte, intentaba volver a las esencias, mientras procuraba coger el signo de los tiempos, con la maravillosa ‘Topaz’, que fue vilipendiada de manera atroz y significó un nuevo fracaso de taquilla para él, uno del que ya nunca se recuperó.

Ambos directores habían llegado a la década de los setenta muy tocados tanto en su confianza en sí mismos, como en la confianza que los estudios tenían en ellos. Wilder no era excesivamente mayor, pero Hitchcock tenía más de setenta años. En 1972 ambos regresaron con sendas películas: la divertida aunque algo desvaída ‘Avanti!’ y la brillante aunque algo impersonal ‘Frenesí’. Ambas películas fueron nuevos fracasos, aunque son más que interesantes y merecían mejor suerte. Y aquí acaban los paralelismos en ambas carreras, pues Hitchcock sólo pudo terminar un largometraje más, la floja ‘Family Plot’ de 1976, y Wilder conoció un éxito postrero con ‘Primera plana’ en 1974.

Hitchcock moría, solitario y amargado, en 1980, pero Wilder llegaría a dirigir un largometraje en 1981 y moriría en 2002. Ambos gigantes son, sin duda, ejemplos máximos de la necesidad de cambiar según los tiempos si se quiere prolongar un gran éxito de público, pero eso quizá puede significar dejar de ser fiel a sí mismos. Puede que el Wilder más personal sea el de ‘Bésame, tonto’, ‘En bandeja de plata’ y ‘Sherlock Holmes’, pero curiosamente el más personal Hitchcock fue el más exitoso: ‘La ventana indiscreta’, ‘Con la muerte en los talones’, ‘Psicosis’. Ironías del cine.

Este último es muy interesante sobre todo por estar narrado, literalmente, hacia atrás. Dicen que como ‘Memento’, pero la película de Christopher Nolan tenía el orden de secuencias invertido (y no todas), mientras que en este caso hasta los diálogos van a la inversa. Resulta muy ingenioso y con algunas sorpresas. Pero el primero es una pasada que demuestra que Weinstein es un especialista animador. 5 minutos y 37 segundos de acción imparable, dinámica y muy bien diseñada. Una verdadera gozada:

‘Azureus’

‘Backwards’

Vía | Arte y animación

- Cuando un hombre adulto persigue a una mujer tratando de violarla, yo mato al hijo de puta. Ésa es mi política.

- ¿Y cómo sabe usted que va a violarla?

- Cuando un hombre desnudo y empalmado persigue a una mujer por una calle con un cuchillo de carnicero, me figuro que no está haciendo una colecta para la Cruz Roja.

En 1971, después de que la Warner comprase los derechos de una novela titulada ‘Dead Right’, obra de Harry Julian y Rita M. Fink, en la productora se propusieron llevar a la gran pantalla dicho material, convertido en un thriller policíaco. El libro estaba inspirado en los terribles hechos que acontecieron en San Francisco en aquellos años, una serie de asesinatos cometidos por alguien que se hacía llamar el asesino del zodiaco, algo que también sirvió de inspiración para la grandiosa ‘Zodiac’ de David Fincher. En un primer momento se pensó en actores como Frank Sinatra (había interpretado ‘Detective’) y Paul Newman (había interpretado ‘Harper, investigador privado’), o John Wayne (que lo rechazó interpretando más tarde ‘McQ’ y ‘Brannigan’, films herederos de ‘Harry el sucio’).

Sinatra estuvo a punto de protagonizar la película, imponiendo el nombre de Irvin Kershner (‘El imperio contraataca’) como director, pero la cosa no cuajó. Newman no estaba de acuerdo ideológicamente con el personaje de Harry Callahan, y puso diversas excusas para no darle vida, y en cierto instante sugirió el nombre de Clint Eastwood, que en aquel momento se encontraba enfrascado en el rodaje de ‘Escalofrío en la noche’. Eastwood era tan perfecto para el personaje, que a la Warner no le importó esperar unos meses, cediendo incluso ante las peticiones del actor: el film debía ser dirigido por Don Siegel, y el guión debía ser reescrito.

Un guión en el que aparecen acreditados los autores de la novela, y también Dean Riesner, colaborador de Eastwood y Siegel en aquellos fructíferos años (suyos son los libretos de ‘Escalofrío en la noche’ o ‘La gran estafa’, fabuloso film de Siegel). Pero en el mismo también intervinieron, aunque no aparezcan acreditados, John Milius y Terrence Malick, dos futuros directores en las antípodas de Siegel. Del primero se conservó la famosa frase (en el siguiente vídeo) que con el paso de los años se ha convertido en todo un referente, aunque en un primer guión era algo diferente. De Malick no se sabe muy bien que se conservó, pero cuando Eastwood sugirió más escenas de acción, es fácil pensar por dónde iban los tiros, nunca mejor dicho.

‘Harry el sucio’ se estrenó en el momento adecuado. La administración Nixon, Vietnam, y las crecientes oleadas de crímenes en los USA alcanzaban unos niveles impensables. El pueblo americano estaba harto, y Harry Callahan representaba la voz de todos ellos. Por fin, en una película se ponían sobre la mesa los derechos de las víctimas a manos de desalmados asesinos. El Inspector Callahan administra justicia y asegura que si la ley deja escapar a un asesino por una argucia entonces la ley está equivocada. Muchos vieron en esta película un mensaje fascista que glorificaba el cuerpo policial, justificando el uso de métodos poco ortodoxos, sobrepasando el abuso de poder, para hacer cumplir la ley. Tanto Eastwood como Siegel rechazaron de pleno estas lecturas. Y es que hay que ser muy cegato para ver en ‘Harry el sucio’ interpretaciones que sí tenían imitaciones posteriores del film, como la flojísima (y muy peligrosa ideológicamente) ‘El justiciero de la ciudad’.

‘Harry el sucio’ es el retrato de un individualista, algo parecido a lo que King Vidor realizó con Gary Cooper en ‘El manantial’, pero en contextos muy diferentes. Callahan desea cumplir la ley, no soporta que los malvados se salgan con la suya beneficiándose de los fallos del sistema judicial. Lo irónico del asunto es que para hacer cumplir la ley, hay que sobrepasarla, lo cual demuestra que ésta no funciona. El film está centrado en la investigación de Callahan en busca de un asesino llamado Scorpio, que ha amenazado matar a una persona al día si no se le entrega una gran cantidad de dinero. Mientras el alcalde prefiere aceptar las demandas del delincuente, Callahan insiste una y otra vez que no se pueden doblegar ante un don nadie que se ha vuelto loco y le da por matar personas a diestro y siniestro.

Callahan es un hombre huraño y solitario. Sus métodos están desaprobados por prácticamente todo el que le rodea. Es viudo, y normalmente el culpable de que sus compañeros fallezcan en el intento de hacer cumplir la ley. Lo sabe muy bien, pero también sabe que el sistema está podrido, que la ley actúa con retraso y mal. Le suelen encargar los trabajos más asquerosos (de ahí su apodo) y apenas tiene amigos. Pero nada de esto le convierte en un fascista, y hay en el guión algunos elementos inteligentemente insertados que contradicen esa visión tan simple de este gran personaje. En cierta secuencia en la que Callahan persigue a un sospechoso, se sube a unos cubos de basura para ver lo que aquél hace en el interior de una casa, y que no es otra cosa que tener un encuentro sexual con una mujer. De repente, Harry es golpeado por cuatro hombres que lo acusan de voyeur, y es socorrido por su compañero que se dispone a detener a los cuatro individuos; pero Harry es muy consciente de que todo es producto de una equivocación y deja marchar a los que hace nada le pegan patadas y puñetazos.

Clint Eastwood contribuyó con su fuerte carisma a construir un personaje que se convertiría en todo un icono; y con la cámara de Siegel lograron un thriller ejemplar de fuerte contenido violento, y con un crescendo dramático pocas veces conseguido en el género. El montaje del film es primordial para ello, y Garl Pingitore cumplió los deseos de Siegel alcanzando la perfección. El que también había sido montador de ‘El seductor’ y ‘Escalofrío en la noche’ (curiosamente no volvería a trabajar ni con Eastwood ni con Siegel, retirándose de la profesión pocos años después de la realización de ‘Harry el sucio’), logra instantes tan poderosos como toda la larga secuencia del autobús en el tramo final de la película. La cámara de Siegel, colocada en los lugares más impensables, y el material editado, logran una tensión difícil de aguantar, que tiene su clímax en el antológico final, inspirado en parte en ‘Sólo ante el peligro’, en el que Cooper tiene un gesto que Callahan repite aquí.

El binomio Eastwood/Siegel nos dio tres obras maestras imperecederas: ‘El seductor’, la presente y ‘Fuga de Alcatraz’ (de la que hablaremos en su momento). ‘Harry el sucio’ es en la que se nota más la futura influencia de Siegel sobre el cine de Eastwood director. Su puesta en escena, el uso de un adecuado ritmo, gratuidad cero (aún tratándose de un film policíaco), personajes que respiran verdad, y pocas concesiones al espectador (que Callahan termine con el delincuente de la forma en la que lo hace no es precisamente un final feliz y complaciente, pues con ello, y su gesto tirando la placa a la bahía, renuncia a ser policía, dejando definitivamente de creer en el sistema) emparejan las maneras de Siegel con las de Eastwood. Incluso el actor llegó a dirigir dos secuencias de ‘Harry el sucio’: la nocturna en la que se encuentra con un gay en un parque, y aquella en la que impide que un suicida se tire desde un edificio, que también transcurre de noche. Siegel se encontraba enfermo y confiaba de lleno en Eastwood para filmar ambas secuencias, las cuales terminó mucho antes de lo programado, algo que repetiría a lo largo y ancho de su carrera como realizador.

Si la implicación de Clint Eastwood en el proyecto (tanto como productor como actor) fue determinante para el resultado del mismo, podríamos decir lo mismo de su antagonista en pantalla, Andy Robinson, que sencillamente borda uno de los psicópatas más célebres de la historia del cine. Robinson se hizo con un personaje que, en un principio debía interpretar Audie Murphy (el cual lo rechazó por lo violento que era), después de que Eastwood se fijase en él en una obra de Broadway. Cuando Siegel le vio, sentenció que era el Scorpio perfecto, su rostro, normal y corriente, era lo que andaban buscando. Alguien que podría ser nuestro vecino, con apariencia de niño inocente perteneciente a un coro (palabras del propio Siegel), hacía mucho más temible el personaje. A ello se añadió además un pequeño, pero muy significativo, detalle; Robinson era pacifista, odiaba las armas, y cuando en la película tuvo que disparar varias veces, apenas podía soportarlo, por lo que, cada vez que lo hacía cerraba los ojos. El efecto es inmejorable, y ayuda a vestir psicológicamente a Scorpio.

En el siguiente vídeo puede verse (sólo en los primeros minutos del mismo) algo que rara vez se ve en el cine de acción: el uso de un travelling como elemento emocional. Tras una persecución a pie, Callahan dispara a Scorpio en una pierna ya herida, para que éste caiga. Una vez a su lado, le obliga a decir donde tiene una chica secuestrada que puede morir. Scorpio sólo grita aludiendo a sus derechos legales; Callahan le tortura pisándole su pierna herida, mientras Siegel se aleja con un movimiento de cámara aislando a sus dos personajes del mundo. El momento posee una violencia indescriptible, y el espectador se libera a través de ese travelling, no queriendo saber nada de lo que ocurre ahí. Pero el siguiente plano es el rescate de una chica, violada y asesinada, de un lugar en el que su sufrimiento fue mucho mayor del que padeció Scorpio. ¿Justifica la violencia la película? No. Simplemente la muestra, y también sus consecuencias. Y nos estampa la triste realidad en nuestras caras: en este asqueroso mundo hay gente con la que no se puede razonar.

Clint Eastwood ya era una estrella, pero ‘Harry el sucio’ elevó su fama hasta donde pocos actores han llegado. Su éxito provocó que la Warner quisiera volver al personaje varias veces más, aunque los resultados no estuvieron a la altura del film firmado por Don Siegel. Una obra maestra rotunda, que provoca en el espectador sensaciones nuevas a cada visionado, convirtiendo el entretenimiento en arte. La influencia de la película fue tan fuerte que casi nadie escapó a ella. El John McLane de ‘Jungla de cristal’ y el Martin Briggs de ‘Arma letal’, por poner sólo dos ejemplos bien conocidos, no son más que reinterpretaciones del Harry Callahan de Siegel y Eastwood. Aún a día de hoy, su imagen es más poderosa de lo que nos podamos imaginar, superando todas las burdas imitaciones (léase el caso de Charles Bronson y su infumable Paul Kersey, o productos mil de Chuck Norris) que no hicieron otra cosa que prostituir el original, haciendo que muchos espectadores los metieran a todos en el mismo saco.

Servidor no recuerda un film relativamente reciente, perteneciente al género, que me haya dejado clavado a la butaca como ‘Harry el sucio’ lo logra. Será por la impecable labor de Siegel, por la fuerte personalidad de Eastwood, por lo convincente que está Andy Robinson, o por lo efectiva que resulta la música de Lalo Schifrin, pero si el CINE (así con mayúsculas) se hizo para disfrutar al máximo, ‘Harry el sucio’ es la prueba latente de ello. Lo dicho, una obra maestra.

Especial Clint Eastwood en Blogdecine:

• Los comienzos
• ‘Por un puñado de dólares’
• ‘La muerte tenía un precio’
• El final de la trilogía con Sergio Leone
• La Malpaso y dos errores
• El encuentro con Don Siegel
• ‘El desafío de las águilas’
• ‘La leyenda de la ciudad sin nombre’
• ‘Dos mulas y una mujer’
• ‘Los violentos de Kelly’
• ‘El seductor’

• El debut en la dirección

Como os dije en su momento, este especial sobre la carrera de Clint Eastwood será amenizado con un par de concursos. El primero de ellos, el próximo lunes en vuestro blog favorito. Gracias a todos por vuestro tiempo.

El mítico grupo cómico Monty Python celebra este año el 40 aniversario desde su primera aparición en la BBC en 1969. Con tal motivo todos sus integrantes se han vuelto a reunir para grabar un documental, de título ‘Los Monty Phyton: Casi la verdad’ que repasará la trayectoria del grupo, uno de los que más carcajadas ha generado a lo largo de muchos años y cuya influencia fue capital durante su apogeo.

Así, tendremos la oportunidad de ver de nuevo a John Cleese, Terry Gilliam (el único norteamericano y que continuó su carrera como realizador, del que veremos próximamente ‘The imaginarium of Doctor Parnassus’), Eric Idle, Terry Jones, Graham Chapman (ya fallecido y del que se usarán imágenes de archivo) y Michael Palin, verdaderos veteranos de esto del humor. En televisión alcanzaron la fama, pero para la historia del cine han dejado algunas perlas de una comicidad fabulosa.

¿Quién no recuerda ‘La vida de Brian’? Irreverentes, originales, innovadores… gozaron de gran éxito de público y crítica. Un humor surrealista y universal que, en su polifacética trayectoria artística, llevaron a varias películas tan conocidas como la citada o también ‘Se armó la gorda’ (1971).

Pero, sin duda, si tuviera que elegir, incluiría ‘Los caballeros de la mesa cuadrada y sus locos seguidores’ (1975) como una de las que más me impactó, y que tendría en mi top ten de películas de humor. Una descacharrante visión al mito artúrico con momentos memorables y con los que más me he podido reír. Una película que los consagró como grandes artistas del cine y con la que consiguieron, no sólo éxito de público, sino también un enorme reconocimiento de la crítica. Aquí uno de esas escenas míticas, el enfrentamiento con el caballero negro:

En YouTube | Canal de Monty Phyton

Vía | El País

En Blogdecine | Monty Phyton

Quiero repasar, por tanto, algunas de las escenas que me han despertado diferentes sensaciones, pero con todas he disfrutado y mucho con el buen hacer de este casi siempre polémico cineasta. Y es que, Tarantino ha llenado sus films de momentos divertidos, geniales, grandes diálogos, agudo sentido del humor, chicas de armas tomar, sangre, violencia, serie B, balas y devoción por lo oriental, aparte de un profundo amor por el séptimo arte. Son sus características propias expuestas en historias narradas con su personal e imitado estilo.

Vamos con algunas memorables escenas, en una difícil selección, pero divertida para un viernes:

En su debut cinematográfico sorprendió a todos por su forma de narrar un atraco frustrado por parte de unos tipos con nombres de colores, trajes y corbatas negros y una lengua especialmente dotada para diálogos elocuentes. La escena que abre la película es un soberbio ejercicio de narración con frases inolvidables (como la ingeniosa referencia a Madonna), que aunque poco parece tener que ver con la trama, nos ayuda a conocer y a situar a los personajes. Increíble forma de arrancar su debut:

Otra escena que siempre se recuerda de ‘Reservoir Dogs’ es la tortura del señor Rubio al policía detenido como rehén. Al ritmo de la música, mientras el agente teme lo peor amarrado a la silla, el momento tiene buen humor, pero sobre todo cruenta y explícita violencia, aunque Tarantino, sabiamente, nos negaba la visión de la cercenación de la oreja, que no por ello dejaba de ser impactante y causó enorme revuelo y polémica en su momento. Brillante:

Ahora tres escenas antológicas de bailes femeninos. Algo recurrente en su cine y que ha demostrado rodar con gran habilidad para sacar el máximo partido a sus mujeres en movimiento.

En ‘Abierto hasta el amanecer’, que aunque no la dirigió (sino su amigo Robert Rodríguez) lleva su sello inconfundible en el guión y siempre se recordará la hipnotizante y enorme aparición de Salma Hayek con una enorme pitón al cuello, marcándose un baile antológico con un erotismo de lo más espectacular. Bendito Satanico Pandemonium:

En su obra maestra ‘Pulp Fiction’ podemos rescatar muchos diálogos y momentos sorprendentes, pero quizá la emblemática escena del baile entre Vincent Vega (un recuperado Travolta) y una bella y sugerente Mia Wallace (Uma Thurman) sea de lo más recordado y que me divirtió sobremanera la primera vez que la ví (y aún lo sigue haciendo):

El tercer y último baile memorable es el sexy movimento de la sensual Vannesa Ferlito en ‘Death Proof’ que disfrutó en primera persona Mike, interpretado por el señor Kurt Russell, y que supuso, sin duda, una de esas concesiones de Tarantino para recrearse y poner el punto picante a la trama:

Cambiando de escenario, aunque siguiendo con su fijación por las mujeres, Tarantino introduce un curioso un spot de televisión en ‘Jackie Brown’, que viene a demostrar lo mucho que le gustan las mujeres de armas tomar (‘Tías que adoran las armas’) y lo cómica descripción de Samuel L. Jackson a Robert De Niro:

Las escenas de lucha son una constante del gusto tarantiniano y en ‘Kill Bill’ se explayó. De lo más estimulante es el enfrentamiento entre Mamba Negra (una atlética Uma Thurman) y una colegiala asiática absolutamente fiera, que depara un duelo sangriento entre mujeres armadas (curiosa fijación). Maravillosa:

Otro escena de enfrentamiento mucho más elegante en lo estético, es el final de la primera entrega de ‘Kill Bill’, ambientada en un nevado jardín japonés que se tiñe de roja sangre con un tema musical de lo más apropiado y del más puro estilo Tarantino, un duelo a espada que cierra el primer capítulo de la particular venganza de Mamba Negra contra O-Rern Ishii (Lucy Liu):

En el segundo primer volumen de ‘Kill Bill’ hay un homenaje brillante al Anime, con una historia poderosa e potente en su narración y cautivadora en su forma, otro memorable homenaje al particular gusto del realizador y que es toda una joya que no pasó desapercibida:

Para terminar este personal top ten, recurro a ‘Four Rooms’, donde Tarantino dirigió el episodio ‘The Man from Hollywood’, participa activamente como intérprete y disfrutamos de un momento delirante de apuesta temeraria y mutilación en juego:

Podría seguir hasta un top 100, pero mejor dejarlo aquí en esta ocasión, a modo de homenaje. Espero que el próximo año pueda añadir algún momento (estoy seguro) de su nueva película que ya se espera con optimismo: ‘Inglourius Basterds’ (‘Malditos bastardos’, como mal se ha traducido para el título en español).

‘Get Happy: The life of Judy Garland’ es el título de la película basada en el libro homónimo, que empezará a rodarse dentro de poco, tratándose de un biopic sobre la mítica estrella de cine. Los hermanos Weinstein producen el evento, y la elegida para dar vida a Garland ha sido Anne Hathaway, probablemente la mejor opción posible para un personaje de estas características.

Hathaway se parece bastante a Garland (no hay duda de que el maquillaje hará el resto), ha demostrado sus dotes de cantante, y su carrera ha seguido una evolución ascendente que le ha llevado de participar en comedias (género al que su rostro va asociado) muy olvidables a películas más arriesgadas.

Gerald Clarkle, el autor de la obra literaria, fue también al autor de la biografía sobre Truman Capote, que fue adaptada en el 2005 con bastante éxito y reconocimiento (Philip Seymour Hoffman se llevó el Oscar por ello). Su trabajo sobre Garland fue realizado a partir de cientos de entrevistas realizadas a allegados de Garland.

Me huelo una segunda nominación para Anne Hathaway.

Para los nostálgicos:

Vía | Comingsoon

Tradicionalmente, los filmes de corta duración son la escuela a la que recurren los directores noveles para dar sus primeros pasos en el mundo del celuloide. Si sumamos que en el sueño de todo aficionado al cine está el poder llegar a dirigir una película, la unión de sueño y cortometraje supondría tener cubiertas bastantes de esas expectativas, Si añadimos a la suma que al final hay alguien que nos ayuda o nos enseña el camino para llevarlo a cabo, lo cierto es que se habrá dado un pequeño paso, pero importante para cumplir ese sueño: ser director. Un proceso en el que muchos de esos aficionados se quedan en el camino. Por tanto, si se nos abre la oportunidad de poder formar parte de un experimento de cine en colaboración, junto a dos directores conocidos con los que se comparta la dirección de una nueva historia, en el que incluso los mismos internautas pudieran llegar a participar como actores, tiene que ser bienvenido.

Esto último es lo que se han propuesto realizar Mahou Cinco Estrellas (de quien es conocido su apoyo por el cine español), y los directores José Corbacho y Juan Cruz, que en torno al mes de mayo darán inicio al rodaje de “La Wikipeli“, la primera iniciativa de cine interactivo. El proyecto que hoy ve la luz busca inscribirse en una tendencia que quiere recuperar el mundo del cortometraje, no sólo como lugar de aprendizaje, sino como herramienta de promoción del cine español, y cuyo último exponente ha sido ‘La concejala antropófoga’ de Almodóvar. Es decir, miles de personas codirigirán junto a Corbacho y Cruz un proyecto en formato de cortometraje, en el que los internautas tomarán también decisiones tanto antes, como durante y después del rodaje.

A partir de hoy mismo, los internautas podrán entrar en el blog creado para dar su opinión y enterarse de todos los aspectos que tengan que ver con este proyecto, donde se irán ofreciendo las distintas posibilidades de participación: referéndums virtuales (donde se abrirá un abanico de distintas opciones a elegir una); un “casting” nacional de atrezzo (con el que se contribuirá aportando objetos, fotografías e, incluso, lugares especiales), de hecho, los co-directores tendrán que “localizar” y enviar sus propuestas ya que uno de los escenarios elegidos en “La Wikipeli“ recreará la ubicación elegida.

Para el primer día del proyecto, los usuarios tendrán que definir cómo será uno de los personajes que aparecerán en la Wikipeli, y bautizar al protagonista de la historia. También se irá actualizando el cuaderno de rodaje, donde se harán públicos los resultados de las decisiones y se irán mostrando diferentes imágenes del proyecto. Además de conocer la evolución actualizada del mismo, como aliciente, aquellos que participen en el rodaje verán como sus nombres aparecen en los créditos finales, junto a los de Corbacho y Cruz.

En el fondo, lo que se busca es dar la posibilidad de que al menos se hable durante el tiempo que dure el rodaje de este experimento del mundo del corto, y si es posible, dignificarlo de cara a la opinión pública. La cantera está aquí, y lo mismo entre los participantes de esta iniciativa se logra descubrir alguien con un mundo propio que contar. De hecho, para Mahou esto debe ser el punto de arranque en los pasos que se haya decidido dar para promocionar al olvidado mundo del cortometraje en España.

Más información | La Wikipeli