Muchos esperan que ‘The Expendables’, la nueva película de Sylvester Stallone en su doble faceta de director y actor, se estrene entre nosotros el mismo día que en los USA, el 13 de agosto. Mientras esperan con ganas tienen que conformarse con las pocas cosas que van saliendo hasta que esté más próximo su estreno, ya veréis como para entonces nos vamos a hartar de ver esta película anunciada hasta en la sopa. El cartel que hoy os traemos deja claras las intenciones, con esos apellidos y esa imagen vamos a ver en esta película más tiros y explosiones que en cualquier otra.

Sylvester Stallone, Jet Li, Jason Statham, Dolph Lundgren, Eric Roberts, Mickey Rourke, Danny Trejo y Brittany Murphy —en su papel póstumo— forman su espectacular reparto. También habrá un par de cameos de Bruce Willis y Arnold Schwarznegger, o sea, todo un deleite —por decirlo de forma educada— para los amantes del cine de acción con sabor ochentero. La historia de ‘The Expendables’ narra la odisea de un grupo de mercenarios que van a América del Sur a terminar con un dictador. Stallone colabora en el guión.

Bien es sabida mi aversión hacia el señor Stallone y su no-cine, pero debo confesar que yo esto no me lo pierdo. El día del estreno el primero en la cola, señores.

Vía | Impawards

Sin más, la lista de las mejores películas del 2009. Feliz año nuevo.

10.- ‘The Visitor’

Vosotros los lectores la elegisteis como la película sorpresa del año, y no es para menos. Richard Jenkins ofrece todo un recital de interpretación, merecedor de todos los premios posibles, aunque como siempre la Academia premiando lo que está de moda, o yendo a lo seguro. Sutileza y sencillez para una emotiva historia sobre la injusticia de la justicia, logrando una apología de la amistad, a través del entendimiento entre distintas culturas usando como filtro la pasión por la música. Crítica aquí.

9.- ‘District 9’

Que esté de novena en mi lista personal es toda una agradable coincidencia. Otra de las sorpresas del difunto 2009, auspiciada por el olfato de Peter Jackson, que dio la oportunidad a Neill Blomkamp de convertir en largometraje una idea genial ya plasmada en un corto. La convivencia entre aliens y seres humanos, con claras referencias al apartheid. Vigorosa, con excelentes secuencias de acción, es hasta original en los tiempos que corren. Toda una aventura que habla de la búsqueda de la propia identidad, y la demostración palpable de que para hacer una gran película de Sci-Fi —o gran película en general— no se necesitan presupuestos estratosféricos. Crítica aquí.

8.- ‘Si la cosa funciona’

Muchos hablan de un título menor dentro de la filmografía de Woody Allen, y yo pienso que es todo lo contrario. Un ejercicio de revisitación de su propia obra, siendo mucho más optimista que otras veces, y dejando a Larry David convertirse en su alter ego. Sin renunciar a cierta amargura típica en sus films, es una historia llena de momentos hilarantes servidos con inteligencia, y cómo no, ofreciendo interpretaciones geniales de un elenco de actores que en manos de Allen resultan de lo más natural. Crítica aquí.

7.- ‘The Reader’

Stephen Daldry logrando de nuevo filmar una de las mejores películas del año, como ya hiciera con las excelentes ‘Billy Elliot’ (2000) y ‘Las horas’ (2002). Reconocimiento por parte de la Academia para esa gran actriz que siempre ha sido Kate Winslet, en una de sus mejores composiciones, una inculta víctima de su propia ignorancia, que conoce poco a poco el poder del saber, del conocimiento. Dividida en tres partes bien diferenciadas, se trata de una historia de amor imposible, al mismo tiempo que toca temas como el nazismo, o la importancia de los libros como bálsamo. Crítica aquí.

6.- ‘Ponyo en el acantilado’

Nueva demostración del genio de Hayao Miyazaki, probablemente el mejor director de animación vivo —con permiso de John Lasseter y Brad Bird—, quien se adentra otra vez en el mundo de la niñez, a través de una historia de asombrosa sencillez. El amor puro, la defensa de la naturaleza —siempre presente en los films de Miyazaki—, los padres, son temas, algunos de ellos de abierto carácter autobiográfico, que se tratan con una gran capacidad de síntesis. Crítica aquí.

5.- ‘El secreto de sus ojos’

Juan José Campanella llenándose gloria como ya lo había hecho con la magistral ‘El hijo de la novia’, o algunos de los episodios de la maravillosa serie de televisión ‘House’. El amor como leit motiv de todo cuanto acontece en el film, sirviéndose de una historia de cine negro ejemplarmente narrada. De apabullante clasicismo, Campanella no reniega de virtuosismos técnicos que dejan con la boca abierta. Crítica aquí.

4.- ‘Déjame entrar’

Revitalización del mito vampírico protagonizada por dos adolescentes, alejada por fortuna de las memeces de cierta saga monoeuronal. De gélido formalismo visual que hiela la sangre, nunca mejor dicho, se adentra en el mundo de los vampiros desde una perspectiva de cine de autor, sin renunciar a tics comerciales, inteligentemente insertados, adornado todo con una de las historias de amor más arriesgadas de los últimos años. Se cuece un remake en Hollywood que me apuesto lo que sea a que no será ni la mitad de bueno. Crítica aquí.

3.- ‘Despedidas’

Otra de las sorpresas del año, proveniente de Japón, que se alzó con el Oscar a la mejor película extranjera en la última edición de los famosos premios. La historia de búsqueda de un joven violoncelista que por problemas económicos acepta un trabajo en una funeraria, en la que se realizan rituales de despedida a los difuntos. Yôjirô Takita convierte una historia de ribetes tradicionales orientales en algo universal al alcance de todos. Memorable banda sonora de Joe Hisaishi. Crítica aquí.

2.- ‘Up’

La prueba definitiva de que Pixar no hace cine destinado únicamente a los más pequeños de la casa. Tras el mejor prólogo de los últimos 20 años, el último producto de la todopoderosa compañía con John Lasseter al frente, se adentra en una fantástica aventura en la que vejez e infancia se dan la mano. Impresionante equilibrio entre drama —el film aborda de lleno la muerte— y comedia —contiene los mejores gags salidos de la factoría en años—, no da respiro al espectador, al que conduce hasta un inolvidable clímax. Crítica aquí.

1.- ‘Gran Torino’

El mejor director vivo —y por lo tanto uno de los mejores de toda la historia— logra la que probablemente sea la más sencilla de sus obras maestras, todo un ejercicio de revisitación de su propia imagen dentro del séptimo arte. La redención de un amante de las tradiciones de un país al que ya no reconoce, pero para el que aún queda esperanza a través de un joven oriental que conservará la pureza de lo auténtico, gracias a sus enseñanzas. Memorable interpretación de Eastwood, e inolvidable final, logra calar hondo por la sinceridad de su autor, pero ya hablaré más extensamente de ella en el especial dedicado a su director, ése que terminaré un año de éstos.

Se quedan fuera por poco ‘El curioso caso de Benjamin Button’ de David Fincher, ‘El desafío: Frost contra Nixon’ de Ron Howard, ‘Buscando a Eric’ de Ken Loach, y ‘Avatar‘ de James Cameron. Vuestro turno.

Tras un primer teaser tráiler, ya podemos echar un vistazo al tráiler completo de ‘Alicia en el País de las Maravillas’, lo nuevo del famoso director Tim Burton. Debo decir que me ha tranquilizado mucho este nuevo avance, mejor montado y bastante más espectacular que el primero, con algunas imágenes realmente espectaculares. Aun así, sigo pensando que se le presta demasiada atención al sombrerero loco (no hace falta decir por qué, ¿verdad?). En cualquier caso, un título al que ya le he puesto la etiqueta de “imprescindible”.

Basada evidentemente en el clásico de Lewis Carroll, la historia de ‘Alicia en el País de las Maravillas’ gira en torno a Alicia, una joven de diecinueve años que asiste a una fiesta en una mansión victoriana, donde descubre que está a punto de recibir una propuesta de matrimonio. Se escapa y, tras seguir a un conejo blanco, acaba en el País de las Maravillas, un lugar que al parecer visitó hace 10 años, pero del cual no recuerda nada. El País de las Maravillas era un reino pacífico hasta que la Reina Roja derrocó a su hermana, la Reina Blanca. Todos esperan que Alicia les ayude a recuperar la paz.

La película cuenta con Mia Wasikowska, Johnny Depp, Helena Bonham Carter, Alan Rickman, Anne Hathaway, Michael Sheen, Crispin Glover y Stephen Fry al frente del reparto, y se estrenará tanto en salas convencionales como en 3D el próximo 5 de marzo, tanto en Estados Unidos como en España.

PD: Gracias a ZonaFandom, a continuación el tráiler en español:

‘The Expendables’ ya tiene tráiler. Todavía queda mucho para que lo nuevo de Sylvester Stallone llegue a los cines, pero nadie duda que esto va a arrasar en taquilla, con una fórmula tan sencilla como explosiva: acción, acción, acción y estrellas de acción. Bueno, y un poco de humor, que siempre ayuda. Ahí tenéis el primer avance de la película, podéis comprobar lo que digo, pero cuidado que el vídeo dura tres minutos.

Stallone ha dicho que para su nuevo film quería rendir un homenaje a las películas de acción que se hacían en los ochenta y noventa, y reunir para ello a un “dream team”, actores que puedan dar un buen espectáculo en la pantalla. Pudieron ser muchos más, pero los que están resultan ya un gancho más que suficiente para el público: Jason Statham, Mickey Rourke, Jet Li, Dolph Lundgren, Charisma Carpenter, Eric Roberts y Sylvester Stallone, por supuesto. Sly se ha encargado del guión, de la dirección y de interpretar al personaje principal. Otro reto más para uno de los personajes más queridos del mundo del cine, premiado recientemente en el prestigioso Festival de Venecia.

La fecha del estreno de ‘The Expendables’ es el 20 de agosto de 2010.

PD: La historia gira en torno a unos mercenarios que viajan a un país de América del Sur para derrocar a un cruel dictador.

Vía | TheMovieBox

Lo que son las cosas. Peter Jackson sorprendió a muchos fichando al prometedor, y casi desconocido, Neill Blomkamp para dirigir la arriesgada y esperada adaptación del famoso videojuego ‘Halo’ a la gran pantalla; sin embargo, el proyecto fue finalmente cancelado (Steven Spielberg lo ha vuelto a recuperar). Jackson quedó decepcionado pero quiso seguir siendo el que le diera a Blomkamp el impulso para dirigir su primera película, y le preguntó si tenía alguna idea. De ahí surgió ‘District 9’, que ha cosechado un merecidísimo, y nada sorprendente, éxito en Estados Unidos.

Por suerte, el público español no tendrá que esperar demasiado para verla, ‘District 9’ se estrena en España el próximo viernes, día 11 de septiembre, y ya os adelanto que es una de las películas más estimulantes, inteligentes, espectaculares y entretenidas que se han hecho en los últimos años. Parece increíble que sea obra de un debutante en el cine, aunque al mismo tiempo no deja de ser lógico, viendo la manera en la que narra la conflictiva llegada de una nave alienígena a nuestro planeta. Sin exagerar, Neill Blomkamp ha estado cerca de debutar con la mejor película de ciencia ficción desde ‘Blade Runner’.

La idea que Blomkamp dio al máximo responsable de la trilogía de ‘El señor de los anillos’ estaba en un cortometraje que realizó en el año 2005, titulado ‘Alive in Joburg’. En dicha obra, el director sudafricano planteaba una visión fantástica del apartheid. Simulando un reportaje televisivo, se nos mostraba cómo una raza alienígena había llegado a nuestro planeta, pero lejos de suponer una gran alegría o un terrible temor, la situación resultaba problemática, ya que no había sitio para acoger a los extraterrestres; la salida humana (nótese la ironía de esto) fue aislarlos en una zona apartada, donde malviven y son tratados como animales peligrosos.

El cortometraje destacaba por el planteamiento y también por la forma en la que Neill Blomkamp integraba los efectos especiales en lo que parecía ser una pieza informativa real cubierta por medios de comunicación reales y protagonizada por personajes reales (que intervenían hablando a la cámara). El realizador quiso explotar estos hallazgos y darle una nueva dimensión, alargando y mejorando el desarrollo de tan interesante punto de partida.

Y así llegamos a ‘District 9’, en la que se da esa misma situación ya expuesta, extendiéndola y aprovechando al máximo el formato cinematográfico, ofreciendo un espectáculo que deja sin aliento. En la ficción, una nave alienígena llegó a la Tierra hace dos décadas; en concreto, a Johannesburgo, en Sudáfrica. Lejos de lo que cabía suponer, no hay contacto ni ataque, el aparato en el que han llegado estos seres de otro planeta se mantiene flotando en el cielo, quieto, como si se hubiera apagado. Pronto se descubre que la situación de los extraterrestres es precaria, están hacinados en un vehículo muerto.

El primer paso es sacar a los extraños seres de la nave e instalarlos temporalmente en el Distrito 9 (a saber por qué no se ha traducido el título, no aciertan ni una), hasta que se decida qué hacer con ellos. La situación se vuelve rápidamente insostenible y se decide volver a situarlos a otra parte, a una especie de campo de concentración, más alejado de las personas, donde podrán estar mejor atendidos… en realidad, controlados. La operación, peligrosa, será llevada a cabo por una poderosa compañía llamada Multi-National United (MNU), más interesada en la impresionante tecnología y el armamento alienígena que en la seguridad y el trato digno a las criaturas (llamadas de forma despreciativa como “gambas”).

Neill Blomkamp se descubre como un narrador de un talento impresionante, mostrándonos con garra el caos que se produce en la zona cuando el inevitable fallo del control humano se produce, iniciándose una cadena de acontecimientos explosivos, de una gran carga dramática, perfectamente planificados y puestos en escena, resultando una película arrolladora, fresca y sumamente divertida. Tenemos el clásico desencuentro entre civilizaciones, la imposición de reglas por los más fuertes a los (aparentemente) más débiles, el dilema del comportamiento humano, las posibilidades de una ciencia superior a la nuestra… pero también hay espectaculares escenas de acción y unos personajes de carne y hueso (nominación al Oscar para Sharlto Copley, ya).

Como las grandes obras del género de ciencia ficción, ‘District 9’ nos hace reflexionar sobre las circunstancias de un escenario que parece real, de hecho, sacado de la realidad para llevarlo más lejos, que nos resulta cercano y posible, coherente aunque estemos viendo a enormes insectos inteligentes rebuscando en la basura y vistiendo harapos. Por cierto, si hubiera que darle una nota a los efectos visuales de la película no podría ser otra que la matrícula de honor, porque la manera en la que se logra situar a los alienígenas y su tecnología en nuestro mundo es totalmente alucinante.

Entonces, ¿dónde falla? En algo que no puedo/quiero escribir aquí, porque mi último deseo con este texto es arruinaros cualquier sorpresa (ya sabéis que en mis críticas intento no destripar nada relevante de la trama), pero os esperaré en los comentarios cuando la veáis, y la comentamos con spoilers y todo. Sólo os digo que el problema está en el punto de vista, y, un poco menos, en ciertos comportamientos y aspectos concretos del guión que no casan con el crudo y realista conjunto, siendo más propios del resto de películas que nos llegan, repletas de tópicos e incoherencias, inverosímiles.

Parece la noticia cinematográfica de la temporada. Todo el mundo anda revolucionado, hasta nos enviáis más mails de lo esperado pidiéndonos que hablemos de ello. Disney ha comprado Marvel por una cantidad ingente de dinero. ¿Y? ¿Acaso no ha habido con anterioridad compras de ese tipo entre los estudios y las distribuidoras cinematográficas estadounidenses? ¿Por qué se arma tanto revuelo entre los aficionados, es acaso porque se trata de Marvel? ¿Alguno tiene el temor de que sus superhéroes favoritos sean infantilizados? ¿Más que en memeces como ‘X-Men orígenes: Lobezno’? Seamos serios.

Marvel es productora de sus propias películas desde hace relativamente poco, como empresa van en alza y es lógico que un gigante como la Disney haya querido invertir en ellos, pues las posibilidades de negocio son ilimitadas. Los superhéroes cada vez funcionan mejor en taquilla, y los proyectos que están por venir demostrarán su rentabilidad —aunque servidor tiene sus dudas con el ‘Thor’ de Kenneth Branagh—, y ahora, con Disney encargándose de la distribución, estas películas tendrán una promoción aún mayor. Negocio seguro.

No temáis, mis pequeños, no creo que les dé por infantilizar personajes más duros que una piedra. Por si nadie lo recuerda, Disney es dueña de Miramax, sí, esa productora que contiene títulos como mi adorada ‘Pulp Ficiton’, que de infantil no tiene nada. No pongáis el grito en el cielo por esta noticia. Jamás veremos a la mononeuronal Hannah Montana compartiendo cartel con Hulk. Dios, que visión más terrorífica…

Vía | El país

Marion, no mires el Arca. Cierra los ojos. ¡No la mires, pase lo que pase!

-Indiana Jones

Steven Spielberg siempre había soñado con hacer una película de James Bond. Pero George Lucas tenía una idea en la recámara que, a su juicio, era aún mejor. Nada de espías británicos, sino un profesor de arqueología que en sus ratos libres se dedica a buscar importantes reliquias que contienen misteriosos poderes. De este modo, ambos cineastas se embarcaron, con ayuda de Philip Kaufman y Lawrence Kasdan, en uno de los proyectos más famosos de la carrera de ambos, que se alargaría a lo largo de tres películas más, y que se convertiría en un icono tan grande como Groucho o Vito Corleone.

Porque un icono es el sombrero, por supuesto, heredado de Humphrey Bogart y Spencer Tracy, pero también el látigo, y la famosa fanfarria compuesta por el insigne John Williams. Tras el relativo fiasco de ‘1941’, Spielberg se arriesgaba (más de lo que puede parecer ahora mismo, por supuesto) con otra pieza de época, pero esta vez repleta de acción frenética, de guiños cinéfilos, de violencia elegante y de ganas de diversión por la diversión. Spielberg y Lucas, grandes amigos, tenían intención de pasárselo en grande, y con ellos el público. Y desde luego lo consiguieron.

Génesis del proyecto y producción

Es notoria la capacidad de Lucas para hacernos creer que tenia muchas historias en la cabeza antes de escribirlas. En esta ocasión no era una historia, por mucho que él lo asegurara, sino un personaje. Quizá él mismo podría haberlo llevado a la pantalla, pero según sus propias palabras “era demasiado vago para desarrollar todo eso, además de ‘Star Wars’“. Así que decidió ofrecérselo al único amigo cineasta que había confiado en que su “space opera” tendría éxito. Aunque en un principio el director que él pensaba que llegaría a hacerlo era Philip Kaufman, un buen cineasta, con películas muy interesantes como ‘Quills’ o ‘Henry & June’.

Pero no pudo ser, y entró Spielberg en el proyecto. Entre los tres, y con la ayuda del excelente guionista, y peor director, Lawrence Kasdan, que ya había colaborado en el gran guión de ‘El imperio contraataca’, intentaron introducir las ideas más divertidas que se les ocurrieron. Kasdan debía elaborar un guión que, para Lucas, debería ser una pieza de acción ininterrumpida. Es mérito de este escritor construir un relato que a pesar de que cumple este requerimiento, contiene los suficientes elementos de interés como para no caer en la banalidad dramática. Y esto gracias a unos personajes realmente muy bien dibujados.

Spielberg fue muy inteligente eligiendo a Norman Reynolds como diseñador de producción, que había ganado el Oscar por la dirección artística de ‘Star Wars’, y que volvería a ganarlo por ésta película, pues con su labor se pudieron unificar con mayor coherencia todos los ambientes de esta película, que viaja de Suramérica a Nepal, y de ahí a Túnez (en teoría El Cairo). La labor de Reynolds, y la de la diseñadora de vestuario Deborah Nadoolman, era la de dotar de realismo y vida a ese relato tan exagerado, y lo lograron con nota.

También fue muy inteligente haciéndose con los servicios del ya por entonces veterano director de fotografía británico Douglas Slocombe (que aún vive, con cerca de cien años de edad), de dilatada filmografía, que supo darle al director la imagen de aventura antigua que él requería, además de un brillante uso de la luz, que contribuyó sobremanera a la atmósfera de un filme de presupuesto moderado. Supo sacar el máximo partido a cada escenario con ingenio. Utilizando lentes anamórficas Panavisión, con un aspecto de 2.39:1, tan sólo se le puede achacar poco detalle en las sombras, pero aún hoy se considera una fotografía ejemplar para cine de aventuras.

El rodaje tuvo sus complicaciones, como la larga secuencia con las serpientes, o la dura estancia en Túnez, en la que gran parte del equipo cayó enfermo debido a la comida y el calor extremo, pero la fotografía principal terminó incluso antes de lo previsto, y todo estuvo listo para finales de primavera de 1981. El público tenía el primer contacto con un hito del cine.

Rasgos estilísticos

Después del descontrol formal de ‘1941’, que había rebajado el impacto de las tremebundas ‘Tiburón’ y ‘Encuentros en la tercera fase’, Spielberg necesitaba una cierta sobriedad que diera respuesta a esa desmesura formal. Y la encontró en la creación de una película en la que, a pesar de que sus elementos son bastante exagerados, demostró una elegancia visual y narrativa en verdad formidable, y todo sin dejar de demostrar su pericia en la puesta en escena de grandes piezas de acción o suspense. Varios ejemplos:

1. La introducción. Con la montaña de la Paramount transfigurándose (al igual que en las otras tres películas) en una montaña real, comienza una aventura, en la que dos ayudantes siguen a un misterioso personaje con sombrero (Indiana). Es interesante por muchas cosas: Indiana es presentado sin mostrar su rostro, sólo su espalda y sus manos (es notable el uso, en toda su carrera, de las manos por parte de Harrison Ford). Cuando uno de sus colaboradores intenta dispararle por la espalda, usará su látigo, movimiento recogido de manera magistral por Spielberg en cuatro planos: plano detalle demano que se acerca al látigo, plano detalle de mano que lo echa hacia detrás, plano medio de mano que lo lanza fuera de foco con Alfred Molina en segundo término y enfocado, plano general con escorzo del atancante que se ve desarmado. A continuación, y con enfática música de Williams, veremos aparecer el rostro del aventurero al acercarse a la luz.

2. Secuencia de explicación del cabezal del bastón de Ra. En ella, Indiana y su colega Brody (un sobrio y estupendo Denholm Elliot) hablan con dos miembros de la inteligencia norteamericana del arca de la alianza, más que posible objetivo de los nazis (no olvidemos que estamos en 1936). Se trata de una secuencia magníficamente planificada, y con hermosa e inquietante música de Williams, que es el inicio de la historia central, y que logra fascinarnos con ese objeto sacro que estaría mucho mejor enterrado.

3. Secuencia del Nepal. Con gran astucia, Spielberg adapta algunos métodos de su admirado Michael Curtiz, y dota de gran belleza visual una secuencia muy larga. Como detalles inolvidables tenemos esa sombra que Marion (maravillosa Karen Allen, un verdadero cruce entre Irene Dune y Claudette Colbert) observa en la pared y que reconoce como la de Indiana en un segundo (casi parece invocar a la sombra, borracha y con las manos en las sienes), o el plano en que Indiana se despide, momentáneamente, con el rostro en sombras y sólo los ojos visibles.

4. El Cairo. Se nota cierto apresuramiento (rodaron en 4 semanas y media un material para 6) para algunas ideas, pero tanto la persecución en pos de Marion (que cree muerta erróneamente), como la larga secuencia del camión, han sido copiadas infinidad de veces en cientos de películas de aventuras de los últimos 25 años. En cuanto al pozo de almas y la sala de mapas, Spielberg sabe apretar la tensión del ocultismo, poniéndonos la carne de gallina con la aparición del rayo solar que descubre la ubicación del arca, o con el angustioso cautiverio junto a miles de serpientes. Pero antes de eso, hay un momento espectacular, justo cuando abren el escondite del objeto, en el que parece que Dios está furioso por el descubrimiento, y el cielo se cubre de nubes y rayos.

Spielberg logra el prodigio de ejecutar escena de acción tras escena de acción, y cada vez de manera más rápida, sin cansar al espectador, demostrando una imaginación maravillosa y una alegría por el mero hecho de filmar que luego echaríamos de menos en cierta saga jurásica. Es, así mismo, la primera vez que tiene personajes nazis en su cine, una figura muy importante (siendo él, además, judío) que, como todos sabemos, cristalizará en ‘La lista de Schindler’, y que es objeto aquí de una interesante crueldad, como por ejemplo en la escena en la que un nazi es triturado por el camión que conduce el mismo Indiana.

Es interesante también observar cómo, aunque Indiana goza de un estoicismo y una voluntad tremendas, el cierre del relato es un anti-clímax muy arriesgado, pues en él no vence Indiana, sino que se limita a no mirar el Arca, al contrario de sus enemigos, cuando ésta es abierta, destruyendo a todos los nazis alrededor. Una idea repetida en algunas de sus películas es que mirar, conocer, mata o destruye, como veremos en ‘La guerra de los mundos’ o ‘El imperio del sol’, y que aquí tiene lugar cuando Indiana le pide a Marion que, como él, cierre los ojos. Incluso hay un plano muy significativo en el que el operador de cámara nazi termina con los ojos quemados.

Muchas de las películas de Spielberg contienen un trasfondo espiritual (más que religioso) que la mayoría de sus detractores, e incluso admiradores, parece pasar por alto. Aquí, por mucha acción y aventura, queda un poso de inequívoca y oscura espiritualidad, como si el feroz Dios de los hebreos hubiera sido retratado por un brillante cineasta que, en un principio, sólo quería filmar aventuras a lo James Bond.

En Blogdecine:

• ‘En Busca del Arca Perdida’, el nacimiento de un mito

Y seguimos hablando de secuelas. Pero esta vez no nos tenemos que ir hasta Hollywood (como para viajar en avión), nos quedamos aquí en nuestro querido país, donde también se controla eso de sacar tajada de películas que han sido un éxito de taquilla. Aquí os traigo el segundo tráiler de ‘[REC] 2’, de la que ya habíamos podido ver un cartel y un primer teaser.

Este segundo avance no desvela más que el anterior, y personalmente lo encuentro perfecto, prefiero muchísimo más este tipo de tráileres que no esos otros en los que te desvelan el principio, el nudo y hasta el desenlace de la película. Aquí muestran lo justo y está acompañando por una banda sonora realmente fantástica, el contraste es una pasada, no os lo perdáis.

Por supuesto, ‘[REC] 2’ ha sido dirigida nuevamente por Jaume Balagueró y Paco Plaza. La fecha de estreno es “muy pronto”.

PD: Y si les llega la pasta, la tercera será en 3D.

Vía | Web oficial