DreamWorks Animation ha lanzado el último tráiler de su próximo largometraje, ‘Megamind’, del que ya habíamos podido ver un póster y un par de avances. También han sacado más carteles del film, que podéis ver más abajo, centrados en los cinco personajes protagonistas, a los que dan voz en la versión original Will Ferrell, Brad Pitt, Tina Fey, Jonah Hill y David Cross. El 5 de noviembre estará en los cines (2D y 3D) de Estados Unidos; el 3 de diciembre en los de España.

Alan J. Schoolcraft y Brent Simons son los autores del guión de ‘Megamind’, una comedia de superhéroes que da un giro al esquema tradicional. El protagonista es el supervillano, Megamind (Ferrell), que gracias uno de sus retorcidos planes consigue derrotar a su némesis, Metro Man (Pitt), quedándose sin nada que hacer; sin objetivo, aburrido, decide crearse otro enemigo, Titan (Hill), pero nada sale como estaba previsto. Tom McGrath (co-director de ‘Madagascar’ y su secuela) ha dirigido la película, que a mí no me pinta nada bien.

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PD: La trama de la película se originó a partir de la siguiente pregunta: ¿Qué pasaría si Lex Luthor derrotara a Superman?

Vía | Impawards

Sobre un fondo de imprecisas imágenes que se superponen, una voz (la de John Huston) nos habla de los tres grandes golpes al orgullo del ser humano: el primero, la demostración de Copérnico de que la Tierra no es el centro del universo; el segundo, cuando Darwin afirmó que el hombre es parte de la naturaleza, un animal más, fruto de la evolución; el tercero, efectuado por Freud, que muchos de los procesos mentales son inconscientes, y que por tanto, escapan a nuestro control. Así comienza ‘Freud, pasión secreta’ (‘Freud’, también ‘Freud: The Secret Passion’, 1962), y así nos atrapa sin remedio, pues promete llevarnos a un fantástico viaje hacia las profundidades de la mente humana, hasta sus rincones más ocultos, revelando sus más turbios secretos. Una aventura apasionante, laberíntica y tenebrosa que puede además aportarnos claves sobre nuestra propia naturaleza. ¿Cómo resistirse?

Preparando la crítica de ‘Origen’ (‘Inception’), casualmente mientras realizaba un viaje en tren (y escuchando la banda sonora de Hans Zimmer), me puse a pensar en películas relacionadas con el mundo de los sueños, y me acordé que John Huston había realizado una sobre los inicios del psicoanálisis, centrada en la juventud de Sigmund Freud. Aunque (equivocadamente me parece a mí) no es una de las obras más reconocidas y recordadas de este gran director, lo cierto es que ‘Freud, pasión secreta’ se conserva maravillosamente viva, no ha envejecido lo más mínimo, al contrario, se la encuentra uno llena de fuerza y magnetismo, absolutamente fascinante.

El origen del psicoanálisis

Considerada como “biopic” (“biographic picture”, esto es, película biográfica), ‘Freud’ sólo abarca cinco años de la vida del famoso neurólogo y psiquiatra vienés (encarnado por Montgomery Clift), concretamente de 1885 a 1890, pues fue entonces cuando comenzó realmente su particular odisea científica, cuando empezó a elaborar su doctrina y creó el psicoanálisis. El film, vestido con un precioso y expresivo blanco y negro, comienza con un protagonista joven (cercano a los 30 años), lleno de ilusión y curiosidad, aún un estudiante a la sombra de Theodor Meynert (Eric Portman), un hombre brillante y dominante, de férreas ideas. Ansioso por ampliar sus conocimientos y resolver los misteriosos mecanismos de la histeria (un engaño para llamar la atención, según su mentor), Freud viaja a París y descubre las enormes posibilidades de la hipnosis para acceder a una parte de la mente, el inconsciente, que aunque escapa a la voluntad de la persona puede influirle poderosamente.

De vuelta a Viena, y recién casado, Freud es criticado y ridiculizado por sus colegas, que califican de “brujería” la hipnosis; sólo Josef Breuer (Larry Parks) confía en sus ideas, pero lo hace en secreto, temiendo por su reputación. Gracias al apoyo de su nuevo socio, el tenaz Freud comienza a trabajar con algunos pacientes y a desarrollar sus teorías sobre la importancia y el funcionamiento del inconsciente. Así conoce a Cecily (Susannah York, en un papel previsto para Marilyn Monroe), una joven aristócrata atormentada por un sueño recurrente, que no puede ver (a pesar de que físicamente debería) y se niega a beber agua. A través de éste y otros enigmáticos casos, incluyendo el suyo propio, Freud realizará descubrimientos tan asombrosos como perturbadores, que lo aíslan y lo enfrentan a la comunidad científica. Sólo su mujer, Martha (Susan Kohner), y su inquebrantable coraje le animan a continuar con su búsqueda…

La producción del film no estuvo exenta de dificultades, si bien todas se resolvieron con fortuna. En 1958, Huston acudió a Jean Paul Sartre para que escribiera el guión de ‘Freud’, pero tuvo que ser corregido y finalizado por Charles Kaufman y Wolfgang Reinhardt, al ser Sartre incapaz de reducir un texto que al parecer llegó a superar las 400 páginas (se entiende que una página es, aproximadamente, un minuto de película). Finalmente, el prestigioso filósofo francés quedó tan descontento con el resultado final que pidió que su nombre no apareciera en los créditos, a pesar de que la base argumental y muchas de las soluciones narrativas seguían intactas (como que Cecily represente a tres pacientes reales de Freud). A pesar de que a veces se notan las prisas y los cortes, el guión pudo llevarse un Oscar, siendo una de las dos categorías en las que ‘Freud’ fue nominada (la otra fue por su excelente banda sonora, compuesta por Jerry Goldsmith).

Pero los mayores problemas giraron en torno a Montgomery Clift. El actor, que también había sido protagonista de la película anterior de Huston (la melancólica ‘Vidas rebeldes’; ‘The Misfits’, 1961), arrastraba problemas de salud desde un grave accidente de coche en 1956 (entre otras cosas le desfiguró la cara), que intentaba sobrellevar con alcohol y tranquilizantes. Al parecer, llegó a complicar el rodaje de tal manera que los productores lo demandaron, acusándolo de boicotear la película. Pero Huston sabía a quién tenía entre manos, y logró que Clift respondiera al reto de dar vida a un personaje tan complicado, enmarcando su atormentado rostro en numerosos primeros planos, centrando la mirada del espectador en sus ojos, iluminados siempre por una llama única e irresistible. Cuando la película llegó a los cines y (sorprendentemente) fue un éxito, el representante del actor no perdió la oportunidad para exclamar que todo se debía a la portentosa interpretación de su cliente, llevándose un buen pellizco de las arcas de los productores.

En busca de la luz

Otro de los grandes aciertos de Huston (aunque lo hiciera por inercia) fue acercarse a la figura de Freud de una manera cruda y desmitificadora, presentando a un hombre lleno de dudas, miedos e inseguridades, que tropieza y se equivoca una y otra vez, pero que siempre tiene fuerzas para levantarse y seguir luchando, para continuar su búsqueda de lo que él considera la verdad, por muy dolorosa, vergonzosa y espantosa que resulte. Convertido en algo así como un hábil e incansable investigador de traumas y pesadillas (plasmadas con verdadero acierto, llegando a recordar a las escenas oníricas que Dalí diseñó para Hitchcock), se sigue con gran interés y emoción el complicado trayecto que emprende el protagonista, más aún cuando él mismo se convierte en su mayor enemigo, y su paciente más inquietante.

Quiero terminar este texto aclarando, por si acaso, que a pesar de su interesante temática, de su absorbente (y libre) mirada al origen del psicoanálisis y la figura de Freud, es ésta por encima de todo una película excelente, que además no requiere del espectador ningún tipo de preparación inicial, de conocimientos sobre medicina o psicología, para ser entendida y disfrutada en toda su complejidad. Cualquiera, con el ánimo adecuado, puede adentrarse en la aventura propuesta, como si se tratase de un thriller convencional; con la diferencia de que éste gira en torno a los complicados y recónditos mecanismos de la mente humana, además de poseer una belleza, un apasionamiento y una osadía arrebatadoras. Salvo pequeñeces disculpables, una auténtica joya del séptimo arte.

Siempre estaremos juntos. Hasta el infinito… y más allá.

(Buzz Lightyear)

Desde hace años, Pixar ilumina el panorama cinematográfico, y es tal la diversión y la emoción que nos proporcionan sus películas, que es difícil no caer en la tentación de endiosar el (enorme) talento y la (indiscutible) creatividad de sus autores, sus técnicos y sus creadores. La gran suerte de los productos de la factoría Pixar es que tienen al gigante Disney a su servicio, y de esta manera llegan a todas partes, cada estreno se convierte en un gran acontecimiento que funciona como un imán para todos los públicos; la gran suerte para nosotros es que, para variar, estas costosas películas que están destinadas a arrasar en taquilla están hechas también para llegar al corazón de los espectadores, son frutos de cuidadísimos procesos cuyo fin es el de ofrecer el mayor, más bello y más emocionante espectáculo posible. Dicho de otra forma: crear clásicos.

Tras joyas como ‘Ratatouille’, ‘WALL·E’ y ‘Up’, resultaba en principio un tanto decepcionante, o al menos desconcertante, la llegada de ‘Toy Story 3’. Si las secuelas de exitosas primeras partes ya suelen bajar el listón, las terceras partes sólo consuman el descenso creativo, llegando a resultar normalmente la entrega más floja e innecesaria. Eso por lo general. Ya con ‘Toy Story 2’ el estudio Pixar nos demostró que no tenían ningún interés en sacar una continuación simplemente por hacer caja (algo que pudo ocurrir, Disney estuvo preparando una tercera parte muy diferente, sin Pixar), por lo que no era descartable que volvieran a sorprendernos. Y así ha sido. ‘Toy Story 3’ es la aventura más asombrosa, emocionante y arrebatadora que ha creado Pixar hasta el día de hoy, sin duda alguna, es su mejor película, la más completa y admirable.

Aventura sin límites

Desde el mismo arranque, ‘Toy Story 3’ apuesta por la aventura, trepidante, mágica, desatada, sin límites. La primera secuencia es un prodigio; un espectáculo apabullante en el que participan los juguetes protagonistas, encarnando las personalidades que su dueño, Andy, eligió para ellos, formando dos equipos rivales que se enfrentan a muerte en una batalla de ingenio insuperable. El segmento sirve no sólo para dejar al espectador con la boca abierta nada más empezar (la aparición de cada juguete va acompañada de un suceso imprevisto, con un ritmo imparable), también es una manera fantástica de volver a presentarnos a Woody, Buzz y compañía, recordando el inicio de ‘Toy Story’, hace 15 años (un adelanto a lo que será el final), permitiéndonos de paso comprobar de qué forma ha avanzado la tecnología, hasta rayar la perfección. Igualmente, el prólogo es un claro homenaje a la imaginación, a la fantasía, al cine. ¿Acaso cuando juega un niño, no está representando una ficción comparable a una película?

Tras esa maravilla asistimos, a través de un inteligente montaje simulando momentos grabados con una videocámara casera, al crecimiento de Andy, hasta llegar al momento actual, cuando está a punto de ir a la universidad, y debe desprenderse de una vez por todas de sus preciados juguetes. Ahí arranca verdaderamente la trama principal de ‘Toy Story 3’, la primera película orquestada en solitario por Lee Unkrich, co-director de ‘Toy Story 2’ (1999), ‘Monstruos, S.A.’ (‘Monsters, Inc.’, 2001) y ‘Buscando a Nemo’ (‘Finding Nemo’, 2003). En esta tercera entrega, la misión de Woody (Tom Hanks en la versión original) será la de convencer a Buzz (Tim Allen) y los demás que todavía pueden ser útiles para Andy, que acepten vivir en el desván en lugar de retirarse a la guardería Sunnyside; no le hacen caso, pensando que su dueño quería tirarlos a la basura, y acaban atrapados en una auténtica prisión liderada por un rencoroso peluche que huele a fresa. Cuando descubre lo que ocurre en la guardería, Woody no fallará a sus amigos y se lanzará al rescate.

Además de comparar el juego infantil con el séptimo arte, el niño como creador/director y los muñecos con los actores (a Woody le llegan a preguntar si ha estudiado arte dramático), hay también numerosas referencias cinematográficas, así como necesarios y entrañables guiños a las anteriores entregas de la trilogía ‘Toy Story’ (la más honesta y exigente de la historia). En esta tercera parte encontramos homenajes al western (el atraco en el ferrocarril), Indiana Jones (la aparición de Woody), Superman (Buzz alzando el tren), la ciencia-ficción (la nave del cerdo), el subgénero carcelario (la rutina y la fuga de Sunnyside), el de mafias (Lotso y su banda, su “familia”), ‘Pretty Woman’ (el desfile privado de Ken), ‘Mi vecino Totoro’ (la criatura de Miyazaki es uno de los nuevos juguetes), ‘Star Wars’ (hay una escena sacada claramente de ‘El retorno del jedi’)... Así, ‘Toy Story 3’ no es sólo un canto a la amistad y un gozoso entretenimiento, también es una sincera declaración de amor por el cine. Y lo genial es que no decae nunca, todo fluye de forma natural, como si no hubiera guión, ni director, ni montaje, ni puesta en escena, ni banda sonora; como si de verdad estuviésemos asistiendo a la maravillosa odisea de unos personajes que sólo desean volver a casa, juntos.

Es digno de elogio cómo los guionistas de ‘Toy Story 3’ (están acreditados John Lasseter, Andrew Stanton, Lee Unkrich y Michael Arndt) no se olvidan de ningún juguete, todos tienen importancia en la trama, a pesar de la cantidad de novedades que se sacan de la manga para este grandioso capítulo final (también es cierto que hay importantes ausencias, aclaradas con elegancia y tristeza al comienzo del film). A todos los personajes se les saca partido, se juega con todas las piezas del tablero, y lo increíble es que a pesar de haber visto a los protagonistas en dos películas, aún hay margen para la sorpresa (el Buzz Lightyear español es antológico). Entre las novedades, ninguna innecesaria o forzada, las más sobresalientes son las del metrosexual Ken (voz de Michael Keaton), el mono vigilante, el coche-teléfono (Teddy Newton) y el temible Lots-O’-Huggin’ Bear, alias Lotso (Ned Beatty).

Adiós, amigos

Mi compañero Alberto Abuín me avisó cuando le dije que iba a ver ‘Toy Story 3’: “Prepárate para llorar”. Ayer hablaba con otro amigo cinéfilo, alias Snake, y cuando le pregunté qué le había parecido lo último de Pixar me respondió: “¡Lloré como un niño!”. Efectivamente, la película de Lee Unkrich logra devolvernos a nuestra infancia, nos hace sentir como niños otra vez, así que cuando toca decir despedirnos de los juguetes, es prácticamente imposible evitar las lágrimas. Es un duro adiós a lo que fuimos, a la pura diversión de cuando éramos pequeños; un adiós a nuestros compañeros de juego, a nuestros inseparables amigos. No creo exagerar afirmando que el tramo final de ‘Toy Story 3’, desde la (impresionante) secuencia del basurero hasta el último plano anterior a los créditos (un cierre redondo), es uno de los más emocionantes jamás vistos. Cine en estado puro, que se ha visto recompensado con excelentes críticas y una recaudación impresionante (ya es la película animada más taquillera de la historia). A día de hoy es la mejor película de Pixar y la mejor película de este 2010. Ya vimos a una directora ganar un Oscar, puede que el siguiente paso sea premiar como se merece al cine de animación.

• En Blogdecine:

‘Día y Noche’, la joya de Pixar que precede a ‘Toy Story 3’

‘Toy Story’, y la animación cambió

‘Toy Story 2’, cuando las secuelas son maravillosas

‘Toy Story 3’, ¿dónde dejé mis viejos juguetes?

‘Toy Story 3’, los juguetes vuelven a atrapar el corazón de adultos y niños

Mira, todo se está derrumbando. ¡Te estoy borrando y soy feliz!

(Joel)

Por esta costumbre tan nuestra de cambiar los títulos, e inventarnos otros que a veces no tienen nada que ver con el original, se da la peculiar circunstancia de que llega a resultar molesto hablar a otras personas sobre algunas películas que le encantan a uno, siendo preferible no hacerlo, o simular por un rato que se tiene mala memoria, y referirse a ellas por otros elementos característicos (nunca la traducción española). El segundo largometraje del francés Michel Gondry tiene un título maravilloso, pero en lugar de llamarlo ‘La eterna luz de la mente impoluta’ (‘Eternal Sunshine of the Spotless Mind’, extraído de un poema de Alexander Pope) aquí lo conocemos por ‘¡Olvídate de mí!’, pues se pensó que así se atraería a más público, vendiéndolo como una comedia romántica en la que Jim Carrey y Kate Winslet (entre otros) se enamoran y nos hacen reír.

Bueno, más o menos. De hecho, el aspecto que me parece mejor retratado en el film no es nada divertido, al revés, es de lo más triste; me refiero a cómo está plasmado el lado amargo del amor. Cuando estaba preparando mi lista particular de las diez mejores películas de la década, a finales del año pasado, tenía muy claro que debía incluir ‘Olvídate de mí’, porque cuando la volví a ver, me volvió a emocionar, seguía tan fresca, auténtica, lúcida e imaginativa como cuando la experimenté por primera vez, si no más. Empiezan los títulos de créditos, al ritmo de la versión de Beck del tema ‘Everybody´s Got to Learn Sometime’, y no puedo evitarlo, se me pone la piel de gallina y me rindo por completo a Gondry, Carrey y Charlie Kaufman, autor de uno de los guiones más brillantes de la historia del cine.

Almas encontradas

Podría morir ahora mismo, Clem. Estoy… feliz. Nunca me he sentido así antes. Estoy exactamente donde quiero estar.

(Joel)

Uno de los grandes aciertos del film es no empezar por el principio de la historia (aunque eso no lo sabemos aún). Vemos a Joel (Jim Carrey) despertándose con dolor de cabeza, como con resaca. Se viste y sale, descubriendo que su coche tiene un importante golpe en la parte delantera. Llega a la estación de tren y, sin saber por qué, cambia de andén y entrando por los pelos en uno de los vagones (fantástica escena, Carrey tiene que hacer verdaderos esfuerzos para atravesar la puerta). Luego le vemos en la playa, mirando por la ventana de una casa abandonada, haciendo dibujos en la arena y mirando el océano, tiritando y maldiciendo su gran fortuna al visitar Montauk (Nueva York) en invierno. Con pocos trazos, el comportamiento errático, su aspecto desaliñado y esas gruñonas reflexiones en off (”San Valentín es un día festivo inventado por las compañías de tarjetas de felicitación para que la gente se sienta como la mierda“), ya conocemos a Joel, ya parece nuestro amigo (o nuestro reflejo).

Es el momento de que entre en escena la otra protagonista, Clementine (Kate Winslet). Se ven por primera vez (o eso cree Joel) en la orilla, luego en un restaurante, donde Clementine ya saluda a Joel (éste se hace el despistado y se lamenta por enamorarse de la primera mujer que le dedica un poco de atención), y de nuevo en la estación, mientras esperan el tren de vuelta. Ella está decidida a hacerse notar, pero él se resiste a responder; hasta que ya sentados dentro de un vagón prácticamente vacío no hay escapatoria y empiezan a hablar. Se inicia así una maravillosa conversación entre ambos (con diálogos tan incómodos y naturales que parecen improvisados en la misma escena), en la que se van deslizando más guiños que sólo comprenderá el espectador más adelante (que Joel no conozca la canción ‘Oh my darling Clementine’), como el detalle de las páginas arrancadas del cuaderno, que los dos se hayan encontrado en el mismo lugar o que ella esté segura de haberle visto antes, en la librería donde trabaja.

De la misma manera que entendimos a Joel en poco tiempo, captamos enseguida cómo es Clem. No se calla, dice lo que piensa, y es impulsiva, se fía de sus tripas. Sentía curiosidad por ese tipo de aire amargado, y no dudó en acercarse a él. Ambos tienen personalidades muy diferentes, lo que al principio provoca algún malentendido (sí tienen en común que son muy susceptibles, fruto de fuertes desengaños sentimentales, algo que no se explica pero se capta), que se evapora porque se caen bien, se atraen. Superan las dudas y Clem invita a Joel a su casa. Pasan un rato juntos, él se marcha a casa y la llama en cuanto atraviesa la puerta. En unos minutos ya son las dos personas más alegres del planeta. Quedan a la noche siguiente y la pasan viendo las estrellas (otra escena deliciosa, con la constelación inventada). Al amanecer, Joel se queda embobado mirando cómo duerme Clem; finalmente la despierta, pero ella le dice que se va a vivir con él. Un instante después aparece Patrick (Elijah Wood) y el relato da un sorprendente giro.

Las cenizas de la pasión

Clementine: “Y en tu pequeño cerebro, estás intentando averiguarlo: ¿habrá follado con alguien esta noche?”

Joel: “No, Clem. Asumo que has follado con alguien esta noche. ¿No es así como consigues caer bien a la gente?”

Transcurridos unos dieciocho minutos, empiezan a pasar los títulos de crédito, mientras vemos a Joel llorando, desconsolado, conduciendo a través de una noche lluviosa. Da la sensación de que se ha dado un salto adelante en la narración, a un momento en el que todo ha acabado entre Clem y él, y esto es así, pero en realidad el salto es al pasado, como comprenderemos más adelante. Joel llega a casa, se toma unas pastillas y cae dormido. Es entonces cuando conocemos a Patrick y Stan (Mark Ruffalo), cargando con un extraño equipo electrónico entran en el apartamento de Joel, como si fuera algo acordado. Éste parece despierto, tumbado en su cama, pero ya ha empezado a soñar, a recordar, a distorsionar la realidad y confundirla. A través de su mente retrocedemos aún más en la historia, y presenciamos una escena en la que Clementine besa a otro chico justo delante de Joel, a quien trata como si jamás lo hubiera conocido.

Así es como llegamos a la escena en la que todas las incógnitas anteriores empiezan a resolverse. Joel habla sobre lo ocurrido con su hermana y su cuñado (David Cross, el impagable Tobias de ‘Arrested Development’) y descubre que Clem le ha borrado de su vida. Literalmente. Lacuna Inc. es una compañía que ofrece a sus clientes la fantástica posibilidad de suprimir los recuerdos que desee, para superar traumas y poder seguir viviendo como si nada triste les hubiese sucedido. Herido, desesperado, Joel acude a Lacuna y decide hacer lo mismo, iniciando un intenso y doloroso viaje en el que, para eliminar a Clem de su cabeza, debe antes revivir todo lo que compartió con ella. De esta forma asistimos a un resumen de la aventura de estos dos personajes (imposible no sentirla propia), cómo se conocieron (la primera vez), cómo se enamoraron, cómo vivieron juntos momentos mágicos, cómo fueron felices… y cómo empezó a torcerse su relación, a cansarse el uno del otro, hasta llegar a un punto en el que les resultaba insoportable la compañía del otro.

Don Fabrizio Salina, el protagonista de ‘El gatopardo’, definió el amor de una manera seca y contundente: “Fuego y llamas un año, cenizas durante treinta”. En ‘Olvídate de mí’ también tiene cabida esta visión amarga que expone el personaje al que dio vida Burt Lancaster en 1963 (y a la que me refería en el segundo párrafo de este texto). Más tarde o más temprano, de una forma más o menos pronunciada, una vez que empiezan a desvanecerse las embriagadoras esencias del enamoramiento, es (o parece) inevitable que empiecen a surgir en la pareja, por mucho que se amen, pequeñas fisuras, que con el paso del tiempo tienden peligrosamente a agrandarse, con el riesgo de provocar una distancia insuperable, que puede conducir fácilmente al desprecio y el odio. Lo avisa Clem al poco de conocer al enamoradizo Joel: “Llegará un momento en el que encontrarás cosas que no te gusten de mí, y me aburrirás y me sentiré atrapada“. Así sucede. En un primer momento esa mujer es absolutamente perfecta para Joel; pero pasa el tiempo y algunas de sus particularidades comienzan a irritarle, volviéndose borde y malhumorado, cínico, llegando a provocar una situación insostenible.

Una conexión mágica

¿Somos como esas parejas que ves en los restaurantes? ¿Somos los muertos que cenan?

(Joel)

La idea que da la película, o al menos la que he encontrado (quizá porque la comparto), es que esta fractura que surge en la relación se debe a que inevitablemente cada parte se vuelca en la otra, alterándola, por lo que uno acaba viendo en la otra persona sus propios defectos, inseguridades y errores; con el paso del tiempo se acaba la ilusión y el engaño, el modo en el que somos y el que amamos se termina relevando ante nuestros ojos, y eso puede resultar (en muchos casos) difícil de aceptar. Dicho esto, no puede concluirse que el guión apueste por la imposibilidad de mantener vivo el amor. Difícil, pero no imposible. Mientras que otras parejas de la película se rompen (por construirse sobre mentiras), la conexión única y verdadera que se establece entre Joel y Clem es tan poderosa que resiste incluso el borrado de memoria; están destinados a encontrarse siempre, pase lo que pase. Es una idea romántica y fantástica que así plasmado, no resulta increíble. También puede entenderse esto como una especie de triste bucle eterno, uno se merece al otro y eso sólo conduce al sufrimiento (o sea, a repetir el proceso); hay margen para los dos puntos de vista.

A hacer creíble lo increíble contribuye, cómo no, unos actores muy implicados, muy metidos en la ficción, ofreciendo la mejor versión de sí mismos (inmensos Carrey y Winslet). Gondry también está especialmente inspirado (es su mejor película hasta la fecha) con el libreto de Kaufman, ganador de un Oscar y escrito a partir de una idea del director y su amigo Pierre Bismut. El relato permite a Gondry dar rienda suelta a su imaginación y su poderío visual, al tener que lidiar con las numerosas escenas soñadas, recordadas y alteradas por Joel, a lo largo de esa implacable limpieza cerebral. Escenas resueltas con gran ingenio, en las que sólo se recurre a los arreglos informáticos cuando es necesario (la caída del coche en esa calle sin fin o la destrucción de la casa), resolviéndose muchas de ellas con una hábil puesta en escena, junto a arreglos fotográficos y artesanales. Todo funciona con fortuna en esta bellísima, sincera y melancólica historia de amor.

Clementine: “Se acabó, Joel. Todo desaparecerá muy pronto”.

Joel: “Lo sé”

Clementine: “¿Qué hacemos?”

Joel: “Disfrutarlo”.

‘Origen’ (‘Inception’, 2010, Christopher Nolan) sigue siendo el número uno de la taquilla americana a pesar de haber descendido bastante en su recaudación. Steve Carell se queda un poco por debajo de ella con el remake ‘La cena de los idiotas’ (‘Dinner for Schmucks’, 2010, Jay Roach), versión americana de la desternillante ‘La cena de los idiotas’ (‘Le dîner de cons’, 1998, Francis Veber) y que personalmente dudo mucho que hayan sido capaces de superar. Críticas más o menos aceptables y el público votante en la IMDb parece satisfecho. Aquí la veremos en nuestros cines a partir del 10 de septiembre.

‘Como perros y gatos: La venganza de Kitty Galore’ (‘Cats & Dogs: The Revenge of Kitty Galore’, 2010, Brad Peyton) es la secuela de un film que creo hemos olvidado todos y el presente corre el mismo destino. Críticas bastante malas y más de lo mismo con el público votante para esta historia de perros, gatos y espionaje. El 20 de agosto en nuestros cines.

‘Siempre a mi lado’ (‘Charlie St. Cloud’, 2010, Burr Sters) es una historia de amor, drama y fantasía protagonizada por Zac Efron secundado por Kim Basinger y Ray Liotta en el que imagino habrá que tirar de los cleenex. Las críticas han sido penosas y el público votante la aprueba sin más. En España no se estrena hasta el 30 de diciembre, cuando todo el que esté interesado ya la habrá visto.

Vía | IMDb

Pixar no tiene rival. Bueno, quizá sería más correcto que Pixar, con el apoyo de Disney, no tiene rival. Como era de esperar, ‘Toy Story 3’ ha llegado por fin a España y ha arrasado en taquilla. No son números espectáculos los que ha logrado, pero hay que recordar la fecha en la que estamos y luego mirar lo que han conseguido otros títulos. Tras unas semanas realmente ridículas, que tuvieron su momento culminante cuando ‘Marmaduke’ se convirtió en la película más vista del país (durante dos semanas seguidas), la gente se va animando y los cines empiezan a ver recaudaciones más dignas.

El segundo estreno fuerte del pasado viernes (en realidad ‘Toy Story 3’ ya llevaba dos días en cartelera) era ‘Pesadilla en Elm Street: El origen’, el remake de uno de los iconos del cine de terror. La nueva versión, producida por Michael Bay y protagonizada por Jackie Earle Haley, llegaba como alternativa a la aventura animada de los juguetes, pero se ha visto eclipsada por la película de los estudios Pixar, que está hecha para todos los públicos y además se ha estrenado en salas 3D. La pesadilla de Bay consiguió una media de 4.100 euros por sala; la tercera entrega de Toy Story se fue a los 6.400.

Por lo demás, cabe destacar el fuerte descenso de las dos películas que ocupaban los primeros puestos del “top ten” la semana pasada, ‘Shrek: Felices para siempre’ y ‘Noche y día’, que pierden un 60% y un 40% de espectadores respectivamente. En cuanto a novedades, sobresale el enésimo batacazo de una producción española, esta vez ‘El diario de Carlota’, que se ha estrenado en el séptimo puesto con una media de 750 euros por sala, y la pobre recaudación de ‘Las vidas posibles de Mr. Nobody’, que con apenas 40 copias casi no entra entre los diez títulos más vistos. Es de lo mejor que ha llegado a nuestro país en meses (y en años), así que si tenéis la suerte de que la proyectan en alguna sala de vuestra localidad, no dejéis pasar la oportunidad.

PD: El próximo viernes se estrenan ‘El equipo A’, ‘Niños grandes’ y ‘Splice: Experimente mortal’, entre otras. No creo que inquieten mucho a los juguetes.

Datos | BoxOffice.es

A pesar de haber recaudado una cifra bastante aceptable en su primer fin de semana, ‘Salt’ (id, 2010, Phillip Noyce) no ha sido capaz de desbancar a ‘Origen’ (‘Inception’, 2010, Christopher Nolan) del primer puesto de la taquilla. Hablamos de un film de acción al estilo de Jason Bourne —eso es buena señal— e interpretado por Angelina Jolie, a la que le encanta meterse de vez en cuando en un film de estas características. En ‘Salt’ la actriz da vida a una agente de la CIA que es acusada de ser una espía rusa, y a partir de ahí todo son tiros, persecuciones y explosiones. La crítica no la trata mal y el público votante parece lo suficientemente contento. Por estos lares se estrenará el 20 de agosto.

‘Ramona and Beezus’ es un film infantil que adapta las novelas de Beverly Cleary. Aventuras estudiantiles destinadas a los adolescentes menos problemáticos. Dirige Elizabeth Allen, la responsable de aquel bodrio titulado ‘Aquamarine’, así que avisados estamos. Críticas aceptables y público votante satisfecho sin más. ¿Fecha de estreno en nuestro país? No lo sé ni me importa.

Vía | IMDb

Exacto, ‘Avatar’ vuelve a los cines. 20th Century Fox y James Cameron van a exprimir al máximo la azulada gallina de los huevos de oro, una superproducción que se convirtió en el título más taquillero de toda la historia a una increíble velocidad, superando a ‘Titanic’, algo que parecía ya imposible. ‘Avatar’ se reestrena en Estados Unidos el próximo 27 de agosto, solamente en salas 3D e IMAX; en España se podrá ver de nuevo un poco después, a partir del 17 de septiembre.

Cabe destacar que la película no vuelve a los cines tal cual se estrenó en su momento. El gancho es que se trata de una “edición especial”, con 8 minutos más de metraje (dos más de los previstos inicialmente), una maniobra más habitual del mercado doméstico, donde nos intentan vender la misma película de mil maneras diferentes. En el tráiler para la televisión de esta ‘Avatar: Edición especial’ (‘Avatar: Special Edition’), que tenéis arriba, pueden verse algunos de estos nuevos momentos, inéditos hasta ahora; la verdad, espero que sea algo más que ver a los Na´Vi tocando más plantas luminosas (se rumorea que se verá algo más del encuentro sexual, o “unión de coletas USB”, entre los dos protagonistas). Lo cierto es que el vídeo está muy bien montado y dan ganas de volver a ver el film en pantalla grande. Lástima que sólo pueda verse en 3D.

Escrita y dirigida por James Cameron, ‘Avatar’ gira en torno a Jake Sully (Sam Worthington) un ex-marine confinado a una silla de ruedas que es reclutado para viajar a Pandora, donde se está extrayendo un mineral que será clave en la solución de la crisis energética de la Tierra; debido a la atmósfera del planeta, se ha creado un programa en el que “conductores” humanos tienen sus conciencias unidas a un avatar, un cuerpo biológico controlado de manera remota que puede sobrevivir en ese entorno. A continuación os dejo el cartel del reestreno, muy sencillito, creo yo que se lo podían haber currado un poco más. Y bueno, ¿queda alguien que no haya visto la película aún?

PD: He aquí una forma diferente de sacar dinero, David Lynch, sin tener que mendigar. Puedes reestrenar otra edición de ‘Dune’. O mejor, sacar una versión alternativa de ‘Terciopelo azul’; ‘Terciopelo rosa’, con canciones de Miley Cyrus, y los rostros de los protagonistas sustituidos digitalmente por los de Katherine Heigl y Robert Pattinson. Es una idea.

Vía | Impawards

Cerca está el estreno español de ‘Airbender: El último guerrero’ (‘The Last Airbender’, 2010, M. Night Shyamalan), la película con la que el director parece meterse de lleno por primera vez en el cine de gran presupuesto y lleno de efectos visuales. Como ya sabéis las críticas americanas han sido desastrosas, y el público no está muy contento en general. Algunos hablan de soberana tomadura de pelo, y nadie ha parecido destacar nada de una película que sin ser un superbombazo taquillero ya lleva recaudados más de cien millones de dólares sólo en suelo yanqui. Mientras un servidor espera impaciente el estreno de la nueva obra de uno de los pocos genios actuales en el cine estadounidense, me llama la atención alguna de las polémicas que van surgiendo alrededor de la figura de Shyamalan y en concreto de su último trabajo.

En un rueda de prensa del film, una periodista cometió la insensatez de hacerle una pregunta a Shyamalan en la que poco menos le decía que era un vendido. La respuesta del director es antológica, pocas he visto insultar a alguien con tanta educación. Creo que la noticia merece comentarse, pues sí es cierto que Shyamalan últimamente está siendo atacado por varios sectores de crítica y público, bastante injustamente a mi parecer. Una rueda de prensa no es el sitio ideal para hacer preguntas concienzudas, de acuerdo —aunque yo ya he visto hacerlas con mucha inteligencia—, pero jamás debe meterse la pata con un artista de esta forma.

Algunos estarán de acuerdo con la periodista. Yo después de ver el vídeo aplaudo al señor Shyamalan. Ya está bien de tanto incompetente en las ruedas de prensa.

Vía | LIBRECINEFILO

• 1. ‘Toy Story 3’
• 2. ‘Two Lovers’
• 3. ‘The Cove’
• 4. ‘Kick-Ass’
• 5. ‘La última estación’
• 6. ‘Madres & Hijas’
• 7. ‘Londo River’
• 8. ‘La vida privada de Pippa Lee’
• 9. ‘Anvil: El sueño de una banda de rock’
• 10. ‘Villa Amalia’

Del mismo modo, Pixar ha encadilado a los usuarios, y eso que aún le queda un buen recorrido en salas a ‘Toy Story 3’. Pero las puntuaciones muestran que ha gustado mucho y se alza con el número uno. En cuanto alr resto del top, comentar que desaparecen las veteranas Alicia y Robin, que ya están viejunos y dejan paso a títulos recientes que escalan puestos con las votaciones. Aquí tenéis vuestro top de esta semana:

• 1. ‘Toy Story 3’ (9,4)
• 2. ‘The Cove’ (8,3)
• 3. ‘Madres & Hijas’ (8)
• 4. ‘Two Lovers’ (7,6)
• 5. ‘Kick-Ass’ (7,5)
• 6. ‘Air Doll’ (6)
• 7. ‘Prince of Persia: Las Arenas del Tiempo’ (5,5)
• 8. ‘Shrek: Felices para siempre’ (5,3)
• 9. ‘Eclipse’ (4,3)
• 10. ‘Villa Amalia’ (3)