La semana pasada mi compañero Jesús León nos trajo una lista con sus diez tráileres favoritos. Si yo hiciera una, definitivamente el que os traigo en esta entrada estaría en ella, es el mejor avance que he visto en mucho tiempo. Imposible no emocionarse ante el bellísimo tráiler de ‘The Tree of Life’, el nuevo y esperado trabajo de Terrence Malick (‘La delgada línea roja’, ‘El nuevo mundo’). También ha aparecido un nuevo cartel de la película, mucho más elaborado y sugerente que el anterior, aquel flojito teaser que vimos el mes pasado. La mala noticia es que todavía queda mucho para que llegue a los cines, tiene previsto su estreno el 27 de mayo, tras una más que probable presentación en el festival de Cannes.

Escrita por Malick, ‘The Tree of Life’ gira en torno a la vida de Jack, el hijo mayor de una familia norteamericana de la década de los 50, un viaje a través de la inocencia de la juventud y la decepción de la edad adulta, mientras Jack intenta corregir la complicada relación con su padre. La película está protagonizada por Brad Pitt, Sean Penn, Jessica Chastain, Fiona Shaw, Kari Matchett, Joanna Going y Jackson Hurst, entre otros.

Actualización: La película se estrena en España en septiembre con el título ‘El árbol de la vida’.

PD: Tras echarle un segundo vistazo… ¿no parece que en el póster falta el resto del bebé?

Vía | Impawards

Me siento agradecido y me inspira que nuestros caminos finalmente se hayan cruzado.

Así de feliz se ha mostrado el señor Steven Spielberg mientras anunciaba junto a Stacey Snider, una de los directivas de DreamWorks, que Daniel Day-Lewis será el protagonista de ‘Lincoln’, un proyecto del que se viene hablando desde hace varios años. Siempre se dijo que Liam Neeson sería el rostro del decimosexto presidente de los Estados Unidos de América, pero este pasado verano el actor informó que ya no estaba vinculado al proyecto, parece que cansado de esperar. Aunque se habló de un retraso indefinido, de una producción maldita que no vería la luz, Spielberg no se ha rendido y no ha tardado mucho en encontrar a un sustituto para Neeson. Y menudo sustituto, uno de los mejores actores del planeta.

Escrita por Tony Kushner (nominado al Oscar por ‘Munich’ y ganador del Pulitzer), la película se basa en el libro ‘Team of Rivals’ de Doris Kearns Goodwin (también galardonado con el Pulitzer) y se centra en los conflictivos e importantes años de la presidencia de Lincoln en los que se produjo la abolición de la esclavitud (1863) y el final de la guerra civil (1865). El fichaje de Day-Lewis (ganador de dos Oscars) confirma que veremos ‘Lincoln’ próximamente; si no surgen más problemas, el rodaje comenzará a finales de 2011, con la esperanza de un estreno para el año siguiente. Recordemos que Spielberg está trabajando en su nuevo film, ‘War Horse’, que Harrison Ford ha confirmado que ‘Indiana Jones V’ está en camino, y que en 2012 tiene previsto emprender el rodaje de ‘Robopocalypse’. Veremos si le da tiempo a cumplir con todo.

PD: Gracias a todos los que nos habéis avisado.

Vía | ComingSoon

I´m in lesbians with you.

(Scott Pilgrim)

A falta de descubrir los resultados de la encuesta sobre cine y cómic, creo que todos estamos más o menos de acuerdo en que las adaptaciones más fieles, las que más se ciñen al relato en el que se basan, no se corresponden con las mejores películas; dicho de otro modo, trasladar al cine una obra (ya sea un cómic o una novela), con el mayor respeto, manteniendo su esencia, no debe significar esclavizarse a ella. Sin embargo, desde que Robert Rodriguez apostara por adaptar ‘Sin City’ a la gran pantalla, calcando la fotografía, el aspecto de los personajes, los encuadres, los diálogos…, en definitiva, calcando viñetas, otros se han apuntado a hacer lo mismo, pensando que es la mejor opción posible. Tiene sus ventajas, desde luego, por un lado te ganas a los fans de la obra (si son numerosos no conviene enfadarlos) y por otro, tienes parte del trabajo casi hecho, nada que ver con adaptar una novela, donde solo puedes jugar con las palabras y tu imaginación.

‘Scott Pilgrim contra el mundo’ (‘Scott Pilgrim Vs. The World’) es otra adaptación que trata de trasladar un cómic lo más fielmente a la pantalla, hasta el punto de incluir las onomatopeyas (como en la serie de Batman de los años 60) e incluso algunas viñetas intactas. Edgar Wright, director y co-autor del guión (junto a Michael Bacall), se aferra desde la primera escena a la obra original creada por Bryan Lee O´Malley, siguiendo la acción de los tres primeros volúmenes de la serie (el último se publicó este mismo año) prácticamente al pie de la letra; durante gran parte del film se tiene la sensación de estar leyendo el cómic. Scott Pilgrim (Michael Cera) es un vago veinteañero que toca el bajo en un banda de rock llamada Sex Bob-Omb. Al poco de comenzar una relación con Knives Chau (Ellen Wong), que aún va al instituto, Scott conoce a Ramona Flowers (Mary Elizabeth Winstead), literalmente la chica de sus sueños. El problema, aparte de tener que cortar con Knives, es que salir con Ramona no es nada fácil, sus siete exnovios controlan su vida sentimental y no son nada amistosos.

Sin menospreciar lo más mínimo el gran esfuerzo ni el ingenio que supone su uso, queda claro una vez más con ‘Scott Pilgrim contra el mundo’ que gracias a los avances técnicos, lo menos complicado a la hora de adaptar un cómic es copiar su apariencia, su estética y sus imágenes. Lo difícil es captar la esencia, la vida de la obra, eso que la hace especial, por lo que merece la pena dejarse llevar, y a partir de ahí crear un relato cinematográfico. Por supuesto, no hay una fórmula, no hay una sola manera de hacerlo, y trasladar ilustraciones a la pantalla no es necesariamente una mala idea, un recurso fácil, cobarde o erróneo; puede que sea exactamente lo que pide esa historia en ese momento. Además, por pura lógica, si se está adaptando al cine un cómic, éste contendrá imágenes atractivas y situaciones imaginativas, por lo que resulta absurdo prescindir de ellas.

Relacionado con la esencia, que por definición no es algo físico, o sea comprobable, hay un aspecto importante en las adaptaciones que resulta igualmente conflictivo (y tampoco medible) en el que considero que Edgar Wright se equivoca por completo al narrar la historia de Scott Pilgrim: el ritmo. Suele ocurrir que por querer abarcar todo lo que se narra en una obra, con todo lujo de detalles, se obtiene una película descompensada, amorfa, que avanza de manera atropellada y que no permite algo esencial como es pararse a contemplar, a entender y vivir en ese universo ficticio. Algo que sí permite un libro o un cómic. Así ocurre a veces que la adaptación resulta fácil de digerir para los conocedores de la obra original, al procesar una información que ya conocía previamente, mientras que para los demás puede suponer una experiencia molesta, ver una película que intenta emocionar con escenas que no han sido preparadas adecuadamente y personajes que apenas han sido presentados.

Wright traslada todo lo que puede a la pantalla (cuando podría haber quitado villanos) y lo hace de manera tan veloz que hay veces que uno no llega a asimilar lo que se le está contando; no obstante su mayor error es que no es capaz de mantener el ritmo, acelera y ralentiza la narración de forma brusca, torpe, saltando de una situación a otra de manera apresurada, más preocupado por llamar la atención con los efectos visuales y los detalles nostálgicos que por los personajes y sus conflictos. En este caso, el cineasta puede permitirse el lujo de avanzar con rapidez por una historia muy sencilla, en la que no es posible perderse, pues a grandes rasgos ha sido contada millones de veces, no hay ninguna necesidad de leer ni una página del cómic. Básicamente, el cómic es “chico conoce a chica”, y Wright lo respeta, pero no comprende el fondo, no se da cuenta que en las singularidades está la gracia del relato, y al hacer la historia más convencional, quitando detalles y aplanando personalidades, la hace menos interesante.

Como en sus anteriores largometrajes, (‘Zombies Party’ sigue siendo su mejor trabajo) el realizador inglés cubre el expediente romántico con prisas y desgana, porque su deseo es mezclar acción, chistes y referencias culturales de manera explosiva, componer un trepidante cóctel cinematográfico que no dé respiro al espectador. Y ocurre que llega a cansar, porque Wright abusa demasiado de un limitado repertorio de soluciones visuales, por lo que acaba resultando un producto repetitivo; son menos de dos horas, pero ‘Scott Pilgrim contra el mundo’ llega a parecer interminable, curiosamente a partir de que agota el cómic y tiene que volar por sí mismo. Dicho esto, hay que reconocer que Wright acierta en gran medida recreando el universo de Scott Pilgrim en una película que (como señalaba mi compañero Alberto Abuín) se nutre de los recursos del cómic y el videojuego (Mario Bros.), y que saca partido a un extenso y fantástico reparto, destacando sobre todo las divertidas interpretaciones de Michael Cera, Kieran Culkin, Alison Pill, Chris Evans, Brandon Routh, Jason Schwartzman y Thomas Jane (cameo estelar). Apuntaba más alto, pero entretiene.

El director californiano James Ivory (Berkeley, 1928), de ascendencia europea, saltó a la fama internacional en 1985 con ‘Una habitación con vistas’ (‘A Room with a View’), adaptación de la novela homónima de E. M. Forster, entre otras cosas porque fue nominada a ocho premios Oscar. Y desde entonces, con mayor o menor fortuna, pasó algunos lustros dirigiendo ese tipo de películas de “prestigio” que tanto gustan a los americanos. Proyectos de época, de cuidada ambientación y reparto británico (las más de las veces), que si no ganaban el Oscar a mejor película, por lo menos conseguían el de mejor dirección artística o vestuario, y que estaban hechas con dinero americano. Un cineasta que, pese a su pericia, conocimientos y buena dirección de actores, nunca me ha apasionado, pues sus temas y su estilo desprenden una frialdad y una asepsia recalcitrantes. Y sin embargo, en 1993 dirigió una maravilla titulada ‘Lo que queda del día’ (‘The Remains of the Day’), probando una vez más que hasta el cineasta menos estimulante y más irregular te puede presentar una joya imperecedera.

‘Lo que queda del día’ (el título literal sería ‘Los restos del día’) es una adaptación extraordinaria de la no menos extraordinaria novela de Kazuo Ishiguro, un novelista nacido en Nagasaki, pero cuya familia se trasladó a Inglaterra en los años sesenta, y que desde 1982 posee nacionalidad británica. Esta fue su tercera novela, en la que evidencia un conocimiento pasmoso de la historia y las costumbres de su país de adopción. El guión de la también novelista, y frecuente autora de los guiones de Ivory, Ruth Prawer Jhabvala exprime y convierte en imágenes la intrincada y bella literatura de Ishiguro para que Ivory, en inusitada plenitud, convierta ese guión en un filme verdaderamente excepcional, el mejor de toda su carrera con grandísima diferencia, que justo un año después de la muy sobrevalorada ‘Regreso a Howards End’ (‘Howards End’, 1992), un buen ejemplo de cine superficial que va de profundo, que no anticipaba en nada la belleza de ‘Lo que queda del día’, un relato sobre lo irrecuperable del tiempo perdido, sobre el desperdicio de una vida sacrificada y desperdiciada.

A grandes rasgos, la cosa va de un anciano mayordomo que inicia un viaje de descubrimiento interior, cuando decide viajar para reencontrarse con cierta persona, y mientras viaja recuerda los años que pasó trabajando con ella, ya que mientras él era el primer mayordomo de Darlington Hall ella era el ama de llaves, y aunque estaba enamorado de ella nunca le dijo nada. Es la apasionante premisa de un filme que en un principio iba a dirigir Mike Nichols, pero que afortunadamente se retiró de esa responsabilidad para figurar solamente como productor, siempre detrás de la pareja profesional y vital de Ivory, el inglés de origen hindú Ismail Merchant, que es el verdadero productor e impulsor del proyecto. Una adaptación nada fácil, con todo, cuidada hasta el más mínimo detalle, filmada en impresionantes localizaciones de los más bellos parajes ingleses, y bajo la que late una nostalgia y una melancolía más susurradas que mostradas, y que por eso causan mucha más mella en el espectador.

Los sentimientos reprimidos del mayordomo

De la larga y desigual carrera de Anthony Hopkins, el papel del mayordomo Stevens es fácilmente uno de sus tres o cuatro más perfectos y sobrecogedores. Creo que muy pocos actores en el mundo hubieran podido dar vida a un personaje tan reprimido, tan impasible, y sin embargo tan atormentado en su interior. No es que Hopkins haga sospechar al espectador de los verdaderos sentimientos de Stevens de manera sutil, con una mirada o un tenue gesto. Es que Stevens, en todo el segmento del pasado, los enormes flash-backs que constituyen el eje de la historia, no deja traslucir absolutamente nada. Es un sujeto pétreo. Pero de ahí se deducen su soledad, su admiración por el ama de llaves, su frustración. Comportarse de manera inconmovible es su forma de ser, y mostrarse como una roca hasta en la tragedia de su padre o ante las lágrimas de la señora Kent, acontecimientos ante los que cualquiera reaccionaría, demuestran, por omisión, y con ella de una forma más nítida y dolorosa, su angustia anímica.

A su lado, Emma Thompson está en el papel de su vida. Esta magnífica mujer y actriz no es que esté perfecta como la señora Kent. Es que es la señora Kent de los pies a la cabeza, y hay momentos fugaces que hacen estremecer, instantes inimaginables en los que acompaña a Hopkins: el primer encuentro entre ambos, la excepcional secuencia del libro en que ella lo acorrala contra la pared, la despedida, la secuencia con ella llorando detrás de la puerta, la escena final bajo la lluvia… James Ivory se vuelve un artista excepcional narrando esos rescoldos, esos despojos o restos del día, en los que los trabajadores tienen ocasión de ocuparse de su vida privada, de conocerse un poco, siquiera de hablar o de fumar un cigarro. Pasa el tiempo y no ocurre nada, y no se puede recuperar ese tiempo. El tema de la película, sin duda, es que por escaso tiempo propio del que dispongamos, por muchos errores que se cometan, hay que hacer algo en el presente antes de que se convierta en pasado.

Darlington Hall, la enorme mansión, y sus verdes alrededores, son un personaje más de esta película. Como un ser vivo. Cada habitación, estancia, pasillo y puerta, cada mueble, color, moldura o textura, se queda grabada a fuego en la retina, como debe ser en un lugar de trabajo que además es residencia para los miembros del servicio del gran Lord. Interpretado con gran talento por James Fox, Lord Darlington es un ser patético, entrañable y trágico, que se hunde en la miseria por apoyar a los nazis antes de la Segunda Guerra Mundial, pero que a pesar de todo contará con la lealtad inquebrantable, indestructible, de Stevens. Y por esa lealtad, en la sublime forma del sacrificio, quizá Stevens pierde la oportunidad de ser feliz por primera vez en su vida. En su sometimiento voluntario a Darlington (la mansión y el amo), Stevens se muestra de mayor altura moral, de igual manera que en su silencio inflexible con la señora Kenton se muestra más digno y más valiente que ella, autoproclamada como una cobarde.

La magistral dirección de fotografía de Tony Pierce-Roberts, que propone un viaje en el tiempo sin fisuras; el exacto y bellísimo diseño de producción de Luciana Arrighi, que reconstruye dos épocas pasadas; la evocadora música de Richard Robbins, tan persistente como la personalidad de Stevens; la pausada y sosegada, bajo la que palpita una tensión casi insostenible, puesta en escena de Ivory, hacen de este filme algo irrepetible. Nominada a ocho Oscar, no ganó ninguno. Ese año triunfó ‘La lista de Schindler’ (‘Schindler’s List’, Steven Spielberg, 1993), que es una buena película. Pero ese año competían esta obra maestra, y ‘La edad de la inocencia’ (‘The Age of Innocence’, Martin Scorsese), y ‘Tierras de penumbra’ (‘Shadowlands’, Richard Attemborough), sobre las que hablaremos muy pronto, muy superiores todas ellas a la película ganadora.

Secuencia predilecta

Mi favorita es el alto en el camino que efectúa Stevens en su viaje para reencontrarse con la señora Kent. En ese alto, en el que Stevens duerme en una de esas preciosas posadas inglesas, ocurren tantas cosas que no se dicen, Hopkins desvela parte del dolor que durante tanto tiempo le ha atenazado… que siempre que la veo una inexplicable pesadumbre me deja sin respiración. Es la secuencia de un hombre que ha sido prisionero de sí mismo y de su pasado y que sabe que tiene la última oportunidad de enmendarlo todo. Más belleza no se le puede pedir al cine.

‘Unknown’ es el título definitivo de un thriller previamente conocido como ‘Unknown White Male’, que está protagonizado por Liam Neeson. Pero como el bueno de Neeson últimamente se mete a rodar cualquier cosa (en Sitges se pudo uno de sus mayores errores, la insufrible ‘After.Life’), quizá lo más llamativo de esta producción es que se trata del nuevo trabajo del director español Jaume Collet-Serra, un año después de haber filmado ‘La huérfana’ (‘Orphan’), una película muy entretenida, sobre todo si la comparamos con lo que intentó hacer Luis Berdejo, ‘La otra hija’ (‘The New Daughter’). January Jones, Aidan Quinn, Diane Kruger, Frank Langella, Sebastian Koch y Bruno Ganz completan el atractivo reparto de ‘Unknown’ (‘Desconocido’).

Escrita por Oliver Butcher y Stephen Cornwell, a partir de la novela ‘Out of My Head’ de Didier Van Cauwelaert, la película gira en torno al Dr. Martin Harris, un hombre que sufre un aparatoso accidente de coche durante un viaje en Berlín; tras despertar, descubre que su mujer no le reconoce y que otro hombre ha asumido su identidad. Parece que se trata de la típica cinta de acción “made in Hollywood” con un protagonista que debe luchar en solitario (a ratos acompañado por una joven convenientemente ágil, inteligente, guapa y soltera) contra unos tipos que han tramado una complicada conspiración. Echad un vistazo al tráiler, no está mal, pero os recomiendo que no lo veáis entero, a menos que queráis saberlo todo antes del estreno. Por cierto, la película estará en los cines de Estados Unidos el 18 de febrero de 2011.

Actualización: La película se estrena en España con el título ‘Sin identidad’.

PD: Se confirma que Neeson ha aceptado hacer un cameo en ‘The Hangover 2’ (‘Resacón en Las Vegas 2’), después de que hubiera acuerdo con Mel Gibson.

Sin duda, ‘La red social’ (‘The Social Network’) es una de las películas más importantes del año. La crítica (en general) la pone por las nubes, el público parece encantado, lo que le ha proporcionado un considerable éxito de taquilla (costó en torno a 50 millones de dólares, lleva más de 60 en tres semanas), y es una de las claras favoritas para arrasar en la próxima edición de los Oscars. Su principal artífice es David Fincher, el director de ‘Seven’, ‘El club de la lucha’ o ‘Zodiac’, que como tantos otros, empezó su carrera en el mundo de la publicidad y el videoclip. Algo que cualquiera podría adivinar tras ver la que posiblemente sea la mejor secuencia (o al menos una de las mejores) de su última película.

No hay spoilers en el vídeo. Tampoco hay diálogos. La secuencia muestra una competición de remo, en medio de un relato sobre la creación de Facebook y la encarnizada batalla legal posterior. Da la sensación de que es un paréntesis en la película, una pieza que no encaja demasiado con todo lo demás, pero la verdad es que da igual, es una gozada, una maravilla de menos de dos minutos. Lo ideal es verla en el cine, pero imagino que también puede atraer a quienes aún no han ido a ver ‘La red social’, y animarles a dar el paso.

El tema musical es una versión del famoso ‘In the Hall of the Mountain King’, integrada en la banda sonora de la película compuesta por Trent Reznor y Atticus Ross. El trabajo fotográfico es de Jeff Cronenweth, y el montaje de Kirk Baxter y Angus Wall. Los dos únicos protagonistas que aparecen en la escena son Max Minghella y Armie Hammer, que como ya sabréis interpreta a los gemelos Winklevoss (en algunas escenas donde aparecen juntos, su rostro ocupa el cuerpo de Josh Pence). Sin más, poned al máximo los altavoces, pulsad play, y disfrutad.

PD: Si no lo habéis visto, ojo a este impresionante vídeo publicitario de Fincher para Nike. ‘Leave Nothing’:

Grant: “Llegado el momento, no habrá tiempo para sentimentalismos”.

George: “Si vais a construir un mundo sin sentimientos, no quiero formar parte de él”.

La palabra inglesa “single” puede tener más de un significado en español; puede ser “solo” y también “soltero”. En España, ‘A Single Man’ se ha estrenado bajo el título de ‘Un hombre soltero’, lo cual es correcto, pero a mí me parece que (al igual que pasó con ‘A Serious Man’ de los Coen) habría sido más ajustada otra traducción. ‘Un hombre solo’ refleja mucho mejor el espíritu, el tono, de la película que nos llegó el pasado día 12, el primer trabajo cinematográfico del famoso diseñador de moda Tom Ford.

Aunque ha recibido elogios (quizá más por quién es, que por su labor de dirección), no es Ford quien se está llevando los mayores aplausos por este atípico film. Los focos y los premios están siendo para el actor principal, el inglés Colin Firth, ganador de la Copa Volpi en Venecia y del premio Bafta británico por su trabajo, además de uno de los cinco candidatos para lograr el Oscar. A falta de ver a Jeff Bridges por ‘Corazón rebelde’ (dicen que es el favorito), y sin desmerecer el trabajo de los otros tres actores (que están estupendos en sus respectivas películas), creo que Firth debería llevarse la estatuilla el próximo 7 de marzo. No sólo porque su interpretación es memorable, sino porque la película no podría existir sin ella.

Sensacional Firth, impecable producción

Y es que el actor (a quien tuve la suerte de entrevistar con motivo de la aparatosa ‘Cuento de navidad’) ha sabido captar a la perfección lo que exigía el difícil personaje del profesor George Falconer, cuya desolación, tras la muerte de su amante, es el alma de la película. Colin Firth se mete en la piel de Falconer y el resultado es tan verdadero que uno llega a creer que realmente es así, que en su vida privada este hombre debe ser así. Es lo que consiguen los buenos actores cuando están inspirados. Está impecable en el telefilme ‘Conspiracy’, y no he visto todo lo que ha hecho, pero dudo mucho que este actor haya estado mejor, más implicado, más natural, en alguna película anterior.

Basada en la novela homónima de Christopher Isherwood, convertida en un símbolo del movimiento gay, ‘A Single Man’ nos traslada (de forma impecable) a la ciudad de Los Angeles en 1962, en el momento de mayor tensión durante la crisis de los misiles cubanos. La paranoia estadounidense con este hecho queda reflejada en la película con el personaje de Lee Pace, a quien ridiculiza el protagonista, soltando una de las mejores frases del film (el diálogo que he citado más arriba). El trasfondo histórico, la mentalidad y la forma de vida del momento es esencial para poder internarse adecuadamente en el drama del solitario Falconer, quien a pesar de su convincente apariencia se revela como un hombre totalmente destrozado por dentro. Por otro lado, aunque quizá estéis en desacuerdo conmigo, me parece que la película gana mucho situándose en los sesenta, que no sería tan elegante ni atractiva trasladada a la década actual.

A la ilusión de vivir en los sesenta contribuye no sólo el vestuario, el atrezo o los decorados, la película no sería la misma sin la fantástica banda sonora, integrada por la exquisita música original (que podéis escuchar en la web oficial del film) compuesta por Abel Korzeniowski y Shigeru Umebayashi, así como de temas tan populares como el ‘Green Onions’ de Booker T. & The MG´s. Te mete en la película. Desde luego, la particular mirada de un hombre como Ford aporta también algo único al film, donde sobresalen imágenes surrealistas, recuerdos en blanco y negro o planos detalle ralentizados, que pretenden capturar la belleza de lo que le rodea. Este recurso está muy bien empleado para dar a entender cómo el protagonista trata de saborear cada instante, una vez ha tomado la decisión de acabar de una vez por todas con su sufrimiento.

Estereotipos, cerrando el círculo

Pero no es ‘A Single Man’ una película redonda. Como bien apuntaba mi compañera Beatriz en su crítica, Ford cae en una serie de tópicos que empequeñecen su primer trabajo como director. Se cae, y supongo que el problema está ya en la novela, en los estereotipos para componer a la mayoría de los personajes secundarios. El retrato de la época es también poco realista, estilizado, pero este aspecto creo que juega a favor del film, como ya he dicho, y además se puede ver como la manera en la que el protagonista experimenta el mundo. De hecho, toda la última parte (la del profesor y el alumno que interpreta Nicholas Hoult) parece sacada de un sueño, siendo muy similar a su recuerdo de cómo conoció a su amor.

Comparados con el fantástico personaje de George Falconer, los otros resultan mucho menos interesantes. Sólo Julianne Moore, que casi siempre está estupenda, haga lo que haga, consigue dar color, vida e identidad a su Charley, una mujer triste, eterna enamorada del protagonista, eterna frustrada. Después de lo que dije de él con motivo de ‘Watchmen’, va a parecer que le tengo una especie de manía a Matthew Goode, pero igualmente debo decirlo de nuevo: me parece un error de casting. Goode no es mal actor (a su favor diré que en ‘Match Point’ está estupendo), tiene carisma, pero su interpretación aquí carece de autenticidad, al lado de Firth se queda como un principiante que no ha hecho los deberes, que se contenta con salir guapo en la pantalla.

El que todo deba ocurrir en una sola jornada (como en el libro) hace que resulte algo forzado todo lo que le sucede a Falconer en el film (aun contando las horas que no duerme), si bien creo que, de nuevo, hay que tomárselo no de una forma realista, sino más bien como un sueño vivido, una fantasía, en el que el espacio y el tiempo tienen sus propias reglas (los flashbacks y las ensoñaciones del protagonista extienden el horizonte), y donde puedes ver a todas las personas que tienen algo que decir sobre ti, antes de que se acabe y despiertes. El desenlace podría entenderse que va en esta misma línea, aunque a mí personalmente me resultó insatisfactorio. Quizá era el más justo, el más apropiado, pero parece más impuesto por la necesidad de cerrar el relato con un llamativo lazo. A pesar de sus puntos flacos, una película que hay que ver. Excepto los que tengan un problema mental y no sean capaces de tolerar ver a dos hombres enamorados besándose, claro.

‘Shutter Island’ debía haberse estrenado a finales del año pasado, pero los directivos de la Paramount decidieron que ya tenían suficientes candidatas a los Oscars de 2009 (la promoción cuesta dinero) y retrasaron el estreno de lo nuevo de Martin Scorsese para febrero de este 2010. La jugada les ha salido bien porque pudieron presentarla de forma oficial en el prestigioso Festival de Berlín (donde la vio mi compañero Adrián) y dudo mucho que la película hubiese cosechado muchas nominaciones. Además, quizá por la espera, la película ha logrado una fantástica recaudación en taquilla, siendo la de mayor éxito en la carrera de Scorsese y Leonardo DiCaprio.

Pero hablemos ya de la película en sí. Basada en la novela homónima escrita por Dennis Lehane (de quien también se han adaptado ‘Mystic River’ y ‘Adiós pequeña, adiós’), ‘Shutter Island’ nos traslada a 1954 y nos presenta a Teddy Daniels (DiCaprio), un agente judicial que se dirige, junto con su compañero Chuck Aule (Mark Ruffalo), a una pequeña isla donde está situado un hospital psiquiátrico en el que se internan a los enfermos más peligrosos. El motivo del viaje es la misteriosa desaparición de una peligrosa paciente, cuya fuga tiene desconcertados a los encargado de la institución. Nada más llegar a la isla, Daniels, quien esconde la verdadera razón de su implicación en el caso, descubre que no será fácil encontrar a la mujer, ya que nadie parece dispuesto a colaborar con ellos.

Entrando en la pesadilla

Desde la primera escena, se nos muestra que Daniels no está bien. Primero culpa al viaje en barco, está mareado. Habla con su compañero, con quien no había trabajado antes, y se distrae por un momento. Le aclara que es viudo. Un pirómano incendió el bloque de apartamentos donde vivían y él estaba de servicio, no llegó a tiempo. Esto es, Daniels va a la isla en mal estado, tanto físico como anímico. Desde que desembarcan hasta que llegan al portón principal, la siniestra institución es presentada magníficamente con un acompañamiento musical que hiela la sangre (compuesta por Robbie Robertson, colaborador habitual de Scorsese), la 3ª sinfonía (Passacaglia, Allegro Moderato) de Krzysztof Penderecki. La sensación es que Daniels está entrando en el infierno.

En la puerta, le quitan las armas. Allí mandan los vigilantes del centro/prisión. Pronto les presentan al Dr. John Cawley (Ben Kingsley), la cabeza visible de la institución médica, quien desde el principio se muestra reacio a colaborar con los agentes en la forma que éstos demandan. Revisan la habitación donde residía la paciente y Daniels descubre un pedazo de papel oculto en el suelo. “La ley de los 4; ¿quién es el paciente 67?“. Cawley no tiene ni idea de qué significa. Hablan con los empleados y Daniels vuelve a descubrir algo: uno de los guardias no estuvo en su puesto todo el tiempo. Interrogan a un grupo de pacientes y uno de ellos escribe “RUN” (“HUYE”) en la libreta del agente. Los guardias salen a buscar a la desaparecida, pero no hacen nada realmente, porque piensan que ha muerto. Todo es demasiado raro en Shutter Island. Sin duda, algo huele a podrido allí dentro, y Daniels está dispuesto a destaparlo.

La película va pasando de inquietante, tenebrosa, a opresiva, agobiante. Scorsese ha preparado un oscuro y retorcido laberinto en el que el protagonista se va perdiendo cada vez más, incapaz de fiarse de nadie, ni siquiera de su compañero, decidido cueste lo que cueste a resolver el misterio de la paciente y saldar una cuenta pendiente personal, que tiene con alguien que podría estar escondido en aquel lugar. Los cuidados escenarios, la banda sonora, la atmósfera, la puesta en escena, las interpretaciones, todo está perfectamente orquestado para diseñar una implacable tela de araña que atrapa tanto a Daniels como al espectador. ¿Qué es verdad? ¿Qué ocurre allí realmente?

Resolviendo el puzzle

Presentada la institución mental, sus extraños habitantes y los enigmáticos empleados (entre ellos un doctor alemán, interpretado por Max Von Sydow, del que desconfía plenamente Daniels), y con la investigación bloqueada por falta de pruebas, toca centrarse en Daniels. El temporal que azota la isla (lo que hace imposible marcharse de allí) y la atormentada mente del protagonista parecen una misma cosa. Desde que el agente entra en el recinto se siente especialmente violento, vulnerable a las miradas, las palabras y el aire que se respira en Shutter Island. Todo le afecta allí dentro. Y su cabeza es el campo de batalla. Las heridas del pasado vuelven al presente. Recuerda lo que vivió siendo un soldado, recuerda a su amada esposa (Michelle Williams)...

Los sueños poco a poco parecen mezclarse con la realidad. Daniels cree que le están administrando drogas. Sus desconfianzas iniciales van aumentando y pronto sospecha que ha caído en una trampa. Las incontables piezas del puzzle parecen ir encajando, formando una terrible imagen en la que los médicos son los principales enemigos. Daniels está convencido que le han llevado allí para convertirse en el paciente 67 al que se refería la paciente desaparecida… El suspense llevado al máximo. Toca resolver el asunto. Llegamos al clímax… y cuando se descubren las cartas, en mi opinión, ‘Shutter Island’ da un bajón impresionante. Tanto que parece una broma. Pero no, se le empieza a explicar la película al público (recurso burdo donde los haya) y uno va resignándose. Bueno, pues nada. Superado el impacto del jarro de agua fría, la película vuelve a recuperarse. DiCaprio está demasiado enganchado como para dejar que aquello se eche a perder, y los otros actores le siguen. El final recupera el mejor tono del film, acabando en una escena extraordinaria.

En definitiva, es difícil recomendar este film, porque una vez que te descubren el pastel la cosa pierde muchísimo. ‘Shutter Island’ tiene grandes momentos, una atmósfera muy cuidada y un reparto impresionante (todos están estupendos, y es una gozada ver a gente como la citada o a Jackie Earle Haley, Emily Mortimer, Patricia Clarkson y Elias Koteas, aunque su participación sea mínima). Pero el guión de Laeta Kalogridis, en la parte final, hace aguas por todas partes. Sencillamente, una vez resuelto el misterio, todo lo anterior no cada con la resolución, hay demasiadas incoherencias, es como si hubieran intentado hacer dos películas al mismo tiempo y las hubiesen montado a la vez. La verdad, me interesaba más la investigación policial de la isla, con la conspiración y el progresivo descenso al abismo de Daniels, que todo en lo que se convierte después la película. Pero bueno, hay que aceptarla como es, con sus aciertos y sus errores. ¿Lo mejor de Scorsese-DiCaprio? No, sigue siendo ‘Infiltrados’.

Apenas tiene veinticuatro años y está acaparando una gran atención internacional. Su trabajo en ‘An Education’ no ha pasado desapercibido y acumula un buen número de premios, pero lo que es más importante, que muchas miradas se fijen en ella y vean el talento que tiene y el gran porvenir que le espera.

Nominación al Globo de Oro, al Oscar, premio Bafta,... son algunas de las credenciales que se ha ido ganando gracias a una película británica que casi de puntillas se ha colado en los grandes premios del mundo del cine de este año. Su trabajo en ‘An Education’, dirigida por Lone Scherfig, ha logrado esa catapulta que necesitan muchas actrices para ponerse en primera plana.

Al margen de lo meritorio de su trabajo y de los premios, Carey Mulligan aparenta tener madera de la gran actriz que puede llegar a ser. Destila dulzura, encanto, elegancia y un aspecto ochentero llamativo (también gracias a la caracterización de su papel). Tanto que muchos la comparan, por su aspecto, con la gran Audrey Hepburn. Lo cierto es que ha conseguido encandilar a buena parte de la crítica con su sencillez, ingenuidad y ese aspecto frágil que muestra en la cinta. Por cierto, tiene cierta similitud, no en lo físico, pero sí en cuanto a repercusión, con Ellen Page, que logró elevar a ‘Juno’ a película de enorme consideración por su gran papel, a pesar de no ser una gran estrella.

Pero, mientras tanto, hay recordar que Mulligan, a pesar de su corta trayectoria, ya ha participado en importantes producciones como en ‘Orgullo y prejuicio’, donde hacía de la joven Kitty, compartiendo cartel con otra británica mucho más popular como Keira Knightley.

Fue su salto al cine, aunque anteriormente ya había cosechado cierta experiencia en el mundo de la televisión. Trabajando para la BBC en la serie ‘Bleak house’, y participado en otras series como ‘My boy Jack’ o ‘Agatha Christie Marple: The sittaford mistery’. Como buena actriz británica también ha pisado los escenarios teatrales para curtirse, interpretando ‘La gaviota’, una adaptación de la obra de Anton Chéjov.

Pero no se puede negar que este año ha sido cuando ha emergido de forma notable, primero con ‘Enemigos públicos’ y posteriormente en ‘The greatest (El mejor)’, película que pasara desapercibida por las carteleras. Aunque parece claro que con ‘An Education’ va a lograr extender su popularidad más allá de las tierras británicas.

Tanto ha despertado el interés de muchos cineastas, que incluso el mismísimo Oliver Stone cuenta con ella para la secuela de ‘Wall Street’, en lo que supondrá su salto a Hollywood a lo grande. Aunque antes la veremos en ‘Brothers’, un drama bélico junto a Tobey Maguire, Jake Gyllenhaal y Natalie Portman, dirigido por Jim Sheridan y que aún no ha pasado por las carteleras españolas.

Carey Mulligan, con su aspecto elegante, su sonrisa encantadora y una luminosidad propia de las estrellas, ya causa sensación fuera de los rodajes, gracias a su elegancia. Madera de estrella, sin duda. Y consiga finalmente el Oscar a la mejor actriz o no (cosa que parece difícil ya que Sandra Bullock parte como clara favorita), ella ya ha ganado, ha gustado y no deja de recibir elogios.

El ahora muy de moda Cormac McCarthy ha logrado tener la mejor de las adaptaciones de una de sus novelas con ‘The Road’, plasmación cinematográfica del libro de idéntico título —en nuestro país ‘La carretera‘— que narra la desesperada lucha por sobrevivir de un padre y su hijo de corta edad en un mundo post apocalíptico sin futuro alguno. El que haya leído la novela se encontrará con un tratamiento muy fiel de la misma, y el que no pensará que estamos ante una nueva ‘Soy leyenda’ (‘I Am Legend’, Francis Lawrence, 2007) que a tenor de los tráileres vistos es como parece que intentan venderla. Pero ‘The Road’ va mucho más allá que las versiones realizadas sobre el popular relato de Richard Matheson con el que de McCarthy puede guardar no pocos parecidos.

Estrenada entre nosotros a principios del presente mes, uno de sus aspectos más discutidos es su final, el cual para algunos no tiene demasiada coherencia con el resto de la película. Al igual que en el libro lo tachan de romper el tono pesimista del relato con una conclusión aparentemente feliz o de cierta mirada esperanzadora. Sin embargo el cierre del film creo que es muy coherente con el discurso de la película y no se trata de una concesión al espectador, si no que se disfraza de ello para plantearnos inquietantes interrogantes.

‘The Road’ está ambientada en un mundo post apocalíptico en el que el hombre se ha convertido en un lobo para sí mismo. Un hombre y su hijo vagan por una carretera en pos de un horizonte bañado por un mar que devuelva algo de sentido a sus vidas. No hay más, la película gira alrededor de esa premisa mostrándonos el día a día del hombre y su hijo. Muchos han acusado al film de que en éste no pasa absolutamente nada o prácticamente muy poco, y lo cierto es que pasan muchas cosas. No sólo asistimos al viaje de los dos protagonistas recorriendo paisajes desoladores que no cambian. También vemos, mediante un flashback, como el apocalipsis llega en un abrir y cerrar de ojos, los motivos no importan, sólo llega. Vemos la lucha incansable de un hombre por mantenerse con vida, teniendo que hacer todos los días un esfuerzo sobrehumano por no rendirse, al contrario de lo que hizo su mujer dejándolos solos. Y vemos sus encuentros con otros semejantes de los que no pueden fiarse, o con los que no pueden cargar. Las alegrías de un mundo que ya no existe vienen de refrescos burbujeantes probados por primera vez, o en forma de comida almacenada. El resto es el horror.

En todos y cada uno de los pasos que los personajes dan, es el personaje del hombre —impresionante Viggo Mortensen, en la que muy probablemente sea la mejor interpretación de su carrera— quien toma todas las decisiones rigiéndose por unas normas inquebrantables. El niño —un muy convincente Kodi Smit-McPhee— sólo observa y obedece a regañadientes, sus actos innatos de comportamiento con otros semejantes son rechazados por un padre que conoce el terror real, y no es hasta el final de la película cuando el niño se ve obligado a tomar una decisión por sí solo, sin ningún tipo de influencia paterna. Pero es que además ‘The Road’ ilustra el viaje de dos muertos, aunque éstos no lo sepan. El mundo tal y como lo conocemos es irrecuperable, la mayor parte de la humanidad ha sido extinguida y entre los que quedan la cosa se divide entre caníbales y muertos a corto o largo plazo.

La muerte del hombre dejando al niño solo frente a un mar de horizonte oculto, no es un desenlace, es una parada más en el camino, esta vez para soportar lo inevitable. El viaje del hombre ha terminado, el del niño comienza pero para ello deberá decidir. O se queda solo o se une a sus nuevos amigos, que no se han acercado a él hasta que el hombre ha muerto —signo del mismo miedo y cautela que sentía el personaje de Mortensen— e incluso cuando lo hacen es con un arma en la mano. Queda para la duda de si los nuevos amigos, esa extraña familia unida con perro y todo, tienen buenas intenciones o no, y aunque se sugiere que es lo primero, bien podría no serlo. Al niño le queda un camino tan incierto como el que ha recorrido hasta ese momento y ese final no hace más que reforzarlo. Dejarlo más claro sería rendirse ante aquellos que lo quieren todo masticado, o terminar con el niño solo frente al mar esperando la inevitable muerte sería por un lado, adelantar innecesariamente lo que sin duda ocurrirá, y por otro, molestar al espíritu de François Truffaut.

Parece mentira que ‘The Road’ no haya obtenido ni una sola nominación a los Oscars, pero podría haber aspirado tranquilamente a las de mejor película, mejores actores y unas cuantas a nivel técnico, como por ejemplo el soberbio trabajo de Javier Aguirresarobe, que fotografía un mundo árido, acabado y sin vida. Su trabajo está muy por encima del de John Hillcoat que confía demasiado en el excelente material del libro, un poco más de garra y personalidad por parte del director convertirían a ‘The Road’ en la obra maestra que pide a gritos ser.

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