La film de animación de Hayao Miyazaki, ‘Nausicaä del valle del viento’ (‘Kaze no Tani no Nausicaä’, 1984), se reestrena mañana viernes, 7 de mayo, en cines. Por el momento, se podrá ver sólo en Madrid y Barcelona —donde se le ha hecho coincidir con Salón del Cómic— y, posteriormente, la copia se proyectará en cines en otras ciudades. Además, a partir del 30 de junio, estará a la venta en DVD y, cuando Ghibli dé su luz verde, aparecerá también en BD. El reestreno está motivado, no sólo porque en nuestro país no hubiese sido distribuida en salas en su momento; sino también porque era imprescindible, por varios motivos, ofrecer al público una versión restaurada.

El más importante era que las copias que aparecieron para vídeo doméstico a mediados de los ’80 contenían un remontaje sensiblemente más corto y que modificaba la historia original. En las oficinas de New World Video, en EE. UU., el guionista y productor Carl Macek recortó la película e inventó un doblaje para convertir la compleja propuesta de Miyazaki en una historia más infantil y accesible. Sus intenciones podían ser buenas, sin embargo, la pretensión de aligerar una película como ‘Nausicaä’ era desmesurada, ya que, por mucho cambio que se hubiese hecho, no se habría convertido jamás en un film fácil para los niños. Y porque, en su duración normal de 116, ‘Nausicaä’ es, de por sí, una pura condensación de contenidos, al tratarse de una adaptación de un manga de mayor extensión. A esta versión reducida se le dio el nombre de ‘Warriors of the Wind’, del cual surgió el título ‘Guerreros del viento’ que llevó la edición en VHS para España, cuyo doblaje partía ya de las modificaciones estadounidenses.

Cuentan que una de las principales modificaciones radicó en eliminar todo lo que concernía a los Oms —u «ohms» en la transcripción inglesa—, esos gigantescos bichos-bola de numerosos ojos. Tal como se ven en la película original, son seres que se pueden comportar de forma negativa, pero que no son malvados de por sí, sino que tienen motivos para actuar de esa forma o están confundidos por lo que se descubrirá al final del film. Es habitual en Miyazaki que ningún personaje albergue anhelos nocivos, aunque pueda parecer vil durante algún tiempo y, aunque esto se llegaba a percibir, al eliminar explicaciones, la definición de los Oms quedaba muy pobre.

Si estáis maldiciendo a Macek, guardad vuestras energías, pues dejó este mundo el 17 de abril de 2010 a causa de un paro cardíaco, a los 58 años de edad. Su labor ha sido tan controvertida que los dos apodos que recibía eran «El padrino del anime» y «El anticristo del anime». Se le hace responsable de que comenzasen a popularizarse los animes en Estados Unidos y eso es como decir en el mundo entero, por lo que, visto así, habría que decir que le debemos mucho. Pero su modus operandi con respecto a la animación japonesa consistió siempre en hacer remontajes de películas y capítulos y modificar los guiones para adaptarlos a las costumbres audiovisuales occidentales.

Tanto atrevimiento motivó la indignación de Miyazaki, quien comenzó una férrea política de distribución que hizo imposible la exportación de sus películas durante décadas. Cuando ‘La princesa Mononoke’ llegó a Disney, venía acompañada de una advertencia muy clara: «nada de recortes». Sólo las distribuidoras dispuestas a respetar por completo la obra del japonés obtendrán licencia para comercializar sus productos. A mediados de los 2000, la Disney compró los derechos para algunas áreas geográficas y comenzó a reeditar las películas en DVD. En España, como ya os comuniqué, la distribuidora Aurum es quien ha conseguido la confianza de Miyazaki y se está encargando, por fin, de restablecer el respeto que merecían estos animes.

Se rumorea, además, que la versión de ‘Nausicaä del valle del viento’ que se distribuyó en España en VHS —o de ‘Guerreros del viento’, mejor dicho— técnicamente también había sido un desastre. Al parecer, existieron problemas con el paso del sistema de vídeo que se utiliza en Japón: el NTSC, al que tenemos en España: PAL. El primero tiene un ratio de 30 fotogramas por segundo, mientras el segundo se acerca más al ratio cinematográfico, con 25. Al hacer la conversión, no se modificó el ratio y se produjo una ralentización casi imperceptible, pero que deslucía la calidad del sonido. Se especula que el telecine —paso de cine a vídeo— tampoco había sido el idóneo, por lo que la imagen se había visto igualmente deteriorada.

Ghibli se fundó gracias a ‘Nausicaä’

Desde 1963, Hayao Miyazaki estuvo trabajando como animador en productoras como Toei Animation, A-Pro o Zuiyo Pictures, una filial de Nippon Estudio, donde participó en ‘Heidi’ y ‘Marco’. A finales de los ’70, debutó como director en la serie ‘Conan, el niño del futuro’ y el largometraje ‘Lupin III: El Castillo de Cagliostro’. A lo largo de estos años, colabora en muchas otras producciones.

A comienzos de la década de los ochenta, Miyazaki ya tenía en la cabeza hacer sus propias películas y a lo grande, pero no le resultaba fácil lograr financiación. Tenía muchas ideas, que ya desde aquella época tocaban los temas que hoy consideramos como sus constantes: la ecología, el amor por todos los seres vivientes… Uno de los personajes que tenía en mente era el de una princesa, valiente y sensible, que se inspiraba ligeramente en la mitología griega y cuyo nombre proviene de un personaje secundario de ‘La odisea’.

Cuando la revista Animage le encargó que crease el manga ‘Nausicaä del valle del viento’, lo curioso es que su primera reacción fue la de firmar un contrato en el que dejase bien claro que, si le surgían proyectos como animador, abandonaría la serie —el trabajo de mangaka no era su vocación principal—. Asimismo, establecía que su creación para el papel nunca se adaptaría a cine o televisión. Más adelatne confesaba que «cuando la productora Animage me propuso hacer el manga, decidí escribir la historia de mi Nausicaä. Estaba a punto de retirarme del mundo del manga ya que no me consideraba muy buen creador; pero la tentación de hacer una Nausicaä a mi gusto fue demasiado fuerte. Desgraciadamente, me di cuenta de mis limitaciones a medida que avanzaba el trabajo, y me está costando muchos sufrimientos desarrollarlo…».

El manga comenzó a publicarse en 1982 y tuvo tal éxito que, en seguida, le ofrecieron convertirlo en un cortometraje, a lo cual se negó en un principio, como establecía su contrario y porque consideraba que no sería nada fácil adaptarlo. Tras mucha insistencia, cedió, ya que aquella era su oportunidad para dedicarse a lo que le gustaba, pero siempre con sus condiciones: tendría total libertad creadora. De esta forma, el proyecto fue aumentando y acabó por convertirse en el largometraje que ahora alcanza nuestras pantallas.

El guión de la película se aleja sobremanera del libreto del manga, ya que, por un lado, éste no estaba terminado —siquiera en la mente de su creador— cuando se realizó el film, pues siguió publicándose hasta 1994. Y, por otro lado, debido a que el material no se ajustaba igual a un largometraje tan cómodamente como a historietas seriadas, como Miyazaki se temía. Fue una dura tarea, que el japonés recuerda como un auténtico sufrimiento, y es que ya conocemos su afán perfeccionista.

El estudio Ghibli nació gracias a ‘Nausicaä’: Miyazaki había conocido a Isao Takahata, director y productor, ya en Toei Animation y desde entonces habían seguido trabajando juntos. En estos momentos, ambos buscaban un proyecto para dirigir y producir, respectivamente. Se embarcaron en ‘Nausicaä’ y, de esta colaboración, surgió el ímpetu para forma una productora, a pesar de que esta producción no fue muy rentable y estuvo plagada de obstáculos.

Concluiríamos, por lo tanto, que ‘Nausicaä del valle del viento’ merecía un nuevo estreno por el maltrato que había recibido en su momento y también por lo que significa históricamente: sin ella, quizá no habríamos podido disfrutar de ninguna película Ghibli.

Vía | Anime News Network, Hernán J. González web, entre otros.

Este tráiler va a hacer las delicias de muchos de vosotros, estoy seguro. ‘Machete’ es la extensión del fake tráiler que apareció en esa cosa llamada ‘Grindhouse’ que contenía las películas —si se les puede llamar así a esos dos engendros— ‘Planet Terror’ de Robert Rodriguez y ‘Death Proof’ de Quentin Tarantino. Danny Trejo en un papel principal de una película que va camino de convertirse en objeto de culto, aunque cuando este tipo de cosas se huelen antes de su estreno no suele acabar bien el asunto. Robert Rodriguez es capaz de hacer películas muy aceptables —‘Abierto hasta el amanecer’ (‘From Dust Till Dawn’, 1996)— y luego memeces de gran calibre cuyos títulos me niego a escribir. Aquí está ayudado en la dirección por el montador Ethan Maniquis.

‘Machete’ gira en torno a un ex-agente federal que inicia una sangrienta venganza contra sus jefes tras haber sido traicionado. A Trejo le acompaña una espectacular reparto formado por Michelle Rodriguez, Jessica Alba, Robert De Niro, Lindsay Lohan, Cheech Marin, Jeff Fahey, Steven Seagal, Don Johnson y Rose McGowan. Tiros, persecuciones, mutilaciones, coches, tías buenas de armas tomar, explosiones y mucho más es lo que promete este divertido avance del film.

‘Machete’ se estrena el 3 de septiembre en los USA.

Vía | Viva Hollywood

‘Celda 211’

Éxito sublime del más reciente cine español. Buena dirección, buenos diálogos, buenos actores, buenos personajes. Muchos premios Goya (hasta 8) que la han encumbrado en la mejor película española del año y que, curiosamente, también coincide con el gusto de los espectadores que han acudido a las salas para comprobar las bondades de Daniel Monzón con esta excelente cinta.

Por supuesto, ‘Celda 211’ se lanza en múltiples ediciones para todo tipo de públicos y bolsillos. Muy recomendable la Edición Especial de 2 discos con material adicional a tener en cuenta: tráilers, audiocomentarios, documental, dibujos del Morao y un muy atractivo storyboard para los más curiosos. En la edición en Blue-ray, también podemos encontrar el Making Of y el Diseño de Producción. Todos atentos, el próximo día 5 Paramount la pone a la venta (y para los fans comentar que han preparado un evento especial en la Fnac de Callao en Madrid, y se pueden hacer preguntas al director vía Facebook).

Críticas en Blogdecine:

• ‘Celda 211’, fuerza bruta
• ‘Celda 211’, el corazón de la bestia

• Goya 2010: ‘Celda 211’, qué grata sorpresa

‘Número 9’

9 es una película de animación llena de acción y fantasía, que transcurre en un futuro cercano. Y explora con gran dinamismo el ansia de vivir, el poder de una comunidad y cómo el alma puede cambiar el mundo. Película curiosa bajo la producción de Burton y Bekmambetov que pasó casi de puntillas por la cartelera y que ahora, gracias a su lanzamiento, en DVD y Blu-ray, puede recuperarse para los que no tuvieron oportunidad. El material adicional no es desdeñable: escenas inéditas, El largo o el corto, el aspecto de 9, 9: el corto original, entre otros. Y también viene en una edición Coleccionistas con libro incluido. Sale a la venta el día 6 de mayo.

Críticas en Blogdecine:

• Muñecos de trapo muy vivos, y vivos que parecen muñecos de trapo

• Sitges 09 | Séptima jornada (y II) | ‘9’ y ‘Panique Au Village’, animación interesante, guiones flojísimos

‘Amelia’

Una película que también ha pasado (aún más) sin pena ni gloria por la cartelera española y que ahora intentará conseguir posibles espectadores. Su gancho: una historia épica, de una legendaria mujer, protagonizada por Hilary Swank, que incluye romance y aventura. Swank comparte cartel con Richard Gere, Ewan McGregor, Christopher Eccleston y Joe Anderson. Un gran reparto, una producción bien cuidada pero, esta cinta dirigida por Mira Nair, no cosechó demasiado interés del gran público. A mi compañero Juanlu le pareció un gran fiasco.

El contenido adicional del DVD tampoco es para tirar cohetes: escenas eliminadas, cómo se hizo, El poder de Amelia Earhart y poco más.

‘Spanish Movie’

Otra cinta española que causó cierta sensación a su llegada a las salas. El intento de hacer una comedia paródica del reciente cine español con un reparto tan curioso como atractivo: Joaquín Reyes, Michelle Jenner, Carlos Areces, Chiquito de la Calzada y la aparición estelar de Leslie Nielsen. Una película que también cosechó críticas duras pero que llegó la sanas intenciones de arrancar sonoras carcajadas. El DVD que ahora nos llega posee algunos extras que pueden aumentar el interés de su adquisición:

• Videoclip Alameda Dosoulna: “Spanish Song”
• VFX
• Leslie Nielsen vs. Chiquito de la Calzada
• Los lunes alcohol
• El maquillaje del fauno
• Filmografías
• Galería fotográfica
• Tráilers
• Entrevistas

• Audiocomentario del director Javier Ruiz Caldera con Joaquín Reyes y Paco Cabezas

‘Miss Marzo’

Comedia picarona que cuenta la historia de un joven (Cregger) que despierta tras un coma de cuatro años para descubrir que su virginal novia de secundaria (Alessi) se ha convertido en una exitosa modelo de playboy. Junto a su pervertido amigo deciden atravesar el país para llegar a la editorial y recuperar a su chica. No obtuvo repercusión cuando se estrenó en salas hace casi un año. Cierto es que el reclamo está demasiado manido y se antoja un poco desfasado, pero seguro tiene su público. Los extras no parecen suficientemente atractivos como para lanzarse convulsivamente a su compra.

‘Minority Report’

Buena excusa el Blu-ray para recuperar esta cinta de Spielberg protagonizada por Tom Cruise. Recordemos su sinopsis: durante seis años, Washington D.C. se ha visto libre de asesinatos gracias a una sorprendente tecnología que identifica a los asesinos antes de que cometan su crimen. El jefe de la Unidad Pre-crimen (Cruise) es acusado de un futuro asesinato, y sólo dispondrá de 36 horas para descubrir quién le ha tendido la trampa, o será victima del sistema “perfecto” que él mismo ayudó a crear.

Además de poder apreciar los efectos especiales a 1080p, hay contenido extra para satisfacer a los fans: guía interactiva, varios documentales (sobre Philip K. Dick, desde el set,...), entrevista a director y protagonista, storyboards, tráilers, galería de conceptos de producción… Bastante completo, desde luego.

En Blogdecine: Steven Spielberg: ‘Minority Report’, un mundo sin libertad

‘Camino a la perdición’

Película de culto para muchos, este título dirigido por Sam Mendes y protagonizado por Tom Hanks posee muchos fans. Ahora, el lanzamiento de la edición Blu-ray seguro invita a muchos a recuperar esta intrigante y bella cinta de 2002.

La historia es magnífica, no cabe duda: Él no debería haber estado allí. Pero en el momento en el que el hijo de Michael Sullivan presencia un brutal asesinato, las vidas de este niño de 12 años y de su padre, gángster, quedan alteradas irrevocablemente y sus destinos unidos para siempre. Perseguido ahora por la banda a la que ha dedicado su vida, Sullivan y su hijo se encuentran en un lugar sin salida, bajo el asedio implacable de un sádico asesino. En esta lucha por proteger la vida de su hijo, el gángster descubrirá el verdadero valor del honor.

Por supuesto, el contenido extra también es apetecible: comentarios del director, Una vida de cine: el Arte y la influencia de Conrad Hall y escenas eliminadas con comentario opcional del propio Sam Mendes.

Vía | ZonaDVD

“Iré contigo a Alderaan. Ya no me queda nada aquí. Quiero aprender los caminos de la Fuerza y convertirme en un Jedi como mi padre”

– Luke

Los clásicos rótulos amarillos nos ponen un poco en situación. Una situación de tiranía absoluta en toda la galaxia, a la que se opone un grupo de rebeldes. Ya desde el comienzo, los rebeldes son los buenos y los imperiales son los malos. Estamos en el terreno más básico de folletín de aventuras, sin el menor complejo ni la menor vuelta de hoja. Las letras amarillas se pierden en el espacio, hay una clásica panorámica hasta encontrar un planeta en primer término, y somos testigos de la primera de muchas batallas galácticas. Una nave intenta zafarse de otra muchísimo más grande que ella, que la acaba fagocitando, por así decirlo.

Pero antes conocemos a los primeros personajes, que son dos droides (los famosos C3po y R2d2), los primeros que hablan. El alto y dorado es un quejica y un llorón, mientras que su bajito acompañante habla un lenguaje binario incomprensible, que sin embargo es explícito en sus emociones. En cuanto los soldados imperiales entran en la pequeña nave, se desata una batalla campal de rayos láser. Los rebeldes tienen las de perder, y de la humareda de los disparos emerge una figura enorme y oscura, con un extraño casco y larga capa. Es imposible imaginar cómo debió ser la recepción de estas imágenes en el público, aquel lejano verano de 1977.

Lo primero y más importante que desprenden estas imágenes iniciales son su sencillez y desverguenza, su absoluta entrega a la aventura más primaria. De tal forma, los viejos arquetipos (el malvado opresor, la valiente princesa, los secundarios cómicos) funcionan con inusitada pureza clásica. No hay, por el momento, profundidad psicológica. Los diseños interiores de las estructuras tecnológicas son soberbios, aunque se percibe cierto aire setentero en las caracterizaciones y en algunos recursos lumínicos. Y es imposible abstraerse de la influencia inicial de ’2001, una odisea del espacio’ en algunos planos.

Carrie Fisher clava a Leia Organa en cada enfrentamiento verbal con Vader, aunque la limitada dirección de actores de Lucas (que no mejorará con los años) limita un poco su capacidad interpretativa. A Lucas se le da mucho mejor el montaje y la planificación, que son excelentes. Y como escritor no tiene prisa en ir contándonos acontecimientos: los droides llegan a Tatooine y, tras una larga discusión, se separan. Las cortinillas de diversos formatos comienzan a hacer acto de presencia para pasar de una secuencia a otra. Sea como fuere, ambos droides terminan en manos de los jawas, que se dedican a venderlos a terceros. El destino, o la providencia, o la fuerza, determina que acaben en manos de la familia Skywalker.

Un joven hambriento de aventuras

Lo cierto es que todo este bloque inicial es bastante lento. Observamos con todo detalle a los droides compañeros de viaje de C3po y R2d2, y hasta empezamos a temer por su destino. Conocemos, eso sí, por fin, a los Skywalker, y el bello tema musical que oímos en cuanto Beru llama a su sobrino (“¿Luke?”) ya le señala como el atípico protagonista de la historia. Luke es un muchacho aparentemente huérfano y soñador, aburrido de la vida en la granja con sus tíos, que espera algo más de la existencia que pudrirse en medio del desierto. El habitualmente denostado Mark Hamill clava a este adolescente melancólico, en el que fue su debut para el cine. Podemos percibir con total nitidez su soledad y su frustración juvenil.

Con su atuendo casi totalmente blanco, y su aspecto de no haber roto un plato en su vida, Luke es el perfecto “don nadie” que ha de demostrar lo que tiene de especial en su interior, porque en realidad es un “diamante en bruto”. Es muy hermoso, además, de qué manera Lucas une a Luke y Obi-Wan Kenobi, con el diálogo que el primero tiene con su tío Owen Lars, en el que hablan del misterioso ermitaño que vive en Tatooine. Además, se nombra por primera vez al padre de Luke, de una forma tremendamente hábil y misteriosa, aunque quizá por enésima vez a Luke su tío le escatima cualquier información sobre ambos.

¿Y qué imagen existe más expresiva de la necesidad de realizar el propio destino, que ese momento famoso en el que Luke, hastiado de su vida, observa a los soles gemelos de Tatooine? Al mirar a ambos soles, Luke sin duda intenta averiguar qué ha de hacer para cambiar su vida, que es la clave de de las tres iniciales películas.

Pero una vez más, R2d2 va a ser fundamental para hacer avanzar la historia, y como está obsesionado por encontrar al que él cree que es su dueño (Kenobi), propicia el encuentro de este con Luke al escaparse. Y también sabe Lucas cómo electrizar la acción, con la aparición de los moradores de las arenas, grimosas criaturas que le pegan un buen susto a Luke (y al espectador), y que son espantadas por Obi-Wan de manera muy ingeniosa, pues para asustarlas imita el sonido y la apariencia (al menos lejana) de una enorme criatura del desierto de la que apenas vimos el esqueleto anteriormente.

El marcaje de actores de Lucas (sus órdenes en cuanto a movimiento y fisicidad de los actores) se demuestra torpe una vez más, y hasta un actor de la experiencia de Alec Guinnes, en la presentación de su personaje, gira primero la cabeza y luego se quita la capucha, cuando lo lógico hubiera sido al revés o al mismo tiempo. Pero Guinnes, uno de los mejores intérpretes de su generación, está siempre apagado y poco carismático como Obi-Wan Kenobi. Años más tarde, renegaría del papel, tildándolo incluso de estúpido. Por cierto, que el encuentro entre Kenobi y Skywalker es un sinsentido respecto del final del episodio III, en el que Kenobi deja al bebé Luke en manos de los Lars.

También es un sinsentido que no reconozca a R2d2, con el que corre tantas aventuras en su juventud, y es que Lucas fue tremendamente incoherente en muchos detalles uniendo el episodio III y el IV. Es un disparate que quiera contarnos que lo tenía todo pensado de antemano, cuando se observa en el gesto de Guinnes que no tiene ni idea de quién es Luke y qué ha venido a hacer allí. ¿No se suponía que Kenobi había quedado al cuidado de Skywalker? En fin, la vida es así. Centrémonos en esta película. Se podría haber hecho de forma más interesante la averiguación de que el viejo Ben Kenobi es Obi-Wan Kenobi, aunque tampoco parecía tan difícil.

Es formidable la secuencia de diálogo en casa del ermitaño, cómo Kenobi le cuenta a Luke acerca de su padre, y le entrega su antigua espada láser. Es evidente (esto sí...) que Obi-Wan miente a Luke cuando le cuenta cómo murió su padre, y es muy emocionante cuando por fin le habla de la Fuerza, concepto que Lucas maneja con total familiaridad, como si toda su vida hubiera sido un jedi. Así las cosas, queda completamente natural que Kenobi le pida a Luke que le acompañe en su cruzada para salvar a la princesa. Y, como tantos héroes, cuando por fin le dan la oportunidad de cambiar su vida, no se atreve, y en un principio se niega a ir con él.

A continuación conocemos por fin la Estrella de la Muerte, en la que manda un siervo del emperador, el Grand Moff Tarkin, interpretado con gran talento por el inolvidable intérprete Peter Cushing, también británico y de la misma generación que Alec Guinnes. A su lado, Darth Vader es poco mas que un lacayo brutal, aunque parece disfrutar de un rango suficiente como para asfixiar a los subalternos. El diálogo sobre el poder de esa estación espacial incide en el tono semi-medieval, culto y literario, tan clásico a oídos de los espectadores. Pero volvemos a Luke, que descubre que los soldados imperiales, buscando a los droides, han arrasado a los jawas y a la misma cabaña de los Lars. Y el homenaje a ‘Centauros del desierto’ es evidente, y con él termina el primer acto de la película y comienza el segundo.

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• ‘Star Wars’, la película más importante de la historia del cine

Si bien es raro que se citen orígenes del cine que no se correspondan con la proyección de los hermanos Lumière de la salida de la fábrica de Lyon en 1895, se conocen otros descubrimientos que arrojan polémica sobre quién fue el verdadero padre del invento: Thomas A. Edison ya había traído los quinetoscopios a Europa un año antes. Se trataba de máquinas unipersonales, que habían sido diseñadas por William Kennedy Laurie Dickson, en las que se podían ver las peliculitas a través de dos agujeros, como se observa en la imagen superior. La ventaja del cinematógrafo de los Lumière con respecto a estos aparatos era su carácter masivo y comunitario, más la comodidad de la pantalla que nos permite contemplarla desde la butaca. Y ya que es en estas condiciones como hemos vivido el séptimo arte a lo largo de este siglo y pico, se establece esta proyección como la primera vez que se vio cine.

Zanjada esa discusión, parece no tener cabida cuestionar que la película pionera en ser acompañada de sonido fuese ‘El cantor de jazz’, de 1927, ya que fue la primera para cinematógrafo. Se olvida, quizá, que para llegar hasta ella hubieron de cristalizar una serie de experimentos anteriores, ya que tales avances técnicos rara vez salen de la nada. Treinta y dos años antes del primer sonoro, el mismo año que se considera que nació el cine, se rodaba para el quinetoscopio un cortometraje de 17 segundos titulado ‘Dickson Experimental Sound Film’, donde, por primera vez, se ensayaba la reproducción de imagen y sonido de forma perfectamente sincrónica.

A continuación puede verse la película en cuestión. Antes de que comience, se escucha «The rest of you fellows ready? Go ahead!» («¿Los demás estáis preparados? ¡Adelante!»), lo que produce la genuina emoción y vértigo del salto a lo desconocido. Es la primera vez que se registra – en este caso, en un cilindro de cera – el primer, digamos, «Motor, cámara acción» de la historia del cine.

El personaje que toca el violín es el propio Dickson, el inventor del quinetoscopio que, en palabras de Edison era «la máquina que podría hacer para los ojos aquello que el fonógrafo hace para los oídos», y que ya estaba teniendo una repercusión comercial relevante en su época. Mientras dos empleados de Edison bailan un vals, Dickson toca la melodía y ésta es registrada a través del cono que se ve en la imagen.

El cilindro en el que se grabó la melodía fue hallado en un pésimo estado de conservación en los archivos de Edison y, hasta el 2003, nadie fue capaz de establecer la correlación entre la película de 17 segundos y el cilindro con la música del violín, de unos dos minutos de duración. El diseñador de sonido y montador Walter Murch procedió a le restauración del sonido y, gracias a las modernas tecnologías digitales, pudo establecer una sincronía entre dos fuentes grabadas a muy diferentes velocidades —la película se rodó a 40 fotogramas por segundo—.

Al parecer, dicha sincronía se lograba a través de una correa que lograba que el quinetoscopio y el gramófono se moviesen a la misma velocidad. De esta manera, los espectadores podrían ver la imagen a través de dos agujeros mientras que, gracias a dos tubos de goma, se podría oír el sonido grabado asociado a esas imágenes. Y así nació el quinetófono —y quién sabe si también los auriculares—. Evidentemente, esta invención no pudo competir con la proyección de imágenes en pantalla. Por ello, con el abandono de Dickson de la compañía de Edison, este último no volvió a experimentar con la imagen y sonido sincrónicos hasta 1913.

Vía | Inventors.

Cada diez años, la revista ‘Sight & Sound’ elige las mejores películas de todos los tiempos, y de entre estas la mejor de todas (que casi siempre ha sido ‘Ciudadano Kane’) empeño absolutamente utópico por innecesario. También sería interesante reflexionar por qué tantos le han hecho tanto caso a esa publicación británica, antes que a otras. Y dentro de dos años, en 2012, volverán a hacer su lista, y será publicada a bombo y platillo, y los periodistas de medio mundo se harán eco de ella. Si revisamos, por cierto, la lista actual, ya huele un poco a rancio, por su falta total de coraje, aunque algunas (no sólo la de Welles, también ‘The Godfather, part II’, ‘Cuentos de Tokyo’, o ‘Amanecer’) son bastante incontestables.

Yo, por supuesto, haría una lista bastante diferente. No pondría, ni mucho menos, a ‘2001, una odisea del espacio’ entre ellas, ni a ’8 y 1/2’. Pero tampoco pondría a ‘Star Wars’, que no es una de las mejores películas de todos los tiempos, pero sí que es, y lo voy a argumentar, la más importante película de la historia del cine. Aunque ese tipo de listas no suelen hacerse, y sería más interesante que una supuesta categoría de “las mejores”.

La dificil gestación de un proyecto único

Espero que, mientras leen estas líneas, estén escuchando el corte que he añadido arriba del todo. Así entramos con más facilidad en materia. Por supuesto, ‘La guerra de las galaxias’ es mucho más que cine, a estas alturas. Cualquier comentario, o casi, vertido acerca de ella suena a redundante, reiterativo. Y su “univero expandido” es tan enorme (videojuegos, libros, muñecos), que excede, con mucho, el acontecimiento cinematográfico. Pero centrémonos en el cine que, durante veintiocho años de saga y seis películas, ha significado esta saga, auténtico empeño de su máximo responsable, George Lucas, por crear una “space opera”, acerca de cuya gestación se han dicho muchas mentiras.

La primera de todas ellas es que sea una saga pensada desde un principio como trilogía de trilogías, o por lo menos como una trilogía. En realidad, y tras el éxito de la magistral ‘American Graffiti’, Lucas deseaba llevar a la gran pantalla una adaptación de su venerado ‘Flash Gordon’, cuyas aventuras había devorado desde chaval. Pero los derechos no estaban disponibles, con un proyecto ya desarrollado pero congelado (y buena prueba de ello, es que con el éxito de la película de Lucas, tuvimos aquella divertida ‘Flash Gordon’ de Mike Hodges en 1980), que le obligó a replantearse su deseo de filmar aventuras espaciales. Como resultado: desarrollar su propia historia.

Resulta un poco cansino, por no decir algo peor, escuchar todavía a Lucas, o a alguno de sus antiguos colaboradores, insistir en el hecho de que su creador tenía, antes de la primera película, varias historias en mente, cuando hay multitud de evidencias que confirman justo lo contrario. Sea como fuere, el proceso de escritura de una historia propia, fue largo y dificultoso. La historia, y los personajes, sufrieron muchísimas variaciones a lo largo de numerosos borradores. Starkiller se convirtió en Skywalker, y los Jedi (palabra que proviene de la expresión japonesa Jidaigeki, que denomina un género dramático ambientado en el Japón de la era Edo) sufrieron múltiples transformaciones. En cuanto a los Sith, es un término que ni siquiera aparece en la primera película.

La única razón de que Lucas pudiera llevar a cabo su proyecto fue el éxito rotundo de ‘American Graffiti’, que superó las más optimistas expectativas. De hecho, en cierta medida, ‘Star Wars’ es algo así como un ‘American Graffiti’ espacial, y lejos de ser un defecto, esto se convierte en una de sus muchas virtudes. El rodaje fue un verdadero infierno, por muchas razones, entre ellas el ajustado presupuesto, o el infernal rodaje en Túnez. Cuentan que durante la primera semana de rodaje se habían gastado uno de los diez millones presupuestados, y que a Lucas le dio un conato de infarto que casi le manda al hospital, tras lo cual decidió no volver a dirigir una película en su vida, mientras no ostentara el control absoluto.

El deseo era el de imitar, en cierta medida, la calidad técnica de ‘2001’, aunque quedaron muy lejos de ella. Si bien es cierto que con ‘Star Wars’ se ensayaron multitud de nuevas técnicas de efectos especiales que cuajarían de manera impresionante en la segunda parte de la saga. Lucas, por otra parte, quería, como en aquella, música clásica para vestir la película. Su amigo Spielberg le sugirió, sin embargo, que se hiciera con los servicios de John Williams. No hace falta decir que Lucas hizo muy bien en seguir su consejo. Fue uno de los muchos aciertos de un cineasta limitado en ciertos aspectos, pero visionario en bastantes otros.

“El estreno de ‘Star Wars’ es la llegada de la comida rápida basura al cine americano”

-Brian de Palma

Esta fue una de las reacciones más virulentas, después de un pase privado con sus amigos Spielberg y De Palma, entre otros cineastas de su generación. Coppola, algunos años antes, había acusado a Lucas de “intelectualoide” por su extraña y diferente ‘THX-1138’, algo que, sin embargo, no pudo achacar a esta. Spielberg fue el más entusiasta, sabía que esta película iba a resultar todo un hallazgo a un nivel popular, y que el cine americano ya no volvería (porque no podía), volver a ser el mismo.

Chapucera pero extraordinaria aventura

Con ‘Star Wars’ comienza el cine moderno. Así de sencillo. Por supuesto que no es una isla a partir de la cual surja todo lo demás. Eso por descontado. Se enmarca en una época revisionista y rejuvenecedora que no hubiera sido posible durante la época de los grandes estudios. Así mismo, su marcado tono jovial, efusivamente luminoso, se encuadra a la perfección en un momento de inseguridad industrial y de dubitativos modelos narrativos. De hecho, Lucas va a contracorriente en unos años setenta en los que los Spielberg, Scorsese, Coppola y compañía cogen los antiguos géneros y estilos hollywoodienses y de alguna forma los transforman, buscando la perversión del clasicismo. La única perversión que conocerá Lucas es la del reverso tenebroso de la fuerza.

¿Por qué una película de tan abierta vocación comercial, tan juvenil, y técnicamente tan poco depurada, se convierte en la crucial aventura que cambia el cine? A fin de cuentas, hablamos de la historia de un mocoso, una marimacho, un chuloputas cínico y un felpudo con patas, cruce entre oso y chihuahua. De hecho, los ejecutivos de la Fox, viendo los copiones diarios, se temían el mayor de los ridículos. La más importante razón, a mi entender, de que en lugar de ese posible ridículo, se llegara a este gran triunfo, es la perfecta asimilación por parte de Lucas de varias cruciales tendencias filosóficas, la integración de diversos mitos antiquísimos, y la depuración de un género, el fantástico, a través del uso de elementos propios de la Sci-fi.

Sólo un visionario del talento de Lucas (talento solo comparable a su olfato comercial, que le llevó a firmar la apropiación de todos los derechos de merchandising, despreciados por los ejecutivos de la Fox, que poco después, supongo, sentirían deseos de tirarse por un puente atados a una roca gigante…) pudo mezclar las aventuras samurai de su gurú Kurosawa, con aprendizajes Zen, con mitos del viaje de héroe europeo y griego, con mitología “new age”. Un batiburrillo al que su amor por la más genuina y juvenil aventura da forma con precisión abrumadora. Y sabiendo, además, actualizar los arquetipos: el mago reconvertido en maestro guerrero (Obi-Wan), el muchacho reprimido que iniciará un viaje espiritual (Luke), el aventurero cínico que conocerá una redención ideológica (Han), la princesa rescatable que finalmente rescata a los rescatadores, con una mala leche capaz de responder a tiranos y villanos de toda índole (Leia), el malvado guerrero de capa negra (ha habido pocos en la historia del cómic, ¿verdad?) mitad hombre mitad droide, inquebrantable y despiadado, sobre cuya atormentada personalidad comenzará a girar la saga en el futuro (Vader), el castillo encantado del que será casi imposible salir y que es prioridad destruir (la Estrella de la Muerte), los corceles famosos de los héroes (el Ala X, el Halcón Milenario).

Por encima de su tosquedad, se desprende, inicialmente (y en este especial, toca hacer crítica aparte de la primera película) una belleza subyugante, una fe o un aspecto espiritual que es, creo yo, uno de los motivos del enganche emocional de varias generaciones a este relato, un arrollador coraje y confianza en la aventura primitiva que la sitúa muy por encima de historias aventureras quizá más depuradas técnica o estilísticamente, pero no a un nivel de mera historia. Existe, en el corazón de este proyecto, un amor por el cine, por la aventura, por los personajes, que no conoce ni el mismo Spielberg, con la salvedad de ‘E.T.’, y todavía lejos de este milagro.

‘Star Wars’ lo cambió todo. A partir de entonces, cobró mucha mayor importancia el marketing. Renovó el interés por scores elaborados y sinfónicos (ya lo había hecho ‘Jaws’, del mismo Williams, pero aquí mucho más). Inauguró la categoría de herramienta esencial de los efectos especiales de toda clase (maquetas, pantallas azules, animaciones, maquillajes). Evidenció la falta de cultura cinematográfica de la mayoría de sus imitadores (llegando hasta nuestros días, con los astutos, brillantes, pero pobres en cine puro Wachowski o Jackson). Entregó el cine a los adolescentes. Para bien o para mal, ‘Star Wars’ significó el principio de una nueva era, mientras que otras películas de mucho mayor prestigio, como ‘Ciudadano Kane’ (no precisamente la que más me impresiona de Welles, por cierto), recogían y cristalizaban los adelantos técnicos y narrativos acumulados hasta entonces. La de Lucas, sin embargo, reencontraba en el cine el espacio de la aventura infinita, de los sueños hechos realidad.

Porque no existe película más famosa que ‘Star Wars’. Porque ‘Star Wars’ es sinónimo de cine-espectáculo, de acudir a la sala a maravillarse, una y otra vez. Porque el impacto en la cultura popular de esta saga está a años luz (nunca mejor dicho) que el de otras como ‘El señor de los anillos’ o ‘Matrix’. Sin embargo, sin ella no existirían éxitos grandiosos como el de ‘Avatar’. Porque sus valores éticos siguen significando una lucha contra la opresión, una búsqueda de la libertad individual y colectiva, de la dignidad y lo mejor de cada uno de nosotros. Porque su historia sigue siendo la de la fraternidad, la amistad, la lucha, el valor, la redención, el perdón y el éxtasis de vivir.

Docenas de ediciones en VHS y DVD después, ahora que sabemos que saldrán a la venta las ediciones en Blu-Ray, parece tan buen momento como cualquier otro para adentrarnos de nuevo en este gozoso, extático cine que es ‘Star Wars’.

Esta semana, salen a la venta versiones anteriores de películas que se estrenan en cine estos días, como ‘Alicia en el país de las maravillas’ —que llegará el día 16— y ‘Furia de titanes’ —que se está pudiendo ver desde el 31 de marzo—. Además, conmemorando su vigésimo aniversario, aparece en Blu-ray ‘Uno de los nuestros’, de Martin Scorsese. El resto de los lanzamientos merece poca o nula mención, aunque siempre puede haber quien tenga interés. Si acaso, los llamados ‘Pack Bang’, que recopilan una serie de films de interés diverso, puedan ser una buena opción para regalos de cumpleaños juveniles.

‘Alicia en el país de las maravillas’ (‘Alice in Wonderland’, 1951’)

La versión que hizo la factoría Disney de la novela de Lewis Carroll aparece ahora en dos ediciones diferentes: una para coleccionistas, que incluye libro, y otra especial. Ambas adjuntan los siguientes vídeos extra: el corto animado ‘A través del espejo’, ‘Operación País de las Maravillas’, ‘I’m Odd’ (nueva canción del Gato Risón), ‘Alicia sueña en el jardín’ y ‘Del País de las Maravillas al País de Nunca Jamás’.

Los directores de esta adaptación fueron Clyde Geronimi, Wilfred Jackson y Hamilton Luske. Quizá sea porque Disney estaba en uno de sus mejores momentos de forma, quizá sea porque es imposible desvirtuar una obra maestra como la de Lewis Carroll intentando reconducirla por el camino de la ñoñería y el moralismo, quizá sea porque la fuerza visual de un libro como ‘Alicia en el país de las maravillas’ estaba pidiendo a gritos una adaptación animada… O quizá sean estas tres cosas a la vez las que hagan que, para muchos, ‘Alicia en el país de las maravillas’ sea, con diferencia, la mejor película jamás producida por Walt Disney. Este DVD es la cita imprescindible de la semana para quienes no sepan aún lo alto que está el listón que tiene que superar Tim Burton.

‘Uno de los nuestros’ (Goodfellas’, 1990)

Martin Scorsese nos contaba en ‘Uno de los nuestros’ la ascensión dentro de un clan mafioso de uno de los chavales del barrio. Utilizando una voz en off casi excesiva, el personaje protagonista, encarnado por Ray Liotta, nos va narrando sus desventuras y su transformación. Más que un hilo argumental, encontramos en la película una colección de momentos que van marcando a este personaje y su relación con los demás, extraídos del libro de no ficción ‘Wiseguy’ («tipo listo»), de Nicholas Pileggi. Con secundarios de probable mayor envergadura que el principal, Robert De Niro, Joe Pesci (Óscar al mejor actor de reparto) y Paul Sorvino; Scorsese hace un magistral retrato de los bajos fondos en el que destaca, por encima de cualquier otro aspecto, la ambientación y recreación de este submundo. ‘Uno de los nuestros’ es una película que se ha convertido en un emblema para muchas personas, en una forma de entender el cine de gángsters, y que ha creado estilo. Un gran estudio de la atracción que ejerce el poder y de lo doloroso que puede ser prescindir de los lujos de una vida teóricamente fácil.

‘Furia de titanes’ (‘Clash of the Titans’, 1981)

Este film de Desmond Davis, que aparece a la venta en Blu-ray, fue el último film para el que Ray Harryhausen creó efectos especiales. En esta edición se incluye una entrevista al maestro de la stop-motion. Estaba protagonizado por Harry Hamlin, de ‘La ley de Los Ángeles’ (‘L.A. Law’), en el papel de Perseo; por Laurence Olivier, como Zeus, y Ursula Andress, encarnando a Afrodita. La historia trata sobre el hijo de Zeus, Perseo, y su viaje para rescatar a la princesa Andrómeda. Durante su odisea, deberá pasar varias pruebas que le ha puesto Zeus, incluyendo la captura de Pegaso y la muerte de la Medusa.

‘Poseidón’ (2006)

Aparece a la venta en en Blu-ray el remake que hizo Wolfgang Petersen de ‘La aventura del Poseidón’. Al parecer, no se trata de una buena película, como podéis leer en esta crítica de Alberto Abuín, pero quizá aporte el entretenimiento que promete. Aunque me gustan las películas de catástrofes, me da algo de pereza.

‘Dance movie (Despatarre en la Pista)’ (‘Dance Flick’)

Los hermanos Wayans firman esta parodia de ‘Hairspray’ y otras, con Shoshana Bush, Essence Atkins, Affion Crockett, Chris Elliott, Damon Wayans Jr., Lauren Bowles. No me pillaréis viéndola, ni gratis, ya que no he visto siquiera aquellas en las que se basa y este tipo de películas, si es que tienen alguna gracia, te la hacen cuando conoces el material al que parodian.

Pack Bang

Uno de ellos contiene ‘Watchmen’, ‘Star Trek’ (2009) y ‘Transformers 2: La Venganza de los Caídos’. Y el otro incluye ‘Watchmen’, ‘G.I. Joe’, ‘Star Trek (2009)’, ‘Transformers’ y ‘Transformers 2: La Venganza de los Caídos’.

‘Whiteout’

Adaptación de Dominic Sena de la la novela gráfica de Greg Rucka y y Steve Lieber, con Kate Beckinsale. Este thriller situado en la Antártida aparece tanto DVD como Blu-ray. Carrie Stetko es una U. S. Marshal que debe detener a un asesino antes de que llegue una noche de seis meses para evitar verse atrapada en la oscuridad junto a él. Podéis ver tráilers y otra información haciendo clic en su título. Ésta, sin embargo, sí me he animado a verla. Os diré algo si consigo terminarla. Actualización del 7 de abril: ya he visto la película. En el enlace siguiente se puede leer mi crítica.

Vía | Zona DVD.

El suelo congelado, bajo una capa de hielo. Y sobre el hielo mucha nieve petrificada. Dicen que es la Berlinale más fría de las últimas décadas, pero es uno de los festivales más importantes del mundo. Y acaba de comenzar. Cuando, tras el encuentro con Wang Quanan, la nieve volvió a hacer acto de presencia cayendo del cielo, nadie pareció concederle importancia. Aquí hemos venido, todos, a ver cine.

Con la conferencia de prensa que tuvo lugar a las once menos veinte de la mañana, en la que se presentaron oficialmente a los medios los siete miembros del jurado, comenzó verdaderamente este festival, que en su sesenta edición (un número de esos redondos que tanto apetece emplear como excusa para festejar) pretende ignorar abiertamente a tanta crisis con una programación extensa y generosa. Durante casi una hora, Werner Herzog (el presidente del jurado) y el resto de artistas que con él van a juzgar las obras a concurso, nos hablaron de sus impresiones y sus deseos en este comienzo.

Por supuesto, han elegido a Herzog por su nacionalidad alemana, y por ser un director, si no genial, sí importante e irreductible, dentro del grupo de directores indispensables europeos. Y se le vio entusiasmado de presidir un jurado que, como todos en estos casos, tiene ante sí la difícil tarea de otorgar algunos de los premios más codiciados que existen. Habló mucho, y bien, de su trayectoria, y también de su percepción del cine, aunque me defraudó un poco con determinados temas visuales que no vienen a cuento. Fue al que más preguntaron, como no podía ser menos, aunque también tuvo lugar una buena andanada de cuestiones para Renée Zellweger.

A la guapísima (y delgadísima) actriz, le preguntaron, quizá con un poco de mala intención, qué esperaba encontrar en un festival en el que suelen escasear las historias de amor con final feliz o los dramas lacrimógenos. Ella salió al paso con una elegancia y un saber estar que ya me gustaría a mí percibir en muchos periodistas. Luego, con un poco más de criterio, otro profesional acreditado comentó una película de Zellweger (concretamente, ‘My One and Only’) que no ha conocido una gran distribución y que es una valiente película minoritaria, y ella asintió agradecida por el hecho de que alguien se acordase de que, además de estrella, es una actriz como la copa de un pino, y dijo estar honrada de participar en esta fiesta del cine al lado de esos artistas.

Pero enseguida estaba programada la primera película a concurso, y no había tiempo que perder.

Wang Quanan vuelve con un relato íntimo, duro y sincero

Había una gran expectación por el regreso de Wang Quanan a Berlín, después de ganar el Oso de Oro por ‘La boda de Tuya’ hace tres años. Y, al menos en lo que a mí concierne, no me ha defraudado. Eso sí, debo decir que al concluir la proyección, se hizo un silencio absoluto en la sala mientras salían los periodistas acreditados, lo que puede ser signo tanto de que la película les ha emocionado, como de que les ha dejado indiferentes, y de ahí la gélida recepción.

La fratricida guerra civil que tuvo lugar en China entre 1946 y 1949, y que tuvo como resultado que Taiwan quedara fuera del dominio del partido comunista, también separó a muchísimas familias, que quedaron fracturadas, quebradas irremisiblemente, cuando impidieron que muchos veteranos volvieran de aquella isla al seno familiar. Es una tragedia que pocas veces se ha contado en cine, y que demuestra hasta qué punto el drama de los hombres comunes le importa muy poco, o nada, a la maquinaria gubernamental del mal llamado mundo moderno.

‘Tuan Yuan’, que vendría a significar algo así como su título internacional, ‘Apart Together’, es el reverso de ‘La boda de Tuya’, lo otra cara de la moneda, pues donde allí dos hombres se peleaban por una mujer, aquí se hacen amigos a pesar de amar a la misma mujer. Es un relato construido con sabiduría, con mucho oficio, con un desprecio más que evidente por las normas de la narrativa de consumo, con placer por el detalle. Los actores están fenomales, sobre todo los tres protagonistas, aunque es cierto que la historia acaba pecando de autocomplaciente, debajo de tanto pundonor en la puesta en escena.

En la subsiguiente rueda de prensa, que fue extensa y prolija, Wang, un hombre de modales suaves y mirada enérgica, habló mucho de los problemas que afectan a un país en desarrollo y en constante cambio como es China, así como de la necesidad de que el arte hable, siempre, del hombre común, lo que le certifica como un cineasta enfrentado para esta gran verdad. A su lado, los magníficos actores con los que ha contado tenían un algo de orgullo en la mirada por participar en una película de un hombre que puede presumir, por derecho propio, de ser parte de la así llamada sexta generación de cineastas chinos, después de la legendaria quinta generación.

Con este largometraje empieza bien una sección oficial plagada de incógnitas que, esperemos, esté a la altura de la celebración del 60 aniversario de tan prestigioso certamen. Mañana, entre otros alicientes, llega la película que Polanski ha terminado de montar desde la cárcel y desde la íntimidad de su casa de Suiza. Lamentablemente, él no podrá estar aquí para hablarnos de ella.

Berlín, 11 de Febrero de 2010

Esta semana se estrenan algunas de las películas que cuentan con nominaciones a los Oscar 2010: ‘Precious’ y ‘Tiana y el sapo’ (‘The Princess And The Frog’). Como ya se sabe, aquí suelen llegar con algo de retraso, así que nos podemos dar con un canto en los dientes si, al menos, estamos a tiempo de verlas antes de la ceremonia. También aparece una que tiene nominaciones a los Razzies, ‘Loca obsesión’ (‘All About Steve’), lo cual es otra forma de despertar nuestra curiosidad. Por cierto, es la única que tiene un guión original, no sé qué habría que pensar al respecto. A pesar de todo, la película que más me interesa de los estrenos de hoy es una que no aparece preseleccionada en ninguna de las categorías: ‘The Road (La carretera)’. Con un par de salvedades, lo que llega hoy es elevado en cuanto a cantidad, pero no se puede decir lo mismo de su calidad, pues se incluye bastante morralla, de esa que no vale la pena ni considerar si iremos o no a ver.

‘The Road (La carretera)’

Dirigida por: John Hillcoat

Adaptación de: la novela ‘La carretera’, de Cormac McCarthy

Interpretada por: Viggo Mortensen, Charlize Theron,

Sinopsis: en un mundo asolado por un desastre natural o una hecatombe ecológica, un hombre y un muchacho recorren las carreteras del país intentando llegar al sur para pasar el siguiente invierno. La supervivencia se hace difícil, pues las cosechas están arrasadas y no quedan víveres en ninguna parte. Por los caminos acechan, también, otros peligros.

Qué podemos esperar: no se puede esperar una película de terror ni la clásica cinta post-apocalíptica, así que hay varias personas que la han encontrado aburrida. Sin embargo, en mi opinión, eso es precisamente de agradecer, ya que se trata de un film psicológico y reflexivo muy interesante, con grandes interpretaciones y que se queda marcado en la memoria. En mi crítica se puede leer más sobre ello y comprobar que le doy cuatro estrellas, las mismas que Juan Luis Caviaro, quien analiza la película en esta entrada.

‘Precious’ (‘Precious: Based on the novel ‘Push’ by Sapphire’)

Dirigida por: Lee Daniels.

Adaptación de: la novela ‘Push’, de Sapphire.

Interpretada por: Gabourey Sidibe, Mariah Carey, Lenny Kravitz, Paula Patton y Mo’Nique.

Sinopsis: Cuando Precious, de 16 años, aprende a leer y a escribir, descubre un nuevo mundo. Un mundo en el que puede al fin expresarse de una manera que nunca pudo imaginar. Un mundo donde cada chica puede ser hermosa, fuerte, independiente…

Qué podemos esperar: Nominada a los Oscar a Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guión Adaptado, Mejor Montaje, Mejor Actriz Principal para Gabourey Sidibe y Mejor Actriz de Reparto para Mo’Nique. Jesús León, en su crítica, nos dice que se trata de un buen film, a pesar de que abusa del melodrama. A mí, particularmente, no me atrae nada. No quiero decir que crea que va a ser mala, pero es que este tipo de dramones tan típicos de los Oscar no son lo mío. Casi me decantaría antes por la que tiene nominación al Razzie.

‘Tiana y el sapo’ (‘The Princess And The Frog’)

Dirigida por: Ron Clements y John Musker.

Adaptación del cuento clásico de hadas ‘El príncipe rana’, de los Hermanos Grimm.

Interpretada por: Terrence Howard y Anika Noni Rose.

Sinopsis: una joven llamada Tiana, un príncipe convertido en sapo que quiere recuperar su forma humana y un beso que les lleva a una aventura a través de los paisajes de Luisiana.

Qué podemos esperar: Está nominada a mejor largometraje de animación y dos de sus canciones, ambas de Randy Newman, optan al Oscar a mejor canción original. Seguro que se trata de un buen film al que trataré de dar una oportunidad en cuanto tenga el momento, a pesar de que la cuestión musical me sobra.

‘Luna caliente’

Dirigida por: Vicente Aranda

Adaptación de: la novela homónima del argentino Mempo Giardinelli.

Interpretada por: Eduard Fernández, Emilio Gutiérrez Caba y Thaïs Blume.

Sinopsis: Un hombre mayor se obsesiona por una joven y abusa de ella. Para que no alerte de su situación, le cubre la cara con una almohada, lo que le provoca la muerte.

Qué podemos esperar: Un intento, no muy afortunado, de Aranda de adaptar una novela trasladando los hechos argentinos a España. Podéis leer más en esta crítica, donde me centro en la falta de credibilidad del arrebato pasional que embriaga a Eduard Fernández haciendo que se transforme de Jeckyll en Hyde y es que Aranda retoma este mito para explorar la psique humana, pero sin profundizar lo suficiente como para que el estudio sea completo.

‘Loca obsesión’ (‘All About Steve’)

Dirigida por: Phil Traill.

Interpretada por: Sandra Bullock, Bradley Cooper, Thomas Haden Church y Ken Jeong.

Sinopsis: Para Mary, nada es normal, sobre todo su relación con los demás. Cuando le organizan una cita a ciegas con el apuesto operador de cámara Steve, Mary cree que la química entre ellos es evidente y que Steve es su media naranja. Steve, por otro lado, piensa que Mary está loca y que lo está acosando.

Qué podemos esperar: Como os decía, está entre las nominadas a los Razzie a Peor Película y también a Peor Actriz, para Sandra Bullock que es, encima, productora del film. Buena pinta no tiene, pero el actor oriental que salía en ‘Resacón en Las Vegas’, que era lo mejor de aquella película, repite aquí, así que a lo mejor da para algunas risas.

‘OSS 117: Perdido en Río’ (‘OSS 117: Rio ne répond plus’)

Dirigida por: Michel Hazanavicius

Adaptación de: los personajes creados por Jean Bruce.

Interpretada por: Jean Dujardin, Louise Monot, Alex Lutz y Rüdiger Vogler.

Sinopsis: Después de ‘OSS 117: El Cairo, nido de espías’, el agente vuelve para una nueva misión en la otra punta del mundo. Tras la pista de un microfilm comprometedor para el Estado Francés, el célebre agente debe formar equipo con la seductora teniente coronel del Mosad para capturar a un nazi chantajista.

Qué podemos esperar: A ver, si los franceses hacen muy buen cine, pero cuando se meten a producir lo que no es lo suyo, les quedan unos subproductos bastante cuestionables. Al menos, ellos mismos se lo toman como una comedia, pero lo de aspirar a parodiar a Bond ya me parece demasiado, sobre todo cuando algunas de las películas de 007 son puras autoparodias. Quizá para cuando salga en DVD.

‘El padrastro’ (‘The stepfather’)

Dirigida por: Nelson McCormick.

Adaptación de: el guión de Donald E. Westlake para la película ‘El padrastro’ (1987).

Interpretada por: Dylan Walsh, Sela Ward, Penn Badgley, Amber Heard y Jon Tenney.

Sinopsis: Cuando el problemático adolescente Michael vuelve a casa después de un año en una escuela militar, se encuentra a su madre, Susan, enamorada del que pronto será su padrastro, David, que se ha mudado a su casa. David dice que quiere formar la familia perfecta. Pero conforme empiezan a conocerse, Michael rápidamente se convence de que David está lejos de ser tan perfecto como aparenta…

Qué podemos esperar: Un remake y con una pinta no demasiado buena. Lo único que podría interesarme medianamente es el actor protagonista, Dylan Walsh, pues estoy acostumbrada a verlo en ‘Nip/Tuck: a golpe de bisturí’, pero ni siquiera dentro de la serie me parece el intérprete más interesante.

Vía | La butaca.

‘Le llaman Bodhi’

1. Bigelow, que de repente está de moda, filmaba la persecución a pie más impresionante que recuerdo. En realidad está dentro de una secuencia más grande, que empieza con una persecución en coche a los ladrones de bancos con caretas de ex-presidentes, pero una vez Bodhi (el fallecido Patrick Swayze) se ve obligado a huir de Utah (Keanu Reeves, por entonces un actor decente), somos testigos de un asombro que dura más de dos minutos. Un empleo asombroso de la Steady-Cam (que debería estudiarse en las escuelas de cine) para una secuencia que es toda una coreografía insuperable.

2. También tiene los dos mejores robos de bancos que he visto, muy superiores al tan alabado (y que a mí me deja frío, sinceramente) robo que perpetra Robert DeNiro en la sosa ‘Heat’, de Michael Mann. El cine gélido y distante de Mann está muy lejos de la generosidad y la voluptuosidad narrativa de la Bigelow. El primero robo, al principio de la historia, es breve y brutal, sin música, seco y directo como un puñetazo. El segundo es una dilatación angustiosa del tempo. Mítica Bigelow.

‘Terminator 2’

Por supuesto, la escena por todos recordada es aquella, asombrosa, de la persecución del T-1000, conduciendo un enorme camión, sobre John Connor, que escapa como puede en una moto de pequeñas dimensiones, hasta que llega el T-800 y le salva en el último momento. Una secuencia de larga duración, que supone el Himalaya para el 99% de los directores de acción

‘Jungla de cristal’

John McTiernan siempre ha sido un buen director, y en los años ochenta encadenó tres estupendas películas. La tercera, esta, es una joya cuya acción no ha envejecido absolutamente nada, y que tiene varias secuencias de acción impresionantes, pero sobre todo esa en la que McClane, finalmente, y después de muchos esfuerzos, se ve obligado a bajar por el hueco del aire acondicionado. Toda una set-piece insuperable.

‘Kill Bill Vol.2’

Las mejores secuencias de acción no sólo son las mejor realizadas, como también es el caso aquí, si no las que cuentan más cosas sin olvidar a los personajes. Eso Tarantino lo cumple a la perfección en la larga secuencia de la caravana de Bud en la que éste se ve sorprendido por una serpiente venenosa, y después Elle es sorprendida por La Novia, iniciando una de las peleas más salvajes que se recuerdan, y es que duele sólo de verlo. El detalle del ojo, antológico.

‘Indiana Jones y la última cruzada’

La mejor de todas la de Indy, de lejos, y la que contiene mejores y más elaboradas secuencias de aventuras. Para mí, la evasión del dirigible, con el consiguiente enfrentamiento a los cazas nazis (primero en el aire, luego en coche, luego a pie…con inesperada resolución) está entre lo mejor que he visto jamás en el cine de aventuras. Impagable Sean Connery.

‘Aliens’

Hay varias, pero la huida frenética por los túneles del aire, con una inquietante luz roja que todo lo impregna, quita la respiración, por la soberbia combinación de la música, el montaje y el ritmo de los actores.

‘The Terminator’

Si una secuencia es un bloque temático, entonces en justicia la secuencia en la que la máquina asesina por fin encuentra a Sara y en la que Kyle la salva in extremis, duraría hasta que la policía los detiene. Es decir, más de quince minutos de secuencia, ahí es nada, en una de las mejores películas de todos los tiempos. Nunca se había visto que, mientras un coche va a toda velocidad, un personaje le cuente a otro detalles cruciales de la historia.

‘Apocalypse Now’

Imposible olvidarse de la Cabalgata de las Walkyrias, profusamente analizada en este artículo de hace algunos meses.

‘Tiburón’

En esta obra maestra, una vez salen en busca del tiburón para darle caza definitivamente, sería justo decir que todo es una enorme secuencia, pues no hay cambio de lugar, ni temático, y el tiempo transcurre sin grandes saltos o elipsis. Spielberg nunca fue tan poderoso y tan terrorífico, y ver a un tiburón gigante persiguiendo a los cazadores hasta que el motor del barco revienta, es algo mítico.

‘Centauros del desierto’

La obra cumbre de John Ford (con el permiso de ‘El hombre tranquilo’) concluye con un ataque final que, a día de hoy, sólo ha sido igualado, pero nunca superado. La historia se cierra con el suspense de la infiltración de Martin en el campamento indio, y el ataque frenético de los rangers, recogido en planos laterales a toda velocidad que aún hoy, con tanta pijada de los Bourne, impresiona muchísimo.

‘Ran’

El padre de la acción y la aventura moderna, parafraseando a Coppola, no es otro que Kurosawa, que en el ataque al castillo de esta película, logra lo que se llama un prodigio irrepetible, un trenzado de dinamismo y de horror, un fracaso de la raza humana, la más cruel de las criaturas. Kurosawa es el más grande.

‘Los siete samuráis’

Y para terminar, la secuencia del combate final en ‘Los siete samuráis’, que tardó varios meses en rodarse (ya que Kurosawa exigía, por ejemplo, que la lluvia respetara siempre el raccord de luz), y que como la anterior citada, es un logro colosal que muy pocos cineasta se han atrevido a desafiar.

Por supuesto que hay más escenas importantes, de películas espléndiadas, pero estas escenas de acción son las que revisiono una y otra vez.