Hoy, Nicholas Roeg, el presidente del jurado, ha leído los galardonados entre el entusiasmo de alcanzar el final del Festival, y entre ellos, tan sólo sorprende un título que había cosechando numerosos ronquidos durante su proyección, pero que parece a algunos les entusiasmó sobremanera (y aunque no me dormí reconozco que tuve que esforzarme). Se trata de ‘Transmission’ del húngaro Roland Vranik que se ha llevado el premio a la mejor dirección. Esa era la principal sorpresa que nos han deparado los premios.

El resto de galardones han ido a parar a ‘44 Inch Chest’ de Malcolm Venville, que se lleva el Premio Especial del Jurado, ‘Garbo, el hombre que salvó al mundo’ el Giraldillo de Oro a la mejor película documental, ‘Tears of April’ el premio Eurimages y el Gran Premio del Público ha recaído en ‘Un profeta’ de Jaques Audiard. El Premio del Jurado Joven ha sido para ‘Transmission’ y el gran Nicholas Roeg en un arrebato de veteranía (o quizás de chochez) se ha sacado de la manga un inesperado galardón, el Premio Extraordinario del Presidente del Jurado, que se lo ha otorgado a ‘Pipilotti’.

En conclusión, el Festival ha echado su cierre, aunque en estos momentos la fiesta de clausura aún tiene unas horas por delante, y nos despedimos con un cierto sabor a decepción en la selección de títulos de la sección oficial. Una decepción que se ha tornado casi surrealista por el nivel de algunos títulos que no merecían tanto honor, aunque también se han podido disfrutar de algunas de las mejores películas europeas del año, que se cuelan en la selección EFA y en las categorías de documentales, que han logrado elevar el ánimo de prensa y público.

Esperamos que el certamen siga creciendo, trayendo a grandes figuras del cine, pero sobre todo centrándose (y autoconvenciéndose) para lograr ser un festival mucho mejor, con más devoción por lo mejor del continente y olvidar el toque taurino (con mis respetos).

Una de las cuestiones que más dan que hablar a los cinéfilos y analistas es, sin lugar a dudas, ese concepto resbaladizo e inasible, muchas veces manipulado y manipulador, que el gran John Ford se negaba a acotar con esa vanidad a la que tantos se entregan, y que Sinatra admitió que era la verdadera razón de su fama y de su fortuna: el concepto siempre difícil del estilo.

La cuestión del estilo trae de cabeza a más de uno, mientras que para muchos es la verdadera razón de su cinefilia y el núcleo a partir del cual reflexionar acerca de la forma de arte que representa la puesta en escena cinematográfica. Ahora bien, y ahora profundizaré un poco en ello, creo que con esto de estilo muchas veces se pierde el norte.

Primero habría que responder a la inevitable pregunta, con las limitaciones personales de rigor: ¿qué es eso del estilo? Si por estilo entendemos las características de la mirada de un director, o la mera formalización visual y sonora de una historia, la respuesta podría ser infinita, y también muy reduccionista, pues todo se limitaría a hablar del aspecto más material del cine, y no de su esencia, que es lo que verdaderamente nos importa, creo yo. Es decir, creo que el problema suele estar entre diferenciar forma y contenido, cuando en el arte, la forma crea el contenido.

En el reciente 57º Festival de cine de San Sebastián pudimos ver, o más sufrir, la nueva película de Javier Rebollo. Después de lamentarme por haber visto una de las mayores bobadas que he visto en mi vida (y he visto muchas), Rebollo se alzó con la Concha de Plata al mejor director. Leí poco después a Carlos Heredero afirmar que la había ganado con todos los merecimientos. Y resulta curioso, y deprimente, que Heredero alabe con tanto ardor este vacuo ejercicio de estilo cuando hace años le leí también que en ‘Hero’ Yimou primaba el estilo en detrimento de la sustancia, por ejemplo.

Me explico: cuando digo que la forma crea el contenido, es tal cual, por eso nunca he entendido que se acuse a una película de ser “simplemente bella”, cuando ese debe ser su más grande objetivo, y bello es lo que contiene la armonía de la forma. Premiar el estilo facilón, burdo, pagado de sí mismo, de Rebollo, es precisamente encumbrar el estilo por el estilo, no como creación, sino como masturbación estética, en aras de un cine sin más objetivo que el de recrear ideas, no la vida misma.

En mi opinión, expresar ideas o sentimientos por medio del cine, es rebajar el cine, porque el arte está para expresar la vida misma, y pocas veces he visto, ya que nombrábamos a ‘Hero’, una secuencia de acontecimientos de amor y celos más vital y enérgica, más bella, que la que separa de muerte a los dos amantes vestidos de rojo. Eso me da la sensación de ser un pedazo de vida, tal cual. Formalmente muy estilizada, pero para contar algo.

Porque el estilo, en realidad, es lo de menos. No es más que una excusa sobre a la que tantos nos encanta hablar, cuyo fin último es que en la pantalla le ocurra algo a alguien, y que esto nos importe. Esto es lo más difícil de todo, y los grandes estilistas del mundo, léase Tarantino o Lynch, son quienes son, porque por mucho que digan sus detractores, bajo todo su estilo siempre están al servicio de una historia y unos personajes, eso que los puristas priman por encima de todo lo demás…

Realmente creo que el estilo, algo que como pueden comprobar nuestros lectores suele ocupar gran parte de mi trabajo en los estudios a directores en blogdecine, es algo insignificante cuando a los directores les importa más demostrar lo geniales que son sus ideas (como al aberrante Rebollo, enamorado de sí mismo hasta las cachas…) que expresar lo terrible que es la vida. Ahí está la clave que convierte en artistas inmortales a esos estilistas que se niegan a contar historias como todos los demás y que a menudo son tachados de elitistas por la mayoría.

‘¿Qué fue de los Morgan?’ (‘Did You Hear About the Morgans?’) se estrenará en España el 8 de enero de 2010. La comedia, que se encuentra en fase de postproducción, está protagonizada por Hugh Grant y Sarah Jessica Parker y dirigida por Marc Lawrence, responsable de los últimos films del británico: ‘Tú la letra y yo la música’, ‘Amor con preaviso’.

En el tráiler, que se puede ver a continuación, observamos a una pareja casada, que pasa por una crisis matrimonial contra la que no pueden hacer nada: no valen los regalos, los asesores, los intentos… Tras un altercado, la policía les recomienda entrar en el programa de protección de testigos. Ella no quiere pasar el resto de su vida junto a su marido, pero pronto descubrirán que estar juntos no será lo peor de su retiro, ya que tendrán que mudarse a Wisconsin y vivir en la América salvaje.

Mientras están en la ciudad, el humor que se aprecia en este tráiler es bueno, como el chiste de los agujeros negros. Sin embargo, luego lo de tener que emigrar al campo y que les cambie la vida se me antoja demasiado manido. Entre los guiones de Lawrence se encuentra la misma historia, pero con el enfoque contrario: ‘Forasteros en Nueva York’ (‘The Out-of-towners’, 1999 ) .

Para mí es indiferente, pues sólo con la participación de Hugh Grant ya se aseguran que iré a verla, peores cosas tengo en DVD en la estantería de mi casa de la época en la que este actor no era famoso… Pero eso es una querencia personal mía y para el resto de los espectadores, probablemente, el film resulta mucho menos atrayente. Con respecto a Sarah Jessica Parker prefiero no decir nada porque luego sus fans se enfadan conmigo.

Vía | Página oficial

Se trata de una película que nos retrata la soledad como opción, a través de una joven ¿antisocial? holandesa que recorre el paisaje irlandés de forma errática, huyendo de la civilización, de las personas y buscando una soledad que no sabemos si es consecuencia de algo el comienzo de un futuro. Poco importa, porque su directora, no pretende narrar hechos sino explayarse con la traslación en imágenes del verdadero sentimiento de soledad y lo que ello conlleva.

Lo cierto es que la cinta mantiene un tono y un pulso firme, con personalidad y no falta de riesgo, huyendo de caer en lo más convencional y buscando la metáfora cinematográfica con momentos de inspirado lirismo. Aunque, sin embargo lo verdaderamente cierto es que al menos funciona su propuesta, de plantear un relato circular, de la relación de la protagonista (de nombre y pasado desconocido) y un hombre maduro y también solitario en una apartada isla rodeada de un paisaje propicio a la evasión social. Todo ello, con algunos giros de guión impuestos sin habilidad, con brusquedad, que quizás denotan la inexperiencia de la realizadora (y una excesiva tendencia al lucimiento del paisaje en plan postal irlandesa).

La pareja protagonista mantienen una relación basada en la negativa a preguntas personales, lo cual depara momentos singulares, pero bien desarrollados. La joven, rehacia a cualquier contacto verbal, al que responde con sequedad antipatía, acepta el cobijo y la comida a cambio, únicamente de trabajo, lo cual va haciendo que a pesar de que luchan por conocer detalles del otro, mantengan un relación distante, a la par que de confianza mutua.

El trabajo del conjunto merece un cierto elogio, especialmente por el brillante trabajo de sus dos intérpretes protagonistas. El experimentado Stephen Rea y la desconocida Lotte Verbeek, que bordan con inspiración sus respectivos papeles. Hay que valorar también el esfuerzo por retratar ese sentimiento de soledad sin tropezar en una complacencia con una resolución menos arriesgada.

Por último señalar, que la notable banda sonora de Ethan Rose (también compositor de la subyugante ‘Paranoid Park’) se acopla a la perfección a la belleza de las imágenes, al gran trabajo actoral y al lirismo arriesgado que plantea la directora de principio a fin, que sin suponer un resultado de traca, bien merece el aplauso (visto lo visto en este Festival).

‘How To Train Your Dragon’ es la nueva apuesta de los estudios de animación de Dreamworks, cuya fecha de estreno está fijada para el 26 de marzo de 2010. En esta entrada tenéis el primer cartel y el primer tráiler de la película, que ha sido dirigida por Chris Sanders y Dean DeBloisy, codirectores de ‘Lilo & Stitch’ (no es casualidad que el dragón se parezca tanto a Stitch).

La verdad es que el avance me ha gustado bastante, y aunque suena a más de lo mismo (por más que nos vendan que estas historias son originales, en el fondo siempre están llenas de plagios, homenajes y recursos tópicos, ¿no es cierto?), parece que la relación de amistad entre el chico y el dragón será muy divertida y emocionante. Sólo espero que no metan una súper-persecución llena de obstáculos cada cinco minutos, cada vez las aguanto menos…

Basada en el libro infantil de Cressida Cowell, ‘How To Train Your Dragon’ (‘Cómo entrenar a tu dragón’, pero posiblemente se acabe titulando ‘Un dragón muy molón’), narra la historia del valiente hijo de un vikingo, que deberá entrenar a un dragón para lograr su gran sueño de convertirse en un héroe. Jay Baruchel, Gerard Butler, America Ferrera, Christopher Mintz-Plasse y Johah Hill, entre otros, prestan sus voces a los personajes protagonistas.

PD: ¿La animación es el cine del futuro?

Vía | Impawards y Protoones

‘Cuento de navidad’

Título original: Disney´s A Christmas Carol. Dirección: Robert Zemeckis. País: USA. Año: 2009. Duración: 96 min. Género: Fantástico. Doblaje original: Jim Carrey (Ebenezer Scrooge), Colin Firth (Fred), Gary Oldman (Bob Cratchit, Marley), Bob Hoskins (Sr. Fezziwig), Robin Wright Penn (Belle), Cary Elwes (Dick Wilkins), Fionnula Flanagan (Sra. Dilber). Guión: Robert Zemeckis; basado en la novela de Charles Dickens.

Sinopsis: Ebenezer Scrooge (voz de Jim Carrey) comienza la Navidad haciendo uso de su habitual mezquindad, gritando a su fiel empleado (voz de Gary Oldman) y a su alege sobrino (voz de Colin Firth). Pero esa misma noche, los fantasmas de las Navidades Pasadas, Presentes y Futuras se presentan en su habitación para llevarle a un viaje en el que tendrá que enfrentarse a una realidad que no quiere ver. El viejo Scrooge tendrá que abrir su corazón e intentar arreglar todo el mal que ha hecho antes de que sea demasiado tarde.

¿Qué podéis esperar? Un frío espectáculo en 3D al servicio de Jim Carrey, en el papel de Scrooge y los tres fantasmas que le visitan. Los niños seguramente se lo pasarán pipa. Podéis leer más en mi crítica.

‘2012’

Dirección: Roland Emmerich. País: USA. Año: 2009. Duración: 158 min. Género: Acción, drama, ciencia-ficción. Interpretación: John Cusack (Jackson Curtis), Chiwetel Ejiofor (Adrian Helmsley), Amanda Peet (Kate Curtis), Oliver Platt (Carl Anheuser), Thandie Newton (Laura Wilson), Danny Glover (presidente Thomas Wilson), Woody Harrelson (Charlie Frost), Morgan Lily (Lilly Curtis), Liam James (Noah Curtis), Tom McCarthy (Gordon). Guión: Roland Emmerich y Harald Kloser.

Sinopsis: Hace varios siglos, los mayas nos dejaron su calendario con una última fecha que señala claramente el fin del mundo. Desde entonces, los astrólogos lo han confirmado, los numerólogos encontraron patrones que también lo predicen y los geólogos opinan que hace tiempo que a la Tierra le llegó su hora. En el 2012 sabremos que nos lo habían advertido.

¿Qué podemos esperar? Es Emmerich, el tipo que hizo ‘Independence Day’ o ’10.000’. Según Beatriz, es un gran espectáculo que merece el pago de la entrada.

‘50 hombres muertos’

Título original: Fifty Dead Men Walking. Dirección: Kari Skogland. Países: Reino Unido y Canadá. Año: 2008. Duración: 118 min. Género: Thriller, drama. Interpretación: Ben Kingsley (Fergus), Jim Sturgess (Martin), Kevin Zegers (Sean), Natalie Press (Lara), Rose McGowan (Grace), Tom Collins (Mickey), William Houston (Ray). Guión: Kari Skogland; inspirado en el libro de Martin McGartland y Nicholas Davies.

Sinopsis: Belfast, finales de los 80. Martin, un gamberro de los barrios dominados por el IRA, es testigo de la brutal ejecución de un soldado. Gracias a ello, las autoridades británicas le convencen para que trabaje como informador. Fergus, su tutor en el MI5, se convierte en una figura paterna para él y le ofrece toda la protección que puede, pero Martin vive en un mundo de constante peligro. Su información vital salva muchas vidas hasta que es descubierto. Las autoridades británicas se desentienden de él y lo abandonan a una muerte segura. “50 hombres muertos” está basada en la novela autobiográfica de Martin McGartland “Fifty dead men walking”, en la que relata sus experiencias como agente infiltrado en el IRA durante la época más sangrienta del conflicto irlandés.

¿Qué podéis esperar? Un drama de acción que emplea demasiados tópicos como para resultar eficaz y contundente. A mí incluso me llegó a aburrir, porque creo que se equivoca totalmente con la estructura del relato, pero los actores se esfuerzan y hay alguna secuencia interesante. Para ver si no hay otra cosa, o eres un fan de lo irlandés.

‘Triage’

Dirección: Danis Tanovic. Países: Irlanda, España y Francia. Año: 2009. Duración: 99 min. Género: Drama. Interpretación: Colin Farrell (Mark Walsh), Paz Vega (Elena Morales), Christopher Lee (Joaquín Morales), Kelly Reilly (Diane), Jamie Sives (David), Branko Djuric (Dr. Talzani), Juliet Stevenson (Amy). Guión: Danis Tanovic; basado en la novela de Scott Anderson.

Sinopsis: Mark y David son experimentados fotógrafos de guerra. Se encuentran en Kurdistán cuando David, menos ambicioso que su compañero, decide abandonar y regresar a casa con su esposa. Mark, muy malherido, acaba en el hospital regentado por el excéntrico Dr. Talzani. Mark logra regresar a casa en un pésimo estado físico. Elena, su esposa, viendo que los problemas físicos de su esposo podrían deberse a causas psicológicas, decide pedirle ayuda a su abuelo, Joaquín Morales.

¿Qué podemos esperar? Según Jesús, una correcta película que retrata el infierno personal de un fotógrafo de guerra. Al parecer, Farrell destaca con un buen trabajo y Vega apenas tiene relevancia. Una de las que más me apetece ver.

‘Partir’

Dirección: Catherine Corsini. País: Francia. Año: 2009. Duración: 85 min. Género: Drama. Interpretación: Kristin Scott Thomas (Suzanne), Sergi López (Iván), Yvan Attal (Samuel), Bernard Blancan (Rémi), Aladin Reibel (Dubreuil), Alexandre Vidal (David), Daisy Broom (Marion), Berta Esquirol (Berta), Gérard Lartigau (Lagache). Guión: Catherine Corsini; con la colaboración de Gaëlle Macé.

Sinopsis: Suzanne, de unos 40 años, vive en el sur de Francia con su marido médico y sus hijos. Su cómoda vida le pesa y convence a su marido de que quiere volver a ejercer y abrir una consulta. Durante las obras de la misma, conoce a Iván, el encargado de los trabajos, un hombre que siempre ha vivido a salto de mata y que ha estado en la cárcel. La atracción es mutua, inmediata y violenta. Suzanne decide dejarlo todo para dar rienda suelta a la pasión.

¿Qué podemos esperar? En su crítica, Jesús nos dice que la película está bien, con una Scott Thomas espléndida. Una opción a tener en cuenta esta semana.

‘El viaje de la tortuga’

Título original: Turtle: The Incredible Journey. Dirección: Nick Stringer. Países: Reino Unido, Austria y Alemania. Año: 2009. Duración: 81 min. Género: Documental. Guión: Melanie Finn.

Sinopsis: Una pequeña tortuga marina (a la que pone voz la actriz Blanca Portillo) sigue el camino de sus ancestros en uno de los más extraordinarios viajes del mundo natural. Nacida en una playa de Florida, atravesará la corriente del Golfo hasta llegar al norte helado, nadará por el Atlántico y llegará a África para regresar de nuevo a la playa que la vio nacer.

¿Qué podemos esperar? Probablemente un estupendo documental con bellas imágenes sobre el viaje de una tortuguilla. Suena bien, pero, ¿ir al cine para ver esto? Dudo mucho que sea un éxito. Por otro lado, está bien que se hagan películas sobre animales, se les respeta muy poco y el cine puede servir para cambiar un poco las cosas, abrir los ojos al público más desinformado.

‘Negro Buenos Aires’

Dirección: Ramon Térmens. Países: España y Argentina. Año: 2009. Duración: 90 min. Género: Thriller, drama. Interpretación: Francesc Garrido (Jordi), Daniel Faraldo (Armando), Natasha Yarovenko (Alma), Jordi Dauder (Ricard), Julieta Díaz (Victoria), Carlos Kaspar (Tucu), Jorge D’Elia (ministro), Ingrid Grudke (María), Norman Briski (Camilo), Claudio Rissi (Roldon). Guión: Ramon Térmens y Daniel Faraldo.

Sinopsis: Jordi Puigmartí viaja a Buenos Aires para conseguir un contrato del gobierno en pleno periodo del ”corralito”. Jordi quiere jugar limpio, pero pronto entenderá que, en la era de la ”globalización”, los escrúpulos y la moral no tienen cabida.

¿Qué podemos esperar? Un drama sobre los problemas económicos y los líos políticos de Buenos Aires, imagino que con la posibilidad de extender el mensaje y la crítica a todas partes, más o menos. Dicen que la gente va al cine para entretenerse, más que para encontrar problemas. No le veo mucho futuro a este título.

Vía | Labutaca

Al parecer, le ha llevado a su director un lustro entero poder terminar, y por fin estrenar, este divertidisimo cortometraje en CGI. Es decir, un verdadero reto personal y profesional que se salda con un rotundo éxito estético, que no podía pasar de largo y que creo que animará la tarde a los lectores de Blogdecine. Les animará y mucho, pues está lleno de ingenio y de imaginación.

La cosa trata de un primerizo agente secreto y de las desventuras que sufre por conservar su maletín. Lucas Martell lo narra todo con un brío apoteósico, dando rienda suelta a una comedia y una acción absolutas. Su personaje es un pringado entrañable que lo pasará bastante mal, mientras nosotros lo pasamos en grande a su costa. Sin duda, cortometrajes como este son de lo mejor que podamos encontrar en la red.

Merece la pena hacer un click. Aunque, eso sí, tarda un poco en cargar. Paciencia, señor lector.

Vía | Los vídeos de Antonio Toca

“Soy un pájaro nocturno. No soy gran cosa durante el día”

- Conde Von Krolock

La apasionante, dilatada (aunque no posea, pese a su longevidad, un gran número de títulos) y variada filmografía del director franco-polaco Roman Polanski (a día de hoy, aún encarcelado en un proceso vergonzoso), tiene en su cuarta realización, ‘El baile de los vampiros’, una de sus obras más bellas, sorprendentes y, a menudo, incomprendidas. Tachada de menor por ciertos sectores de la crítica, se trata de una obra incontestablemente mayor, con Polanski en plena posesión de su talento, durante los años sesenta, con toda probabilidad la época más feliz de toda la vida del cineasta.

Con el éxito de ‘Repulsión’, que repitió la aclamación en el Festival de Berlín un año después del triunfo de ‘Cul-de-sac’, Polanski estaba preparado para ser un director norteamericano. Aunque primero llevaría a cabo un proyecto que sería mitad europeo, mitad hollywoodiense, y que sería distribuido en Estados Unidos por el infame Martin Ransohoff, que mutilaría la película, sin consentimiento del autor, y entregaría en los cines de ese país un producto incomprensible y amorfo, que propició su fracaso comercial. Eso sí, en Europa fue un gran éxito, pues pudimos ver su versión del director, que a día de hoy sigue tan viva como entonces, o más aún.

Decadente Belleza

No me resisto a repetir el título inventado por Diego Moldes, que tan bien describe esta joya, en su magnífico libro ‘Roman Polanski: la fantasía del atormentado‘: “Einstein y Kafka, cazadores aficionados, van a cazar vampiros y terminan vampirizados”. Sin duda mucho mejor que el título inventado por el mezquino de Ransohoff (‘Perdone, pero sus dientes están en mi cuello’), quien podríamos pensar que actuó como lo hizo por despecho, pues Polanski le arrebató en el rodaje a su pequeña Sharon Tate, a quien él intentaba promocionar (y de paso ganarse su afecto…). Y es que es imposible no pensar en Einstein y Kafka desde el mismo comienzo, con el propio Polanski interpretando a un trasunto (literario) del genial escritor checo, y a Jack McGowran (extraordinario) cuyo profesor Abronsius es una chiflada versión del famoso científico alemán.

Esta pareja se erige en descendencia directa de las muchas parejas cómicas que han existido en el cine, y su relación se convierte en homenaje a ese sentido del humor basado en gags visuales y a menudo mudos. La misión que emprenden en Transilvania les viene grande a todas luces, pero con entrañable determinación vivirán una serie de disparatadas aventuras primero en la casa de Shagal (impagable Alfie Bass), y luego en el castillo del conde Von Krolock, otro trasunto trágico, esta vez del conde Drácula, de consecuencias imprevisibles.

Ya los títulos de crédito dejan claro qué clase de sutil mezcla de terror y humor vamos a presenciar. Con la genial música del tristemente desaparecido, a los 38 años, Krzysztof Komeda, se suceden los títulos después de que el león de la metro se convierta en un vampiro de dibujos animados, de cuyos colmillos goteará una gota de sangre que se irá derramando entre las letras de los créditos. Ahora bien, el fenomenal diseño de producción, de Wilfred Shingleton, nos introduce con gran precisión en una atmósfera recargada, barroca y deudora de los grandes relatos góticos. De hecho, es un relato de una belleza plástica que no teme adentrarse en las cartografías de lo decadente y lo sinuoso, que de manera muy bella se articula entre la poesía y la comedia zafia.

Polanski no pierde el control del tono en ningún momento, mientras que en labores de interpretación logra uno de sus papeles más divertidos y más técnicamente complejos. En cuanto a las labores de escritura, él y Gérard Brach, alternan secuencias desternillantes (la huída de Alfred ante el acoso del vampiro de “gestos amanerados”, la famosa y magistral secuencia del baile), con otras que podrían pertenecer al cine de terror más inquietante y poderoso (como aquel momento en que Alfred oye el cántico piadoso de Sara desde alguna parte del castillo, o la inolvidable imagen de Shagal, ya vampirizado, introduciendo el cadáver de su antigua y deseada criada consigo en una oscura tumba). Nada chirría y nada queda fuera de lugar, sino que se sostiene sin aparente esfuerzo, en un conjunto admirable y que produce un gran placer a cada visionado.

Finalmente, la puesta en escena desplegada por el director, no es la propia de un cineasta de treinta y pocos años, sino la de un consumado profesional del difícil arte de dirigir películas, y la de un maestro técnico de rigurosa e intransferible personalidad. Las secuencias resueltas con perfección formal absoluta son numerosas. De ellas, quiero destacar tres:

1. Rapto de Sarah: magistral secuencia, de montaje y ritmo impresionantes. Inolvidables las imágenes de cómo entra la nieva por el lucernario, la capa roja del vampiro, su descenso lento e hipnótico, el erotismo del mordisco, el punto de vista de Alfred (que descubre al vampiro), para rematarlo todo con el llanto histérico de la madre.

2. Fracaso en la cripta: Inquietante, desternillante, romántica y soberbia secuencia, de gran complejidad, en la que Polanski dilata el tiempo a su antojo. Alfred y el profesor acuden a exterminar a los vampiros en pleno día, pero todo es un desastre. Es más, Alfred se olvida por completo de su maestro cuando encuentra fortuitamente a Sarah. Los actores, perfectos, sobre todo Tate, bellísima y trágica.

3. Baile de los vampiros: Por supuesto, la secuencia técnicamente más compleja y elaborada, la más divertida y la más terrorífica, insuperable climax de este comedia trágica. La coreografía del baile junto con la cámara podría rivalizar con el Ophuls más inspirado.

Conclusión

Muestra Polanskiana de obligado visionado para todos los amantes del cine, que sólo gana con los años y que brilla con fuerza propia entre el portentoso repoker de ases que su director filmó en los años sesenta. Además, posee el hálito trágico de ser la primera y la última película de Sharon Tate dirigida por Polanski (cuando es de suponer que la hubiera convertido en su miusa), ya que como todos sabemos moriría asesinada dos años después por la secta de Charles Manson.

Por supuesto, es recomendable verla sin el menor prejuicio, con el solo objetivo de buscar placer en ella, porque lo ofrece a raudales como solo el gran cine puede hacerlo. Y su desolador final es el único posible, y lo que termina por dejar un poso imborrable en el espectador.

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Una historia vibrante, con momentos durísimos pero que consiguen atrapar al espectador y transportarlo a una realidad tan palpable y cruda como es el drama de la inmigración en centroamérica. Dos ejes temáticos, dos caminos paralelos que se cruzan y confluyen en un profundo y espléndido reflejo del sentimiento de desesperación humana.

‘Sin nombre’ nos traslada a un espacio donde la realidad social condiciona la propia existencia, como es centroamérica. Y allí conocemos las dos historias que nos van sumergiendo en este drama cotidiano. La de Cásper, un adolescente confinado al caos de Tapachula, en la región de Chiapas (México), donde instruye a un nuevo miembro de la Mara Salvatrucha, una banda callejera mafiosa, brutal, violenta y extrema que domina el barrio e impone a sus miembros una férrea conducta. Por otra parte, conocemos a Sayra, un joven hondureña que marcha con su tío y su padre en tren hasta la frontera con Texas, en Estados Unidos.

La historia combina a la perfección ambas historias, y así vamos conociendo las vicisitudes de las situaciones de ambos, donde se ven abocados (y casi arrastarados) por el destino de su realidad. Todo ello de manera armónica, con la belleza de una fotografía cautivadora y gran dominio del ritmo que va generando cada vez más suspense con los personajes. Todo ello, filmado con un realismo apabullante, sin concesiones, y reflejando con fidelidad la carga de crudeza y desesperación que transmiten los personajes y sus vidas.

Cuando convergen los caminos de los dos protagonistas, Fukunaga no cae en sentimentalismos, mantiene su visión de una huida desesperada, de vagas esperanzas en un futuro nada prometedor, y un pasado para olvidar. Buscan una salvación a modo de rendención, que es lo único que los empuja, sin más opciones a las que aferrarse. Ello supone una mirada diametralmente opuesta de la que nos ofrecía Danny Boyle en ‘Slumdog Millionaire’ con las historias de Jamal y Latika. En ‘Sin nombre’, Fukunaga no deja resquicio al positivismo, sino a una realidad dura, difícil de digerir, pero que, por desgracia, está presente en personajes como los retratados. Jóvenes sin nombre cuyo futuro es desconcertante.

Mención especial cabe hacer sobre el trabajo de Adriano Goldman, que realiza una fotografía fascinante, completamente apropiada a la dura narración y que brinda imágenes bellísimas y atrapantes. Sin olvidarnos del excelente trabajo de los intérpretes, que logran aportar toda la verosimilitud que la historia requería. Muchos puntos a favor de Cary Joji Fukunaga, que se convierte en un sólido talento del cine independiente y al que hay que seguir la pista muy de cerca. Como supieron hacer Diego Luna y Gael García Bernal, productores de la cinta, y artífices del relanzamiento de su inexperto pero brillante realizador.

Mi puntuación:

Ayer se estrenaba en nuestro país ‘El Imaginario del doctor Parnassus’ (‘The Imaginarium of Doctor Parnassus’), un film muy sorprendente y original, que cuenta con algunos hallazgos maravillosos. Como ya adelantaba en la entrada sobre los estrenos, lo mejor de la película es lo que las circunstancias le han brindado a Terry Gilliam sin que él lo haya buscado ni lo haya escrito en el guión en su momento: Heath Ledger, que había rodado cantidad de escenas antes de su fallecimiento, sería sustituido por tres actores: Jude Law, Johnny Depp y Colin Farrell.

Sabiendo este dato, cuando comienzas a ver la película, toda tu curiosidad está en ver en qué escena se cambia de actor, cuál de ellos lo sustituye y si realmente se nota. Y los momentos elegidos para pasar a otros no podrían ser más acertados. El juego de ‘Ese obscuro objeto del deseo’ es tan adecuado a lo que cuenta la película, que parece pensado desde antes del rodaje o de que ningún desgraciado acontecimiento hubiese sucedido.

Sería de mala educación decir que, no sólo el cambio de actores introduce un elemento imaginativo interesantísimo, sino también que cualquiera de ellos actúa igual o mejor que el propio Legder. En realidad, Depp, que es quien lo sustituye por primera vez, siempre me pareció que era como un mentor para Heath y que sus gestos y voces eran muy similares. Así, la transformación primera es la que menos traumática resulta y, poco a poco, se van diferenciando más de él.

El doctor Parnassus es un anciano que lleva una barraca de feria con su hija y dos empleados. En ella, cualquier espectador puede penetrar en sus fantasías, pero presenta el peligro de que no siempre es fácil volver de ellas. El negocio no va muy bien y, además, la familia tiene que enfrentarse a una apuesta que hizo el padre años atrás y en la que pone en peligro a su hija. Casualmente, se encuentran con un hombre que padece amnesia colgando de un puente y permiten que se una a su troupe, lo que hará que cambie mucho su situación. El negocio mejora, sí, pero la joven hija del dr. Parnassus, que hasta ese momento flirteaba con el ayudante, empieza a tener dificultades para saber si le gusta más él o el olvidadizo recién llegado.

La historia, como se ve en ese resumen, es enjundiosa y tiene bastante conflicto. Sin embargo, Gilliam la narra con algo de torpeza o, probablemente, de indiferencia: lo que menos le importa es contarnos el argumento. El film tarda mucho en arrancar y, una vez lo hace, tiene bastantes parones de ritmo con escenas largas que no son necesarias o que no es imprescindible que duren tanto. Pero esto no es algo que lastre demasiado el film, pues, en su locura general, un desarrollo tan deslavazado es casi lo que mejor encaja.

Tanto deslumbra el juego de los cuatro actores que representan a Tony que nos olvidamos de comentar a todos los demás—por eso he optado por las fotos en las que no hay nada de esto—. Christopher Plummer, en el personaje del título, está cargado de peso, tanto de maquillaje, como actoralmente, ya que su Parnassus cuenta que ha vivido muchos años. Papel difícil, es de suponer, y que da un resultado más forzado que fluido. Tom Waits, como enemigo acérrimo del doctor, y con una transformación casi igual de notoria, está más suelto y más divertido en su personaje. Casi llega a ocurrir eso de que los malos nos caen mejor que los buenos. Lily Cole es la jovencita Valentina, una chica muy enigmática, a la que el extraño físico de la actriz le queda como un guante. Ella lo hace muy bien y su personaje es realmente interesante. Lo es también el encarnado por Andrew Garfield, Anton, un joven pagafantas que no tiene nada que hacer contra el atractivo del recién llegado Legder, pero que es quien de verdad ama a Valentina. Verne Troyer, por supuesto, lo que compone es ni más ni menos que el alivio cómico y el puntito de mala leche que evita que la película pastelee demasiado en los terrenos amorosos.

Las secuencias de la imaginación van siendo más bellas y arrebatadoras según avanza el metraje. Y el gran bloque final, donde convergen varios de los actores y hay una lucha entre varios de los seres vivos y entre éstos y los elementos de ficción es extraordinario. Sin embargo, no es fácil que alguien imagine por nosotros. Y, por muy universales que sean los anhelos que se muestran tras ese espejo o por mucha variedad de ellos que Gilliam plantee, es muy posible que ninguno encaje con nuestros sueños plácidos ni con nuestras pesadillas. Me ocurría ya en otras ocasiones, que las películas donde se reflejan las imaginaciones de sus protagonistas, si bien se me antojaban preciosas y fantásticas, no me aportaban otro disfrute que no fuese el estético. Y esto, por supuesto, es algo sumamente personal.

Recuerdo lo poco que convenció en general ‘Tideland’, que defendí por algunos de sus elementos. Con ‘El Imaginario del doctor Parnassus’ nos encontramos, por el contrario, con un film que puede contentar mucho más que el anterior, ya que es más universal, más vendible y agradable, y ya que cuenta con esos cuatro actores y el morbo de tratarse de una cinta póstuma.

Mi puntuación: