Quiso sentarse un rato a dormir en mi habitación. No despertó. Que ironía, hace casi 39 años yo nacía en su habitación y ahora ella decidió morir en la mía. Un leve quejido significó su adiós y obtuvo la respuesta en el interminable lamento del recuerdo de años y años de una vida digna, y sobre todo llena de bondad. Siempre me perdía en su casa, que me parecía enorme y el lugar más lejano al que quería regresar cada verano, cada Navidad.

Una casa amiga, con ventanas y puertas que daban paso a risas y llantos, a niños corriendo, a tardes durmiendo y a noches hablando. Mi perturbada mente de cinéfilo se bloquea por la cantidad de recuerdos que se agolpan uno tras otro, descubiertos como por primera vez, y me doy cuenta de que mi amor por el cine, o parte de él, se forjó allí, entre aquellas cuatro paredes llenas de rostros perdidos nunca olvidados.

Podría enumerar infinidad de momentos cinematográficos inolvidables que se sucedieron a lo largo y ancho de todos aquellos años en la televisión que me abrió un mundo fascinante, los ciclos dedicados a actores o directores, el descubrimiento de grandes autores cuyos nombres no sabía pronunciar bien, y ahora que la muerte con su silencioso abrigo arropa a la dueña de aquella casa, ésta permanece muda, triste y vacía. Intento agrupar y ordenar todos mis recuerdos de cinéfilo (el resto me los guardo para mí), y la mente empieza a traicionarme, pues con el paso de los años ésta ya no es tan lúcida, aquella casa ya no es tan grande y el mundo es mucho más extenso de lo que imaginaba por aquel entonces.

De entre todo lo que soy capaz de recopilar, sobresale una escena de una película que me impresionó sobremanera con 11 años de edad, y aún sigue haciéndolo ahora: ‘Esta tierra es mía’ de Jean Renoir, uno de sus títulos realizados en suelo estadounidense. El final es simplemente antológico. Charles Laughton es un profesor tímido y cobarde, y en esos últimos instantes se enfrentará a la muerte con un valor y entereza de los que tal vez nadie pueda presumir. Consciente de que su tiempo se acaba, se desviste completamente como ser humano, tira todos sus prejuicios y lleno de una envidiable bondad habla a su alumnos por última vez. Los derechos del ser humano es el tema, y los jóvenes estudiantes escuchan unas palabras que sólo entenderán con el paso de los años, cuando las recuerden. El profesor, que momentos antes se declaraba a la mujer de la que siempre estuvo enamorado y nunca se atrevió a decírselo, subraya el hecho del recuerdo como antídoto a la segura muerte, pues precisamente todo aquello que muere subsiste en la memoria de los vivos.

Esa entereza y ese valor aún me asustan, quizá porque llegado el momento no sea capaz de estar a la altura, y porque todos de un modo u otro intentamos huir de lo inevitable, no pensando o hablando de ello. El cine, en su corta existencia (poco más de un siglo no es mucha edad para un arte) nos ha hablado infinidad de veces de la muerte. Con pasión, con dedicación, de formas desagradables o amenas, disfrazándola, burlándose, e intentado ser el reflejo de una realidad que siempre supera al cine con creces, nunca al revés. Lo cierto es que al lado del cine, la realidad tiene mucha más riqueza de matices, más personajes, más vida. No hay travellings ni banda sonora, no hay escenas eliminadas ni finales felices. De hecho, no hay un sólo final feliz.

“Hola, soy el hijo del difunto” es la terrible y maravillosa frase que un amigo me dijo cuando le visité para darle el pésame por la muerte de su padre. ¿Qué película esconde una frase tan magnífica en un contexto que siempre nos deja mudos y desarmados? ¿Qué película transmite la sensación de un sincero apretón de manos en un momento tan delicado al oír esas palabras? Ninguna. Porque la verdad, la triste verdad que este cinéfilo vanidoso y prepotente descubre (recuerda) es que al lado de la vida el cine es una mierda, una maravillosa mierda.

Hasta pronto, ay de mín probe, vives en mis recuerdos, los de aquella tu vieja casa donde sentiste mi primer llanto. Volveremos a encontrarnos.

Aquí tenemos las nuevas e impresionantes imágenes de ‘Alice in Wonderland’ de Tim Burton, sin lugar a dudas una de las películas más esperadas del 2010. Como sabéis se trata de la adaptación de la famosa obra de Lewis Carroll por parte del director de ‘Eduardo Manostijeras’, lo cual hace que a muchos se nos caiga la baba pensando en las enormes posibilidades del relato en manos de Burton. Si a eso sumamos que se trata de su séptima colaboración con Johnny Depp, la expectación no puede ser más grande.

Combinando imagen real con animación de captura de movimiento, ‘Alice in Wonderland’ tiene un espectacular reparto. Además de Depp, desfilarán por la película Helena Bonham Carter, Alan Rickman, Anne Hathaway, Michael Sheen, Christopher Lee, Stephen Fry, Crispin Glover, Timothy Spall y la desconocida Mia Wasikowska (vista en películas como ‘Rogue. El territorio de la bestia’ o ‘Resistencia’ y en series como ‘En terapia’ de la HBO), que da vida a Alice.

‘Alice in Wonderland’, que es de esperar que en nuestro país se titule ‘Alicia en el país de las maravillas’, no se estrena hasta marzo del 2010 en los USA. Ya veremos lo que tarda en llegar aquí. Mientras tanto deleitaros con estas impresionantes imágenes.

Actualización: ‘Alice in Wonderland’ de Tim Burton, tráiler, cartel y últimas imágenes

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Vía | Comingsoon

‘Los jóvenes salvajes’ (‘The Young Savages’) es una de las películas menos conocidas de John Frankenheimer, y curiosamente una de las mejores. La película fue un fracaso en su época, a pesar de estar protagonizada por estrellas de primera fila, pero viéndola hoy uno se da cuenta de su fracaso. No fue porque estuviera mal dirigida por Frankenheimer (algo sólo creíble en muy pocas ocasiones), o porque no tuviera un buen guión, o porque Burt Lancaster ofreciese una interpretación penosa. No creo que nada de eso tuviera que ver, entre otras cosas porque dichas cosas no ocurrieron. En cambio, la dureza de su tema es muy probable que incomodase al espectador de la época: la aplicación de la bochornosa pena capital a tres adolescentes.

Dicho tema, aún de actualidad a día de hoy en los Estados Unidos, que siguen retrasados unos cuantos siglos al respecto, siempre ha llamado la atención de todos cuando se trata en una película. Films tan conocidos como ‘A sangre fría’ (‘In Cold Blood’, Richard Brooks, 1967), basado en la no menos famosa novela de Truman Capote, ‘Impulso criminal’ (‘Compulsion’, Richard Flesicher, 1959), que contiene un discurso de diez minutos por parte de Orson Welles, que debería ser enseñado en todas las universidades del mundo, o ‘Pena de muerte’ (‘Dead Man Walking’, Tim Robbins, 1995), han indagado en este espinoso terreno. ‘Los jóvenes salvajes’ lo hace con la misma dureza, sin ningún tipo de miramiento, haciendo que el espectador se revuelva en su asiento.

‘Los jóvenes salvajes’ da comienzo cuando tres adolescentes italianos asesinan a un muchacho puertorriqueño ciego. Enseguida el fiscal del distrito se encarga del caso, y pide la pena de muerte para los tres adolescentes, siendo uno de ellos el hijo de una antigua amante que tuvo. Muy pronto, el fiscal empezará a investigar por su cuenta para llegar al fondo de todo, y en su investigación se adentrará en el peligroso y complicado mundo de las bandas callejeras, donde será testigo de los prejuicios raciales, y que muchas veces las cosas no son lo que parecen.

John Frankeheimer se encontraba por primera vez, artísticamente hablando, con Burt Lancaster, el cual se quedó verdaderamente impresionado con las innovaciones visuales que proporcionaba el director a su película. Al parecer, un día Lancaster se asustó al ver la cámara en el suelo, e intentó levantarla sin saber que estaba allí específicamente para rodar una escena. El actor nunca había trabajado con un director que arriesgase tanto en sus tomas. Eran los 60, y los cánones clásicos de narración empezaban a ser eclipsados por una nueva horna de directores, algunos de ellos salidos de la televisión, que experimentaban con la puesta en escena. Lancaster quedó tan maravillado con el trabajo del director que ésta sería la primera de cuatro colaboraciones, todas ellas inolvidables: ‘El hombre de Alcatraz’ (‘The Birdman of Alcatraz’, 1962), ‘Siete días de mayo’ (‘Seven Days in May’, 1964) y ‘El tren’ (‘The Train’, 1964), trabajos que a día de hoy, forman parte de lo mejor que se hizo en la década de los 60, films con un claro aire de denuncia, y sobre todo con portentosas interpretaciones de Burt Lancaster, simple y llanamente, un monstruo cinematográfico como pocos hubo y habrá.

Es precisamente el actor, de envidiable maleabilidad interpretativa, el eje central del film. La evolución que sufre su personaje va emparejada a lo que el espectador va sintiendo según el film avanza. Esto no quiere decir que Lancaster represente en cierto modo al espectador, pero sí refleja un punto de vista desde el cual ser testigos de todo lo que pasa. En el descenso del fiscal a ambientes que no conoce (a pesar de ser descendiente de italianos), lleno de inmigrantes (otro tema candente que el film toca lo suficiente), éste descubre, y logra entender, las distintas formas de ver la vida que existen, aún no estando de acuerdo con su ideología. Pero sobre todo, descubre que no se puede juzgar por apariencias, aún siendo éstas un asesinato. Las personas son algo más que culpables o inocentes, algo que se escapa a todo juicio.

Este elemento hace que la película no sea muy cómoda de ver para muchos, aquellos que simplemente juzgan el caso en sí: ha habido un asesinato, hay tres culpables y tienen que pagar por ello. Un simplismo que Frankenheimer sortea de forma prodigiosa, indagando sobre las vidas de sus personajes. Tal vez ‘Los jóvenes salvajes’ (que en algunas de sus partes puede ser vista como un antecedente de ‘West Side Story’, estrenada siete meses después) se ablande en su tramo final, en el que descubierta la verdadera implicación de uno de los acusados, la vida de éstos, y que la víctima no era ningún alma caritativa o buenazo aunque fuera ciego, hacen cambiar radicalmente la visión del personaje central, ahora un fiscal asqueado por el mundo que le rodea, un mundo falso lleno de prejuicios, odios injustificados, demagogia barata, y arreglos sucios en los altos niveles sociales. El mundo no es blanco o negro, hay una interesante gama de grises que lo enturbian o enriquecen, por lo que en ese momento le preocupa a toda costa sacar a relucir la verdad.

Burt Lancaster borda su papel. Es increíble la capacidad de este actor para cambiar de estado de ánimo en tan sólo un segundo. Puede pasar de la alegría a la tristeza, y de ahí al enfado, con sólo la mirada. Baste señalar la secuencia en la fiesta, cuando muestra en silencio su total desacuerdo hacia la actitud de su esposa, molesta porque su marido ha pedido la pena de muerte de tres chavales. Frankenheimer coloca la cámara detrás de ello, mientras en el fondo se da un discurso importante que en dicha secuencia pasa a un segundo plano, el enfoque del director logra un efecto de impacto en el espectador de los que no se olvidan; pocas veces el silencio entre dos personajes dijo tanto. Shelley Winters da vida a una antigua novia de Lancaster (en la vida real eran amantes), una mujer únicamente preocupada por la rebeldía de su hijo, a quien cree totalmente inocente del asesinato; y Telly Savalas ofrece una interpretación de policía irónico que lo empareja directamente con su futuro Kojack televisivo.

No faltan los detalles de humor en un film cuya dureza a veces se hace demasiado incómoda (una vez más por estamparnos la verdad en la cara, ésa que no queremos ver). Baste citar la relación telefónica del personaje central con un policía socarrón que ayuda con el papeleo a Lancaster. Su aparición final ante la cámara es antológica. Detalle suaves, y no por ello menos inteligentes, que hacen que el espectador sonría, mientras asiste a un desglose del ser humano en su variopinta condición. De estrenarse en nuestros días, ‘Los jóvenes salvajes’ seguiría molestando e incomodando a muchos. Su complejidad está por encima de toda la mediocridad reinante cuando se trata de hablar sobre la innata capacidad de destrucción entre los seres humanos.

La película no está disponible en DVD, y mientras me lamento por ello, me retiro a mis aposentos a escribir sobre un reciente coñazo oriental.

Aún recuerdo mi primer visionado de ‘Terminator’ de James Cameron, un frío sábado de 1985 en un viejo cine de Ourense. Allí con 14 años quedé muy impresionado con la visión apocalíptica de un futuro realmente desesperanzador firmado por un entonces desconocido Cameron (había dirigido ‘Piraña 2: Los vampiros del mar’, más mala que el hambre). Con el paso de los años en posteriores visionados, fui comprobando que la sensación que me había producido la película no era por mi adolescente e impresionable personalidad. Mucho después llegó ‘Terminator 2’, película que si bien no me convenció tanto como la anterior (prometo volver a revisarla un día de estos) contenía algunas secuencias inolvidables. Sea como fuere, ambas mostraban brevemente un futuro desolador que infundía un gran temor. El destino de la humanidad era someterse a las máquinas, hasta que John Connor apareció con un pequeño resquicio para la esperanza.

Nada de esto aparece en ‘Terminator 3’, en la que Jonathan Mostow filmó una buena persecución con una grúa y nada más. Nick Stahl, inolvidable en la serie ‘Carnivale’ y patético como Connor, no tenía el carisma suficiente, y Schwarzenegger se repetía demasiado con el personaje que mejor ha sabido interpretar. Cuando parecía que no habría más películas sobre temibles Terminators, va y aparece McG (responsable de lindezas como ‘Los ángeles de Charlie’, protagonizada por tres muñecos insoportables) y se atreve a intentar aportar algo a la saga con ‘Terminator Salvation’, irónico título donde los haya, dada la calidad de la ¿película?

‘Terminator Salvation’ está ambientada en el 2018. John Connor es el líder de la resistencia en la lucha de humanos contra las máquinas lideradas por Skynet. Obsesionado por encontrar a Kyle Reese (de quien sabe por las grabaciones que su madre, Sarah Connor, le dejó), se cruzará en su camino con Marcus Wright, alguien que sólo recuerda haber estado en el corredor de la muerte, y que lleva consigo un importante secreto que puede suponer el fin de la humanidad. Marcus se unirá a Connor en la lucha contra las máquinas. Evidentemente el tráiler se encargó de fastidiar la sorpresa de Marcus, pero aunque no lo hiciera, creo que era fácilmente deducible, sobre todo porque si no, el penoso prólogo de la película (en el que sale una espantosa Helena Bonham Carter) no tendría razón de ser. ¿Por qué esa manía de incluir prólogos en las películas que no hacen más que estropear el devenir del argumento?

Tras esa introducción, viene una engañosa secuencia de acción con helicópteros en la que McG juega a planificar, olvidándose de imprimir ritmo a la escena, o emoción. Se presenta al personaje de Connor, más tarde a todos los que forman la resistencia y así sucesivamente en una película formada por bloques que carecen de unidad, y donde se intenta impresionar al espectador con efectos especiales tan bien hechos como mal empleados. Éstos quedan por encima de la película, sin aportar nada a la historia (mínima) que se narra. Una historia que bien podría haber escrito mi perro en una noche de descomposición, dada su aplastante simpleza, su falta de garra e interés, y sobre todo por pasarse por el forro el universo creado por James Cameron, por destrozar de cabo a rabo el futuro que nos hizo soñar, que nos hizo temer.

El futuro expuesto por McG, y sus dos guionistas (los mismos responsables de la tercera entrega) es una completa memez, una mezcla insulsa de las películas de Mad Max, con ecos hasta de ‘Transformers’. ¿Alguien me puede explicar cómo en medio del desierto aparece un robot gigantesco que ataca a varios personajes que no le han oído acercarse? Que todo esté destruido no tiene nada que ver con hacer temer al espectador la posibilidad de un futuro controlado por máquinas, las cuales por otro lado no impresionan ni lo más mínimo. El robot gigante es un ruidoso de narices, las motos pueden tumbarlas con una cuerda (toma detalle de guión inteligente), y los terminators que todos conocemos hacen acto de presencia en el tramo final del film, cuando un digitalizado Schwarzenegger provoca más vergüenza ajena que otra cosa.

La puesta en escena de McG es de las que claman al cielo, incapaz de dotar al film de ritmo, estropeando todas las secuencias de acción sin ni siquiera ser capaz de narrar dos acciones en montaje paralelo, por lo que toda posible emoción queda anulada; y es que ‘Terminator Salvation’ es una película sin emoción, uno no siente absolutamente nada cuando la ve, ni siquiera proporciona el esperado entretenimiento que se supone una de estas películas debe ofrecer. De ella poco se esperaba en verdad, pero los límites a los que llega son verdaderamente insultantes, llena de situaciones ridículas, resueltas de forma abrupta e inverosímil (la persecución que culmina en el puente es para abandonar la sala). Es el colmo de las películas de Sci-Fi: que nos podemos creer la existencia de un mundo ideado, pero que no nos traguemos todas las situaciones planteadas en el argumento por irrisorias.

Hasta los guiños a las otras entregas están realizados sin ganas, y colocados a lo largo de la trama sin ton ni son. Citemos por ejemplo la famosa frase que pronuncia Kyle Reese en el film de 1984 cuando encuentra a Sarah Connor: “Ven conmigo si quieres vivir”. En la presente la pronuncia cuando se encuentra con Marcus. O la forma en la que éste le enseña a manejar un arma, puede verse que en el film original (o sea, cuando más adelante viaja al pasado) roba una idéntica de un coche de policía y que maneja como Marcus le enseñó. Son detalles que evidentemente emparejan a las películas, presumibles nexos de unión entre ellas, pero que en el fondo no son más que paja. El guión es tan rematadamente malo que se quedan en nada.

Llegados a este punto,uno puede pensar que tal vez el reparto de ‘Terminator Salvation’ podría salvar a la película de la quema, pero no es así, al contrario, ayuda a que ésta se hunda aún más, pues los personajes simplemente no existen. Christian Bale realiza una de sus más sosas interpretaciones como John Connor, carente de carisma, e interpretado sin ganas como si al actor sólo le interesase cobrar el sustancioso cheque al final del rodaje y listo, a vivir de rentas. Bryce Dallas Howard, la preciosa Bryce Dallas Howard decepciona como la pareja de Connor, embarazada, simplemente puesta ahí para señalar que Connor tendrá descendencia (madre mía, que saga más larga nos van a colar). Anton Yelchin nos hace echar mucho de menos a Michael Biehn, y hasta logra que nos caiga mal el personaje. Michael Ironside sale en dos escenas poniendo cara de pocos amigos y se acabó. Y el que se supone el descubrimiento de la película, Sam Worthington, parece estar interpretando otro papel en otro film distinto. Mucho me temo que este actor empezará a ser famoso de verdad gracias a cierta película de James Cameron que se estrena en diciembre.

‘Terminator Salvation’ es un bodrio apocalíptico, una tomadura de pelo de más de 200 millones de dólares que trata al espectador como a un idiota. Un puñetazo directo a los recuerdos de todos aquellos que temblaron de emoción con el ya lejano trabajo de Cameron, convirtiendo la pesadilla que éste soñó en un chiste de mal gusto, aburrido y soporífero. Mientras espero volver a disfrutar con aquella película que nos descubrió a una inmensa Linda Hamilton con la que tuvimos turbadores pensamientos, me retiro a mis aposentos a escribir sobre el más bestia tiroteo a un autobús que se haya visto en una pantalla.

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• ‘Terminator Salvation’, imaginación bajo mínimos
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• Terminator sin salvación

‘Secret Sunshine’ es el título internacional que ha recibido ‘Milyang’, película coreana que a su vez toma prestado el nombre de la ciudad donde fue filmada para su título original. Se trata de la nueva película (y eso contando que ya tiene dos años) de Lee Chang-dong, director de prestigio que hasta ahora ha firmado cuatro películas, todas ellas ganadoras de un buen puñado de premios. La presente se ha hecho con los galardones de mejor película, director y actriz en los Asian Film Awards, que son algo así como los Oscars asiáticos. Además, en el Festival de Cannes de hace dos años se alzó con el premio a la mejor actriz, Jeon Do-yeon, sin duda lo mejor de ‘Secret Sunshine’, y también lo único.

A veces me sorprendo de las buenas críticas que recibe tal o cual película, algo que se acentúa sobremanera cuando el título en cuestión procede de tierras orientales. Es curioso, pues el rasero parece cambiar cuando las películas provienen de allí, como si poseyeran la capacidad de hipnosis para convencer a todo el mundo de que son buenas. Bien es cierto que si no fuera por muchas perlas provenientes de allí (yo aún le debo a mi compañero Caviaro el descubrimiento de muchas de ellas) algunos cinéfilos andaríamos enfadados todo el día por la mediocridad reinante en el actual cine. Pero también desde allí nos importan peñazos, y éste es uno de ellos.

La historia de la película empieza con una joven mujer (Shin-ae) que, tras la muerte de su marido, decide viajar al pueblo natal (Milyang) de aquél con su hijo pequeño. Allí, donde es prácticamente una desconocida, comenzará una nueva vida, en la que recuperará una de sus pasiones, ser profesora de piano. Pero cuando las cosas empiezan más o menos a ir bien, el hijo de Shin-ae es secuestrado, y su mundo se derrumba. Este hecho tendrá fatales y destructoras consecuencias para Shin-ae, que encontrará consuelo en la religión.

‘Secret Sunshine’ es el claro ejemplo de película con trama interesante, pero cuya forma de exposición la convierte e una de las más insoportables que se hayan visto recientemente (y aquí pueden meterse en el mismo saco films de toda índole, ya que un peñazo lo es, sea un film de acción, sea un drama, sea una comedia, etc.). Siempre he defendido la idea de que da igual qué te cuenta una película, si ésta lo hace de una forma que te tenga atento a la pantalla. No me importa si es un western, un drama, un film de Sci-Fi, o todo junto a la vez. Me da igual si el argumento es el más complicado jamás visto, o la premisa más sencilla que se haya escrito, siempre y cuando lo hagan de forma atractiva. La forma hace el fondo. Cuando estos dos términos se separan a gran distancia, algo no funciona, y en el caso de ‘Secret Sunshine’ es el lentísimo y pesadísimo tratamiento de lo que cuenta.

Hablamos de una película de 142 minutos de duración, en los que el director se explaya demasiado con una historia que desde luego hubiera ganado muchísimo de haber sido condensada en su justa medida. De la otra forma, el film se diferencia en varios bloques que no terminan de encontrar el tono adecuado. La película empieza como un drama intimista, el de una mujer que busca una nueva vida aún echando de menos a su marido. De repente, y antes de que nos adentremos en un sueño profundo, cambia a lo que parece un thriller (el secuestro de su hijo), para terminar hablando de la monumental ceguera de algunos cuando se enganchan única y exclusivamente a la religión.

‘Secret Sunshine’ se aguanta a duras penas, gracias a la loable interpretación de su actriz principal, merecedora de todos los premios que ha llevado y más. Jeon Do-yeon pone toda la carne en el asador, haciendo pasar a su personaje por distintos estados de ánimo y conectando con el público. Es una pena que su trabajo quede oculto dentro de una película que pone a prueba la paciencia del espectador a lo largo y ancho del metraje. Do-yeon está muy por encima de su compañero de reparto, Song Kang-ho (visto en ‘The Host’ o ‘Memories of Murder’), que da vida a uno de esos personajes que suelen quedarle tan bien: un hombre corto de miras que roza la estupidez. El problema es que aquí, no causa tanta fascinación como en otros trabajos suyos, y la relación con Shian-ae, de quien está bobamente enamorado, pierde fuelle al poco de comenzar, por no hablar de que es el aspecto más previsible y tópico del film.

La película ha conocido un estreno limitado y tardío en nuestras salas, destinado sobre todo a los fans del cine oriental, o todos aquellos que quieren ver algo distinto a lo que Hollywood nos suele ofrecer. No termino de encontrarle el sentido al estreno de un film dos años después de lo debido, cuando muchos aficionados lo habrán visto por otros métodos. Al final, es la pescadilla que se muerde la cola, estrenos tardíos que no funcionan porque parte de su público ya lo ha visto, lo que hace que las distribuidoras (las principales culpables del retraso de cualquier película, ellas y nadie más) se arriesguen cada vez menos a estrenar en cines films de esta índole, que tienen su público. Independientemente de que a mí me haya parecido una mala película (esas largas secuencias en plano general no llevan a ningún lado), ‘Secret Sunshine’ está destinada al olvido por culpa de una mala distribución, algo por lo que siempre hay que lamentarse. Mientras esta vez yo no me quejo demasiado me retiro a mis aposentos a escribir cómo han destrozado el universo creado por James Cameron.

La próxima ceremonia de la estatuilla dorada tendrá alguna que otra variación, siendo la más importante la de que ahora podrán ser diez películas las nominadas a mejor película, según ha anunciado recientemente el presidente de la Academia de Holywood, Sid Gannis. De esta forma se vuelve a algo que fue muy habitual a principios de la década de los 40, cuando eran diez las nominadas (‘Casablanca’ fue la última ganadora al respecto en 1944). En 1935 se llegó al número de doce en las nominaciones en la misma categoría. Y ahora, parece que las cosas volverán por esos derroteros, aunque habrá que ver cómo se las desempeñan para nominar nada más y nada menos que diez películas a un premio que se supone es el más gordo entregado a un film. En aquellos años era fácil dar con diez obras maestras, hoy día se necesita un milagro, o varios…

Son muchas las dudas que surgen al respecto. ¿Se verán afectadas las otras categorías por dicha decisión? ¿Tiene algún sentido nominar diez películas y sólo cinco directores? ¿Veremos una película nominada a mejor película y a mejor maquillaje nada más?

Las nominaciones se harán públicas el 2 de febrero, y la ceremonia será el 7 de marzo, un poco más tarde de lo habitual en los últimos años, ya que del 12 al 28 de febrero del 2010 se celebran en Vancouver los Juegos Olímpicos de Invierno.

Vía | Variety

Aquí tenemos el cartel de ‘A Perfect Getaway’, la nueva película como director de David Twohy, realizador entre otras de ‘Pitch Black’ o ‘¡Han llegado!’ (aquel despropósito protagonizado por Charlie Sheen). Esta vez cambia la Sci-Fi por el terror puro y duro. La película narra la historia de dos parejas que, de luna de miel en Hawaii, ven alteradas sus vacaciones porque alguien se está dedicando a asesinar turistas. Un argumento de lo más original y sorprendente…

Milla Jovovich y Steve Zhan forman una de las parejas, y Timothy Olyphant y Kiele Sanchez la otra. También se deja ver por el reparto Chris Hemsworth, visto en el impresionante inicio de ‘Star Trek’, de J.J. Abrams, y el futuro Thor de la mano de Kenneth Branagh. ‘A Perfect Getaway’ se estrena a mediados de agosto en los USA, sin que todavía exista fecha de estreno en España. Lo cierto es que no creo que le importe a muchos, servidor el primero.

Vía | Impawards

El viernes pasado se estrenó la última película de Elio Quiroga, ‘No-Do’, una apuesta patria por el cine de género de la que ya os hablaré en un futuro post. Con tal motivo, su principal protagonista, Ana Torrent, nos concedió una entrevista. Como bien sabéis Torrent es una de las actrices más prestigiosas de nuestro cine, que empezó siendo aquella niña que miraba fascinada ‘Frankestein’ en ‘El espíritu de la colmena’ de Víctor Erice.

Años después llegó ‘Tesis’, otro punto importante en su carrera, que nos descubría a un director que se convertiría en uno de los mejores del cine español. Luego ‘Yoyes’, probablemente su papel más polémico y por el que ha recibido excelentes críticas. Ana Torrent reparte su tiempo entre Nueva York y nuestro país. Nos hubiera gustado que se extendiera un poco más en las respuestas (prácticamente son telegráficas) pero desde aquí le agradecemos la molestia y le deseamos lo mejor.

• En ‘Tesis’ destacaste por tu gran trabajo en una cinta de género, ahora con ‘No-Do’ volveremos a verte en una cinta de terror, ¿te sientes cómoda en él?

Tesis es más bien un thriller y No-Do es una película de terror. En ambas películas me he sentido cómoda, sobre todo gracias a los dos directores.

• ¿Cómo ha sido la experiencia de trabajar con Elio Quiroga? Y viajando un poco en el tiempo, ¿y con Carlos Saura y Víctor Erice?

Trabajar con Elio ha sido un descubrimiento. Es una persona estupenda, que transmite mucha tranquilidad y con muchísimo talento que no se le ha reconocido hasta ahora.

Con Saura y Erice tengo sobre todo recuerdos personales.

• ¿Crees que el cine de género y en concreto el de terror está siendo uno de los mejores escaparates del cine español reciente?

Creo que sí, se está haciendo mucho cine de esté género y de mucha calidad.

• Has trabajado en ‘Las hermanas Bolena’ una producción made in Hollywood, y resides habitualmente en Nueva York, ¿te gustaría trabajar más en el cine americano o seguir haciendo cine en España?

Me gusta trabajar donde se me ofrezca una buena película y un buen personaje.

• ¿Qué opinas de la actual situación del cine español?

Este año, como todo, la situación no está muy bien. No hay mucho movimiento

• ¿Crees que la televisión española es una buena cantera para el cine de este país, o que por el contrario sólo ofrece actores muy televisivos?

Creo que hay actores con bastante talento en el mundo del cine y en el mundo de la televisión. Además del talento, sobre todo se aprende trabajando y ahora mismo donde hay más trabajo es en la televisión.

• ¿Cuáles son las actrices de nuestro cine a las que más admiras?

Hay muchas actrices a las que admiro, pero si me pides que te diga un nombre, te podría decir Verónica Echegui, que es de las actrices jóvenes que más me gustan.

• ¿Y el director?

Me gustan muchos directores y me gustaría trabajar con Alex de la Iglesia.

• ¿Qué esperas de ‘Ágora’?

Otra buena película de Alejandro.

• ¿Cuál ha sido tu papel más difícil, y el que te ha salido más natural?

El más difícil seguramente Yoyes y natural, no sé, todos los papeles los tengo que preparar bastante.

• ¿Qué es lo más complicado de ser actriz en España?

Que a veces, nuestro trabajo no se respeta demasiado

• ¿Las últimas películas internacionales que más te han gustado?

La última película que he visto ha sido “The visitor” y me encantó.

• ¿Cuáles crees que son tus principales virtudes como actriz? ¿Y defectos?

Nunca los confesaría en alto, jajaja

• ¿Qué supuso para una niña de 6 años trabajar en El Espíritu de la Colmena?

Supuso mi descubrimiento del mundo del cine y como niña entrar en un mundo de magia.

• ¿Marcó mucho tu carrera como actriz?

Muchísimo, ya que fue una gran película.

• ¿Qué proyectos futuros tienes?

Ahora mismo me encuentro rodando la serie de TVE “U.C.O”

• ¿Qué le falta al cine español? ¿Es marketing?

Le falta marketing y buenas historias.

• ¿Por qué se apuesta tan poco por los jóvenes directores españoles, habiendo una cantera tan buena? ¿Y por qué muchos fracasan cuando dan el salto al largo?

Con la situación que hay ahora mismo realmente no se apuesta por nadie.

• ¿Cómo ves que los jóvenes directores españoles hayan decidido dar el salto y rodar películas americanas?

Me parece muy bien.

• ¿Qué piensas sobre que muchas películas se lleguen a conocer gracias a la mal llamada piratería, películas que de otra manera seguramente ni se conocerían?

Ahora mismo es muy difícil controlar el mundo de la piratería, habría que regularlo de alguna forma, de todas formas, si alguien tiene interés en ver una película irá al cine. También, los precios de las entradas son bastante altos.

• Volviendo a ‘No-Do’, ¿crees que cierto sector religioso puede molestarse por la película al verla como algo más que una película de terror?

Creo que no, ya que parte de la película está basada en hechos reales y parte es ficción.

• En el tráiler, por cierto excelente, te vemos gritar varias veces, ¿prefieres personajes más calmados o te gusta desmelenarte?

No entiendo mucho la pregunta, no es lo mismo gritar que desmelenarse, jeje.

• Y por último, tras casi cuatro décadas dentro del cine español, y con la perspectiva del tiempo y la experiencia adquirida a lo largo de todo ese tiempo, ¿Cómo percibes la evolución de nuestro cine? ¿Hay algo que te moleste especialmente, o que te guste, o casi nada ha cambiado desde entonces?

Esta es una pregunta demasiada amplia para resumirla en un par de líneas.

Muchas gracias por tu tiempo, y un abrazo muy fuerte.

Exacto, si alguien lo dudaba, habrá ‘Misión: Imposible 4’. Lo cierto es que la saga ha resultado de lo más rentable y a Tom Cruise no le viene mal volver a ser el centro de atención, puesto que lo de ‘Valkiria’ no le salió tal como había previsto; recaudó bastante dinero pero nadie se planteó que él estuviera nominado al Oscar, seguramente su principal objetivo.

Así que esta semana tanto el actor como J.J. Abrams, uno de los tipos de moda en Hollywood, director de la tercera y estupenda entrega (a la que pertenece el impresionante arranque que tenéis arriba, en la ventanita del Youtube), han confirmado que están trabajando en la próxima ‘Misión Imposible’, tras dar con una fantástica idea para el argumento; me juego tres nubes de gominola a que implica viajes en el tiempo.

Nada más se sabe, puesto que aún la producción se encuentra en una fase muy inicial, pero parece claro que Abrams no volverá a estar en la silla del director, lo cual entra dentro de la lógica de la saga, ya que nunca se ha repetido realizador. Primero fue Brian de Palma, luego John Woo y por último el director de ‘Star Trek’ (todo un éxito en Estados Unidos, habiendo superado ya ampliamente los 200 millones de dólares). Se dijo que Cruise quería a Joe Carnahan para ‘Misión: Imposible 3’, quizá lo intente ahora.

Más sobre la nueva ‘Conan’ que se está preparando, en teoría, un acercamiento más fiel al personaje creado por Robert E. Howard, lejos de lo que pudimos ver en las películas protagonizadas por Arnold Schwarzenegger. O eso, al menos, es lo que nos quieren vender.

En un principio, el elegido para dirigir el proyecto iba a ser Brett Ratner, un tipo que lo mejor que ha hecho es ‘El dragón rojo’, y sólo porque tuvo un fantástico reparto a su servicio. Tras un tiempo vinculado al proyecto, Ratner abandonó el barco, según parece por problemas de calendario (es decir, quería irse a la playa cuando aún debía estar supervisando la preproducción), y ahora sabemos a quién han buscado para sustituirle. ¿Habéis visto el remake de ‘Viernes 13’ que se estrenó hace poco? Marcus Nispel fue el responsable de eso y lo será también del nuevo Conan.

La cuestión fundamental con todo esto es que los productores necesitaban ya a un tipo que ocupara la silla de director, puesto que el rodaje está previsto para mediados de agosto, en Bulgaria, y no estaban dispuestos a perder dinero retrasando la fecha. Así que Ratner les dejó con el trasero al aire y entre lo que había disponible han optado por Nispel, que, dicho sea de paso, parece un realizador adecuado si lo que quieren es violencia, sangre y una estética videoclipera que atraiga a los más jovencillos al cine.

El tiempo corre y aún no han encontrado a un Conan para la película. Dicen que no quieren un sustituto de Arnold, sino al próximo Arnold, pero sobre todo a un buen actor. A mí me parece que no saben lo que quieren. Imagino que habrán tanteado a Sam Worthington, que ahora mismo es el actor de moda, pero dudo mucho que al australiano le interese embarcarse en otra que haya tenido al Chuache como protagonista. Ya veremos.

Otro cambio que parece seguro es el del director de ‘Predators’, el remake sí-pero-no de ‘Depreador’ que se suponía que iba a realizar Robert Rodriguez. Pues ahora resulta que no, que éste sólo va a producir la película, mientras que el británico Neil Marshall será quien orqueste realmente la filmación.

El nombre de Marshall sólo os dirá algo si habéis visto ‘Dog Soldiers’, ‘The Descent’ o ‘Doomsday’. Vi la primera porque me la recomendaron varios amigos, diciéndome que era algo diferente, y vaya sí lo era, pero por lo cutre que resultaba todo; no obstante, debo admitir que me reí varias veces y hacer hombres lobo con poco dinero no es nada sencillo. La segunda me pareció una incómoda y entretenida película de terror, con el único problema de unos “malos” que no encajaban demasiado (casi mejor era no haberlos mostrado, parecían hijos bastardos de Gollum).

Y la tercera la vi porque pensé que Neil Marshall habría evolucionado a mejor, pero me encontré con todo lo contrario, su peor película, una infumable mezcla de géneros sin ninguna gracia. Dicho eso, no me parece nada mal que sea este director y no Rodriguez quien se encargue del proyecto, el mexicano es de lo más irregular y creo que Marshall le va a poner más ilusión y empeño al trabajo, aún tiene mucho que demostrar.

Por otro lado, se ha desmentido ya de forma oficial un rumor que sugería que Robert Rodriguez habría intentado convencer a Arnold Schwarzenegger para que participara brevemente en este nuevo film, siendo el gobernador de California, como bien sabéis, el protagonista de la trepidante primera parte. Según parece, todo es falso, el director de ‘Sin City’ no ha contactado con el Chuache, y en realidad no había motivo para ello, si la idea es hacer un “reboot” (“reinicio”), lo lógico es empezar con nuevos actores. Quizá sea la hora de Roland Kickinger.

Por último, “medio-noticias” sobre ‘El Hobbit’, la esperadísima nueva película doble sobre la obra de J.R.R. Tolkien. El mexicano Guillermo del Toro, que está trabajando en Nueva Zelanda con Peter Jackson para crear esta nueva aventura, ha confirmado recientemente que Ian McKellen, Andy Serkis y Hugo Weaving estarán en las dos películas que va a dirigir, repitiendo los personajes que ya interpretaron en la trilogía de ‘El señor de los anillos’ que realizó Jackson.

Bueno, no puede decirse que este anuncio sea algo inesperado, pero desde luego sí que reconforta saber que van a poder contar con estos actores para los personajes de Gandalf, Gollum y Elrond, ya que verlos con otros rostros resultaría ciertamente extraño. De todas formas, seguimos sin saber quién encarnará a Bilbo Bolsón, el protagonista principal de la historia, aun cuando Del Toro y Jackson llevan tiempo diciendo que tienen claro qué actor debe interpretarlo. Se dijo que James McAvoy era el elegido, pero no hay nada oficial por ahora. Toca seguir esperando.

PD: Aunque creo que sé la respuesta, uno siempre se lleva sorpresas… ¿cuál de las cuatro películas esperáis con más ganas?

Vía | Empire

El 19 de julio se estrena ‘V.O.S.’, la nueva película de Cesc Gay, el director de, entre otras, ‘Krampack’ (que no estaba mal) o ‘En la ciudad’ (que a mi personalmente me parece un tostón de esos que invitan a un placentero sueño). Aquí os traemos el tráiler de la película, en la que el director se pasa por primera vez a la comedia, basándose en una obra de teatro de Carol López que Gay siempre tuvo ganas de llevarla al cine desde que la vio. Un juego sobre la subjetividad entre dos parejas.

La película está protagonizada por los mismos actores de la obra: Ágata Roca (buena actriz que a mi juicio debería estar en primera plana muy por encima de otras), Paul Berrondo, Vicenta N´Dongo y Andrés Herrera. El tráiler no me ha dicho absolutamente nada, y es que la verborrea de la que siempre han hecho gala las película de Gay parece que va a repetirse aquí aunque sea una comedia. Esperemos que haga reír como sí lo hace la serie ‘Jet Lag’ (escrita por Gay), y donde también podemos disfrutar de una Ágata Roca en estado de gracia.