Como nos adelantaba mi compañero Alberto, Robert Rodriguez ha logrado reunir un atractivo reparto para ‘Machete’, su nuevo trabajo. Aquí os traigo las primeras fotos de Jessica Alba, Michelle Rodriguez, Steven Segal, Danny Trejo y el director (con el habitual sombrero) en el set de rodaje, situado en Austin, Texas. Además de los mencionados, en el reparto también figuran Robert de Niro, Lindsay Lohan, Don Johnson y, cómo no, Cheech Marin.

‘Machete’ es la extensión a largometraje del “fake trailer” que Robert Rodriguez filmó para ‘Grindhouse’, que ya sabéis que en España se estrenó de forma incorrecta, separando ‘Planet Terror’ de ‘Death Proof’ y eliminado esos falsos tráileres que nos anunciaban falsas películas (y que eran parte de la experiencia ideada por Quentin Tarantino y Rodriguez). Finalmente, a Rodriguez le gustó tanto su tráiler que decidió convertirlo en una película de verdad, que estará en los cines el año que viene. ‘Machete’ gira en torno a la violenta venganza de un ex-agente federal que fue traicionado por su propio gobierno.

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

PD: Según los créditos, Rodriguez vuelve a compartir la dirección, esta vez con Ethan Maniquis.

Vía | Latetaenroscada

Como bien argumenta Refo en su blog, este premio (de reciente creación en el prestigioso festival) puede molestar a muchos, pero genera satisfacción entre los que hemos vivido buenos e inolvidables momentos cinematográficos a lo largo de años. No es tanto el grato recuerdo nostálgico del pasado, es una alegría por aportar personajes, que por mucho que nos pese, son leyenda del cine: Rocky Balboa o Rambo. Y tampoco hay que olvidar que siempre se esforzó (y lo sigue haciendo, como pronto podremos comprobar) en tareas de producción, escritura y, en definitiva, en todo lo que un cineasta puede hacer para defender su personal tipo de cine.

Es cierto que el principal argumento de los que defenderán que este tipo de premios deberían recaer en manos de autores más serios (véase los anteriores premiados: Kitano, Kiarostami o Agnès Varda), es que posee títulos que bien merecen olvidarse, pero es que a lo largo de todos los años que lleva en esto del cine, un veterano como Stallone ha brindado algunas buenas películas, de carácter comercial, pero que merecen también este reconocimiento. No aplaudirán al músculo, en vez de al cerebro, sino al espíritu entusiasta, al defensor de un cine para el gran público, y un incansable currante que aún sigue planteando batalla (aunque es cierto que ha perdido mucho fuelle, ya que la edad no pasa en balde).

Otra de las razones por lo que lo veo muy justo, es porque supone una decisión valiente, con ganas de salirse del guión por parte de la organización del festival. Todos sabemos como en este tipo de certámenes (como Cannes, Berlín o San Sebastián) se utilizan a las grandes estrellas mediáticas, incluso las menos reconocidas por su calado y más por su carácter comercial, para dar repercusión a las ediciones, y al final acaban otorgando los premios a verdaderos truños (ojo, no siempre), a películas y cineastas considerados de autor, que tienen en los festivales su único lugar de reconocimiento (y casi de vida de sus películas), puesto que su cine no suele gustar al gran público, o simplemente no llega porque todos apuestan por sus trabajos. Por ello, dar un premio honorífico a Sylvester Stallone en la Mostra de Venecia (será en la gala de clausura) es, cuanto menos, valiente por levantar la mirada, más allá del ombligo, que es lo habitual.

Stallone ha respondido, como no podría ser de otra forma, con enorme gratitud y halagos, además de que corresponderá a tal honor de forma especial. Expondrá, en primicia, y para los presentes en el Lido veneciano, algunas secuencias de su esperado nuevo trabajo ‘The Expendables’, por cierto buen ejemplo de su combativo y enérgico espíritu.

Vía | El Cultural y La Biennale

¿Cómo una industria que factura al año, en el mundo, tropecientos millones de dólares, y que fabrica al año decenas de miles de películas logra hacer malo ese dicho de: “de la cantidad sale la calidad”? Es que es verlo para creerlo. Y ya, ya sé que algunos estarán diciendo, o pensando, ahora mismo que esto no es cine, que es una basura. Y que además está grabado en vídeo, la mayoría de las veces. Bien, todo esto es cierto, no voy a venir a negarlo yo.

Pero por un lado el cine porno (no empleemos, hagan el favor, el recalcitrante eufemismo de “cine para adultos”) me parece un fenómeno sumamente interesante, que no merece ser despreciado y llevado al ostracismo (gente como mi admirado Paul Thomas Anderson, sin duda uno de los más grandes cineastas del mundo, asegura ser capaz de distinguir entre los estilos del cine porno de cada año…), y que, de alguna forma, es hasta necesario y cumple una importante función social. Lástima que adolezca de tantos problemas crónicos. Hablemos un poco de metesac…digo, de porno, ¿qué os parece?

Sí, vale. Soy un consumidor de porno. Supongo que como el 95% de los hombres y el 33,333% (o algún número abstracto y falso) de las mujeres. Tampoco soy un devorador compulsivo, pero precisamente por eso puedo hablar con conocimiento de causa. Y que no se preocupe el lector que no voy a salirle ahora con el consabido (y falso) argumento de que en el cine porno falta precisamente eso, argumento. Aún recuerdo a ese productor de la insuperable ‘El gran Lebowski’, alegando que lo que le falta al cine porno es emoción, historias. No estoy de acuerdo. Tampoco voy a empezar ahora con ese argumento, patrimonio de las espectadoras femeninas, de que al cine porno le falte erotismo, sugerencia, sensualidad.

Eso es cine erótico, que tiene buenos exponentes, como el célebre (en justicia) Tinto Brass, y alguno que otro más. Es decir, el cine erótico se puede defender. El cine porno, pues no. Y en cuanto a que no es cine sino vídeo, cuántas veces habremos hablado en este blog de películas filmadas en vídeo o HD. La frontera está cada vez menos clara, y supongo que tendremos que hablar de cine cada vez que nos encontremos ante un soporte audiovisual. Pero me voy por las ramas, decía que el porno es más bien para hombres. O puede que no…

De todos los tipos de porno, el que más posibilidades ha dado ha sido el malogrado “Gonzo”, ese porno en el que un tipo simula ir con una cámara de vídeo por aquí y por allá, y fíjate tú qué casualidad, se encuentra con orgías y situaciones morbosas de toda índole, lo que son las cosas. El problema es que no saben darle el debido uso, pues a menudo el protagonista no es el que lleva la cámara (usando el punto de vista siempre deseable en toda narración), sino otro fulano. Y, para colmo, ¡la chica pregunta por qué su amigo lleva una cámara! Como si eso fuera necesario. Amigos realizadores de porno, el espectador no es imbécil, no hace falta justificar la cámara en mano.

Pero el cine porno es un catálogo de obviedades. A todos nos gusta ver a una chica con una minifalda estupenda…pero ¿es necesario que sin agacharse siquiera ya se le vea su estupendo trasero? Es que suelen ponerles las falditas a la altura de la cadera. El morbo no es la imagen facilona, hay que echarle un poco de ingenio. Por eso el cine porno aburre hasta a las ovejas, sobre todo porque toman al espectador por idiota. Pero claro, con ese catálogo de vedettes (y en eso, me temo, el cine europeo es en lo único que gana al yankee, están mucho más buenas las checoslovacas o italianas que las norteamericanas…aún me vuelve loco Monica Sweetheart, de quien no me he resistido poner una foto al principio de este post), qué más les da el ingenio.

Pero más alla de eso. ¿Por qué todas las películas porno tienen que ser, no ya cutres, sino decididamente horteras? Es que no lo entiendo, maldita sea. Y en ocasiones el asunto alcanza lo grotesco. Los directorcillos de cine porno se creen artistas incomprendidos muchas veces (y peor es con las actrices, alguna ingenua cree que logrará llegar a ser actriz dramática…) y se ponen a “experimentar” con diseños de producción inenarrables, o movimientos de cámara dignos de un chiquillo de trece años. Para luego, a la hora de la verdad, ser incapaces de filmar lo importante (o sea, la razón por la que nos ponemos a ver una peli porno, diablos) con un mínimo de profesionalidad.

Y, ya para terminar, ¿por qué co*ç$% doblan las películas porno? ¿A alguien le interesan los diálogos? ¿Acaso los gemidos y gritos del personal son más interesantes en otro idioma? Uno intenta poner la versión original en Canal+, para evitarse esos doblajes dantescos… pero no hay. Y así vamos, con muchas preguntas sin respuesta, y con películas porno que son, en el 99,9999 % de los casos, auténticos calcos unas de otras: flirteo insustancial-lamidas y babeadas varias-penetración vaginal-penetración anal-corrida facial (esa es otra, desde que a mediados de los ochenta se descubrió en occidente, porque en oriente era algo habitual, la corrida facial, deben haberse filmado 342984394893482394 escenas iguales). Y así cinco escenas por película y a casita, que llueve. Olé y olé. Y además olé.

Además, me llama muchísimo la atención lo ingenuos y hasta entrañables que resultan los profesionales de este gremio, muchas veces. Como esos directores que aseguran que es un cine mucho más realista que el cine convencional porque todo lo que se ve es real (???), o esos actores que viven en una realidad paralela. Aún recuerdo cierta chusca mesa redonda con Nacho Vidal, en la que este hombre, en perpetuo estado de estar encantado de haberse conocido, nos contaba un poco sus experiencias como actor. En el fondo, son buena gente y hacen algo que les gusta. Lo malo es que no convencen porque siempre hacen lo mismo y lo hacen mal.

Pero aún descubrimos alguna que otra secuencia interesante, un cruce de miradas o un gesto llenos de intensidad física, que con toda seguridad han sido producto del azar, y no del talento del director. En fin, que no podía pasar la oportunidad de hablar, aunque fuera por una vez, de este “ejem” género.

Paramount Pictures ha sacado hoy la primera imagen de Mickey Rourke como Whiplash, uno de los villanos a los que tendrá que enfrentarse Tony Stark (Robert Downey Jr.) en ‘Iron Man 2’, actualmente en fase de rodaje. El look de Rourke es de lo más peculiar y de no ser por esa esfera característica de Iron Man, uno pensaría que el actor está filmando alguna secuela de ‘Mad Max’ o de ‘Piratas del Caribe’.

El director, Jon Favreau, se ha referido a la imagen y ha aclarado que el personaje, que se llama Ivan Vanko y es ruso (a ver el acento que luce Rourke), construye su propia armadura a partir de la tecnología que desarrolló Stark en la primera parte. La novedad es un par de látigos alimentados por el mismo centro de la armadura, cuyo destino será atizar el culo metálico de Iron Man.

Recordemos que en la película también actúan Gwyneth Paltrow, Scarlett Johansson, Sam Rockwell, Samuel L. Jackson y Don Cheadle, en sustitución de Terrence Howard, a quien le rescindieron el contrato por considerar que cobraba demasiado. La fecha del estreno es el 7 de mayo de 2010.

PD: Johansson entró porque Emily Blunt, la primera elección de Favreau, había firmado para protagonizar ‘Gulliver´s Travels’.

Vía | Worstpreviews

Mañana, 5 de marzo, comienza en el cine Palafox de Madrid la VI Muestra de Cine Fantástico, que está patrocinada por el canal Sci Fi.

La sesión inaugural consistirá en el adelanto en un día al estreno en salas de la esperadísima ‘Watchmen’, la adaptación de Zack Snyder de la miniserie de cómics creada por Alan Moore y Dave Gibbons.

El domingo 8, la sesión de clausura estará protagonizada por el preestreno de ‘Underworld. La rebelión de los licántropos’ (‘Underworld Rise of the Lycans’), tercera entrega de la saga, dirigida por Patrick Tatopoulos, que cuenta el origen del conflicto entre vampiros y hombres lobo.

Me parece un acontecimiento muy interesante, sobre todo, teniendo en cuenta que Madrid no suele acoger festivales de importancia. Lo único que me plantearía antes de acudir es la dificultad para conseguir entradas, debido a la masiva asistencia que puede congregar una muestra tan especializada y dirigida a un público que, aunque parezca minoritario –de ahí el apelativo de “freak“—, en realidad es muy extenso.

El viernes, día 6, comenzará con una sesión de entrada gratuita en la que se proyectará una selección de los mejores cortometrajes de género vistos en la pasada edición de la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián y de un episodio inédito de la cuarta temporada de la serie ‘Galáctica’ (‘Battlestar Galactica’). Al mismo tiempo, se estará viendo ‘Eden Lake’, de James Watkins, en la que una pareja que está de acampada es atacada por unos adolescentes. Se proyectará más tarde ‘Martyrs’, de Pascal Laugier, en la que una joven que fue secuestrada de niña perpetra una venganza. Se podrá ver también la surcoreana ‘Chugyeogja’ (2008), que tiene como título internacional ‘The Chaser’ (el perseguidor) y cuyo director es Hong-jin Na. Cerrará la noche ‘The Cottage’, de Paul Andrew Williams, que parece que mezclase los argumentos de las anteriores: pues hay un secuestro de una chica, hay un enclave aislado y hay adolescentes.

El sábado, día 7, se proyectan también varios títulos: el primero es ’20-seiki shônen: Dai 2 shô – Saigo no kibô’, de Yukihiko Tsutsumi, la segunda entrega de la adaptación del manga de Naoki Urasawa ‘20th Century Boys’. Le seguirá ‘El vagón de la muerte’ (‘The Midnight Meat Train’, 2008), de Ryûhei Kitamura. El trabajo de la hija de David Lynch, Jennifer Lynch, ‘Surveillance’ (vigilancia), se podrá ver a continuación. La premiada ‘Déjame entrar’ (‘Låt den rätte komma in’), de Tomas Alfredson, será el título que se proyecte a las 22:45. Por último, se verá ‘Splinter’, de Toby Wilkins.

El domingo, día 8 de marzo, comenzará con la proyección de ‘Inju, la bête dans l’ombre’ (Inju, la bestia en la sombra), de Barbet Schroeder y seguirá con ‘Vinyan’, de Fabrice du Welz. Todo ello antes de la sesión de clausura.

Como en anteriores ediciones, la presentadora de la Muestra será Leticia Dolera, actriz protagonista de ‘Imago Mortis’ y ‘Circuit’.

Además de las proyecciones, habrá otras actividades y se podrá contemplar la exposición del diseñador de efectos especiales Tomoo Haraguchi

Otras noticias en Blogdecine sobre la Muestra de cine fantástico y de terror:

• III Muestra de cine fantástico y de ciencia ficción.

• IV Muestra de Cine Fantástico de Madrid.

Se oye un solo de trompeta, que es como una letanía fúnebre. Se extingue después del título de la película. Queda la pantalla en negro y se oye a una voz afirmar con fuerte acento italiano “creo en América”. Vemos a un hombre de obvias raíces italianas en primer plano. Un lentísimo travelling en retroceso (que, como ya iremos viendo, será varias veces empleado en esta trilogía con similares intenciones) nos descubre a nosotros, espectadores, la oscuridad que rodea al personaje. Se encuentra en un interior poco iluminado. Apenas se distingue el pomo de dos puertas tras él. La luz proviene sólo de una fuente por encima de su cabeza, de modo que sus ojos quedan en penumbra. Es una confesión en toda regla, o algo parecido a una confesión, aunque el receptor de la misma sea muy diferente a un reverendo, pero es lo más parecido a un Dios, y va a obligar al pequeño suplicante a mostrarle respeto si quiere pedir un favor.

Así comienza esta legendaria película. Con un zoom muy complejo para la época obtiene Coppola un larguísimo plano de más de tres minutos al que sólo corta no cuando el padrino, Don Vito, dice su primera frase, sino cuando Bonasera (un excelente Salvatore Corsitto, como todos los actores sin excepción, por corto que sea su papel) se acerca para explicarle al oído el favor que quiere pedirle al Don. Aquí pasamos por fin al primer plano de Marlon Brando, vestido con un impecable esmoquin, que habla con su famosa voz quebrada. Esta larga secuencia es crucial, pues establece, con gran talento, el tono de lo que va a ser toda la película, da una primera idea del carácter italoamericano que se quiere explorar, presenta de forma inmejorable al personaje falsamente central (como se irá viendo), y a algunos secundarios como el altivo Santino (impagable James Caan, observando despectivamente en segundo término al funerario) o el cerebral Tom Hagen (soberbio Robert Duvall).

Poco después de escribir un guión tan complejo como el de ‘Patton’, que le reportaría su primer Oscar, Coppola, aliado con Mario Puzo, se revela como un consumado y superdotado guionista, capaz de arrancar su ambicioso relato italoamericano con una secuencia tan extraña y abrupta, tan elegante y sutilmente siniestra. Pero también es perfectamente capaz de sacarle el mejor partido al guión con una puesta en escena de gran altura, pues corta la secuencia con un hachazo de montaje que eleva el volumen y pasa a un plano general de la fiesta que transcurre fuera de la casa: la boda de la hija del Don (claro contraste del interior secreto y terrible, con el exterior cotidiano y alegre), que inicia el ritual de empezar con una gran fiesta cada relato de esta trilogía. ¿Y cuál es la estrategia narrativa aplicada por Coppola para dotar de la necesaria vida a esa fiesta, al mismo tiempo que presenta a los personajes del drama? Pues pasar de forma muy inteligente de planos generales a planos cortos, asegurándose de que tanto en unos como en otros bullan pequeños detalles que insuflen energía y verdad.

De esta forma, puede pasar, con plena fluidez, del exterior de la fiesta donde unos federales toman nota de las matrículas de los invitados, al interior de la misma, con situaciones como el baile de Clemenza o la elección de una naranja por parte de Tessio (ambos capos del Don), la llegada del rival Barzini, o la entrega de los sobres con dinero a la novia, todo ello filmado con objetivos de los llamados nobles (40-55), a pesar de que a menudo hay un ligero acercamiento focal, que deja desenfocado el menor rango de visión posible. Este comienzo también sirve para asentar las bases del trabajo lumínico de esta película, que le daría fama al operador Gordon Willis. Una fotografía estilizada pero sobria, en la que se empleó la subexposición (dejar la imagen con un nivel lumínico menor al de la sensibilidad fijada) y el revelado forzado (ajustar el negativo a la nueva sensibilidad), de forma que tenemos ese famoso aspecto oscuro y terroso, característico de la trilogía, que ahora puede parecer clásico y adecuadísimo a la historia, pero que en aquel tiempo sorprendió mucho por su riesgo formal.

He titulado a este primer capítulo sobre ‘El Padrino’ de esta forma, porque es principalmente la historia de un padre y sus hijos. Aquí la madre queda completamente en segundo término. Nos introducimos en un mundo exclusivo de hombres, donde las mujeres como mucho pueden criar a los vástagos y preparar la comida, nunca formar parte activa de él. Y son cinco hijos, pues aunque Tom Hagen no es descendencia suya, y nunca podrá ser tenido en cuenta para sucederle en el poder, tiene tanta importancia dramática como Fredo o Santino, o incluso más que este último. En su papel de consigliere de la familia, ostenta un gran poder dentro de la jerarquía de la familia, mucho mayor que del que, al menos hasta la tercera película, podría disfrutar Connie.

La relación del padre con los diferentes hijos es el auténtico motor de esta película, así como las diferencias entre ellos y la forma en que se van a enfrentar a los diferentes conflictos que salpicarán toda la trama. Se nos presenta a un Sonny chulesco, provocador e inmaduro; a un Fredo afable y despistado; a una Connie enamorada y viviendo lo que pronto sabremos es una terrible mentira; a un Tom integrado y trabajador…y a un Michael (un por entonces desconocido Al Pacino) misterioso y elegante. Poco antes de su aparición, el Don se había negado a hacer la foto de la boda sin él. Esto es importante, pues pronto sabremos que Michael desea desvincularse de la familia, en todo lo posible.

La aparición de Michael acompañado de su novia norteamericana Kay Adams (refrescante y natural Diane Keaton) es de espaldas, y en dos planos consecutivos. Además vestido de militar. La separación con el entorno y el estilo familiar está habilmente trazada por el director. Y nosotros ya sabemos que este hijo va a ser especial, diferente, que probablemente no sea la mosquita muerta que pueda parecer. Inserto de un plano del Don mirando a través de la ventana, por fin vemos el rostro de Michael. Es esta una forma muy hermosa de narrar que aunque Santino se crea el más que probable sucesor, el preferido del Don es el hijo menor. Además, enseguida Michael va a desarrollar un magistral diálogo en paralelo con el resto de la secuencia que les rodea, con el que le perfila a su novia norteamericana qué tipo de familia es la suya. Primero hablándole de cómo adoptaron a Tom Hagen (una gran ironía que comience con un acto tan altruista), y luego, con la llegada de Johnny Fontane, teniendo el valor de contarle la historia que involucró al temible Luca Brasi.

Fontane es un evidente sosias de Frank Sinatra, al que se vinculó con la mafia durante toda su vida. Pero lo verdaderamente interesante es de qué forma la pequeña historia que se va a desarrollar con el productor de la película de Fontane, se parece a la propia historia de Coppola con sus productores. Nadie sabe muy bien cómo, pero a menudo, tanto en lo concreto como lo abstracto, Coppola es capaz de contar su propia historia a través de sus películas. Es su forma de acercarse y de hacer suyos los proyectos. No hay datos de ningún productor de esta película que se haya visto identificado con esta parte de la trama. Supongo que el grandioso éxito económico de la película les hizo callar a todos.

La enorme secuencia de la boda se cierra con el famoso plano del Don bailando con su hija recién casada. En primer término, una estructura para la iluminación de la fiesta con forma de telaraña. Coppola repetirá este encuadre en algunos de los bailes de esta trilogía, como ya iremos viendo. Que cada cual saque conclusiones de qué es lo que puede sugerirles ese extraño primer término. En mi opinión su significado visual es advertir al espectador del futuro sombrío que le espera a esta poderosa familia, aunque pueda parecer un encuadre casual. La imagen funde a negro. Han transcurrido nada menos que 25 minutos y 28 segundos. Este extenso bloque es la raíz a partir de la cual se van a ramificar sino todas muchas de las tramas de esta película que nunca fue una gran superproducción, sino un proyecto de presupuesto moderado, filmado en 54 días (más unos ocho días de segunda unidad).

De hecho, todo esto se filmó en dos días y medio, exceptuando los interiores del despacho del Don, que se hicieron en otro momento y en plató (el mismo plató y decorados que observamos en los estudios de Jack Woltz…), lo que da idea de la rapidez y la eficacia conque hubo de trabajar el equipo. De hecho, algunos de los planos de Michael y Kay hablando sentados (todo el diálogo sobre cómo el Don ayudó en la carrera de Fontane) están filmados de noche, aunque el raccord de luz es, a falta de otra palabra mejor, perfecto. Además, ya desde el comienzo, Coppola comienza a usar un método de trabajo que a partir de ese momento será muy habitual en casi todas sus producciones, y es el rodaje a dos cámaras.

Si el lector conoce el cine, sabrá bien de lo que estoy hablando. No sólo en lo que respecta a la mecánica de rodaje, sino de lo que significa a la hora del montaje y de la ordenación de los espacios y los ritmos dentro de la secuencia. Es evidente que hasta entonces, Coppola había filmado sus películas con una sola cámara (quizá dos en algún momento de ‘Finian’s Rainbow’), pero que su madurez total como cineasta (¡a los 33 años!) se debe en gran parte a su apropiación y asimilación del rodaje a dos cámaras. Con esto consigue varios efectos: primero la completa naturalidad de sus intérpretes, que tienen que repetir menos tomas; segundo la rapidez en el rodaje y la posiblidad de reorientar la estrategia narrativa a medida que avanza la secuencia (es decir, aumenta la flexibilidad en la planificación); tercero es mucho más sencillo, y menos amanerado, buscar la vida en secuencias como esta de la boda, tan compleja, densa y crucial.

Para entendernos, a una acción de un actor (cámara uno) le responde una réplica completamente instintiva (cámara 2) del actor que comparte el momento con él. Ésta técnica, compleja pero sencilla, Coppola la domina a la perfección ya en esta primera parte de la primera película que le haría una leyenda.

Estudio F.F. Coppola en Blogdecine

Francis Ford Coppola, el artista maldito

Francis Ford Coppola, loco por el cine

Francis Ford Coppola, un hombre de familia

A principios de los años 70, Francis Ford Coppola se convirtió, casi de la noche a la mañana, en uno de los directores más influyentes de las generaciones venideras, con su adaptación de una novela de gran éxito. La película se convirtió en un grandioso éxito de taquilla, cosechó tres oscar (mejor película, mejor actor y mejor guión adaptado, desbancando sorpresivamente a ‘Cabaret’) y arrancó una leyenda que se ha erigido en un tótem inamovible de la cinematografía mundial, desarrollado a lo largo de dos partes que la prolongan, la enriquecen y la matizan. ‘The Godfather’ dio libertad a Coppola para controlar su vida creativa. Pero ¿cómo pudo sobrevivir a las presiones de su realización?

“La película recreaba el ambiente, o reflejaba las memorias de nuestra familia italoamericana”, dijo Talia Shire (hermana de Francis), Connie Corleone Rizzi en la ficción. De forma muy inteligente, Francis Ford Coppola se sirvió de su propia familia, de sus raíces italianas, para sentirse más respaldado en una producción que en aquél momento le superaba, pues según sus propias palabras, aún más esclarecedoras, “cinco meses después no me habrían dado ese trabajo”. Para Francis, esta experiencia fue catártica, pues al mismo tiempo que cambió completamente su vida, resultó una hazaña mastodóntica soportar a los ejecutivos del estudio y mantener sus ideas respecto a la historia y el casting. Era un chaval que se enfrentaba a las grandes productoras…y ganaba.

Muchos nos hemos hecho la misma pregunta los últimos treinta y pico años: ¿cómo es posible que le ofreciesen a Coppola la adaptación y la realización de un best-seller que acabaría convirtiéndose en la película de mayor éxito de la historia (hasta que llegó ‘Jaws’). Él, hasta ese momento, no era más que un director mercenario, que aceptaba cualquier cosa que le diesen, y que salvo algunos rasgos personales muy aislados, no había demostrado un grandísimo talento en ningún trabajo. A fin de cuentas, se trataba de un realizador con ínfulas independientes, muy influenciado por artistas europeos.

La respuesta sólo parece ser una: Coppola tuvo la suerte de que esa novela (de la que de momento diremos que no es ninguna maravilla de novela) no fuese todavía un gran best-seller. Y tuvo la suerte de contar con un equipo entregadísimo que le aseguraba la supervivencia. De hecho, parecía el destino. ¿No parece acaso predestinado que cuando el estudio le amenazó con despedirle por ser poco violento llegara la secuencia de la paliza de Carlo a Connie? ¿No parece predestinado que cuando estaban hartos del “soso” de Pacino, llegase la famosa secuencia del doble asesinato en el restaurante? Peor más aún, pues parece que Coppola pone su vida en imágenes de forma casi sobrenatural.

Pues las dos piedras angulares de su lucha con los estudios eran Marlon Brando (un actor en desgracia al que todos los productores odiaban por ser muy poco “profesional”) y Al Pacino (un completo desconocido, con apenas una película a sus espaldas y cara de buen chico, que al final iba a ser el gran padrino triunfante sobre sus enemigos); y en el caso del primero, los directivos del estudio amenazaban con despedir a Francis si sólo pronunciaba el nombre Marlon. Es exactamente lo mismo que el poderoso productor Jack Woltz (John Marley) le grita a Tom Hagen (extraordinario Robert Duvall). Es muy notable de qué forma una historia escrita por Puzo en su novela varios años antes, proporciona a Coppola la oportunidad (una de tantas, como iremos viendo en este estudio) de contar su propia vida.

Fascinante resulta también, sin duda, la forma en que la cara de Pacino se metió en la mente de Coppola desde el primer minuto. Todos sabemos ahora de qué forma le defendió y le hizo repetir docenas de pruebas, a pesar de que todo el mundo en su entorno estaba en contra de que interpretara a Michael. Hay documentos audiovisuales que muestran cómo James Caan, o el propio Martin Sheen (que siete años más tarde protagonizaría ‘Apocalypse Now’), entre cientos, hicieron pruebas con escenas de Michael. Pero si uno ve esas pruebas, se advierte que Pacino había nacido para interpretar ese papel. Y más que eso, para convertirse, de forma gradual, en un evidente alter-ego de Francis.

Por encima de todo, es muy importante tener en cuenta, que la familia es algo muy poderoso para Coppola. Es un elemento acogedor en su vida, redentor, aunque también las cadenas que te empujan a un destino inevitable, doloroso y quizá trágico. “La elección más acertada y lo que hizo posible la película fue el hecho de que Francis sea un hombre de familia”, dice James Caan. “Es importante que Coppola muestre el lado familiar. Una familia es el principio y el final del mundo, en el amor y la compañía. Independientemente del estilo de vida”, asegura Robert Duvall. Ambos intérpretes entendieron muy pronto a qué clase de relato estaban dando vida. Esto era algo más que una película de gángsters, era una tragedia familiar, una elegía en torno a las raíces más primarias del ser, que nos definen mientras nos aprisionan.

Incluso en su relación con su propia mujer, Eleanor, los paralelismos surgen como explosiones de instinto. Kay Adams (excéntrica, inolvidable Diane Keaton) es una abstracción del significado de su esposa en un entorno italoamericano, y en el entorno cerrado de una intensa producción: la mujer blanca privilegiada, que aguanta por amor lo que otras mujeres consideran ofensivo o humillante para su sexo. Conocemos de sobra la, en ocasiones, tormentosa relación que Eleanor ha sostenido con Francis, y es imposible desligarla de la que sufren, muy a su pesar, Kay y Michael, dos criaturas superadas por el devenir de los acontecimientos, carne de cañón sacrificada en aras de la ambición y la llamada de la sangre.

No en vano, Francis se preocupó mucho, en la preparación de las tres películas, de que sus actores vivieran un entorno familiar típicamente italoamericano, con su hermana Talia sirviendo una cena preparada por ella a todo el reparto, sentado a la mesa al estilo tradicional, buscando la manera de que vivieran juntos experiencias cotidianas, uniéndoles de aquella manera y preparándoles para sus caracterizaciones. Lo que viene a ser una variación (prácticamente coppoliana) de esa herramienta de dirección de actores que te advierte que cuanto más tiempo pasen juntos, y más se relacionen, más fácil será arrancar de ellos interpretaciones convincentes basadas en sus propias experiencias.

Nadie puede sorprenderse, por tanto, de que Francis decidiera que el bebé, hijo de Connie y Carlo, fuera su propia hija recién nacida, Sofía, que más de dos décadas después se convertiría en una realizadora de renombre; ni de que elevara la tan deseada colaboración entre los distintos departamentos que comportan el rodaje de una película al rango de trabajo familiar. Francis, amenazado con ser despedido a las pocas semanas de rodaje, preocupado porque los primeros rollos no habían impresionado a los ejecutivos (pues los consideraban demasiado tenebrosos, demasiado personales y poco comerciales), se metió de cabeza en una historia que, aunque a posteriori él suele despachar como la posibilidad para desarrollar ideas personales y para costearse su estudio, es quizá lo más personal y sincero que ha filmado.

Porque como decía Al Pacino: “Francis se parece más a Michael que yo mismo”. Y es cierto. En el próximo capítulo es el momento para que el autor de este texto se meta de cabeza, a su vez, en los ecos de una de las películas más famosas de todos los tiempos, y de ser capaz de ofrecer una visión y unas reflexiones que aporten algo valioso a la extensísima bibliografía de este mito.

Estudio F.F. Coppola en Blogdecine

Francis Ford Coppola, el artista maldito

Francis Ford Coppola, loco por el cine

No leer si no se ha visto la película.

Éramos muchos los que creíamos que Mickey Rourke se alzaría con el Oscar al mejor actor en la pasada ceremonia de los premios cinematográficos más famosos del mundo. El personaje de ‘El luchador’, la nueva película del polémico Darren Aronofsky, tiene muchos puntos de contacto con el actor, quien ha luchado duro durante estos últimos años para conseguir una segunda oportunidad, después de despreciar a todo bicho viviente cuando estaba en el culmen de su éxito. Ahora, tras una serie de papeles de secundario, aprovechados muy cuidadosa e inteligentemente por el actor, nos llega el que es, y será, su personaje más recordado de su actual etapa. Es muy probable que en años venideros, la interpretación de Rourke tenga más peso que la de Sean Penn en ‘Mi nombre es Harvey Milk’, estando el segundo impecable en su rol.

En el excelente film de Kathryn Bigelow, ‘Le llaman Bodhi’ (espantoso título en nuestro país de ‘Point Break’), el personaje al que da vida Patrick Swayze, en el mejor papel de su carrera, dice una frase que me encanta: “¿Qué hay de malo en morir haciendo lo que uno ama?”. Viendo un film tan distinto del mencionado como ‘El luchador’, me he acordado de ella.

‘El luchador’ sigue la historia de Randy Robinson, un luchador de lucha libre que durante los años 80 fue una auténtica estrella admirada por todo el mundo. Ahora, veinte años después, en pleno ocaso, sobrevive como puede ofreciendo espectáculos en luchas de segunda y tercera categoría, a las que acuden los anclados en los viejos tiempos. Un ataque al corazón, debido a su duro oficio, le hará replantearse las cosas. Intentará comunicarse con su hija, a la que abandonó hace años y con la que no se habla, teniendo como único apoyo una bailarina de streeptease a la que ve de vez en cuando, y que supone uno de los pocos soplos de vida en su existencia.

‘El luchador’ está mostrada por Darren Aronofsky de una forma muy sencilla, algo que llama la atención teniendo en cuenta la filmografía anterior del cineasta (desde la insoportable ‘Pi’ hasta las mucho mejores ‘Requiem por un sueño’ y ‘La fuente de la vida’), en la que sus films necesitaban de una mayor implicación por parte del espectador que se entregaba, o no, a un lenguaje cinematográfico de cierta densidad. En ‘El luchador’ cambia totalmente las tornas sobre todo en lo que respecta al acercamiento a sus personajes. Aronofsky pega su cámara (siempre tambaleante, como el personaje central) al cogote de Rourke, y le sigue allá a donde va, realizando planos secuencia tan llamativos como insignificantes. De esta forma, somos testigos directos de la vida de Randy, ya sean sus combates con poco público, su trabajo en una carnicería, sus escarceos para ver a su bailarina favorita, los intentos de acercamiento a su hija, etc.

Así pues, Aronofsky se olvida de artificios visuales que provocan más de un lectura encontrada, y cámara en mano logra la sencillez en un relato de fácil entendimiento. Filma directamente y sin miramientos una historia cruda, real y dolorosa como la vida misma. Tal vez en su primer tercio, el director se explaya demasiado en la descripción del día a día del personaje central, pero cuando llega la hora de la verdad, Aronofsky no realiza ni una sola concesión. Y he aquí uno de los grandes aciertos de ‘El luchador’: Es una película que sólo se sirve de tópicos, pero no resulta nada típica en sus decisiones formales. Así, el tramo final del film es totalmente desesperanzador, en el que el protagonista se lanza a una muerte segura, con el único alivio de poder morir haciendo lo que ama. Un plano que es el epílogo final a toda una historia llena de golpes y heridas que el tiempo no puede curar. Aronofsky filma con la misma crudeza los golpes en el ring que los que Randy se lleva en su vida personal.

Pero ‘El luchador’ no sería tan buena como es si no fuera también por la labor de sus intérpretes, sobre todo Mickey Rourke. Aronofsky siempre tuvo claro que Rourke era el actor idóneo para el papel, y tuvo que imponer su criterio al de los productores, que querían a Nicolas Cage para interpretar la película (Dios mío, de sólo imaginarlo me entran sudores fríos). El que fuera uno de los mejores actores de los 80 está simplemente perfecto en su rol, logrando conectar con el espectador llegando al corazón de éste con facilidad inusitada. La sinceridad de su interpretación conecta directamente con los paralelismos más que evidentes con la vida personal del actor. Tanto en la realidad como en la ficción, Rourke fue una estrella de los 80 que cae en el olvido destrozando por el camino su propia vida. A su lado, una imponente (en todos los aspectos) Marisa Tomei, dando vida a una bailarina de streeptease, amiga de Randy, una superviviente que ve cerca su ocaso personal por culpa de su edad. La actriz demuestra haber aprendido con el tiempo, y su entregada interpretación está muy lejos de los tiempos de ‘Mi primo Vinny’. La tercera en discordia, dando vida a la hija de Randy, Evan Rachel Wood, también está a la altura de sus compañeros, ofreciendo un personaje delicado en su sencillez, transmitiendo la misma dolorosa verdad que fluye de su decepción personal con respecto a su padre.

‘El luchador’ es una película que probablemente gane con los años, porque a pesar de la sencillez de su argumento, es de esas películas que permanecen un buen tiempo en la memoria tras su visionado, reposando como los buenos vinos y tomando cuerpo. Sus desgarradoras imágenes, en las que Aronofsky no se corta ni lo más mínimo ya sea porque hay sangre (la alusión a ‘La pasión de Cristo’ no es casual) o porque hay que ver de cerca lágrimas que duelen con sólo intuirlas, tardan en abandonar nuestras mentes, como las secuelas de un buen puñetazo, uno de esos que la vida te da de vez en cuando, y del que tardas en levantarte.

En Blogdecine:

• ‘El luchador’. Hasta los golpes falsos duelen
• ‘El luchador’, cuando la vida golpea duro

• El luchador acabado

Dentro de pocas horas, esta deleznable película va a llevarse, casi con toda seguridad, el Oscar a la mejor película (irónicamente, uno de los premios cinematográficos más codiciados que existen, aunque su prestigio cada año decae más). Por lo tanto, textos como el que siguen seguramente provoquen que más de uno me tache de snob. ¿Hay algo más snob que atacar ferozmente la película que se ha llevado el Oscar? Sin embargo, he sido uno de los que no se han dejado engañar por una prodigiosa campaña de marketing tan poco creíble como la historia que nos cuenta.

Algunos dirán que esto es un cuento de hadas, y que, como tal, deberíamos suspender nuestra incredulidad. Pero no basta conque un relato quiera ser algo, es imprescindible contarlo bien. El cuento de hadas más maravilloso que se ha filmado es ‘It’s a Wonderful Life’ (Capra, 1946), y nunca se diría que es poco creíble, pues aunque aparezca Dios, San José y multitud de elementos en un principio increíbles, y aunque tengamos un final feliz, el talento de Capra es tal que el cuento deviene obra de arte. Por supuesto estamos en el polo opuesto. No es cuestión de comparar ambas películas. Pero este cuento de hadas en particular es una colosal tomadura de pelo.

La forma de dirigir de Danny Boyle quizá fuera idónea para un filme tan arriesgado como ‘Trainspotting’, que igual que quedó magnífico podría haber salido un bodrio. Y era idóneo porque esa cámara nerviosa, ese montaje sincopado, se acercaban con gran precisión a la peripecia de Renton y compañía, aquellos yonquis memorables. Sin embargo, el resto de la filmografía de este cineasta es, como poco, irregular, y en el caso de su último largometraje, que tanto está dando que hablar, nos situamos ante el que es, de lejos, el peor de los suyos.

Boyle dirige exactamente igual una escena de suspense que de acción, un momento íntimo que uno general o abstracto. Ni siquiera el comienzo, esa persecución se supone que frenética por las calles de Mumbai, está logrado. Remite, por supuesto, al inicio de ‘Trainspotting’, y recuerda un poco al sensacional arranque de ‘Ciudad de Dios’. Pero se queda muy lejos de ambas, sobre todo de la segunda, que es un prodigio de montaje. Aquí este montaje, firmado por Chris Dickens (aunque como en toda película, responsabilidad última del director) es un completo desastre, y sorprende que sea el favorito para el premio en esta categoría.

¿Por qué suele nominarse al Oscar, u otros premios de similar y sospechosa índole, a montajes sincopados? Porque se suele confundir que muchos cortes y mucho caos es lo mismo que gran mérito en la sala de edición. Pero el montaje es mucho más que eso. Del montaje dependen el equilibrio tonal, el ritmo interno más que el externo, la construcción dramática. Es una disciplina complejísima que aquí no se domina ni por asomo, y que además resulta mareante de tanto corte innecesario (he llegado a contar sesenta cortes para una escena sencilla), dando una idea del despiste de Boyle a la hora de contar su historia.

Pero si hay algo más desastroso que el montaje, que ya es decir, es su disparatado guión, que pretende que nos traguemos multitud de ideas y situaciones sencillamente absurdas. Resulta que un chaval puede ganar 20 millones de rupias (curiosamente 20 millones de dólares son los que puso una compañía independiente para distribuir la película por todo el mundo cuando parecía destinada al Dvd, cualquiera se lo cree a estas alturas) en un famoso concurso de televisión. Y resulta que sabe las respuestas a las preguntas por situaciones dramáticas de su vida. Y, tal como decía muy acertadamente nuestra comentarista isabelha…¡de forma cronológica! Pero lo que me dio ganas de levantarme de la butaca echando pestes (y no lo hice por respeto a la gente sentada a la que iba a estorbar la vista) fue precisamente la última pregunta del concurso. Definitivamente, los autores de esta película nos toman a todos por imbéciles.

¿Cómo puede una película que toma como protagonistas a varios niños de los suburbios de Mumbai, que viven en la más absoluta pobreza, resultar tan poco conmovedora? ¿Cómo es posible que con tanto supuesto frenesí y locura nos aburramos tantísimo? ¿Cómo puede ser tan torpe una estructura en paralelo que más que retroalimentarse se anula mutuamente? ¿Cómo puede, en definitiva, sumergirse de manera tan superficial y carente de interés por las calles y vidas de una de las ciudades y culturas más atractivas del mundo? Todo esto y mucho más hace una película que podría ser, quizá, la más manipuladora en muchos años de cine.

No nos engañemos, su propuesta está totalmente calculada. De hecho, es completamente lógico que dentro de pocas horas arrase en los Oscars, tal como dice Alberto Abuín, recolectando varios premios importantes. Esta historia de un futuro millonario, que además se enamora de una chica bellísima (la debutante Freida Pinto, que podría ser modelo), buscándola desesperadamente en una ciudad de diecinueve millones de habitantes (no revelo nada si digo que un día la encuentra, como no podía ser menos) es perfecta para Hollywood. Con ella, ese esquema del Hollywood clásico de amores románticos inverosímiles, aventuras con algo de crueldad pero trasfondo optimista, relatos del don nadie que un día alcanza la gloria, se justifica plenamente y vuelve a hacerse vigente.

Es más, si tenemos en cuenta la ansiada colaboración con el mucho más rentable y poderoso Bollywood por parte de la industria norteamericana del entretenimiento, este premio no deja de ser (como el 99% de los Oscars) una habilidosa jugada política con la que tender puentes. Por mi parte, considero un disparate que Boyle gane el premio a su puesta en escena, frente a la muy compleja y difícil (pese a sus altibajos) dirección de Fincher. Pero es que el cine anda por otro lado. Sin ir más lejos, ‘Entre les murs’, que opta solamente al irrisorio y estúpido premio de película extranjera, tiene más cine en un solo plano que esta memez de película en dos horas eternas.

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Quedan menos de dos semanas para el estreno de la película ‘Watchmen’, sin duda, una de las más esperadas de los últimos años, tanto por los aficionados al cine (más jóvenes, si se quiere añadir) como por los del cómic, y es que estamos ante la adaptación cinematográfica de una de las obras cumbre del noveno arte. Una adaptación que a priori parecía imposible; de hecho, todos los problemas legales que surgieron en torno a la película se originaron porque los señores que mandan en la Fox llegaron a la conclusión de que semejante proyecto no podía realizarse. El 6 de marzo, ‘Watchmen’ llegará a los cines, demostrando lo contrario.

Tal como hice con la película de ‘Dragon Ball’, he recopilado en este artículo todo el material que hemos ido publicando en Blogdecine sobre ‘Wathmen’, que no ha sido poco, así como también información sobre la producción y algunas novedades: el póster para España y algunas escenas de la película, de corta duración pero revelador contenido (lo digo para que los que no queréis ver demasiado, que los trailers y las imágenes ya muestran bastante). Toma asiento, acomódate, vamos a hablar de esta película, ¿será tan potente como el cómic?

Es la pregunta del millón (y no la que se hace al final de cierta película muy premiada). ¿Estará la película de ‘Watchmen’ a la altura del cómic? ¿Es posible adaptar al cine la profundidad de la obra de Alan Moore y Dave Gibbons? Porque eso es lo que nos preocupa a casi todos, en resumidas cuentas, más allá de que la película resulte entretenida y espectacular. Y es que esto es algo que, en cierta medida, damos por hecho, cuando realmente es algo muy complicado. Quiero decir, ‘Watchmen’ es todo lo que se quiera menos un cómic corriente, es una historia compleja, seria, triste, con unos personajes trágicos, anclados en otra época, superhéroes acabados en un mundo que no los quiere.

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Si Zack Snyder ha convertido todo eso en una película de palomitas, de simple entretenimiento, habría traicionado el espíritu de la obra original para satisfacer otros intereses. Hay muchos que temen esto, que pase como con ‘V de Vendetta’, que quedó convertida en una versión light, comercial, del cómic. Puede ser, habrá que esperar a verla, pero lo cierto es que en este caso no da esa impresión. Por lo pronto, tenemos la seguridad de que la película no está hecha para todos los públicos, lo cual habría sido un escándalo, aunque también sabemos que el montaje más sucio y adulto sólo podremos verlo en nuestras casas, cuando salga el DVD. Es comprensible, hasta cierto punto.

También podríamos preguntarnos si necesitábamos la película de ‘Watchmen’. Si, como ha declarado Alan Moore, el cómic sólo puede apreciarse leyéndolo cómodamente en el salón de tu casa, y no en forma de película. Pues seguramente. Pero volvemos a lo mismo de siempre, ¿por qué tenemos que quedarnos con sólo una de las dos obras? ¿No podemos, simplemente, ver la película sabiendo que, en todo caso, siempre está ahí la obra original, para revisarla cuando queramos? Es mi opinión, por supuesto, cada uno tendrá la suya, pero creo que si alguien espera que la película pueda sustituir o superar al cómic, está totalmente equivocado.

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• El director de ‘Watchmen’:

Tras pasar por otros directores, como Darren Aronofsky o Paul Greengrass, el proyectó cayó en manos de Zack Snyder, famoso hoy en día por haber filmado la exitosa ‘300’ (que a mí me encanta, por cierto). Pero Snyder ya tenía en su haber otro título, no tan popular pero muy sólido, que le había situado en el mapa; me refiero a ‘Amanecer de los Muertos’, el sorprendente remake de ‘Zombi’ (‘Dawn of the Dead’), de George A. Romero.

Por lo visto en los trailers y, sobre todo, en los diarios de producción, podemos apreciar el sumo respeto con el que el realizador norteamericano se ha tomado la tarea de adaptar este otro cómic (mucho más complejo que el anterior que tuvo entre manos), y al igual que en ‘300’, es palpable la búsqueda de fidelidad con respecto a la obra original por parte de Snyder. Se teme, y es comprensible, que recurra demasiado a la cámara lenta y que haya reducido ‘Watchmen’ a una película de acción, pero esto es algo que sólo podemos aventurar. Para comprobar si Snyder ha cumplido, habrá que esperar al estreno.

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• Los actores de ‘Watchmen’:

Es inevitable que, a la hora de pensar en un reparto, cada persona que lea el cómic de‘Watchmen’ tenga sus propios favoritos para interpretar a los diferentes personajes. Por tanto, es imposible contentar a todo el mundo; igualmente, aunque quizá nos gustaría ver a estrellas famosas encarnando a estos superhéroes, al margen de lo que supondría para el presupuesto, lo cierto es que a menudo el público no puede dejar de ver al actor, en lugar de al personaje.

Por eso creo que, en general, el casting de la película me parece muy acertado. Lo único que no me gusta (repito, sin haber visto la película) es que hayan seleccionado a Matthew Goode para encarnar a Ozymandias. No dudo que el actor (visto en ‘Match Point’ o en ‘Retorno a Brideshead’) pueda interpretar bien al personaje, pero me parece que está lejos de tener el físico que se requería para el papel. Puestos a soñar, creo que Brad Pitt habría sido una elección perfecta.

Los otros protagonistas de la película ‘Watchmen’ son Patrick Wilson (Búho Nocturno), Malin Akerman (Espectro de Seda II), Jackie Earle Haley (Rorschach), Billy Crudup (Dr. Manhattan), Carla Gugino (Espectro de Seda I) y Jeffrey Dean Morgan (El Comediante), conocidos pero lejos de ser estrellas, cosa que cambiará pronto para algunos de ellos.

Si algunos nombres no os suenan, os recuerdo algunos de sus trabajos más conocidos. A Wilson lo habéis podido ver en películas como ‘Juegos secretos’ o la reciente ‘Protegidos por su enemigo’; a Akerman en las taquilleras ‘Matrimonio compulsivo’ y ’27 vestidos’; Earle Haley es un rostro memorable para todo el que haya visto la mencionada ‘Juegos secretos’, película por la que fue nominado al Oscar; Crudup es quizá uno de los más conocidos, era el hijo de Albert Finney en ‘Big Fish’ y también protagonizó ‘Misión Imposible III’, entre otras; Gugino también es bastante popular y ha participado en títulos recientes como ‘Sin City’ o ‘Asesinato justo’; y Dean Morgan, aparte de tener un rol secundario en la serie ‘Anatomía de Grey’, intervino en la reciente ‘Posdata: Te quiero’.

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• El argumento de ‘Watchmen’:

La historia de ‘Watchmen’ transcurre en Estados Unidos durante los años 80, en una realidad alternativa, en la que la sociedad ha visto la creación y la caída de un grupo de superhéroes al servicio del gobierno. El mundo está en crisis y se prevé una gran guerra entre Estados Unidos y la URSS. Por otro lado, alguien parece estar asesinando a las personas que en su momento defendieron el país con sus disfraces y sus máscaras; y su fuerza meramente humana, ya que el único con verdaderos poderes es el Dr. Manhattan. Uno de ellos, Rorschach, que se resiste a dejar la acción, cree en dicha conspiración, por lo que a través de él sabremos qué ha sido de los vigilantes y trataremos de descubrir quién está detrás de lo que parece ser un plan para acabar con todos ellos.

• ¿Qué podemos esperar de ‘Watchmen’?

¿Qué se puede esperar de la película que adapta uno de los cómics más prestigiosos de todos los tiempos? A menos que tengas una visión anticuada y seas de los que aún creen que los cómics son “esa cosa que leen los chavales en su tiempo libre”, no se puede esperar de ‘Watchmen’ otra cosa que no sea una buena película. En principio, claro, y matizando que es imposible que se haya podido adaptar al cien por cien, con total fidelidad, la obra original de Alan Moore (guión) y Dave Gibbons (ilustraciones); lo cual, hay que decir, es totalmente válido y hasta preferible. Como cuando se trata de novelas u obras de teatro, lo que funciona en un cómic no va a funcionar del mismo modo en una película.

Todo se resume, me parece, en dos cuestiones. La primera, ¿buscas la máxima fidelidad posible al cómic? La segunda, ¿confías en el director? En cuanto a la primera, si tu respuesta es sí, me temo que vas a salir defraudado, así que ve haciéndote a la idea (si es que no las hecho ya); creo que hay que tener una visión más abierta, y acordarse de casos como la trilogía de ‘El señor de los anillos’, por ejemplo, donde se tomaron libertades pero se mantuvo el espíritu de la obra original. Por otro lado, en cuanto a la segunda cuestión, si tu respuesta es no, quizá deberías ahorrarte la entrada y no pasar un probable mal trago. Si no soportaste ‘300’, es muy posible que lo nuevo de Zack Snyder te provoque el mismo rechazo, aunque ahí tienes los trailers, y en las librerías el cómic; yo que tú me lo pensaba.

Posters de ‘Watchmen’:

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Trailers de ‘Watchmen’:

• En español:

Escenas de ‘Watchmen’:

Por último, también os recuerdo que podéis echar un vistazo a los diarios de rodaje, once pequeños “making of” donde se nos revelan aspectos de la producción de la película ‘Watchmen’, desde la dirección artística a la creación de la máscara de Rorschach. Podéis verlos pinchando en los siguientes enlaces:

I: Los decorados

II: El vestuario

III: Los especialistas

IV: Del cómic al cine

V: La Owlship

VI: La cámara

VII: El Dr. Manhattan

VIII: Espectro de Seda

IX: La dirección artística

X: Los Minutemen

XI: La máscara de Rorschach

Recuerdo: A partir del 6 de marzo, ‘Watchmen’ en los cines.