Ya va siendo hora, si es que no es un hecho consumado y una certeza compartida por todos, de decir las cosas como son: Jeff Bridges es uno de los mejores actores vivos. Y cuando digo uno de los mejores, no me refiero solamente a sus dotes como intérprete, sino también al hecho de que es uno de los tipos más sencillamente auténticos que pueblan ese por lo común muy rentable vertedero llamado pantalla de cine. Vertedero no sólo porque se hacen demasiadas, y malas, películas, sino por la suma de ambiciones y carencia de escrúpulos que suelen desprender los ambientes de Hollywood, que parecen no encontrar, sin embargo, en este humilde e imaginativo hombre de cine una de sus presas.

Porque él va a lo suyo, ajeno a farándulas y a las indignantes mieles del glamour, y dedicado a ser, simplemente, Jeff Bridges. Aunque eso sí, próximo a cumplir los 60 años, elegancia y distinción le sobran con solo hacer un gesto, de la misma manera que con una mueca se transforma, sin perder la compostura, en un tipo corriente, en un fulano agradable y sin dobleces, de sonrisa desarmante y mirada a veces bondadosa, otras veces melancólica o incluso gélida, pero siempre muy inteligente y serena. Maduro de muy buen ver, está a punto de abandonar sus cincuenta y, pero no parece que haya perdido un ápice de atractivo, y ha seguido siendo un tipo de puta madre.

Una larguísima carrera en la que hay, literalmente, de todo

De todo, pero sobre todo mucho Bridges. Este hijo de Los Angeles, ciudad donde nació en 1949 y con la que se identifica sobre todo en su vertiente más bohemia, no sólo se interesa por la interpretación, sino que es músico, pintor y un excelente fotógrafo. De hecho, los directores ya saben que, si le llaman, obtendrán un soberbio material fotográfico del rodaje de manos de Bridges, que no va a ningún sitio sin su cámara, y que ha expuesto numerosas veces e incluso publicado trabajos por esa actividad, recibiendo elogios numerosos. Porque este tipo es algo así como una máquina de creatividad y de buen rollo, con el que todos sus compañeros aprecian trabajar, pues su generosidad y simpatía en los rodajes es legendaria, con todos y cada uno de los compañeros de un rodaje. Y no es exageración, pues así lo cuentan todos ellos.

Bridges tuvo la suerte, claro, de que su padre era una estrella de la televisión, y junto con su hermano pudo aparecer, de niño en ‘The Lloyd Bridges Show’, sabiendo desde muy pronto que quería seguir los pasos de su padre y quizá superarlos. Y vaya si lo consiguió, aunque durante más de una década tuvo que conformarse con anodinos papeles televisivos hasta que por fin le llegó la gran oportunidad con Peter Bogdanovich y su fundacional ‘The Last Picture Show’, oportunidad que aprovechó al máximo y que incluso le proporcionó una candidatura al Oscar. Había nacido un actor de un don natural y completamente instintivo, que sin grandes alardes ni deseos de destacar, exigía lo máximo de sus compañeros de plano si no querían verse eclipsados por su energía.

En los setenta llegó a participar en 12 películas más, haciéndose poco a poco un hueco como actor a tener en cuenta. John Huston, Robert Benton, John Frankenheimer o Michael Cimino llamaron a su puerta y le ofrecieron interesantes papeles. También llegó a trabajar con un muy joven Arnold Schwarzenegger, y en aquel fiasco famoso de la nueva versión de ‘King Kong’. Pero para fiasco su segundo trabajo con Cimino, la épica ‘La puerta del cielo’, que hundió para siempre a la United Artists y a su director, pero que no afectó a la carrera de este hombre. Porque, seamos sinceros, Bridges nunca ha sido una estrella. No es de esos actores que arrastren a las masas, sino de esa raza de intérpretes que justifican una película poco interesante por su mera presencia.

En la mediocre ‘Tron’ (otro fracaso de taquilla) tuvo poco que ofrecer. Mucho más en ‘Starman’, una de las más depuradas películas de John Carpenter, en la que la falta de expresividad de su personaje no fue óbice, sino más bien lo contrario, para un trabajo sobresaliente, muy difícil por la complejidad de interpretar sin gestos ni estados anímicos coherentes o comunes. Aquel exitazo le hizo mucho más conocido en todo el mundo y le ayudó a protagonizar algunos policiacos interesantes, uno de ellos (‘8 millones de maneras de morir’), realmente notable, con la que Bridges ampliaba aún más sus registros al encarnar a un tipo duro pero corriente, algo que otros intentaron sin el mismo éxito que él.

Coppola le llamó para su semiautobiográfica ‘Tucker’, que bordó, y Steve Kloves le llamó para darle la oportunidad de reunirle con su hermano Beau y su amiga Michelle Pfeiffer en ‘Los fabulosos Baker Boys’. De modo que la década acababa inmejorablemente, y comenzaba con la segunda parte de la que fue su película iniciática, de nuevo con Bogdanovich, la infravalorada y otoñal ‘Texasville’. Pero Bridges ya estaba demostrando que su registro era, aparentemente, ilimitado, pues bordó su papel de mendigo en la magnífica ‘El rey pescador’, de Terry Gilliam, y dio un nuevo rumbo con su elogiable papel de ‘American Heart’, que le dirigió Martin Bell en 1992. Tenía 43 años y estaba en plena posesión de su talento. Se convertía en un hombre maduro y maduraba a la vez que su cuerpo. Menos interesantes fueron ‘Si miedo a la vida’ o ‘Volar por los aires’, pero con ‘Wild Bill’ se transformó en el mito. Este excelente western de Walter Hill, que quizá merecía más elogios de los que tuvo, le dio la oportunidad de ejercer de gran histrión. Bridges no tenía límites, y trabajaba con tesón y humildad, sin dárselas de gran actor. Y construía una carrera apasionante.

De nuevo tuvo que lidiar con dos papeles menores, a los que ofrecía todo su talento, con ‘La tormenta blanca’ y ‘El amor tiene dos caras’, pero llegó otro de los papeles por los que le van a recordar dentro de cincuenta años, su fumeta pacifista metido a detective Jeff Lebowski (o El Nota, o El Notarino), que interpretó en la última gran película de los Coen, la proverbial ‘El gran Lebowski’. Este regalo de personaje lo convirtió en un icono del cine de los años 90. Imposible no enamorarse de él hasta las cachas. Y lo alucinante, es que después de este papel se pone a luchar contra terroristas en la inquietante ‘Arlington Road’, o interpreta al mismísimo presidente de los EEUU en ‘La candidata’. Esto es un intérprete de raza.

Cierto que en la presente década ha tenido que lidiar con películas bastante menores, pero dio muestras de su genio en la desgarradora ‘The door in the floor’, junto a una inmensa Kim Basinger, repitió con Gilliam en la siniestra ‘Tideland’, y participó en el taquillazo ‘Iron Man’, entre otras. Ahora, dicen que suena muy fuerte para ser nominado al Oscar, premio que se le resiste desde siempre, con la venidera ‘Crazy Heart’, a la que pertenece la imagen de arriba del todo. Lo logre o no, es lo de menos. Lo importante es que siga demostrándonos lo grande que es.

“Soy un pájaro nocturno. No soy gran cosa durante el día”

- Conde Von Krolock

La apasionante, dilatada (aunque no posea, pese a su longevidad, un gran número de títulos) y variada filmografía del director franco-polaco Roman Polanski (a día de hoy, aún encarcelado en un proceso vergonzoso), tiene en su cuarta realización, ‘El baile de los vampiros’, una de sus obras más bellas, sorprendentes y, a menudo, incomprendidas. Tachada de menor por ciertos sectores de la crítica, se trata de una obra incontestablemente mayor, con Polanski en plena posesión de su talento, durante los años sesenta, con toda probabilidad la época más feliz de toda la vida del cineasta.

Con el éxito de ‘Repulsión’, que repitió la aclamación en el Festival de Berlín un año después del triunfo de ‘Cul-de-sac’, Polanski estaba preparado para ser un director norteamericano. Aunque primero llevaría a cabo un proyecto que sería mitad europeo, mitad hollywoodiense, y que sería distribuido en Estados Unidos por el infame Martin Ransohoff, que mutilaría la película, sin consentimiento del autor, y entregaría en los cines de ese país un producto incomprensible y amorfo, que propició su fracaso comercial. Eso sí, en Europa fue un gran éxito, pues pudimos ver su versión del director, que a día de hoy sigue tan viva como entonces, o más aún.

Decadente Belleza

No me resisto a repetir el título inventado por Diego Moldes, que tan bien describe esta joya, en su magnífico libro ‘Roman Polanski: la fantasía del atormentado‘: “Einstein y Kafka, cazadores aficionados, van a cazar vampiros y terminan vampirizados”. Sin duda mucho mejor que el título inventado por el mezquino de Ransohoff (‘Perdone, pero sus dientes están en mi cuello’), quien podríamos pensar que actuó como lo hizo por despecho, pues Polanski le arrebató en el rodaje a su pequeña Sharon Tate, a quien él intentaba promocionar (y de paso ganarse su afecto…). Y es que es imposible no pensar en Einstein y Kafka desde el mismo comienzo, con el propio Polanski interpretando a un trasunto (literario) del genial escritor checo, y a Jack McGowran (extraordinario) cuyo profesor Abronsius es una chiflada versión del famoso científico alemán.

Esta pareja se erige en descendencia directa de las muchas parejas cómicas que han existido en el cine, y su relación se convierte en homenaje a ese sentido del humor basado en gags visuales y a menudo mudos. La misión que emprenden en Transilvania les viene grande a todas luces, pero con entrañable determinación vivirán una serie de disparatadas aventuras primero en la casa de Shagal (impagable Alfie Bass), y luego en el castillo del conde Von Krolock, otro trasunto trágico, esta vez del conde Drácula, de consecuencias imprevisibles.

Ya los títulos de crédito dejan claro qué clase de sutil mezcla de terror y humor vamos a presenciar. Con la genial música del tristemente desaparecido, a los 38 años, Krzysztof Komeda, se suceden los títulos después de que el león de la metro se convierta en un vampiro de dibujos animados, de cuyos colmillos goteará una gota de sangre que se irá derramando entre las letras de los créditos. Ahora bien, el fenomenal diseño de producción, de Wilfred Shingleton, nos introduce con gran precisión en una atmósfera recargada, barroca y deudora de los grandes relatos góticos. De hecho, es un relato de una belleza plástica que no teme adentrarse en las cartografías de lo decadente y lo sinuoso, que de manera muy bella se articula entre la poesía y la comedia zafia.

Polanski no pierde el control del tono en ningún momento, mientras que en labores de interpretación logra uno de sus papeles más divertidos y más técnicamente complejos. En cuanto a las labores de escritura, él y Gérard Brach, alternan secuencias desternillantes (la huída de Alfred ante el acoso del vampiro de “gestos amanerados”, la famosa y magistral secuencia del baile), con otras que podrían pertenecer al cine de terror más inquietante y poderoso (como aquel momento en que Alfred oye el cántico piadoso de Sara desde alguna parte del castillo, o la inolvidable imagen de Shagal, ya vampirizado, introduciendo el cadáver de su antigua y deseada criada consigo en una oscura tumba). Nada chirría y nada queda fuera de lugar, sino que se sostiene sin aparente esfuerzo, en un conjunto admirable y que produce un gran placer a cada visionado.

Finalmente, la puesta en escena desplegada por el director, no es la propia de un cineasta de treinta y pocos años, sino la de un consumado profesional del difícil arte de dirigir películas, y la de un maestro técnico de rigurosa e intransferible personalidad. Las secuencias resueltas con perfección formal absoluta son numerosas. De ellas, quiero destacar tres:

1. Rapto de Sarah: magistral secuencia, de montaje y ritmo impresionantes. Inolvidables las imágenes de cómo entra la nieva por el lucernario, la capa roja del vampiro, su descenso lento e hipnótico, el erotismo del mordisco, el punto de vista de Alfred (que descubre al vampiro), para rematarlo todo con el llanto histérico de la madre.

2. Fracaso en la cripta: Inquietante, desternillante, romántica y soberbia secuencia, de gran complejidad, en la que Polanski dilata el tiempo a su antojo. Alfred y el profesor acuden a exterminar a los vampiros en pleno día, pero todo es un desastre. Es más, Alfred se olvida por completo de su maestro cuando encuentra fortuitamente a Sarah. Los actores, perfectos, sobre todo Tate, bellísima y trágica.

3. Baile de los vampiros: Por supuesto, la secuencia técnicamente más compleja y elaborada, la más divertida y la más terrorífica, insuperable climax de este comedia trágica. La coreografía del baile junto con la cámara podría rivalizar con el Ophuls más inspirado.

Conclusión

Muestra Polanskiana de obligado visionado para todos los amantes del cine, que sólo gana con los años y que brilla con fuerza propia entre el portentoso repoker de ases que su director filmó en los años sesenta. Además, posee el hálito trágico de ser la primera y la última película de Sharon Tate dirigida por Polanski (cuando es de suponer que la hubiera convertido en su miusa), ya que como todos sabemos moriría asesinada dos años después por la secta de Charles Manson.

Por supuesto, es recomendable verla sin el menor prejuicio, con el solo objetivo de buscar placer en ella, porque lo ofrece a raudales como solo el gran cine puede hacerlo. Y su desolador final es el único posible, y lo que termina por dejar un poso imborrable en el espectador.

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Ayer se estrenaba en nuestro país ‘El Imaginario del doctor Parnassus’ (‘The Imaginarium of Doctor Parnassus’), un film muy sorprendente y original, que cuenta con algunos hallazgos maravillosos. Como ya adelantaba en la entrada sobre los estrenos, lo mejor de la película es lo que las circunstancias le han brindado a Terry Gilliam sin que él lo haya buscado ni lo haya escrito en el guión en su momento: Heath Ledger, que había rodado cantidad de escenas antes de su fallecimiento, sería sustituido por tres actores: Jude Law, Johnny Depp y Colin Farrell.

Sabiendo este dato, cuando comienzas a ver la película, toda tu curiosidad está en ver en qué escena se cambia de actor, cuál de ellos lo sustituye y si realmente se nota. Y los momentos elegidos para pasar a otros no podrían ser más acertados. El juego de ‘Ese obscuro objeto del deseo’ es tan adecuado a lo que cuenta la película, que parece pensado desde antes del rodaje o de que ningún desgraciado acontecimiento hubiese sucedido.

Sería de mala educación decir que, no sólo el cambio de actores introduce un elemento imaginativo interesantísimo, sino también que cualquiera de ellos actúa igual o mejor que el propio Legder. En realidad, Depp, que es quien lo sustituye por primera vez, siempre me pareció que era como un mentor para Heath y que sus gestos y voces eran muy similares. Así, la transformación primera es la que menos traumática resulta y, poco a poco, se van diferenciando más de él.

El doctor Parnassus es un anciano que lleva una barraca de feria con su hija y dos empleados. En ella, cualquier espectador puede penetrar en sus fantasías, pero presenta el peligro de que no siempre es fácil volver de ellas. El negocio no va muy bien y, además, la familia tiene que enfrentarse a una apuesta que hizo el padre años atrás y en la que pone en peligro a su hija. Casualmente, se encuentran con un hombre que padece amnesia colgando de un puente y permiten que se una a su troupe, lo que hará que cambie mucho su situación. El negocio mejora, sí, pero la joven hija del dr. Parnassus, que hasta ese momento flirteaba con el ayudante, empieza a tener dificultades para saber si le gusta más él o el olvidadizo recién llegado.

La historia, como se ve en ese resumen, es enjundiosa y tiene bastante conflicto. Sin embargo, Gilliam la narra con algo de torpeza o, probablemente, de indiferencia: lo que menos le importa es contarnos el argumento. El film tarda mucho en arrancar y, una vez lo hace, tiene bastantes parones de ritmo con escenas largas que no son necesarias o que no es imprescindible que duren tanto. Pero esto no es algo que lastre demasiado el film, pues, en su locura general, un desarrollo tan deslavazado es casi lo que mejor encaja.

Tanto deslumbra el juego de los cuatro actores que representan a Tony que nos olvidamos de comentar a todos los demás—por eso he optado por las fotos en las que no hay nada de esto—. Christopher Plummer, en el personaje del título, está cargado de peso, tanto de maquillaje, como actoralmente, ya que su Parnassus cuenta que ha vivido muchos años. Papel difícil, es de suponer, y que da un resultado más forzado que fluido. Tom Waits, como enemigo acérrimo del doctor, y con una transformación casi igual de notoria, está más suelto y más divertido en su personaje. Casi llega a ocurrir eso de que los malos nos caen mejor que los buenos. Lily Cole es la jovencita Valentina, una chica muy enigmática, a la que el extraño físico de la actriz le queda como un guante. Ella lo hace muy bien y su personaje es realmente interesante. Lo es también el encarnado por Andrew Garfield, Anton, un joven pagafantas que no tiene nada que hacer contra el atractivo del recién llegado Legder, pero que es quien de verdad ama a Valentina. Verne Troyer, por supuesto, lo que compone es ni más ni menos que el alivio cómico y el puntito de mala leche que evita que la película pastelee demasiado en los terrenos amorosos.

Las secuencias de la imaginación van siendo más bellas y arrebatadoras según avanza el metraje. Y el gran bloque final, donde convergen varios de los actores y hay una lucha entre varios de los seres vivos y entre éstos y los elementos de ficción es extraordinario. Sin embargo, no es fácil que alguien imagine por nosotros. Y, por muy universales que sean los anhelos que se muestran tras ese espejo o por mucha variedad de ellos que Gilliam plantee, es muy posible que ninguno encaje con nuestros sueños plácidos ni con nuestras pesadillas. Me ocurría ya en otras ocasiones, que las películas donde se reflejan las imaginaciones de sus protagonistas, si bien se me antojaban preciosas y fantásticas, no me aportaban otro disfrute que no fuese el estético. Y esto, por supuesto, es algo sumamente personal.

Recuerdo lo poco que convenció en general ‘Tideland’, que defendí por algunos de sus elementos. Con ‘El Imaginario del doctor Parnassus’ nos encontramos, por el contrario, con un film que puede contentar mucho más que el anterior, ya que es más universal, más vendible y agradable, y ya que cuenta con esos cuatro actores y el morbo de tratarse de una cinta póstuma.

Mi puntuación:

Puede cuestionarse si Quentin Tarantino creó algo realmente original con ‘Reservoir Dogs’, y motivos existen, pero no se puede negar que supo convertir su particular punto de vista de un cine explosivo, divertido, fragmentado y visualmente absorbente en una película que sentaría las bases del tarantinismo.

Una película de bajo presupuesto en el que se puede encontrar el espíritu del cine negro de serie B de los 50, y de la cultura pulp mezclado con multitud de referencias dispares. Y quizás sea este aspecto el más tachado a Tarantino. Mucho se ha escrito sobre si realmente ‘Reservoir Dogs’ se trata de cine original, o más bien un reciclado de aquí y de allá, copiando, inspirándose o incluso plagiando a muchos títulos.

Pero basta decir que no es reprobable reciclar historias si a la postre se sabe crear algo nuevo, que ofrece puntos de vista distintos y que en el fondo se trata de todo un elogio al cine que ha alimentado a su creador. Un modo de articular una voz propia, aunque pueda parecer, superficialmente, pura imitación.

Puestos a buscar referencias, es obvio que ‘Reservoir Dogs’ está repleta de ellas. Y que Tarantino ha sabido asimilar, tomando algunas piezas para componer una película brillante de principio a fin, que funciona cada minuto. Desde el ‘Intruder’ producida por Lawrence Bender (también productor de Quentin y quien creyó en él desde el principio), por obvio y próximo, hasta otros títulos a los que realiza un guiño y homenajea. En esencia, no se puede negar que Tarantino se vio enormemente influenciado por ‘Atraco perfecto’ de Kubrick, viendo a esos personajes marginados en su viaje a la libertad como el reflejo en el espejo de la banda de sus particulares atracadores encorbatados.

Pero también Tarantino encontró otras fuentes directas para montar la arquitectura de su guión, como la utilización de los nombres en clave de ‘Pelham 1, 2, 3’, el atraco a una joyería que acaba con el enfrentamiento de sus ladrones de ‘Rififi’ (de Jules Dassin) o los pulcros trajes negros y corbatas delgadas de la memorable ‘A Better Tomorrow II’ (‘Honor, plomo y sangre’ de John Woo) o de ‘El cuarto hombre’ (‘Kansas City Confidential’ un clásico muy recomendable de 1952). También toma buena de la producción honkongnesa ‘City on Fire’ dirigida por Ringo Lam y con Chow Yun-Fat. Título éste que han usado sus máximos detractores para culparle de vil copista. Y ¿acaso es ilícito negar que se ha visto, que ha gustado y después trasladarlo a su propia historia de forma mucho más sólida y brillante? ¿Existe algún cineasta que escape a sus influciencias? También se pueden encontrar algo más que meras semejanzas en la secuencia en la que acompañamos (gracias a la cámara en mano) al paseo del señor Rubio desde el almacén al coche del exterior para coger gasolina en el proceso de su divertida tortura al policía, con la que protagoniza Sterling Hayden en ‘Atraco perfecto’ cuando acude con total naturalidad al vestuario, se cambia, se pone los guantes, coge el arma con enorme tranquilidad y sale. Y sin embargo no se le puede restar valor a la resolución efectiva de Tarantino en dicha espléndida escena.

‘Reservoir Dogs’ funciona a la perfección como un mecanismo de relojería porque sabe transmitir más allá de su aparente superficialidad un duro mensaje. Más allá de los diálogos plagados de tacos, de la sangre y de la violencia hay un intento de mostrar la condición humana de un puñado de delincuentes que no se conocen y evidencian una desconfianza que se torna traición entre los débiles y valor entre los fieles.

Uno de los grandes aciertos es su capacidad de narrar sin mostrar, de plantearnos la historia fragmentada en capítulos no cronológicos de un atraco que no vemos. Ese manejo sutil de la narración pausada, a través de soberbios diálogos que aparentan ser banales e intranscendentes (lo auténticamente transgresor de la cinta), arrastra de forma vertiginosa, como una montaña rusa al espectador que se presta a ello. Es decir, aquel espectador no pasivo que entra en el juego de recomponer las piezas de la historia. Porque, en esos diálogos superficiales hay una demostración de la condición de cada uno de los integrantes de la banda y cada uno de ellos está prodigiosamente bien dibujado. Aunque sólo en su conjunto, a su conclusión, es cuando se encajan los mecanismos planteados en la acción. Gracias también al soberbio trabajo de montaje y apoyado en unas interpretaciones brillantes (que catapultaría a sus actores menos conocidos).

Durante su periplo por los circuitos independientes, la cinta fue causando furor y se veía en su autor a un prometedor cineasta, toda una revelación capaz de manejar con elevada soltura una historia tan sencilla como aparentemente violenta. Mientras, durante su larga exhibición (más de un año en territorio usamericano), fue acusado de su manejo excesivo de violencia gratuita y explícita. Craso error, aunque más propio del espectador americano que del europeo, puesto que a pesar de las armas, la sangre y los acontecimientos, Tarantino no se recrea visualmente con las escenas violentas. De hecho, la famosa escena de la tortura del señor Rubio al policía con la cercenación de una de sus orejas no la vemos. El realizador, en ese preciso instante, gira la cámara y en ningún momento podemos ver ese preciso y desagradable instante. Todo funciona de forma sincronizada y va más allá, puesto que si alguien, al terminar la cinta, se sigue preguntando que pasó con el señor Naranja es que la película funciona y ‘Reservoir Dogs’ lo consigue con creces.

En conclusión, ‘Reservoir Dogs’ es un ejemplar debut de un cineasta, la génesis de un estilo que, aunque afortunadamente supo continuar y crecer con su siguiente título, no ha logrado mantener con el mismo vigor y solidez en los sucesivos, y, sin embargo, marca una toda una época del cine a camino entre el siglo XX y el actual. Nadie duda de qué tipo de película va a ver si se la define como al estilo Tarantino.

‘Reservoir Dogs’ se pone a la venta hoy en DVD (edición especial incluida). Para la edición en Blu-Ray habrá que seguir esperando a alguna fecha aún sin definir de 2009.

Su madre, que siempre le recriminaba su dejadez en este sentido, no acudió en su ayuda con la fianza, como cabía esperar. Quiso darle su merecido. Quentin pasó unos días en la dura prisión del condado de Los Ángeles (1989) compartiendo espacio reducido y tenso con maleantes de todo pelaje. De ahí aprendió, principalmente, que aquella sería una excelente situación para extraer material para futuros guiones. Una experiencia vital con personajes y diálogos reales que supo absorber.

Fue el gérmen de su siguiente guión, ‘Asesinos natos’ (‘Natural Born Killers’), cuyos derechos fueron adquiridos (tras varios rechazos) y posteriormente filmado por Oliver Stone y del que Tarantino siempre quiso desvincularse (por notables diferencias con la historia final). Y también le sirvió para curtirse en esos personajes que tanto le atraen y que se mueven dentro de un mundo violento (posteriormente también le ayudó a darle forma a ‘Abierto hasta el amanecer’).

Posteriormente, comenzó a relacionarse (como un joven ávido de introducirse en el mundillo de Hollywood) con algunos productores, a entablar amistades y empezar a conocer de primera mano cómo funciona la maquinaria de Hollywood. En un verano de especial inspiración, motivado por sus ganas de lograr un guión con el que debutar en condiciones (como siempre había soñado), escribió ‘Reservoir Dogs’. De un tirón, en unas cuantas semanas, sin descanso, en su diminuto apartamento desordenado, en un barrio ruidoso. Pero abstraído de todo lo que le rodeaba, escribió compulsivamente a mano y llenando las páginas de anotaciones. Parió su historia, esa que quería contar, aportando su particular abanico de influencias, pero filtrando su conocimiento para dar lugar a un relato que debería suponer el comienzo de su éxito en la dirección.

Su entusiasmo a la hora de escribir ‘Reservoir Dogs’ estuvo muy influenciado por una frase, en especial, de ‘Atraco perfecto’ de Stanley Kubrick. Una intervención que Sterling Hayden bordó en su interpretación:

Te voy a dejar esa cara tan bonita que tienes convertida en picadillo de hamburguesas

Contenía la esencia de su historia. Una amenaza violenta, no exenta de humor que resumía lo Tarantino quería transmitir en el guión.

Algo que no fue tan fácil, teniendo en cuenta sus antedecentes y que un novato tan joven no sería capaz. Pero creía en él mismo, en su guión y le puso todo el entusiasmo que sólo Tarantino es capaz. Lawrence Bender, un productor con el que había entablado amistad, fue el primero en leerlo y quedó sorprendido gratamente. Hasta el punto que le pidió tiempo para buscar el dinero y hacer una producción en condiciones. Pero Tarantino, tras acumular fracasos, tenía mucha prisa en llevar a cabo la película y puso todo su empeño para acelerar el proceso y hacerse cargo él mismo de la dirección cuanto antes.

Mientras tanto, ‘Amor a quemarropa’ finalmente tomaba forma de importante producción (y Tony Scott se pondría al frente de la dirección). Le reportaría un dinero esencial para paliar la crisis de su debilitado bolsillo, aunque insuficiente para lo que podría haber logrado, por culpa de su desesperación.

Junto a Bender, se unió al proyecto Monte Hellman, un veterano director que se había curtido junto a Roger Corman y al que también le entusiasmó el guión. Posteriormente entró en el juego también el actor Harvey Keitel, a la sazón, pieza fundamental para que Tarantino viera finalmente su deseo convertido en realidad. Tras lograr el resto de actores del reparto, Tarantino firmó con Live Entertainment y consiguió un año como máximo para tener la película lista. Todo salió rodado, incluso desde Sundance estaban entusiasmados con el posible resultado tras leer el guión.

El rodaje fue rápido, ya que Tarantino tenía la película en su cabeza y no necesitaba emplear demasiado tiempo. Apenas un millón y medio de dólares pero suficientes para desarrollar su ingenio.

El resto es ya muy conocido. La película, incluso antes de terminar el montaje, ya había conseguido recorrer rumores por Hollywood y se esperaba mucho de ella. Y a su paso por varios festivales fue cosechando elogios y aplausos. Tarantino cumplió su sueño y dio rienda suelta a su dicharachera y mediática personalidad. Sundance, Cannes y hasta en Sitges (donde logró tres importantes premios en una edición donde el género fantástico no fue precisamente el estandarte). No era para menos. Una película brillante, redonda y que tiene esa esencia de transmitir algo especial.

Su particular visión del cine negro, encerraba el que sería un debut muy sonado. Tanto que ‘Reservoir Dogs’ fue el paso que elevó a Tarantino al estrellato absoluto y con el que estableció un nuevo estilo de cine (como comenté en la crítica de la película), que daría mucho que hablar durante toda la década de los noventa y la que aún nos ocupa.

En Blogdecine:

• Quentin Tarantino: sus inicios

• ‘Reservoir Dogs: el nacimiento de un estilo

Me hicieron llegar esta noticia ayer, bien temprano, pero me pareció algo tan increíble que quise ser prudente, y no publicar lo que bien podría ser un error, que se solucionaría a lo largo del día. Hoy las cosas siguen igual, así que os lo cuento. Este viernes se debía estrenar en nuestro país la sexta parte de la saga ‘Saw’, pero el Ministerio de Cultura ha entendido que es una película que debe recibir la calificación X, y esto hace imposible proyectarla en las salas comerciales. La única opción, por tanto, es verla en uno de los llamados cines eróticos.

En otras palabras, se ha censurado ‘Saw VI’ en España. Si echáis un vistazo a la web del Ministerio podréis comprobar que ésta es la única película no pornográfica que sido considerada X. Teniendo en cuenta que ‘Saw VI’ no incluye escenas de sexo explícito, la única explicación posible es que se ha entendido que el film realiza apología de la violencia, según se establece en el Real Decreto 1067/1983, de 27 de abril, regulador de las salas especiales de exhibición cinematográfica (desarrollando el título primero de la Ley 1/1982, de 24 de febrero).

Esta fórmula suena más a otros tiempos, de dictadura y represión cultural, pero todavía sigue vigente, y a mí me parece bien, siempre y cuando esté apoyada en argumentos sólidos y razonables. Cosa que aquí, por lo que veo, no ocurre. Se la califica X, suponemos que es por incitar a la violencia y ya está, se acabó el asunto. No hay papel para imprimir unas sencillas explicaciones. Por otro lado, el absurdo es mayor si tenemos en cuenta que es la sexta parte de una saga que si se ha caracterizado por algo es por su contenido sangriento, por los macabros juegos que prepara un personaje y que suelen acabar en grotescas muertes.

O sea, ‘Saw VI’ hace apología de la violencia, pero ‘Saw’, ‘Saw II’, ‘Saw III’, ‘Saw IV’ y ‘Saw V’ no, por eso recibieron otra calificación. ¿Dónde está la lógica? ¿Acaso esta nueva entrega lanza eficaces mensajes al público sobre lo estupendo que resulta para el cutis descuartizar seres humanos?

Quizá lo más sorprendente de todo este asunto es que esta medida es más restrictiva que la adoptada en Estados Unidos. Es decir, siempre nos burlamos de lo mojigatos que son los norteamericanos, pero resulta que ‘Saw VI’ se va a estrenar en salas comerciales allí, este mismo viernes, con una calificación R; que quiere decir que pueden entrar mayores de edad y los menores siempre que vayan acompañados por sus padres o un tutor. Los motivos de la MPAA son los de siempre: la extrema violencia y el lenguaje “inapropiado”. Repito, no hay porno, no hay sexo explícito en ‘Saw VI’. Podríamos discutir la estupidez restrictiva en torno al sexo, pero lo cierto es que se sale del tema central.

Así que, ¿qué explicación, más allá de la insuficiente que señala la ley, puede haber aquí? ¿Apoyo al cine español, eliminando una fuerte competidora? Puede ser. Y de ser así, ¿se puede ser más burro? Me cuesta creer que la gente que quería ver la nueva entrega de ‘Saw’, al privarle de esta oportunidad, vaya a entrar a ver ‘After’ o ‘Yo, también’. Eso puede funcionar con otro público, pero no con el de esta saga. No me cuadra mucho esta explicación. Pero algo debe haber pasado. Y queremos saberlo.

No por la calidad de la película en cuestión (que yo ni siquiera pensaba ir a ver), sino porque la decisión huele a podrido, y puede ser un peligroso precedente. ¿Será el inicio de una vergonzosa práctica por parte del Ministerio? Si es así, podrían haber empezado por la televisión, donde se puede ver de todo a cualquier hora, y que luego metan mano en Internet… Pero si lo que ha pasado es que hay unos currantes incompetentes en el Ministerio, que no saben lo que han hecho, entonces que se diga claramente, se tomen medidas (hay mucha gente en el paro esperando una oportunidad) y se solucione el asunto. Cuanto antes, que el viernes está aquí al lado.

Claro que, si ahora cambian de decisión, y la estrenan… con todo el lío montado, se pueden ahorrar dinero en publicidad, la decisión de la Administración española les ha hecho todo el trabajo, y gratis. En fin, a continuación, por si aún no lo habéis visto, os dejo el tráiler de la película (que ya había sido doblada al castellano, por cierto, trabajo que ahora se puede ir a la basura), que ha sido dirigida por Kevin Greutert, el frenético montador de anteriores entregas. La sinopsis de ‘Saw VI’ es la siguiente: Tras la muerte del agente especial Strahm, el detective Hoffman se convierte en el heredero del legado de Jigsaw. Sin embargo, a medida que el FBI va acercándose a descubrir su identidad, Hoffman se ve obligado a poner en marcha un plan que, por fin, permitirá explicar el gran plan de Jigsaw…

PD: Según me cuentan, la decisión ha sido convenientemente recurrida. Ya veremos si sirve de algo.

Sitio oficial | Ministerio de Cultura | Gracias a todos los lectores que nos habéis avisado, en especial a Juanlu R.

Los directores son una raza de personas que forman una extraña comunidad, siendo como es el cine un arte tan imperfecto, amorfo y decadente. Pero grandes artistas hay. Por supuesto que dejo sin nombrar varios grandes directores, algunos de los cuales quizá merecerían estar en esta lista antes que otros, pero los he elegido no solo por su incuestionable talento, también por su resonancia social (para bien o para mal), por su personalidad y su universo personal. Lean, lean:

Roman Polanski

El polaco de 76 años ha dirigido dieciocho largometrajes (incluyendo el que ahora está en su fase final de producción) en un apasionante carrera en la que hay lugar para cuatro obras sublimes: ‘Chinatown’, ‘La semilla del diablo’, ‘Tess’ y ‘El pianista’, y varias piezas muy notables. Como dije hace poco, sólo cabe soñar lo que hubiera sido de su carrera si no hubiera emigrado por dos veces de Estados Unidos, pero aún así es lo suficientemente importante como para abrir esta lista, que además no va en orden de preferencia.

Zhang Yimou

El cineasta chino más importante de la llamada Quinta Generación de cineastas de su país, y el más internacional, puede que filme el más exquisito cine que se hace hoy día, a pesar de que su prestigio ha decaído, muy injustamente, con su anhelada trilogia wuxia, conformada por las bellísimas ‘Héroe’ y ‘La casa de las dagas voladoras’, y por la más que interesante ‘La maldición de la flor dorada’. Pero sus obras maestras son numerosas: ‘Ni uno menos’, ‘El camino a casa’, ‘Keep Cool’, ‘La linterna roja’. Casi nada.

Francis Ford Coppola

A pocos sorprenderá que le incluya, cuando le he dedicado más de medio año en un extenso estudio que espero esté a la altura de lo estudiado. Es cierto que su carrera es tremendamente irregular (como la de casi todos), pero resulta imposible no incluirle entre los más grandes vivos, si tenemos en cuenta los más grandes hitos de su carrera.

Terrence Malick

Actualmente, me estoy dejando la piel para completar un análisis de la carrera de este misterioso hombre de cine, que hasta la fecha ha filmado tan solo cinco películas (la última aún no la ha visto nadie), pero que quizá sea el más grande artista cinematográfico vivo. Incomprendido y amado a un tiempo, este realizadorse aleja del espectador, precisamente, para ofrecerle algo con lo que el espectador pueda conmocionarse.

James Cameron

He dicho muchas veces que es el más grande director de ficción científica de la historia. Lo es, pero además es un escritor formidable (y muy modesto), y es el creador de un icono como el Terminator, y es el mejor creador de secuencias de acción que existe, y aunque tenga equivocaciones como ‘True Lies’, es el mejor técnico que existe. Sus historias son sencillas y conmovedoras, además de frenéticas. ¿Alguien da más?

David Lynch

Lynch pasa por ser uno de los directores más incomprendidos de la actualidad por ciertos sectores de cinéfilos, pues los que necesitan clasificar lo inclasificable encuentran en él la horma de su zapato. Es un cineasta que ha hecho casi de todo: ciencia ficción, cine negro, cine de terror, melodrama, suspense, y ha sabido impregnar a todas esas historias de su mirada personalísima y radical. Director genial, visionario y fuera de toda norma, imprescindible para conocer el cine de las últimas tres décadas.

Víctor Erice

El gran drama de este hombre (con el que me cruzo alguna que otra vez por la calle, cerca de mi casa) es haber nacido en un país tan necio, ignorante y cruel como España, que no es precisamente un paraíso para los artistas más sensibles, íntimos y profundos. Tres largometrajes (uno de ellos, quizás el más importante, inacabado) en una carrera plagada de problemas con los productores. Aún así, pertenece a este grupo por derecho propio, pues es el director español más importante vivo. Nadie ha igualado aún, el retrato de la infancia de ‘El espíritu de la colmena’ o la búsqueda de la figura paterna de ‘El sur’.

Bertrand Tavernier

Tavernier es un hombre tremendamente comprometido, tremendamente pasional, y tremendamente radical. Estas tres características le han granjeado no pocos enemigos, pero también son la razón de que su obra sea tan comprometida, tan apasionante, y tan visceral. Siempre en el filo de caer en el ridículo, pero sin rozarlo jamás, es el director de esa obra de arte titulada ‘Hoy empieza todo’. Para qué seguir hablando.

Michael Haneke

La última, y al parecer merecidísima Palma de Oro, es la culminación de una personalidad cinematográfica sin parangón en el cine europeo actual, que escarba sin piedad en las miserias morales del ser humano, futuro, presente y pasado. Para muchos, es el más complejo y grande director vivo.

Alfonso Cuarón

El mexicano puede sorprender a algunos por estar en esta lista, pero en mi opinión es de los que más se lo merece. Ha demostrado su maestría absoluta en drama, fantasía y ciencia ficción, y dada su juventud, se pueden esperar grandísimas cosas de él. Los grandes maestros no son sólo aquellos que cuentan con setenta años de edad.

Martin Scorsese

Es cierto que su personalidad se ha ido diluyendo de manera preocupante en la presente década, pero ¿qué importa cuando es el director de joyas imperecederas como ‘Raging Bull’, ‘Taxi Driver’ o ‘Uno de los nuestros’, esta última verdadera pieza catedralicia del universo Scorsese? Aunque creo que su obra maestra es la trilogía conformada por ‘La edad de la inocencia’, ‘Casino’ y ‘Kundun’. ¿Volverá a filmar algo parecido? Sólo el tiempo lo dirá.

Lars Von Trier

Ya, ya lo sé, ahora mismo muchos le desprecian, o simplemente le consideran un tarado, por su ‘AntiChrist’, pero no hay que olvidar que este hombre filmó un manifiesto de libertad incomparable llamado ‘Los idiotas’, y un drama radical e inolvidable con ‘Rompiendo las olas’, y un musical atípico y bellísmo con ‘Dancer in the dark’. Además, puede contar una historia convincente sin elementos escénicos. En fin.

...y M. Night Shyamalan

Shyamalan es otro director esencial del cine actual, y más aún, es uno de los pocos con universo propio e intransferible, mal que le pese a algunos. Y el más joven de todo el grupo. No sólo es autor de una carrera asombrosa, sino que sigue sorprendiendo y arrisgando como nadie en cada película. Un verdadero director, un autor irredento. Un motivo para creer en el cine.

Se acerca el estreno de una de las películas más interesantes y esperadas de este año, ‘El imaginario del doctor Parnassus’, lo nuevo del director Terry Gilliam (‘Doce monos’, ‘Tideland’), y aquí os dejo los dos últimos carteles que han aparecido en Internet; uno de ellos está en español, confirmando que no se ha realizado una alocada traducción del título, que a veces hasta da vergüenza pedir la entrada a la taquillera (menos mal que siempre se puede decir el nombre de la sala).

Como sabéis, pues no es la primera vez que hablamos de ella, se trata de la última película en la que participó Heath Ledger, fallecido accidentalmente cuando aún estaban en pleno rodaje. Por suerte, Gilliam entendió que había que seguir adelante, y consiguió que los estelares Johnny Depp, Jude Law y Colin Farrell, amigos del actor, tomaran el relevo e interpretaran el papel que había quedado desierto. El dinero que debían haber cobrado por su trabajo fue donaron a la hija que tuvo Ledger con la también actriz Michelle Williams (se enamoraron durante el rodaje de ‘Brokeback Mountain’).

El film ya se ha paseado por varios festivales y pronto lo hará también por Sitges (donde estaremos, al igual que estuvimos en San Sebastián), pero el público español no deberá esperar con los dientes largos durante mucho más tiempo, ya que la fecha de estreno para salas comerciales está fijada para el próximo 23 de octubre. Por lo que nos contó Adrián, y lo que se ha comentado en otros medios, la espera va a merecer la pena.

PD: Christopher Plummer, Tom Waits, Lily Cole, Verne Troyer y Andrew Garfield completan el reparto protagonista.

Vía | Impawards y Empire

En Blog de Cine hoy estamos de estreno, de novedad importante. Ponemos en marcha una novedad en la que hemos estado trabajando durante meses y de la que os avisamos cuando hicimos nuestro último rediseño.

Las nuevas páginas de películas, directores, actores, etc. serán ahora un lugar donde informarse sobre un producto y punto de encuentro de la comunidad de Blog de Cine. Allí podréis ponerle nota a las distintas películas, leer toda la información relacionada, marcarla como deseado o incluso si la tenéis, guardarlo en vuestra página de usuario.

¿Ejemplos? Infórmate sobre ‘Malditos bastardos’, sobre ‘District 9’, o sobre ‘Forrest Gump’.

Información sobre tus películas preferidas

En la página de cada vehículo encontraremos información completa de prácticamente todos los productos publicado en Blog de Cine, con fotos y vídeos tanto del propio blog como de sitios relevantes como Flick o Youtube.

En esa página también podremos encontrar todos los post y artículos relacionados, pero no solo de Blog de Cine, sino de otros sitios de Internet. Incluso os recomendaremos los propios editores artículos y enlaces de especial interés.

Pero hay mucha más información en la página de cada producto. Tenemos por ejemplo una sección con productos relacionados que nos ayudarán a comparar y ver qué alternativas tenemos, y podremos ver la nota que los editores o vosotros mismos habéis dado a ese modelo.

Comunidad e interacción

Además de información, la página de cada modelo es un punto de encuentro de la comunidad de Blog de Cine. Podréis mostrar al resto de usuarios qué películas os gustan y cuáles no.

Y en vuestra mejorada página de usuario de Blog de Cine, además de los post guardados y las conversaciones en las que estáis inmersos, ahora tendréis una referencia de las películas que os encantan u aborrecéis.

Hay opción de puntuar cada película, ver la puntuación media del producto dada por los usuarios y de interaccionar con el resto de visitantes mediante comentarios y vuestros propios análisis de la película. Y por supuesto leer y comentar dudas, consejos y todo tipo de información que entre toda la comunidad aportaremos a cada página de producto.

Hemos trabajado muy duro durante bastante tiempo para tener lista esta nueva funcionalidad de Blog de Cine que esperamos que os guste tanto como a nosotros prepararla.

Muchos nos habéis escrito, desde el domingo, enviándonos la noticia del famoso arresto del director Roman Polanski en Zurich, donde iba a recibir un homenaje por toda su obra. Pensamos que no era muy buena idea comentar aquí el asunto, ya que se prestaba más a la discusión sobre el viejo caso por el que se le juzgó, cuando lo que a nosotros nos interesa en este sitio es hablar de cine. Pero la detención de Polanski ha afectado a su última película, y eso ya sí que entra totalmente en nuestro terreno.

Tenía pendiente hablar sobre ‘The Ghost’ en Blogdecine, después de que este verano empezase a circular en Internet un primer y diminuto avance de la película, lo nuevo de Polanski desde la adaptación de ‘Oliver Twist’ (2005). Según se ha informado a la prensa, el último trabajo del cineasta no está totalmente acabado, y ahora mismo corre peligro, ante la posibilidad de que Polanski sea deportado a Estados Unidos. Al parecer, faltaba terminar el montaje y añadir la música, tareas que están en el aire en este momento.

Basada en la novela de Robert Harris, ‘The Ghost’ (‘El fantasma’) gira en torno a un primer ministro británico y a un escritor “fantasma”, contratado para ayudarle a terminar sus memorias pero cuyo nombre no aparecerá acreditado; lo que aquí llamamos un “negro”. La trama explota cuando el político revela secretos que ponen en peligro la vida del escritor. A continuación tenéis el “teaser” tráiler de la película, que apenas dura diecisiete segundos:

La película, que está protagonizada por Pierce Brosnan, Ewan McGregor Kim Cattrall, Tom Wilkinson, Timothy Hutton, Eli Wallach, Olivia Williams y James Belushi, no tenía aún distribuidor para Estados Unidos, y con el arresto, que ha vuelto a levantar la polémica en torno al director, parece improbable que alguien esté interesado en hacerse con los derechos para estrenarla allí, con lo puritanos que son.

Esto no tiene nada que ver con Europa, el estreno de ‘The Ghost’ en países como Alemania y Francia ya estaba asegurado, por lo que la llegada a los cines españoles no corría peligro. Eso era antes, cuando todo iba según lo previsto. Pero así es la vida, todo puede cambiar en un segundo. Ya veremos qué ocurre con la película, y con el director, al que ahora mismo le debe importar un pimiento el cine.

PD: Un extra, un consejo del señor Polanski para los aspirantes a cineastas:

Vía | Empire