Favoritos de los expertos de titifano en Blogdecine http://www.blogdecine.com/usuario/ seleccionado por los expertos de titifano http://www.blogdecine.com <![CDATA[Cómic en cine: 'Wanted. Se busca', de Timur Bekmamketov]]> http://www.blogdecine.com/criticas/comic-en-cine-wanted-se-busca-de-timur-bekmamketov http://www.blogdecine.com/criticas/comic-en-cine-wanted-se-busca-de-timur-bekmamketov Tue, 24 Mar 2015 07:23:04 +0000 seleccionado por los expertos de titifano Wanted Ppal

Como ondas que se propagan sobre la superficie del agua después de haber tirado una piedra y van creciendo al alejarse del epicentro, que la influencia de las formulaciones visuales de ‘Matrix’ (‘The Matrix’, Larry y Andy Wachowski, 1999) aún perviven en la manera en la que el cine de acción afronta la concreción de sus set-pieces es algo muy evidente que innumerables producciones ponen de manifiesto tanto si estamos hablando de la copia-homenaje directos como si lo estamos haciendo de lo innovador de una puesta en escena que no podría entenderse sin acudir a la revolución que supuso la cinta protagonizada por Keanu Reeves.

Con múltiples muestras que encontrar en el séptimo arte a lo largo de los tres lustros que han transcurrido desde su estreno, que ‘Wanted. Se busca’ (‘Wanted’, Timur Bekmamketov, 2008) no podría haber existido sin ‘Matrix’ es una obviedad del mismo tamaño que el hecho de que, partiendo del magnífico material que suponía la miniserie escrita por Mark Millar y dibujada por J.G.Jones, resultan inexplicables las muchas y muy diversas diferencias que terminaron por separar a esta apuesta por el espectáculo palomitero que es el filme que hoy nos ocupa de la revisión gamberra del género superhéroico que fue el título escrito por el guionista escocés.

‘Wanted’, el cómic

Wanted Comic

Matar es como comer Pringles, no sabes si podrás parar una vez has empezado

Sólo a un guionista que ha hecho de la irreverencia y lo extremo y cáustico las normas por las que regir la práctica totalidad de su trayectoria en el mundo de los tebeos podrían ocurrírsele frases como las que vemos arriba o mezclar el concepto base del ‘Pigmalion’ de George Bernard Shaw con ciertos tintes del ‘Astro City’ de Kurt Busiek y pinceladas de ‘Wacthmen’ para regalarnos la que fue segunda piedra fundacional de ese Millarverse del que ya hablamos largo y tendido en la entrada correspondiente a la genial y refrescante ‘Kingsman. Servicio secreto’ (‘Kingsman. The Secret Service’, Matthew Vaughn, 2015).

Desarrollada en un mundo en el que los supervillanos acabaron con todos los héroes y llevan décadas controlando la sociedad a placer, ‘Wanted’ es una de esas lecturas que es muy difícil dejar toda vez se ha empezado. Y la razón fundamental para ello es la inmediata empatía con su protagonista, un gris empleado de oficina engañado por su novia y con una existencia de mierda cuya vida cambia por completo en el momento en el que descubre que es el hijo de uno de esos malos extremos que forman parte de la red mundial de meta-humanos, una red que asesina a placer y que vive como quiere al margen de cualquier ley habida y por haber.

Rodeado de personajes que se mueven entre la chulería extrema y la sordidez última —atención especial merece Cabeza de Mierda, una persona-excremento formado por las heces de los 666 seres humanos más viles que han existido en la Tierra…cómo lo estáis leyendo—, y con un sentido de la hiper violencia que queda plasmado por activa y pasiva en las alucinantes páginas del mejor trabajo que haya hecho nunca el dibujante J.G.Jones, recomendar ‘Wanted’ es una obligación si se es amante del noveno arte. Y lo es tanto porque el nivel de “molonería” de las páginas que conforman la historia es de una genialidad incuestionable como por que aquí encontramos el germen inequívoco de mucho de lo que Millar desarrollará posteriormente en ‘Kick-Ass’, ‘Supercrooks’ o ‘Némesis’.

‘Wanted’, acción a lo bestia…y poco más

Wanted 1

Ya lo apuntaba al comienzo y es una pregunta que nos hemos tenido que hacer muchas veces al acudir a una sala de cine para asistir a la adaptación de un cómic: vale que, como también he afirmado hasta el hastío, medios diferentes requieren de necesidades narrativas diferentes pero ¿para qué diantres sirve tener una obra tan sólida y bien estructurada como ‘Wanted’ si después al llevarla a la gran pantalla la desprovees de toda su esencia y te quedas sólo con cuatro ideas sueltas hilvanadas por un esqueleto argumental vacío y por momentos inocuo?

Creyéndome poco o nada las muchas declaraciones que Mark Millar hizo al respecto en el momento en el que la producción se puso en marcha afirmando allí donde le preguntaban que, en esencia, estaba muy de acuerdo con todos los cambios que Chris Morgan, Michael Brandt y Derek Haas ejercieron sobre el cómic e incluso que, cuando había estado trabajando en él, la idea original era la de que los supervillanos no hubieran tenido uniformes vistosos; soy de los que consideran que, de haber arriesgado algo más en mantenerse cerca de la idiosincrasia del tebeo, ‘Wanted’ habría sido un filme muchísimo mejor del que nos encontramos hace siete años en los cines.

No me malinterpretéis, me lo pasé como un enano —y lo sigo haciendo— con el frenético ritmo que Bekmamketov imprime a las secuencias de acción —la que transcurre a bordo del tren es bestial…increíble, pero bestial— y con la chulería que por momentos desprenden los diálogos pero, al mismo tiempo, soy consciente de que cuando así pasa, cuando la cinta muestra sus mejores cartas, es cuánto más se acerca a las ideas plasmadas por Millar y Jones en las viñetas, algo que el primer acto hace con intensidad y que segundo y tercero terminar por diluir hasta que poco o nada puede encontrarse de aquello en lo que el filme se apoya.

Wanted 2

De hecho, el trastocar como lo hace la razón de ser del personaje de Wesley —que en el cómic abraza por completo el formar parte de la sociedad de villanos y todo lo que ello comporta sin que en ningún momento ello le suponga debates morales— y obliterar hasta no dejar rastro el ejemplar último tramo del cómic en virtud de una conclusión mucho más cinematográfica es lo que termina por dejar claro que las espléndidas fortalezas de ‘Wanted’, el tebeo, habrían merecido encontrar mejor suerte en su traslación a 24 fotogramas por segundo que la que encuentran en este espectáculo grandilocuente.

Ceñidas las pegas que se le puedan poner a la producción al ámbito del guión, de lo mucho que pervierte al tratamiento de las viñetas y de lo que termina perdiéndose en el enfoque que le aportan la terna de escritores —lo del telar del destino es, cuanto menos, desafortunado— poco se le puede achacar a una cinta que da lo que promete en términos visuales; que, como decía algo más arriba, cuenta con unas secuencias de acción espectaculares rodadas por un cineasta que se mueve como pez en el agua en ellas y que, además, puede presumir de un reparto que se lo pasa bomba en sus papeles, siendo máximo exponente de ello un Morgan Freeman que rezuma carisma desde su primera intervención.

Y aunque sea adelantar algo de lo que veremos en profundidad cuando les llegue el turno a las dos entregas de ‘Kick-Ass’, creo oportuno dejar ya claro la muy distinta suerte que corren ambas producciones y lo mucho que la segunda se acerca a los postulados que enmarcan a la cinta a la que hoy nos hemos acercado, esto es, el creer que alejarse de lo planteado por Millar —otra cosa quizás no, pero si el guionista tiene claro algo es como escribir una historia que se puede llevar al cine tal cual— es una virtud a cultivar cuando, precisamente, es todo lo contrario.

Otra crítica en Blogdecine | ‘Wanted’, hiperbólico divertimento

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<![CDATA[Ciencia-ficción: 'Chappie', de Neill Blomkamp ]]> http://www.blogdecine.com/criticas/ciencia-ficcion-chappie-de-neill-blomkamp http://www.blogdecine.com/criticas/ciencia-ficcion-chappie-de-neill-blomkamp Mon, 23 Mar 2015 07:31:47 +0000 seleccionado por los expertos de titifano Chappie Poster

Al 50%. Así es como acudía hace dos viernes al estreno de ‘Chappie’ (id, Neill Blomkamp, 2015). De una parte, y derivada no cabe duda tanto de los dos espléndidos tráilers que había visto como del hecho de que el cineasta sudafricano pareciera “volver a sus orígenes”, albergaba la fuerte esperanza de volver a encontrarme con el director que tanto sorprendió a propios y y extraños con ese categórica muestra de buen cine de ciencia-ficción y acción que fue su ópera prima, la estupenda ‘Distrito 9’ (‘District 9’, Neill Blomkamp, 2009), un filme que, en según qué aspectos, va ganando con el paso del tiempo.

De la otra, no obstante, pesaba —y mucho—, su segunda incursión en la gran pantalla. Una ‘Elysium’ (id, Neill Blomkamp, 2013) sobre la que me despaché a gusto en su momento y acerca de la cual un segundo visionado no cambió la pobre percepción con la que salí del cine allá por agosto de hace dos años. Es más, si para algo servía esa segunda oportunidad era para poner aún más de relieve lo endeble de la cinta protagonizada por Matt Damon y lo poco que su componente visual y Sharlto Copley podían hacer por salvarla del desastre que terminaba siendo.

Lamentablemente, ‘Chappie’ termina abrazando con inusitada algarabía las impresiones negativas previas y se convierte, por muchos méritos que comentaremos de aquí en adelante, en lo peor que servidor ha tenido el disgusto de ver en lo que llevamos de año: vale que no hayan transcurrido ni tres meses de este 2015, pero de todo aquello que hasta ahora he acudido al cine a visionar sólo la plúmbea e inane ‘Into the Woods’ (id, Rob Marshall, 2014) se acerca al tedio y el sopor que provoca un filme que, ante todo, equivoca su tono e incurre en unos problemas de definición de personajes que resultan, como poco, sorprendentes.

Con la indefinición por norma

Chappie 1

Si hay algo que resulta extremadamente llamativo llegado el momento es que Blomkamp, que vuelve aquí a unir fuerzas con Terri Tatchell —con la que ya colaboró en la redacción del guión de ‘Distrito 9‘—, no logre que el espectador sienta cercano al personaje central de la película, ese robot con mentalidad infantil que es el Chappie que da nombre al filme y que sale muy mal parado en la comparación con otras inteligencias artificiales cinematográficas como, qué sé yo, el Número 5 de ‘Cortocircuito’ (‘Short Circuit’, John Badham, 1986), el Sonny de ‘Yo, robot’ (‘I, Robot’, Alex Proyas, 2004) o el Robby de ‘Planeta prohibido’ (‘Forbidden Planet’, Fred M. Wilcox, 1956).

Tal falla, de todo punto imperdonable cuando el androide es la figura central alrededor de la cual orbita toda la trama, es como un tumor maligno que va metastatizándose conforme avanza la acción y termina convirtiéndose en un cáncer agresivo que afecta al resto de un reparto que se mueve entre la completa y total indefinición o, peor aún, raya en un nivel de concreción que acerca a la producción a los postulados de la serie B menos recomendable, esa sobre la que no puede decirse que “de mala que es, resulta hasta buena” y que, desgraciadamente, ni siquiera llega a convertirse en ese agradecido tipo de producciones que podríamos tachar de comedias no-intencionales.

A esa afección que se deriva de forma directa de unos diálogos poco o nada creíbles —por no decir estúpidos por momentos— mucho contribuye el sexteto de personajes humanos que acompaña a Chappie. Un grupo perfectamente divisible en dos tríos que oscilan entre lo erróneo y lo esperpéntico. Al primer epíteto se aferran ese horrible y sobreactuado ¿villano? que encarna Hugh Jackman, un Dev Patel que no hay quien se crea como lumbrera de la robótica y, sobre todo, una Sigourney Weaver que tiene tres escenas mal contadas y que aparece sólo para constatar lo completamente inservible de su personaje.

‘Chappie’, de vergüenza ajena

Chappie 2

Ahora bien, es al segundo de los calificativos al que le debemos los mayores momentos de insustancialidad, sordidez y poca gracia que acarrea la cinta. Interpretados por Ninja —¿cómo tomarse en serio a un actor que se llama así?—, Yolandi Visser y Jose Pablo Cantillo, el terceto que acoge a Chappie y lo educa en la ley de la calle para que se comporte como un gangsta cualquiera es el que provoca que, en no pocas ocasiones, giremos de forma involuntaria la cabeza para evitar tener que asistir al penoso espectáculo del que son centro. Y no hace falta poner ningún ejemplo de ello, cualquiera de las escenas en las que aparecen son sobrada muestra de que, en lo que a elecciones de reparto se refiere, ‘Chappie’ ha jugado a la baza perdedora.

Una baza que, en última instancia, es la que afecta también a la estrambótica e irregular partitura compuesta por Hans Zimmer y agregados —con sonoridades electrónicas que acercan al teutón a los comienzos de su andadura cinematográfica y que alterna momentos estupendos con otros de dura audición— y que ni la dirección de Blomkamp ni la espectacular magnitud de los efectos visuales consigue contrarrestar: y si los segundos vuelven a sorprender como el aspecto más cuidado y perfecto de una cinta firmada por el sudafricano, es la puntual brillantez del primero la que nos hace desear que para futuras incursiones fílmicas, el cineasta logré encontrar a un guionista a la altura de sus innegables talentos tras el objetivo.

Chappie 3

Porque, en lo que al libreto respecta, un análisis somero y a vuelapluma del mismo apuntaría a que, partiendo de una idea más o menos efectiva —que, no obstante, parece mezclar la arriba citada ‘Cortocircuito’ con ‘Robocop’ (id, Paul Verhoeven, 1986)— a lo que asistimos durante las dos horas de proyección es a un batiburrillo más o menos inconexo que parece más un enorme monstruo de Frankenstein cosido de retales de aquí y allá que un conjunto cohesionado que, a la postre, destile reflexiones válidas acerca del mal uso de las inteligencias artificiales.

De hecho, es la pobre concreción de la historia la que plantea no pocas dudas de cara a que Blomkamp sea el encargado de llevar a buen puerto esa quinta secuela de ‘Alien, el octavo pasajero’ (‘Alien’, Ridley Scott, 1979) que la Fox ponía en el fast-track de pre-producción hace pocas semanas. Unas dudas que unidas al mal funcionamiento en taquilla de la cinta que hoy ha ocupado nuestro tiempo —y que quedan algo mitigadas por las potenciales opciones hacia las que parece querer encaminarse el cineasta— podrían terminar desencadenando su eventual sustitución. ¿Lo creéis plausible?

Otra crítica en Blogdecine | Syfy 2015 | ‘Chappie’, diversión y espectáculo con conciencia

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<![CDATA[La censura de lo políticamente correcto]]> http://www.blogdecine.com/reflexiones-de-cine/la-censura-de-lo-politicamente-correcto http://www.blogdecine.com/reflexiones-de-cine/la-censura-de-lo-politicamente-correcto Fri, 20 Mar 2015 18:39:20 +0000 seleccionado por los expertos de titifano Arnold Schwarzenegger en 'Depredador'

Son tiempos oscuros para los amantes de lo políticamente incorrecto, ya que ha llegado un punto en el que el hecho de hacer caso a las críticas mejor o peor fundadas de diversas personas o asociaciones nos está llevando a que todo lo que pueda molestar a alguien es corregido o simplemente descartado.

El caso más reciente lo encontramos en la prohibición de fumar en sus películas por parte de Disney, pero son muchos los ejemplos de esta peligrosa tendencia hacia lo aséptico en el mundo del cine. Sin embargo, esta censura de lo políticamente correcto no afecta sólo a Hollywood, ya que prohibiciones ridículas ha habido en muchos países, incluyendo España.

Violencia sí o no según nos convenga

Sean Penn en 'Gangster Squad'

Creo que es bastante obvio que en muchas películas está permitido el uso de la violencia, pero la cosa se complica más a la hora de mostrar la sangre al espectador. No termino de entender esa ridícula línea que permite matar y no enseñar cómo se llega a morir, pero en la representación de la violencia hay algo mucho más absurdo y es que un hecho real puede hacer que caigan infinidad de quejas sobre una película que de otra forma nunca hubiesen existido.

Pienso por ejemplo en casos como el de Jim Carrey criticando el contenido violento de ‘Kick-Ass 2: Con un par’ por la masacre en una escuela americana que se saldó con 28 víctimas mortales o las quejas por el tiroteo dentro de una sala de cine mostrado en el tráiler de ‘Gangster Squad (Brigada de Élite)’ y que luego se eliminó de la película por la masacre de Aurora en 2012. Y suerte tuvo ‘El caballero oscuro: La leyenda renace‘ (The Dark Night Rises) de salir indemne, que poco le faltó para ser otra inocente víctima de las circunstancias.

¿Realmente sirven de algo esas quejas cuando sólo surgen de forma oportunista e ignorando que luego en las noticias se muestran cosas mucho más inquietantes y morbosas como nos recordó hace poco la cruda ‘Nightcrawler’? Al final lo realmente importante es que si alguien ya estaba trastornado o mostraba síntomas de ello debería haber recibido algún tipo de ayuda, mientras que usar al cine –o los videojuegos, series de televisión, etc.- como cabezas de turco sólo es una prueba de la hipocresía de los acusadores para quitarse rápidamente un problema de encima.

Cartel de 'Saw VI'

No me olvido del ridículo vivido en España cuando se optó por dar una calificación X a la sexta entrega de ‘Saw’, la cual llegó tiempo después de forma recortada para poder estrenarse de forma normalizada, aunque ojo, que algo peor sucedió con la última entrega de la franquicia en Alemania, donde directamente la prohibieron al superar los límites permisibles de violencia en dicho país, aunque fue algo temporal, una suerte que no han tenido otras muchas películas en dicho país. Si os soy sincero, no recuerdo que ninguna de las dos se diferencie en demasía de sus predecesoras en este punto…

Eso sí, el ejemplo más reciente que recuerdo es la incomprensible decisión de Fox de acortar la ya célebre escena de la iglesia de ‘Kingsman: Servicio secreto‘ (Kingsman: The Secret Service) en algunos países latinoamericanos por ser demasiado violenta. Un movimiento aleatorio que sirve para recordarnos que ni siquiera una producción millonaria de gran éxito en otros países está a salvo de que alguien simplemente considere que se han excedido en este apartado.

El sexo neutro no es sexo

Cincuenta Sombras De Grey

¿Cuántas veces se os ha pasado por la cabeza que los personajes de una película o una serie de televisión hacen del amor de una forma en la que realmente nos cuesta creer que están haciendo eso? De hecho, el absurdo llegó el año pasado al punto de censurar un cartel en el que se intuía una teta de Eva Green, pero es que apenas unos años también se prohibieron otros por su supuesto alto voltaje sexual.

Esto es algo que puedo llegar a entender que suceda en países más tradicionales en los que todo lo relacionado con ciertos temas es un tabú, pero en muchos otros lugares parece que el sexo debe quedar reservado a producciones “artísticas” de escaso recorrido comercial –y aún así han de andarse con ojo-, ya que incluso una propuesta a priori tan escandalosa como ‘Cincuenta Sombras de Grey’ (Fifty Shades of Grey) ha acabado siendo mucho más recatada de lo promocionado y encima recurriendo a varios trucajes para contentar el pudor de sus dos protagonistas.

Es una lástima que el sexo siga siendo algo tan problemático, ya que a principios de los años 90 hubo un pequeño auge de su presencia en el cine comercial tras el notable éxito de ‘Instinto básico’ (Basic Instinct), pero la cosa no tardó en volver a esta “normalidad” en la que los desnudos son enemigos de lo comercial, existiendo aún quejas continuas sobre el hecho de ser gratuitos en otras obras. El problema no está en que lo sean o no como el hecho de querer obligar a prescindir de ellos y centrar la charla sobre ciertas obras en ello en lugar de en lo que realmente está contando.

Los límites del humor

The Interview

Imagino que aún os acordaréis de que ‘The Interviewestuvo a punto de no estrenarse en los cines americanos por una amenaza de un posible ataque terrorista, siendo por ahora el caso más radical a la hora de intentar limitar el contenido humorístico de una película. Eso sí, fueran muchas las personas que defendieron su derecho a la libertad de expresión, pero ojo con las cosas sobre las que bromeas, que ese discurso puede cambiar con mucha rapidez.

Otro caso mucho más reciente en el tiempo que también está siendo muy comentado en ciertos círculos es el caso de ‘Negociador‘, la nueva película de Borja Cobeaga en la que aborda el espinoso tema del terrorismo. Personalmente, me parece una propuesta valiente y necesaria que además acaba siendo una comedia de lo más estimable, pero los hay que prefieren perderse en detalles menores como la terminología usada y una buena prueba de ello lo tenéis en los comentarios de la crítica de la misma que escribió mi compañera Lucía.

He de reconocer que este punto aún no es tan importante como los dos anteriores en el mundo del cine, pero me da la sensación de que es porque los propios ejecutivos han optado por aligerar la fiereza de sus bromas, quedándonos únicamente valientes como Sacha Baron Cohen para hacer títulos como ‘Borat’ o ‘El dictador’ sin pensar en ningún momento sobre las posibilidades de que ciertos países decidan prohibir su estreno aunque luego algunos incluso llegaron a darle las gracias. Eso sí, me temo que lo siguiente será seguir los mismos pasos de la publicidad, donde los límites del humor son cada vez menos generosos.

Intentar contentar a todos es un error

Exodus

Hay otros temas que también dan pie a polémica con cierta regularidad. El más obvio es el tratamiento de la religión por parte del cine, ya que cualquier mínimo cambio que hagas sobre la fe de alguien va a ser recibido con rechazo. Sin embargo, últimamente da la sensación de que en este caso concreto son rápidamente ignoradas o incluso acaban jugando a su favor y hace que más gente vaya a verlas, pero mejor no confiarse, que eso podría cambiar con rapidez y también afectar a otros muchos temas.

El problema real es que la prohibición debería ser una rareza y con unos límites estrictos que salgan como consecuencia de algo aceptado por la propia sociedad por ejemplo, creo que es perfectamente lógico que se prohíba cualquier posible snuff movie que llegue a rodarse. Y es que por ejemplo no veo el sentido a prohibir un cartel de cine por dotar de glamour al uso de armas de fuego cuando en otros casos similares no hubo problema ninguno.

No obstante, hemos de saber más allá del ridículo de determinadas decisiones concretas para ver que lo peor de esta dictadura de lo políticamente correcto es que fomenta que nos ofendamos por cualquier cosa y limita nuestro pensamiento crítico ante una obra. Por mi parte, estoy ya cansado de que otros me digan lo que es bueno o malo para mí cuando yo puedo decidirlo perfectamente por mí mismo.

Por desgracia, tiene toda la pinta de que esto no va a dejar de ir a más y lo siento, pero no me vale el maravilloso ingenio de algunos creadores para superar unos límites que simplemente no deberían existir, ya que me parecería muy triste que el futuro del cine sea una incorrección política emparentable con la que teníamos en España durante el régimen franquista, ¿y vosotros qué opináis de todo esto?

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<![CDATA['The Target (El objetivo)', cuenta atrás]]> http://www.blogdecine.com/criticas/the-target-el-objetivo-cuenta-atras http://www.blogdecine.com/criticas/the-target-el-objetivo-cuenta-atras Sat, 21 Mar 2015 08:01:48 +0000 seleccionado por los expertos de titifano Targetf1

En el 2010 se filma una película francesa titulada ‘Cuenta atrás’ (‘Pont Blank’, Fred Cavayé), que llegó a nuestras salas dos años más tarde. Se trata de un film enérgico, un thriller que no es que eleve al polar a los niveles que vivió en los años sesenta y setenta, pero cumple con el principal cometido de ofrecer un espectáculo digno sin tratar al espectador como si fuese idiota. Un médico y su mujer embarazada, papel a cargo de Elena Anaya, se ven envueltos en toda una intriga de policías corruptos. El film no ofrece un solo respiro al espectador.

‘The Target (El objetivo)’ (‘Pyojeok’, Chang, 2014) es el remake coreano del citado film, y ver ambos en una sesión doble es una experiencia realmente curiosa. El entretenido film de Cavayé contiene entre otras cosas unas intensas interpretaciones de Gilles Lellouche, como el sufrido médico, y Gérard Lanvin, como el inspector de policía corrupto y asesino. El film coreano pierde en su elemento interpretativo, y gana en espectacularidad, convirtiendo lo que es un polar francés en un film de acción puro y duro.

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(From here to the end, Spoilers) El argumento es prácticamente el mismo, pero todo aplicado a las herramientas narrativas de las que el cine de acción coreano ha hecho gala en la última década, un cine en el que hay mucho talento, que absorbe fórmulas del cine estadounidense y, en algunos casos, las mejora, por ejemplo, las secuencias de acción en sí mismas, más atrevidas, más locas, mejor filmadas, llegando muchas de ellas a ser verdaderas lecciones de planificación y montaje para los cineastas parkinsonianos de los USA.

También es cierto que el cine coreano de este tipo tiene a acentuar otros elementos. Si en la acción las cosas tienden a mejor, la historia humana, por así llamarla, de muchas de estas películas, es capaz de sobrepasar los niveles de azúcar permitidos. Por otro lado en ‘The Target (El objetivo)’ el planteamiento de la historia es exactamente el mismo que en el film francés, pero ya desde el primer plano la puesta en escena es diferente. Un hombre herido huye de dos perseguidores y da con sus huesos en un hospital debido a un atropello; allí el médico que le cura será chantajeado por un misterioso hombre que le obliga a sacar al herido fuera del hospital, o si no, la mujer del médico, embarazada, morirá.

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Un mayor espectáculo

El añadido de una fuerte lluvia en el inicio, que realmente engancha al espectador en las dos ocasiones, marca un efecto dramático que se repetirá, aunque con menor fortuna, en los acontecimientos personales que deberá sufrir el fugitivo, aquí un ex agente del gobierno metido a ladrón, detalle éste que sirve para justificar lo bien que pelea a lo largo de toda la película. El film se diferencia del francés sobre todo en que el planteamiento de algunas de las situaciones deriva hacia una mayor explotación de las set pieces de acción, algunas más logradas que otras.

Así, la huida del hospital, o el enfrentamiento final, se distancian considerablemente de lo que ofreció Cavayé, optando por un mayor espectáculo, y en algún momento pagando con la moneda de lo increíble. Por ejemplo, esa embestida final con un coche dentro de una comisaría de policía está muy, pero que muy lejos de lo visto en films como ‘Terminator’ (‘The Terminator’, James Cameron, 1984). Todo lo contrario que en las secuencias de lucha cuerpo a cuerpo, filmadas sin demasiado estilo, pero también sin torpeza y con ritmo, ofreciendo lo justo que se espera en un film coreano.

Donde ‘The Target (El objetivo)’ pierde considerablemente es en las interpretaciones de todo su elenco, pero sobre todo en lo que respecta al dibujo del personaje del ex agente, y la relación con su hermano retrasado. Un toque de excesiva ternura que tendrá consecuencias muy graves cuando el villano de la función, personaje exagerado y casi paródico, entre en escena. Las motivaciones del personaje fuera de la ley tienen más sentido, alcanzando su punto más alto en esa terrorífica rabia que muestra en la paliza final. La venganza que años más tarde da paso a la redención. Porque en esta película, todo aquel que tenga su corazoncito tendrá su premio.

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<![CDATA[Interesante comparativa del primer y el último plano en 55 películas ]]> http://www.blogdecine.com/otros/interesante-comparativa-del-primer-y-el-ultimo-plano-en-55-peliculas http://www.blogdecine.com/otros/interesante-comparativa-del-primer-y-el-ultimo-plano-en-55-peliculas Fri, 20 Mar 2015 20:39:47 +0000 seleccionado por los expertos de titifano Planos de El Árbol de la Vida, Toro Salvaje, Doce Monos y Centuros del Desierto

Os traigo un excelente vídeo que está triunfando en Internet, en el improbable caso de que estéis pasando un rato aburrido este fin de semana. Es un trabajo que compara el primer y el último plano en 55 películas. El resultado es muy interesante, no solo por ver cómo hay casos donde se usan imágenes muy parecidas mientras en otros se opta por todo lo contrario, sino por la curiosa relación que se establece entre las escenas que abren y cierran cada historia.

Evidentemente, ver este montaje realizado por Jacob T. Swinney puede suponer un problema si no se han visto todas las películas. Debajo del vídeo podéis consultar la lista completa de los títulos utilizados, para evitaros spoilers, por si queréis buscar alguno en particular o no recordáis a qué film pertenece alguna escena. Para acompañar los fotogramas, el autor eligió el tema musical ‘Any Other Name’ compuesto por Thomas Newman. Sin más, disfrutadlo:

El cine incluido en el montaje:

  • The Tree of Life 00:00
  • The Master 00:09
  • Brokeback Mountain 00:15
  • No Country for Old Men 00:23
  • Her 00:27
  • Blue Valentine 00:30
  • Birdman 00:34
  • Black Swan 00:41
  • Gone Girl 00:47
  • Kill Bill Vol. 2 00:53
  • Punch-Drunk Love 00:59
  • Silver Linings Playbook 01:06
  • Taxi Driver 01:11
  • Shutter Island 01:20
  • Children of Men 01:27
  • We Need to Talk About Kevin 01:33
  • Funny Games (2007) 01:41
  • Fight Club 01:47
  • 12 Years a Slave 01:54
  • There Will be Blood 01:59
  • The Godfather Part II 02:05
  • Shame 02:10
  • Never Let Me Go 02:17
  • The Road 02:21
  • Hunger 02:27
  • Raging Bull 02:31
  • Cabaret 02:36
  • Before Sunrise 02:42
  • Nebraska 02:47
  • Frank 02:54
  • Cast Away 03:01
  • Somewhere 03:06
  • Melancholia 03:11
  • Morvern Callar 03:18
  • Take this Waltz 03:21
  • Buried 03:25
  • Lord of War 03:32
  • Cape Fear 03:38
  • 12 Monkeys 03:45
  • The World According to Garp 03:50
  • Saving Private Ryan 03:57
  • Poetry 04:02
  • Solaris (1972) 04:05
  • Dr. Strangelove 04:11
  • The Astronaut Farmer 04:16
  • The Piano 04:21
  • Inception 04:26
  • Boyhood 04:31
  • Whiplash 04:37
  • Cloud Atlas 04:43
  • Under the Skin 04:47
  • 2001: A Space Odyssey 04:51
  • Gravity 04:57
  • The Searchers 05:03
  • The Usual Suspects 05:23
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<![CDATA[Diez consejos de padres en el cine ]]> http://www.blogdecine.com/frases-citas/diez-consejos-de-padres-en-el-cine http://www.blogdecine.com/frases-citas/diez-consejos-de-padres-en-el-cine Thu, 19 Mar 2015 15:36:28 +0000 seleccionado por los expertos de titifano Luke Skywalker y Darth Vader, una complicada relación paternofilial

Hoy celebramos el día del padre y para los cinéfilos es inevitable recordar escenas o películas que destaquen por su retrato de la paternidad o de las relaciones paternofiliales. El año pasado publiqué un artículo con los mejores consejos de madres en el cine, os dejo ahora una selección de las diez mejores lecciones que nos han dejado los padres en la gran pantalla:

Ponte en el lugar de los demás

“Si aprendes un pequeño truco te llevarás mejor con todo el mundo: nunca vas a entender realmente a una persona hasta que consideres las cosas desde su punto de vista… Hasta que te metas en su piel y camines con ella.”

Gregory Peck como Atticus Finch en ‘Matar a un ruiseñor’ (‘To Kill a Mockingbird’, 1962)

No te metas en líos innecesarios

“Solo soy valiente cuando debo serlo, ser valiente no significa ir buscando problemas.”

James Earl Jones como la voz de Mufasa en ‘El rey león’ (‘The Lion King’, 1994)

Ten cuidado

“Conduce con cuidado. Y no olvidéis poneros el condón”.

Steve Martin como George Banks en ‘El padre de la novia’ (‘Father of the Bride’, 1991)

Lucha por tus objetivos

“Si tienes un sueño… tienes que protegerlo. La gente que no puede conseguir algo te dirá que tú tampoco puedes. Si quieres algo, ve a por ello. Punto.”

Will Smith como Christopher Gardner en ‘En busca de la felicidad’ (‘The Pursuit of Happyness’, 2006)

Saca partido al dinero

“Dale a tus hijos el dinero suficiente para que hagan algo, pero no lo suficiente como para que no hagan nada.”

George Clooney como Matt King en ‘Los descendientes’ (‘The Descendants’, 2011)

Quédate con quien te quiere tal como eres

“Mira, en mi opinión, lo mejor que puedes hacer es encontrar a alguien que te ame exactamente por lo que eres. De buen humor, de mal humor, fea, guapa, lo que tengas, la persona adecuada siempre va a pensar que el Sol sale brillando de tu culo. Ésa es la clase de persona con la que vale la pena quedarse.”

J.K. Simmons como Mac MacGuff en ‘Juno’ (2007)

Cuida tu relación

“Creo que la razón por la que mamá se fue… fue porque durante mucho tiempo intenté que fuera una cierta clase de persona. Una clase de mujer que pensé que debía ser. Y no lo era. Ella no era así. Creo que intentó durante mucho tiempo hacerme feliz… y cuando no pudo, intentó hablarlo. Pero yo no escuchaba. Estaba demasiado ocupado, demasiado liado… pensando sólo en mí mismo. Y creía que cuando yo era feliz, ella era feliz. Pero creo que en el fondo ella estaba muy triste. Mami se quedó más tiempo del que quería porque te ama muchísimo. Y la razón por la que no pudo quedarse más tiempo… es porque no podía aguantarme. No se fue por ti, se fue por mí. Ahora ve a dormir porque es muy tarde, ¿de acuerdo? Buenas noches.”

–Dustin Hoffman como Ted Kramer en ‘Kramer contra Kramer’ (‘Kramer vs. Kramer’, 1979)-

No seas un amante egoísta

“Follar es como una comida china: no termina hasta que los dos tenéis vuestras galletas.”

Alec Baldwin como Old Man Dunphy en ‘No puedo perderte por algo tan tonto como el sexo’ (‘Outside Providence’, 1999)

No te olvides de la familia

“Un hombre que no pasa tiempo con su familia nunca será un verdadero hombre.”

Marlon Brando como Don Corleone en ‘El padrino’ (‘The Godfather’, 1972)

Lo que importa es amar

“Hay muchas clases de familias diferentes. Algunas tienen una mamá, otras tienen un papá, o dos familias. Y algunos niños viven con su tío o su tía. Algunos con sus abuelos, y otros con padres adoptivos. Y algunos viven en casas separadas, en vecindarios separados, en diferentes áreas del país; y puede que no se vean los unos a los otros durante días, semanas, meses… o incluso años. Pero si hay amor, cariño… esos son los lazos que unen, tendrás una familia en tu corazón, para siempre.”

Robin Williams como Daniel Hillard/Sra. Doubtfire en ‘Señora Doubtfire, papá de por vida’ (‘Mrs. Doubtfire’, 1993)

¿Recordáis más diálogos o momentos que os marcaron y que os parecen valiosas lecciones paternales en el cine?

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<![CDATA[Cómic en cine: 'The Spirit', de Frank Miller]]> http://www.blogdecine.com/criticas/comic-en-cine-the-spirit-de-frank-miller http://www.blogdecine.com/criticas/comic-en-cine-the-spirit-de-frank-miller Thu, 19 Mar 2015 08:31:48 +0000 seleccionado por los expertos de titifano The Spirit Poster

Los cómics que leía cuando era niño eran todos de tipos con mallas. Pero había uno que llevaba un fedora. Luchaba contra el crimen como hacían los de Marvel y DC, pero en el mundo real. Justo había cumplido 12 años cuando descubrí a Spirit y fue una extraña coincidencia: al mismo tiempo descubrí a las chicas y me desenamoré de los tipos con mallas. Frank Miller

Bajo la contundencia que ocultan las líneas anteriores y a sabiendas tanto de la gran amistad que lo unía con el desaparecido Will Eisner como de la gran personalidad que siempre ha demostrado poseer, uno se inclinaría a pensar que pocos autores habían tan adecuados en el mundo de la narrativa visual como Frank Miller para llevar a la gran pantalla las aventuras de ‘The Spirit’. Lamentablemente, tal hilo de pensamiento sería un error garrafal ya que hoy estamos, casi seguro, ante la PEOR película que ha llevado a la gran pantalla un cómic y, muy probablemente, delante de uno de los peores filmes que hemos podido ver en lo que llevamos de siglo.

Y esto no ha hecho más que empezar…

‘The Spirit’, la obra maestra de Will Eisner

The Spirit Comic 1

Como el propio autor narra en las últimas páginas de ‘The Dreamer’ —una de sus muchas y muy grandiosas novelas gráficas—, la oportunidad de abandonar el próspero estudio en el que había dado sus primeros pasos para pasar a dibujar una historia semanal que sería publicada en los periódicos —llegando así a muchos más lectores que los de los cómics de la época y, sobre todo, mucho más cultos— le surge a finales de la década de los treinta, concretamente en 1939, año en que Eisner firma un contrato con Everett Arnold para la formación de un nuevo estudio al margen del que el autor ya tenía con Jerry Iger.

Dicho estudio se pone al servicio de la creación de historias que por un lado serán para Quality Comics —una de las editoriales del momento—, y por el otro irán a parar a un suplemento de cómics incluido en ciertos diarios. Poco puede imaginar un jovencísimo Will Eisner, que por aquél entonces sólo cuenta con veintidós años de edad, que la arriesgada decisión de abandonar Eisner & Iger cambiará su vida y la historia del noveno arte para siempre —y no, esto no es ninguna licencia de este redactor ni, mucho menos, una exageración para captar vuestra atención—.

2 de Junio de 1940, una fecha para el recuerdo. Aparece la primera historia de ‘The Spirit’. El origen del personaje es de sobra conocido por cualquier aficionado al cómic yanqui: Denny Colt es un detective dado por muerto, una situación que aprovechará para combatir el crimen desde el cementerio de Wildwood con una nueva identidad y oculto tras un simple antifaz. Un comienzo sencillo para un personaje que ya en su primera incursión cuenta con una galería de secundarios que se mantendrán con él hasta el final. El comisario Dolan, que se verá obligado a salvaguardar la identidad del héroe de forma continua; su hija Ellen, la eterna enamorada de Spirit y una mujer de armas tomar y Ebony White, el controvertido ayudante del héroe debido a su origen afro-americano.

The Spirit Comic 2

En los dos años que pasan entre su primera aparición hasta que Eisner es llamado a filas en Mayo del 42, el dibujo del artista sufrirá una constante aunque en principio lenta evolución. Ya desde las primeras entregas —o secciones, como se les llama en inglés— se nota la pugna del dibujante por librarse del constreñimiento provocado por la forma de trabajar a la que estaba acostumbrado en el estudio —con esas páginas pre-aviñetadas— y el firme deseo de incurrir en nuevas formas narrativas que rompan dichos cerrados esquemas.

Esta pugna es ya apreciable en la historia que relata el origen del personaje, donde Eisner introduce viñetas oblicuas y circulares que rompen la monotonía del rectángulo, contando también desde el comienzo con las características cabeceras a toda página que jugando con el título de la serie, se terminarían convirtiendo en su seña de indentidad más reconocible y plagiada y que, de forma singular, mejor llaman la atención sobre los experimentos a los que el artista estadounidense siempre sometió a su arte y, por ende, a su forma de contar historias.

Además, el artista de estos comienzos no es ni de lejos el que después tanto llegaremos a admirar, y aunque en su forma de narrar ya se atisban los rasgos que potenciará en el futuro, su dibujo dista mucho de atesorar la plasticidad que después tendrá y carece de una correcta proporción anatómica, siendo sus figuras demasiado estilizadas. Con todo un potencial por desarrollar, será en Junio de 1941 cuando Eisner nos regale por primera vez una muestra clara de lo que ‘The Spirit’ llegará a ser. Bajo el título ‘Killer McNoby’, el dibujante rompe toda estructura tradicional de cómic, prescindiendo de viñetas para realmente ilustrar un relato escrito, en una historia claramente precursora de lo que después será la novela gráfica.

The Spirit Comic 3

El lanzamiento de la tira diaria en Octubre de 1941 habla por si sólo acerca de la inmensa popularidad que el personaje ha alcanzado en tan sólo año y pocos meses, en un espacio que se aprovecharía para relatar historias fuera de continuidad y que seguiría hasta Marzo del 44. Dos años antes de dicho cierre, como ya apuntábamos más arriba, Eisner es llamado a filas, permaneciendo en servicio activo hasta otoño del 45, con la contienda en Europa ya cerrada. Su regreso a la serie se produce en Diciembre de ese mismo año, y se deja notar. Con un estilo muy pulido —no obstante el artista dibujó durante sus años de servicio cómics de toda índole para el ejército— y cercano al más reconocible del autor, Eisner comienza a dar pasos de gigante en su creación, recuperando el control total sobre el personaje, que había seguido sin él gracias a su enorme cantidad de ayudantes.

Es evidente que resultaría una tarea gargantuesca —y un tedio de narices— si ahora pretendiéramos analizar de forma pormenorizada todos y cada uno de los logros de Eisner al frente de una colección en la que se mantendría durante siete años más de forma casi ininterrumpida. Baste decir que su reincorporación supondrá las apariciones de personajes tan míticos como el villano Octopus —al que nunca llegó a vérsele la cara— o las femmes fatales Satine y P’Gell, que tantos quebraderos de cabeza darán a nuestro héroe, y que, cada semana, Eisner se las apaña para sorprender al lector con historias frescas y tremendamente entretenidas en las que el artista da lo mejor de si mismo al tablero.

Viéndose obligado por sus contratos con el ejército a dejar cada vez más la colección en manos de sus ayudantes, Eisner decide que ‘Spirit’ debe terminar, eligiendo para la despedida del personaje a un ayudante de lujo, un Wally Wood que, junto a Jules Feiffer —colaborador durante muchos años en la serie—, pergeñará un grand finale para la colección, la mítica serialización de Spirit en la Luna. Wood, que ya era un autor de reconocido prestigio por sus trabajos de ciencia-ficción para EC, lega a las generaciones futuras una de las mejores historias del personaje, fusionando en lo visual su característico estilo con el de Eisner a lo largo de diez agotadoras semanas en las que el artista compagina como puede el trabajo en Spirit con sus otros compromisos artísticos.

El 5 de Octubre de 1952 con la sección titulada Denny Colt, UFO Investigator, ‘The Spirit’ toca a su fin. Atrás quedan doce años de historias geniales y momentos inolvidables que a través de los tomos primorosamente editados por DC —o Norma en nuestro país— tendremos la oportunidad de disfrutar durante los lustros por venir. En el tintero nos hemos dejado muchas cosas, lo sabemos, pero estamos ante una de esas raras ocasiones en que necesitaríamos mucho tiempo para poder cubrir todo lo que hay que decir sobre este pilar fundamental del noveno arte. En lugar de eso, creo que nunca os habré instado de forma tan enérgica a que leáis un cómic como hoy con ‘The Spirit’, un tebeo por el que no pasan las décadas y que, sin duda alguna, es historia viva de esta expresión artística.

Un proyecto que se resistía

The Spirit 1

Resulta cuanto menos curioso que el primer interesado en llevar a la gran pantalla a Spirit fuera William Friedkin. El cineasta, que se había hecho con los derechos del personaje durante los 70, contacto con Eisner para que éste escribiera el guión de la potencial adaptación, pero el artista rechazó el ofrecimiento y derivó el mismo hacia Harlan Ellison quien escribiría un tratamiento inicial para un largometraje que finalmente quedaría en nada después de una discusión entre director y guionista. El proyecto se abandonó hasta que a mediados de los ochenta surgió otra oportunidad de esas que, vistas ahora, hacen la boca agua.

Los implicados en ella, Brad Bird, Jerry Rees y Gary Kurtz. La idea, producir una versión animada del personaje para la gran pantalla basándose en un guión que era alabado allí por donde pasaba. El problema, que ningún estudio supo ver la viabilidad del proyecto —¡¡¡por el amor de Dios, estamos hablando de Brad Bird. Si había alguien capaz de conseguir que ‘The Spirit’ fuera un éxito ese era el responsable de ‘El gigante de hierro’ (‘The Iron Giant’, 1997)!!!— y éste cayó en el mismo olvido que la versión de Friedkin/Ellison.

Ya en los 90, sería Michael Uslan el que intentaría poner en pie una versión cinematográfica del personaje, pero las ideas que le llegaron fueron de todo menos adecuadas. Y así llegamos a mediados de la década pasada, cuando tras varios movimientos, en los que llegó a estar implicado Jeph Loeb, Uslan consiguió, tras denodados esfuerzos, convencer a Frank Miller para que fuera el responsable de la tarea, afirmando el guionista y dibujante que se utilizarían técnicas similares a las que se habían visto en la primera entrega de ‘Sin City’ (id, Robert Rodríguez y Frank Miller, 2005) y que su intención era “ser extremadamente fiel al corazón y el alma del material original”.

Lamentablemente, todos los que la padecimos en su estreno, sabemos en qué quedaron esas intenciones…

‘The Spirit’, shame on you, Mr.Miller!!!

The Spirit 2

Lo único que podía pensar era “esto es demasiado grande, no voy a ser capaz de hacerlo”. Y lo rechacé. Como tres minutos después estaba en la puerta, me giré y dije, “nadie más puede tocar esto” y acepté allí mismo a llevar a cabo el trabajo.

Y así, para arrancar con buen pie, yo me pregunto, ¿por qué sr. Miller? ¿POR QUÉ?

Lo decía al comienzo y no está demás, tras tanto párrafo, reiterar la idea más clara que quiero transmitir acerca de ‘The Spirit’ (id, Frank Miller, 2008): estamos, sí o sí, ante una película MALA con avaricia, un producto infumable que abraza con fuerza su condición de necedad supina y que hace esfuerzos denodados a lo largo de sus 103 minutos de duración para que se nos haga muy cuesta arriba el no rasgarnos las vestiduras, cortarnos las venas a pellizcos y salir despavoridos solicitando de inmediato ayuda psiquiátrica urgente. Y no, no exagero. Vosotros lo sabéis.

De la misma manera que afirmaba al final de la sección correspondiente al cómic que serían necesarias muchas líneas para dar buena y correcta cuenta de lo que ‘The Spirit’ significa para el noveno arte, he de admitir que si quisiera diseccionar —aunque más que eso lo que apetece es descuartizarla, pero en fin— como se merece esta basura que Frank Miller intentó colarnos como adaptación de la inmortal obra de Will Eisner, requeriría de más espacio y tiempo del que estoy dispuesto a invertir en tamaño despropósito hecho cine. En su lugar, y haciendo un ejercicio de contención, sirvan los tres siguientes párrafos como condensada aproximación a tan horrible esperpento.

A ‘The Spirit’, como suele decirse coloquialmente, “no hay por dónde cogerla”. Si es de los actores por donde queremos empezar a hablar, ni uno sólo de los que pululan por delante de la cámara de Miller lograría un aprobado raspado. Ahí están para demostrarlo los histrionismos y amaneramientos de Samuel L.Jackson, la incapacidad de Eva Mendes de que nos interesemos por algo más que su incuestionable belleza, lo molesto de la estúpida e insufrible intervención de nuestra Paz Vega, lo monocorde e inane de Gabriel Match y Sarah Paulson o lo extremadamente irritante de las iteraciones de Louis Lombardi.

The Spirit 3

Pero lo equivocado del nutrido grupo de actores no se debe tanto a su incapacidad interpretativa —aunque en algunos casos sea notoria— como al hecho de que el libreto que se les planta delante de las narices es, de la primera a la última letra, indefendible: con la vasta amplitud de tramas que podrían haber sido adaptadas directamente a la gran pantalla, la opción de Miller de inventarse una que NADA tiene que ver con el material de Eisner termina por violar desde todo ángulo posible al clásico del cómic hasta convertirlo en algo completamente irreconocible que, si acaso, se asemeja más a una versión chunga de ‘Sin City’ que al legendario personaje.

Y si el guión —y la extrema estulticia de esos diálogos— no fueran suficientes para amargarle la función al cinéfilo de mayor amplitud de miras, ahí está la dirección de Frank Miller para terminar de arreglarlo: calco de lo que Robert Rodríguez y él mismo habían puesto en pie en ‘Sin City’, que la oscuridad que vemos aquí es la antítesis de lo que Eisner plasmaba en sus viñetas es tan obvio como que aquél que nos hiciera vibrar con su visión de ‘Daredevil’ en las páginas del cómic no es capaz de trasladar su talento narrativo a 24 fotogramas por segundo, cosiéndose el metraje del filme de cualquier manera.

Y aquí lo voy a dejar, dije tres párrafos y tres párrafos han sido. No hay notas positivas —ni me he acordado de la olvidable partitura de David Newman— ni nimios aspectos que destacar de un conjunto que, no es que sea de usar y tirar, es que directamente habría que evitar usarlo a toda costa y enterrarlo bien enterrado bajo varias capas de hormigón. Decía antes que ‘The Spirit’ es MALA, y ahora que lo pienso, quizás tan categórico epíteto se quede a mitad de camino de lo que se debería afirmar sobre una muestra tan bochornosa de lo que nunca se debería hacer cuando se rueda cine.

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