La única regla es sobrevivir.

Este próximo viernes se estrena por fin ‘Tron: Legacy’ (2010), la esperadísima secuela de ‘Tron’ (1982), auténtico título de culto dentro del género de la ciencia-ficción. Distribuida por Disney con la intención de arrasar en taquilla, la película dirigida por Joseph Kosinski llegará a nuestro país con más de 600 copias, así que no hay de qué preocuparse, no será complicado encontrarla en el cine más cercano. El único inconveniente es que de las 600, solo habrá 8 salas donde podrá verse en versión original subtitulada. Uno de esos asuntos tan viejos y tan absurdos que aún tenemos que soportar los aficionados al cine en España. ¿Hasta cuándo?

Steve Lisberger, co-guionista y director de la película original, ha participado como productor en ‘Tron: Legacy’, que han escrito Edward Kitsis y Adam Horowitz basándose en los personajes del film de 1982. Lisberger no es el único que repite en esta segunda parte, también regresan Jeff Bridges, que retoma el rol de Kevin Flynn, y Bruce Boxleitner, en el papel de Alan Bradley y Tron. Se sabe que Losinski mostró un primer montaje del film a David Fincher, que aconsejó algunos cambios, y también que Brad Bird (director de ‘Los increíbles’ y ‘Ratatouille’) y Michael Arndt (guionista de ‘Toy Story 3’) han trabajado junto al director en escenas adicionales para dotar de mayor emoción a la historia.

En Disney no quieren jugársela y han apostado muy fuerte por esta superproducción filmada en 3D que según parece ha costado en torno a 200 millones de dólares (se rumoreó que la cifra real rondaba los 300), y de la que se ha llegado a asegurar que sus efectos visuales superan lo conseguido por ‘Avatar’ hace un año. Habrá que comprobarlo. Pese a todo, los pronósticos en Estados Unidos apuntan a un fracaso del film en su fin de semana de estreno, al no haber logrado despertar tanta expectación como debería, pero no sería la primera vez que se equivocan. Sería una sorpresa que esto no tuviera éxito. ¿Tú vas a verla?

La historia de ‘Tron: Legacy’

‘Tron: Legacy’ es una aventura de alta tecnología en 3D que tiene lugar en un mundo digital. Sam Flynn (Garrett Hedlund), un experto en tecnología de 27 años e hijo de Kevin Flynn (Jeff Bridges), investiga la desaparición de su padre y se encuentra metido en el mismo mundo de programas violentos y juegos de lucha donde su padre ha estado viviendo los últimos 25 años. Junto a la leal confidente de Kevin, (Olivia Wilde), padre e hijo se embarcan en una aventura a vida o muerte a través de un cyber universo que se ha hecho más avanzado y mucho más peligroso.

El director

Que no te extrañe si no te suena el nombre de Joseph Kosinski. Lo raro será que no suene dentro de unos meses. ‘Tron: Legacy’ es la primera película de este estadounidense nacido en Marshalltown, Iowa, hace 36 años. Todo un reto debutar con un blockbuster que aspira a barrer en las taquillas de todo el mundo, y además hacerlo con una segunda parte de un film de culto como ‘Tron’, uno de los títulos más populares del cine fantástico. Parece un gran riesgo dejar este gigantesco juguete en manos de un director debutante, que hasta el momento “solo” había destacado como técnico de efectos visuales y realizador de piezas publicitarias, así que algo debe tener. Lo que sabemos con seguridad es que le mola la ciencia-ficción; tuvo en sus manos la nueva versión de ‘La fuga de Logan’ (‘Logan´s Run’, 1976) pero, salvo catástrofe en taquilla, su próximo proyecto es un remake de ‘El abismo negro’ (‘The Black Hole’, 1979).

Los actores

Los efectos visuales y el 3D pueden vender una película, pero para que emocione, para quede en la memoria, necesitas actores que estén afortunados con sus interpretaciones. Desde luego, contar con Jeff Bridges es toda una garantía. El veterano y querido actor, ganador de un Oscar por ‘Corazón rebelde’ (‘Crazy Heart’, 2009), vuelve a dar vida a Kevin Flynn, el protagonista de la original ‘Tron’. Gracias a la tecnología, Bridges también encarna a otro personaje que tiene su mismo aspecto, pero con 34 años. Podéis echar un vistazo a un tráiler para comprobar que el resultado es impresionante.

Pero el protagonista de la historia es el hijo de Flynn, Sam, a quien interpreta el joven Garrett Hedlund; prácticamente desconocido para el gran público, aunque ya ha participado en varias películas populares (era el “primo” de Aquiles en ‘Troya’), tuvo que superar a más de cien candidatos para lograr el papel. Otros destacables miembros del elenco son Olivia Wilde (protagonista de la serie ‘House’, ha intervenido en títulos como ‘Turistas’ o ‘Año uno’, recientemente ha rodado ‘Cowboys and Aliens’), Michael Sheen (‘The Queen’, ‘Underworld: La rebelión de los licántropos’, ‘Frost contra Nixon’), James Frain (‘Operación Reno’, ‘La venganza del conde de Montecristo’, o la serie ‘True Blood’), Beau Garrett (‘Turistas’, ‘La boda de mi novia’) y Bruce Boxleitner (‘Tron’, ‘Babylon 5’).

Lo que ha dicho la crítica sobre ‘Tron: Legacy’

La película no tiene la complejidad de ‘Avatar’, y para algunos será como sentirse atrapado en un largo videojuego.

(Kate Muir – Times UK)

Uno de los mejores blockbusters de 2010.

(Silas Lesnick -ComingSoon)

‘TRON: Legacy’ es la mejor película que he visto partiendo de un guión realmente horrible.

(Gabe Leibowitz – Film and Felt)

Es un poco como ‘Fast and Furious’, dirigida por un Stanley Kubrick de vacaciones.

(Paul Byrnes – Sydney Morning Herald)

Como la primera, ‘Tron: Legacy’ no sabe a dónde ir, y se toma demasiado tiempo intentándolo.

(Jack Sargeant – Filmink)

Elegante pero no sofisticada, ‘Tron Legacy’ llega preprogramada para entregar unos buenos efectos visuales, sin ninguna réplica de emoción humana.

(Geoff Berkshire – Metromix)

Es una película que DEBE ser vista en salas 3D, para apreciar los genuinos efectos visuales, la música y un sonido que transporta al público a un delicioso viaje digital.

(Giles Hardie – Sydney Morning Herald)

Carteles

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

Tráileres

• En versión original:

• En español:

Videoclip de Daft Punk, autores de la música de ‘Tron: Legacy’

Entrevista a Jorge Lorenzo, que ha intervenido en el doblaje

Vía | Impawards y Rottentomatoes

“Esa gente no tiene respeto por las vidas que están destruyendo. Cuando ves la muerte de cerca… entonces sabes cuál es el valor de la vida. Ése es mi método. Y tengo la prueba de que funciona”.

(John/Jigsaw)

Hace una semana se estrenó en Estados Unidos la última película de ‘Saw’, que a pesar del descenso de recaudación de los últimas secuelas, se ha convertido en la saga de terror más rentable de la historia del cine. Sin embargo, ‘Saw 3D’ (o ‘Saw VII’) no estará en los cines españoles hasta el 18 de febrero de 2011, ya que hasta el mes pasado aún no se había podido ver aquí la penúltima entrega. Debido a la polémica “calificación X” que recibió a finales de 2009 por su “exaltación de la violencia” (lo que la condenaba al fracaso comercial, al tener que proyectarse en las mismas, y pocas, salas donde se exhibe el cine porno), ‘Saw VI’ se ha estrenado en nuestro país con un año de retraso, con nueva distribuidora (Buena Vista cedió el testigo a DeAPlaneta) y una versión recortada, sin las escenas más conflictivas, lo que se ha querido vender como “el montaje del productor”.

Imagino que a los fans de la saga, y del terror más explícito, les habrá resultado absurdo ir a ver el montaje mutilado de ‘Saw VI’, aun cuando sigue estando recomendada para mayores de 18 años, ya que les han privado de ver los momentos más fuertes de la película, y hace mucho tiempo que circula por la red una copia (con calidad DVD) sin censura alguna. Con todo, ha logrado aguantar entre los diez títulos más vistos en España durante un par de semanas, lo que parece confirmar a Jigsaw como uno de los villanos más populares del cine, y a los productores de la saga como unos tipos realmente inteligentes. Hay que serlo, para tener a tanta gente pendiente del estreno de una nueva secuela, cuando lo que se ofrece es más de lo mismo, más tortura, más sangre y más palabrería.

Inútil secuela

‘Saw VI’ (2009) nos presenta al detective Hoffman (Costas Mandylor) como el único heredero del legado de John Kramer, alias Jigsaw (Tobin Bell). Antes de morir, John dejó claramente estipulados los pasos a seguir, siendo su amada Jill (Betsy Russell) la encargada de entregar las instrucciones a Hoffman, el ejecutor del nuevo juego macabro, cuyas víctimas trabajan en una empresa de seguros sanitarios. Por su parte, el FBI sigue atando cabos y parece estar a punto de descubrir la identidad del nuevo Jigsaw…

Nada nuevo bajo el Sol. John sigue moviendo los hilos, sigue actuando como si no hubiera muerto (su capacidad para adelantarse a todos los imprevistos es realmente prodigiosa), dando órdenes a sus aprendices y presentando las trampas a sus víctimas a través de cintas; esto hace que la presencia en pantalla de Bell continúe siendo importante, de hecho también interviene en los flashbacks de otros personajes (que por cierto tienen una gran memoria para las conversaciones). Por otro lado está la trama policial, que no tiene ningún interés, está filmada con evidente desgana y es imposible sentir empatía por algunos de los agentes, los más sosos e ineptos del departamento, y está claro que el espectador sólo está interesado en ver cómo se resuelven los violentos rompecabezas (nunca mejor dicho).

En cuanto a eso, queda patente el desgaste y la falta de ideas de los guionistas a la hora de diseñar los dispositivos de tortura. Se llega a repetir el reto que debe superar la principal víctima de los juegos (por no hablar de lo que ocurre al final, con cierto chaval, en cuyas manos está una de las decisiones más fáciles que ha tomado en su vida), y sólo el primer escenario, el del prólogo, posee cierta contundencia. Igualmente, los comportamientos de los personajes están muy forzados, muy dirigidos a cumplir con lo que ha previsto Jigsaw; a menudo no resulta creíble el modo en el que se enfrentan a las trampas. ¿Acaso nadie consideraría la idea de quitarse la vida, de manera rápida e indolora, antes de seguir sufriendo y/o mutilando su propio cuerpo?

El director de esta entrega, y de la siguiente (a su pesar, en lugar de eso quiso encargarse de ‘Paranormal Activity 2’), es Kevin Greutert, montador de las cinco anteriores películas de ‘Saw’ (tras tantos años involucrado en la saga no es extraño que quisiera abandonarla). Carente de imaginación, con una puesta en escena totalmente rutinaria, la labor de Greutert sólo se puede calificar de mediocre, llega a resultar lógico que quisieran enviar ‘Saw VI’ a las salas X, pues su realización no se distancia demasiado de la que caracteriza al cine porno. Incluso los actores parecen, en repetidas ocasiones, estar a punto de entregarse a una de esas frías y aburridas secuencias sexuales, al ritmo de alguna vaga melodía repetitiva. La película parece una parodia, hay situaciones tan ridículas que cuesta contener las risas. Un film que no sirve de nada, una pérdida de tiempo.

Pd: Si lo que deseas es saber qué pasa para poder ver la última película de la saga, puedes echar un vistazo al vídeo que dejo a continuación, explican las seis entregas en menos de siete minutos:

‘Buried (Enterrado)’

Dirección: Rodrigo Cortés. Países: España. Año: 2010. Duración: 94 min. Género: Thriller. Interpretación: Ryan Reynolds (Paul Conroy), Robert Paterson (Dan Brenner), José Luis García Pérez (Jabir), Stephen Tobolowsky (Alan), Samantha Mathis (Linda Conroy), Warner Loughlin (Donna Mitchell/Maryanne Conroy), Ivana Miño (Pamela), Erik Palladino (agente Harris). Guión: Chris Sparling. Producción: Rodrigo Cortés y Peter Safran. Música: Víctor Reyes. Fotografía: Eduard Grau. Montaje: Rodrigo Cortés. Dirección artística: María de la Cámara y Gabriel Paré. Vestuario: Elisa de Andrés. Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España.

Sinopsis: Paul Conroy, padre de familia y contratista civil en Irak, despierta enterrado vivo en una vieja caja de madera. Sin saber quién lo ha puesto ahí ni mucho menos por qué, su única oportunidad para escapar de su agónica pesadilla es un teléfono móvil. La cobertura precaria, la falta de batería y la escasez de oxígeno son sus peores obstáculos en una carrera a vida o muerte contra el tiempo: Paul sólo dispone de 90 minutos para lograr su rescate.

¿Qué podemos esperar?: De momento no he oído a nadie hablar mal de esta película, sino todo lo contrario. En todos lados la están poniendo por las nubes, por lo que las expectativas son altísimas. Aunque soportar a Ryan Reynolds durante hora y media pues ser algo traumático. En breve espero poder hablaros de ella.

‘Abel’

Dirección: Diego Luna. País: México. Año: 2010. Duración: 83 min. Género: Comedia dramática. Interpretación: Christopher Ruiz-Esparza (Abel), Gerardo Ruiz-Esparza (Paul), José María Yazpik (Anselmo), Karina Gidi (Cecilia), Geraldine Alejandra (Selene), Carlos Aragón (Fili). Guión: Diego Luna y Augusto Mendoza. Producción: Pablo Cruz. Fotografía: Patrick Murguia. Montaje: Miguel Schverdfinger. Dirección artística: Juan Pablo García. Vestuario: Anna Terrazas. Distribuidora: Alta Classics.

Sinopsis: Abel es un niño de nueve años cuya conducta desconcertante y su negativa a hablar lo ha llevado a una institución de salud mental cercana a su casa. Su madre, una mujer que está criando sola a sus hijos desde que la abandonó su marido, está convencida de que volver a reunirlo con sus dos hermanos lo ayudará a mejorar, por lo que convence al médico de Abel para que lo deje volver a casa una semana. El niño vuelve a hablar y empieza a actuar como si fuera el cabeza de familia. Ante ese milagro, nadie protesta, hasta que un día un hombre llama a la puerta: su padre.

¿Qué podemos esperar?: Las experiencias de los actores al otro lado de la cámara siempre son interesantes, nunca sabes la sorpresa que te puedes llevar.

‘Cielo’

Título original: Heaven on Earth. Dirección y guión: Deepa Mehta. País: Canadá. Año: 2008. Duración: 106 min. Género: Drama. Interpretación: Preity Zinta (Chand), Vansh Bhardwaj (Rocky), Geetika Sharma (Loveleen), Orville Maciel (Kabir), Ramanjit Kaur (Aman), Balinder Johal (Maji), Rajinder Singh Cheema (Papaji). Producción: David Hamilton. Música: Mychael Danna. Fotografía: Giles Nuttgens. Montaje: Colin Monie. Diseño de producción: Dilip Mehta. Vestuario: Rashmi Varma. Distribuidora: Karma Films.

Sinopsis: Chand es una joven que viaja a Canadá desde India para casarse con Rocky, un hombre al que no conoce. Su sueño de encontrar una nueva vida se vuelve una pesadilla ya que el matrimonio con Rocky y con su familia se convierte en una auténtica espiral de confusión y dolor. Chand encuentra un poco de esperanza en su amistad con Rosa, una mujer jamaicana que trabaja con ella. Rosa le da a Chand una raíz mágica y le promete que hará que Rocky caiga rendido a sus pies. El experimento termina en una irreal vida paralela que se convertirá en el fiel reflejo de una conocida fábula india.

¿Qué podemos esperar?: Que siendo de hace dos años nadie la haya visto aún para que tenga una mínimamente decente carrera comercial.

‘Híncame el diente’

Título original: Vampires suck. Dirección: Jason Friedberg y Aaron Seltzer. País: USA. Año: 2010. Duración: 84 min. Género: Comedia. Interpretación: Matt Lanter (Edward Sullen), Jenn Proske (Becca Crane), Chris Riggi (Jacob White), Ken Jeong (Daro), Diedrich Bader (Frank Crane). Guión: Jason Friedberg y Aaron Seltzer. Producción: Jason Friedberg, Aaron Seltzer y Peter Safran. Música: Christopher Lennertz. Fotografía: Shawn Maurer. Montaje: Peck Prior. Diseño de producción: William Elliott. Vestuario: Alix Hester. Distribuidora: Hispano Foxfilm.

Sinopsis: ¿A alguien le importa?

¿Qué podemos esperar?: Que este tipo de película dejen de hacerse, pero es como esperar la paz mundial.

‘Machete’

Dirección: Robert Rodriguez y Ethan Maniquis. País: USA. Año: 2010. Duración: 105 min. Género: Acción, thriller. Interpretación: Danny Trejo (Machete), Michelle Rodriguez (Luz), Jessica Alba (Sartana), Robert De Niro (senador McLaughlin), Jeff Fahey (Booth), Lindsay Lohan (April), Cheech Marin (Padre), Steven Seagal (Torrez), Don Johnson (Von). Guión: Robert Rodriguez y Álvaro Rodriguez. Producción: Elizabeth Avellan, Robert Rodriguez y Rick Schwartz. Música: Chingon. Fotografía: Jimmy Lindsey. Montaje: Robert Rodriguez y Rebecca Rodriguez. Diseño de producción: Christopher Stull. Vestuario: Nina Proctor. Distribuidora: Sony Pictures Releasing de España.

Sinopsis: Dado por muerto después de un enfrentamiento con el célebre rey de la droga mexicano Torrez, Machete huye a Texas para desaparecer y olvidar su trágico pasado. Pero lo que encuentra es una red de corrupción y engaño que termina con una bala en el cuerpo de un senador y con Machete como uno de los hombres más buscados. Machete se dispone a limpiar su nombre y descubrir la oscura e intricada conspiración.

¿Qué es?: Si te pilla de buen humor se disfruta hasta cierto punto, en un segundo visionado se aborrece considerablemente.

‘Siempre a mi lado

Título original: Charlie St. Cloud. Dirección: Burr Steers. País: USA. Año: 2010. Duración: 102 min. Género: Drama, fantástico, romance. Interpretación: Zac Efron (Charlie St. Cloud), Amanda Crew (Tess Carroll), Donal Logue (Tink), Charlie Tahan (Sam St. Cloud), Kim Basinger (Claire St. Cloud), Ray Liotta (Florio Ferrente), Augustus Prew (Alistair Wooley). Guión: Craig Pearce y Lewis Colick; basado en la novela “The death and life of Charlie St. Cloud” de Ben Sherwood. Producción: Marc Platt. Música: Rolfe Kent. Fotografía: Enrique Chediak. Montaje: Padraic McKinley. Diseño de producción: Ida Random. Vestuario: Denise Wingate. Distribuidora: Universal Pictures International Spain.

Sinopsis: Charlie St. Cloud es un experto marinero. Su madre Claire y su hermano pequeño le adoran. Ha conseguido una beca para estudiar que le alejará de su adormecido pueblo natal situado en la zona norte de la costa del Pacífico. Pero su brillante futuro se desvanece cuando una tragedia se lleva todos sus sueños. Tess, su antigua compañera de instituto, regresa inesperadamente a casa, y Charlie debe decidir si seguirá siendo fiel a la promesa que hizo cinco años atrás o si seguirá adelante con un nuevo amor. Al hacer acopio de valor y dejar el pasado para siempre, descubre que el alma que más necesita salvar es la suya.

¿Qué podemos esperar?: Que me voy a ver ‘Buried (Enterrado)’, que al Reynolds hay que aguantarle menos tiempo que a Zac Efron en ésta.

Vía | Labutaca.net

A algunos puede que no les suene de nada el nombre de Tony Jaa, pero para los aficionados al cine de acción y artes marciales, el tailandés, bajito y espectacular, se estaba convirtiendo en una figura indiscutible gracias al éxito de ‘Ong-Bak’ (2003). Sin embargo, se ha sabido que Jaa ha abandonado la industria del cine. Concretamente, se ha descubierto que el pasado día 28 Jaa, cuyo nombre real es Phanom Yeerum, se afeitó la cabeza, se subió a un elefante, fue a un templo budista de su país y tras la habitual ceremonia fue aceptado oficialmente como monje. Es raro, pero estas cosas pasan a veces también en la vida real.

Al parecer, el actor y coreógrafo estaba desesperado con la relación contractual que le ataba a Sahamongkol, y en lugar de seguir vinculado a la productora ha decidido dejar de hacer películas y dedicar su tiempo a asuntos más relajantes y trascendentales. Según cuentan, Jaa llegó a denunciar que había sido secuestrado por matones de la productora, y obligado a seguir trabajando en la secuela de ‘Ong Bak’, la cual tuvo que dividir en dos partes para que la compañía recuperara el dinero invertido. Tras terminar su trabajo con ‘Ong-Bak 3’, Tony Jaa ha decidido cambiar de rumbo y decir adiós al (a veces triste) mundo del cine. O quizá sea sólo un largo “hasta luego”, hasta que transcurran los diez años que firmó con Sahamongkol.

PD: Un par de vídeos sobre la ya ex-estrella del cine de mamporros:

• Combate final de ‘Ong-Bak’:

• Impresionante plano secuencia en ‘Thai Dragon’ (a.k.a. ‘The Protector’, 2005):

Vía | Worstpreviews

De un tiempo a esta parte se nota cada vez un mayor interés en utilizar en el género de terror la cámara de vídeo como elemento narrativo. Hace años empezaron haciendo sus primeros pinitos en films como ‘Henry: Retrato de un asesino’ (‘Henry: Portrait of a Serial Killer’, John McNaughton, 1986), y a finales de los 90 se intentó revolucionar el género con aquella memez titulada ‘El proyecto de la bruja de Blair’ (‘The Blair Witch Project’, Daniel Myrick, Eduardo Sánchez, 1999), en la que una cámara mareaba y mareaba mucho más de lo que es capaz Michael Bay cuando está borracho. Casi siempre se ha optado por tener con el aparatito de marras un punto de vista subjetivo colocando al público en primera fila de los acontecimientos.

Hace años Robert Montgomery demostró con ‘La dama del lago’ (‘Lady in the Lake’, 1947) que la utilización de la cámara subjetiva podía llegar a ser verdaderamente insufrible. Ese mismo año el gran Delmer Daves le demostró con ‘La senda tenebrosa’ (‘Dark Passage’) que no había que abusar de ciertas cosas. En ambos casos no hay cámaras de vídeo pero sí suponen un precedente de lo que hoy nos tiene tan cansados y hartos, cuyos inicios pueden encontrarse en parte en la sabia utilización del vídeo en la magistral ‘Aliens, el regreso’ (‘Aliens’, James Cameron, 1986). Sin embargo lo peor no es el punto de vista —hay películas como ‘[Rec]’ que lo hacen de maravilla—, sino que con la textura que ofrece la cámara de vídeo se pretende atrapar la realidad y dotar a la historia de un verismo que parecen incapaces de conseguir con otros medios.

‘La cuarta fase’, falsas abduciones

Me hubiera gustado usar el titular que usó Jordi Costa cuando escribió sobre esta película: “La mentira está ahí fuera”. Creo que esa frase resume muy brevemente y de forma muy concisa lo que es ‘La cuarta fase’ (‘The Fourth Kind’, Olatunde Osunsanmi, 2009), un episodio de ‘Expediente X’ (‘The X Files’), pero de los malos. Con la licencia que se permite el director de tergiversar absolutamente todo lo acaecido en Nome, localidad de Alaska donde hubo misteriosas desapariciones de gente, éste propone un juego entre realidad y ficción que termina por derrumbarse debido a su caída en picado hacia los convencionalismos más sobados del género.

Grabaciones supuestamente reales enfrentadas a la ficción del film, con un montaje que fragmenta la pantalla hasta cuatro veces —hay un momento que parece un calco de la serie ‘24‘— todo resulta muy reiterativo y aburrido. Osunsanmi no controla ni un segundo el manejo del suspense, su supuesta originalidad no es tal y termina por realizar lo de siempre en este tipo de producciones: aumentar a tope el sonido para que nos entre el miedo a la fuerza, cosa que ocurre pero más bien por temor a quedarnos sordos. Además desaprovecha a dos actores tan solventes como Will Patton y Elias Koteas en pos de un excesivo protagonismo de una Milla Jovovich que demuestra una vez más sus nulas dotes para el drama.

Grabaciones como la que representa la foto de cabecera tienen cierta validez por sí solas. Quiero decir que si se ven como algo independiente pueden llegar a inquietar, pero su utilización dentro del ritmo interno del film se antoja caprichosa. El continuo subrayado y la sensación de que no están contando absolutamente nada convierte esta película en una de las experiencias más tristes en los primeros meses del 2010. Y la aparición final de la Jovovich dejando en nuestras manos decidir si lo que hemos visto es verdadero o no, suena más a cachondeo que otra cosa. Muy mala.

Otra crítica en Blogdecine:

• ‘La cuarta fase’, el peor cine de terror imaginable

‘El diario de los muertos’, George A. Romero y sus zombies

Es curiosa la trayectoria de la carrera de un cineasta como George A. Romero, de quien he siempre he pensado que es excesivo el entusiasmo que despierta entre los cinéfilos, pues sólo le veo un par de títulos decentes y muchos mediocres y malos. Cuando sorprendió al mundo con su ópera prima ‘La noche de los muertos vivientes’ (‘Night of the Living Dead’, 1968) los zombies se pusieron de moda, sobre todo tras el estreno de la continuación, ‘Zombi’ (‘The Dawn of the Dead’, 1978). La saga parecía muerta con la deplorable ‘El día de los muertos’ (‘Day of the Dead’, 1985), pasó el tiempo y después de la contribución de Zack Snyder a esta especie de subgénero, y de paso a la obra de Romero, éste último se decidió a continuar la serie con una película muy olvidable. Hace tres años, y coincidiendo sospechosamente con el estreno de ‘[Rec]’, Romero se subió al carro de la cámara de vídeo con otra nueva entrega.

‘El diario de los muertos’ (‘Diary of the Dead’, 2007) no añade nada nuevo a lo que Romero nos ha contado demasiadas veces. Es más, esta película parece un remake del film original con la particularidad de que utiliza el vídeo como formato, tratando una vez más que lo narrado parezca muy real. Pero por mucha cámara en mano que se utilice no se va a conseguir verismo si los demás elementos flojean. Con el punto de vista subjetivo, alternado con otro gracias a un interesante —pero desaprovechado— apunte de guión, la película ofrece lo de siempre. Sustos previsibles, incluso menos impactantes de lo esperado, diálogos absurdos, situaciones rocambolescas y más en un guión mínimo carente de todo interés.

¿Es ‘El diario de los muertos’ una película aburrida? No. Romero tiene las suficientes tablas como para evitarlo, pero como espectador busco algo más que “no aburrirme” viendo una película. Si ésta no me emociona, no me atrapa de algún modo y lo narrado —que puede ser aburrido o no— carece de interés para mí, el film no servirá para nada más que para decir al final: vale, he visto una película más. Floja.

‘Paranormal Activity’, el miedo cotidiano

Hace poco —más bien nada, acaba de decírmelo en persona— uno de nuestros usuarios, dando su opinión sobre otro tema, me espetaba la siguiente afirmación: “Encierra virtudes vetadas a los ojos de los más profanos”. Mientras intenta disculparse por enorme prepotencia —supongo que los 10 euros que le quiero cobrar por la Judas contribuye a ello— no dejo de pensar que dicha frase puede aplicarse a una película como ‘Paranormal Activity’. He postergado su visionado durante meses abrumado por la cantidad de ataques llenos de odio contra ella. Incluso escuché atentamente a mi compañero Juan Luis Caviaro en una de esas larguísimas conversaciones por teléfono —imaginaos a un gallego y un andaluz, ambos con marcado acento, hablando de cine— cuando me repetía una y otra vez que la película era un completo insulto y que debería haberse titulado ‘Subnormal Activity’.

Hace poco pudo más la curiosidad que otra cosa y me llevé una pequeña sorpresa al ver la película. De acuerdo, ‘Paranormal Activity’ puede tener un argumento mínimo, casi inexistente, los actores están horrorosos y las escenas de día son torpes. Pero cuando la acción se centra en lo que ocurre de noche, la película parece jugar en otra liga. Oren Peli, que rodó su película con 15.000 dólares, saca el máximo partido a un mínimo de elementos que conjuga con fortuna. Con la máxima de “menos es más”, Peli se adentra en uno de nuestros temores cotidianos, el de la existencia de alguien en la oscuridad de nuestro hogar —nuestro mundo— cuando dormimos. El miedo a lo desconocido.

El realizador logra traspasar la barrera de la típica historia de fantasma gracias a la inteligente utilización de la cámara y a un crescendo dramático previsible pero eficaz. Mientras la cámara permanece en la habitación, Peli deja que sean los actores y la atmósfera quienes capten nuestra atención. La cámara no existe en esos instantes, semeja ser una ventana a través de la cual ser testigos de lo que acontece, y cobra vida en sus salidas al resto de la casa. El intercambio entre planos fijos y cámara en mano evitan en cierto modo la monotonía de la propuesta. Al final no importa tanto lo que sucede en el film como las sensaciones que éste despierta, volviendo a nuestra mente días después de su visionado. ¿Esta noche miraréis debajo de vuestras camas?

Mucho se ha hablado, y se seguirá haciendo, de ‘Avatar’ el fenómeno cinematográfico del año, de los últimos años. El título que según su creador, revolucionaría el séptimo arte, dando un paso más en la evolución técnica. Ahora, mientras miles y miles de personas la ven y la vuelven a ver, la opinión general —incluida la de la crítica— se divide en líneas generales entre los que la aman y la odian. Los segundos le achacan al nuevo film de James Cameron el tener una historia muy superficial, mientras que casi todos parecen estar de acuerdo que a nivel técnico, la película es simple y llanamente sorprendente. Estoy de acuerdo, ‘Avatar’ posee una perfección a nivel visual que convierte al personaje de Gollum de la famosa trilogía de Peter Jackson—marcó un antes y un después en los efectos visuales— en un mal dibujo animado, y gente como Robert Zemeckis debe haber entrado en una profunda depresión tras verla.

No deja de sorprenderme que la película sea atacada por su historia, como si en el pasado Cameron nos hubiese regalado en algún momento alguna historia que no fuese sencilla. Desde ‘Terminator’ (‘The Terminator’, 1984) hasta ‘Titanic’ (1997), pasando por ‘Aliens’ (1986) o ‘Abyss’(1989), los films de Cameron se han servido, argumentalmente hablando, de historias llenas de clichés, de tópicos si se quiere utilizar dicha expresión, nunca han sido el colmo de la originalidad. Y ahora le piden a Cameron lo que nunca ha hecho. Sí es cierto que los fallos de ‘Avatar’ se encuentran en su guión, tan superficial como los de las anteriores películas de Cameron, pero hay en él la misma pasión, y una vez más consigue aquello para lo que siempre ha sido un genio, narrar con el poder de la imagen, fusionada a los grandes avances técnicos, muy del gusto del director.

El argumento de ‘Avatar’ puede recordar a muchas películas antes vistas, pero como dicen por ahí, Cameron es un director atávico. Sus historias retornan a lugares conocidos por el ser humano desde que el hombre es hombre. Una cultura, con la equivocada idea y utilización de la civilización, enfrentada a otra —en este caso, otra forma de vida, haciéndolo aún más universal— de la que no conoce absolutamente nada, hasta que uno de ellos se ve inmerso en dicho mundo, y sólo desde dentro llega a entenderlos, comprendiendo que pertenece al lugar equivocado. Una historia tan vieja que nadie sería capaz de recordar la primera vez que se narró. Podemos hablar de films como ‘Bailando con lobos’ (‘Dances with Wolves’, Kevin Costner, 1990), ‘El último samurai’ (‘The Last Samurai’, Edward Zwick, 2003) o la historia de Pocahontas, pero incluso ésas no eran novedosas. No entiendo cómo han sido capaces de echarle en cara a Cameron que su historia esté más vista que el tebeo, pues se hayan en ella una serie de matices que la enriquecen como pocas veces se ha visto.

Es cierto que los personajes parecen más descuidados, y algunos como el de Michelle Rodriguez parecen puestos en la narración con un único objetivo, una trampa de guión algo torpe. Pero gana en otros aspectos de indudable belleza. La lógica y muy coherente historia de amor entre sus dos protagonistas centrales se basa en la capacidad de uno de ellos para saber mirar. Saber mirar es saber amar es una de esas frases que he oído ya no sé dónde, y el film de Cameron lo ensalza muy inteligentemente. Planos tan sencillos como el de Zoe Saldana besando los ojos de un Sam Worthington moribundo, después de haberse visto tal y como son, no pueden ser menospreciados, al contrario, enriquecen un film aparentemente vacío para muchos. O la decisión de colores tan vivos como sencilla —otra vez la sencillez en la obra de Cameron como una de sus mejores armas— metáfora sobre la VIDA —así en mayúsculas— que los humanos están a punto de destruir. Un mundo con sus propias reglas, tan diferente como parecido al nuestro. En Pandora no hay sitio para lugares oscuros como había en ‘Aliens’, a pesar de existir criaturas voladoras difíciles de amaestrar, o monstruos que atacan cuando su hábitat corre peligro. Todo ese color alcanza la perfecta armonía cuando se unen para defender el mundo en el que viven, y que como todos los mundos, es necesario un equilibrio. ¿Cómo se le puede achacar a Cameron la sinceridad de su propuesta? ¿Por mezclarlo todo en un blockbuster? Yo le llamaría inteligente. Nos habla de cosas importantes sin pajas mentales ni artificios de ningún tipo, poniendo toda la carne en el asador, pero sobre todo poniendo pasión en lo que narra.

Porque si de algo hace gala James Cameron es de saber paliar las carencias de sus guiones con una arrebatadora puesta en escena, en la que la pasión por la acción —interna y externa— hace acto de presencia, revelando al director de ‘Terminator’ como uno de los mejores narradores del siglo XXI. Sus espléndidas secuencias de acción funcionan como catarsis emocional de personajes a los que lleva al límite. Los dos ataques de los marines, o la impresionante batalla final, deslumbran no sólo por la perfección técnica con la que están realizadas, sino por la gran coherencia dentro de lo que se está narrando, haciendo creíble algo que en manos de otro director sería risible. El gran sentido aventurero de Cameron hace de nuevo acto de presencia, y así nos brinda un film de aventuras en el sentido más clásico del término. Al igual que en ‘Titanic’, Cameron filma cine clásico con todos los avances técnicos a su alcance, logrando lo que pocos autores son capaces de hacer, que la diferencia entre las intenciones y los resultados sean mínimas. Si Clint Eastwood es un director que hace films que recuerdan a las viejas películas de los años 40, Cameron hace exactamente lo mismo pero con 300 millones de dólares. Se adentra en las emociones humanas más básicas, y sus films son todo un bálsamo en los tiempos que corren. Cine de entretenimiento de un clasicismo único, donde la tecnología —en este caso la 3D— está al servicio no de lo narrado, sino de la pasión con la que se narra, mientras muchos cegatos abandonan toda posibilidad de entendimiento, precisamente por no saber mirar.

Y no se confundan. ‘Avatar’ no es grande por estar filmada en 3D —inteligente operación de marketing, ni más ni menos, para llevar más gente a las salas, cosa que han conseguido con creces—, funciona perfectamente sin ese formato, al que todavía le queda mucho por andar. ‘Avatar’ funciona por la coherencia de su discurso —en el que no faltan claras connotaciones ecológicas, y un duro ataque al descerebramiento militar—, y sobre todo porque nos devuelve al origen mismo de la aventura —atávico Cameron hay que llamarle a partir de ahora—, a ésa que nos hace vibrar como cuando éramos niños inocentes, pues Cameron tiene algo de inocente, o al menos cree en esa característica humana como el último resquicio para la verdadera salvación de nuestra especie. Una inocencia que nos hace soñar con otros mundos, poderosamente creíbles gracias a la fuerza descriptiva de su creador.

‘Avatar’ nos devuelve después de doce años al James Cameron de siempre, creando otro film-isla —¿os habéis dado cuenta de que nadie es capaz de imitarle?— en el que incluso se permite los autohomenajes —¿señales de identidad?— como el realizado con Sigourney Weaver, cuya primera aparición es tras salir del estado de hibernación, y a la que propone para un final que hubiera sido glorioso en la famosa saga comenzada por Ridley Scott, el de unirse a una especie alienígena lejos de combatirla. O sin ir más lejos, el personaje de Stephen Lang, que no hace de villano, hace de Terminator, amenazante y peligroso de verdad, dejando en evidencia a McG y su intento de rejuvenecer la saga de la que Cameron es el único padre. El tercio final del film, en el que el director no se priva de crueldades es toda una lección a los supuestos directores de cine de acción que hay en la actualidad, un claro ejemplo de lo que es ritmo y planificación, asignaturas pendientes en el presente cine de acción.

Cameron pertenece a esa serie de directores de acción que se diferenciaban de los demás por su clara implicación con lo que narraban, porque sus personajes importan tanto como los de los más grandes dramas existenciales. John McTiernan, Richard Donner o Kathryn Bigelow son los primeros nombres que me viene a la mente. No sólo filman como nadie el espectáculo, además sus personajes nos importan. Recientemente he visto esto mismo en ‘District 9’ —para un servidor de lo mejor del año pasado—, film con el que ‘Avatar’ guarda no pocos parecidos de fondo.

Se habla de una posible trilogía, y lo único que se me ocurre pensar al respecto es que a este paso, Cameron va a lograr que Sam Worthington se retire de la interpretación, porque ha conseguido que un personaje generado por ordenador sea mejor actor que él. Ver para creer, la máxima de Cameron.

Otras críticas en Blogdecine:

• ‘Avatar’, los rasgos de una obra maestra
• ‘Avatar’, la técnica por encima del arte

• ‘Avatar’ es otra más

Así están las cosas. Doce años después de su encumbración definitiva con ‘Titanic’, la única persona capaz de hacer peligrar el reinado de dicho film como el más taquillero de todos los tiempos —aunque eso es muy relativo, pues una entrada hoy día vale mucho más que cuando se estrenó ‘Lo que el viento se llevó’ (‘Gone With The Wind’, Victor Fleming, 1939), que seguiría siendo la película que más gente ha llevado al cine— es don James Cameron, que con su ‘Avatar’ está revolucionando de nuevo la industria. Más de mil millones de dólares de recaudación mundial en menos de tres semanas. ¿Dónde están los defensores de la película de vampiros y hombres lobo nenazas que hace semanas se reían de los 75 millones de dólares de apertura del film de Cameron? No hace falta que contestéis, es una pregunta retórica.

El resto de películas del top siguen más o menos conservando su estatus. Guy Ritchie debe estar frotándose las manos con la que será su película más taquillera. Sandra Bullock otro tanto de lo mismo, aunque esta vez con un drama. Y llama poderosamente la atención que tres films como ‘Up in the Air’ de Jason Reitman, ‘Nine’ de Rob Marshall e ‘Invictus’ de Clint Eastwood, con firmes posibilidades para los Oscar, tengan recaudaciones por debajo de lo esperado. Así es el mundo del cine.

Vía | IMDb

Cuando se estrenó la memez esa de ‘Grindhouse’, en la que Robert Rodriguez y Quentin Tarantino demostraron que eran capaces de lo peor, muchos de nosotros disfrutamos como enanos con los falsos tráileres de películas que habían introducido en su sesión doble. El de ‘Machete’ era uno de ellos, probablemente el que más furor causó. Ahora, Robert Rodriguez, acompañado de Ethan Maniquis, están dirigiendo el largometraje, pero el de verdad. Lo cierto es que el divertido avance lo pedía a gritos.

Lo llamativo del asunto es que pretendiendo homenajear la serie B o Z, el reparto de ‘Machete’ es simple y llanamente espectacular. Coged respiración: Robert De Niro, Lindsay Lohan, Jessica Alba, Michelle Rodriguez, Steven Seagal, Don Johnson, Cheech Marin, Jeff Fahey, y cómo no, Danny Trejo interpretando al Machete del título. Con ese casting ¿quién se la va a perder? Lo que llama la atención es el hecho de que Rodriguez comparta tareas de dirección con Maniquis, que hasta ahora ha sido el montador de alguna de las películas del director de ‘El mariachi’, quien no quiere llevarse él solito la culpa en caso de que nos sirvan un bodriete.

Vía | Comingsoon