La film de animación de Hayao Miyazaki, ‘Nausicaä del valle del viento’ (‘Kaze no Tani no Nausicaä’, 1984), se reestrena mañana viernes, 7 de mayo, en cines. Por el momento, se podrá ver sólo en Madrid y Barcelona —donde se le ha hecho coincidir con Salón del Cómic— y, posteriormente, la copia se proyectará en cines en otras ciudades. Además, a partir del 30 de junio, estará a la venta en DVD y, cuando Ghibli dé su luz verde, aparecerá también en BD. El reestreno está motivado, no sólo porque en nuestro país no hubiese sido distribuida en salas en su momento; sino también porque era imprescindible, por varios motivos, ofrecer al público una versión restaurada.

El más importante era que las copias que aparecieron para vídeo doméstico a mediados de los ’80 contenían un remontaje sensiblemente más corto y que modificaba la historia original. En las oficinas de New World Video, en EE. UU., el guionista y productor Carl Macek recortó la película e inventó un doblaje para convertir la compleja propuesta de Miyazaki en una historia más infantil y accesible. Sus intenciones podían ser buenas, sin embargo, la pretensión de aligerar una película como ‘Nausicaä’ era desmesurada, ya que, por mucho cambio que se hubiese hecho, no se habría convertido jamás en un film fácil para los niños. Y porque, en su duración normal de 116, ‘Nausicaä’ es, de por sí, una pura condensación de contenidos, al tratarse de una adaptación de un manga de mayor extensión. A esta versión reducida se le dio el nombre de ‘Warriors of the Wind’, del cual surgió el título ‘Guerreros del viento’ que llevó la edición en VHS para España, cuyo doblaje partía ya de las modificaciones estadounidenses.

Cuentan que una de las principales modificaciones radicó en eliminar todo lo que concernía a los Oms —u «ohms» en la transcripción inglesa—, esos gigantescos bichos-bola de numerosos ojos. Tal como se ven en la película original, son seres que se pueden comportar de forma negativa, pero que no son malvados de por sí, sino que tienen motivos para actuar de esa forma o están confundidos por lo que se descubrirá al final del film. Es habitual en Miyazaki que ningún personaje albergue anhelos nocivos, aunque pueda parecer vil durante algún tiempo y, aunque esto se llegaba a percibir, al eliminar explicaciones, la definición de los Oms quedaba muy pobre.

Si estáis maldiciendo a Macek, guardad vuestras energías, pues dejó este mundo el 17 de abril de 2010 a causa de un paro cardíaco, a los 58 años de edad. Su labor ha sido tan controvertida que los dos apodos que recibía eran «El padrino del anime» y «El anticristo del anime». Se le hace responsable de que comenzasen a popularizarse los animes en Estados Unidos y eso es como decir en el mundo entero, por lo que, visto así, habría que decir que le debemos mucho. Pero su modus operandi con respecto a la animación japonesa consistió siempre en hacer remontajes de películas y capítulos y modificar los guiones para adaptarlos a las costumbres audiovisuales occidentales.

Tanto atrevimiento motivó la indignación de Miyazaki, quien comenzó una férrea política de distribución que hizo imposible la exportación de sus películas durante décadas. Cuando ‘La princesa Mononoke’ llegó a Disney, venía acompañada de una advertencia muy clara: «nada de recortes». Sólo las distribuidoras dispuestas a respetar por completo la obra del japonés obtendrán licencia para comercializar sus productos. A mediados de los 2000, la Disney compró los derechos para algunas áreas geográficas y comenzó a reeditar las películas en DVD. En España, como ya os comuniqué, la distribuidora Aurum es quien ha conseguido la confianza de Miyazaki y se está encargando, por fin, de restablecer el respeto que merecían estos animes.

Se rumorea, además, que la versión de ‘Nausicaä del valle del viento’ que se distribuyó en España en VHS —o de ‘Guerreros del viento’, mejor dicho— técnicamente también había sido un desastre. Al parecer, existieron problemas con el paso del sistema de vídeo que se utiliza en Japón: el NTSC, al que tenemos en España: PAL. El primero tiene un ratio de 30 fotogramas por segundo, mientras el segundo se acerca más al ratio cinematográfico, con 25. Al hacer la conversión, no se modificó el ratio y se produjo una ralentización casi imperceptible, pero que deslucía la calidad del sonido. Se especula que el telecine —paso de cine a vídeo— tampoco había sido el idóneo, por lo que la imagen se había visto igualmente deteriorada.

Ghibli se fundó gracias a ‘Nausicaä’

Desde 1963, Hayao Miyazaki estuvo trabajando como animador en productoras como Toei Animation, A-Pro o Zuiyo Pictures, una filial de Nippon Estudio, donde participó en ‘Heidi’ y ‘Marco’. A finales de los ’70, debutó como director en la serie ‘Conan, el niño del futuro’ y el largometraje ‘Lupin III: El Castillo de Cagliostro’. A lo largo de estos años, colabora en muchas otras producciones.

A comienzos de la década de los ochenta, Miyazaki ya tenía en la cabeza hacer sus propias películas y a lo grande, pero no le resultaba fácil lograr financiación. Tenía muchas ideas, que ya desde aquella época tocaban los temas que hoy consideramos como sus constantes: la ecología, el amor por todos los seres vivientes… Uno de los personajes que tenía en mente era el de una princesa, valiente y sensible, que se inspiraba ligeramente en la mitología griega y cuyo nombre proviene de un personaje secundario de ‘La odisea’.

Cuando la revista Animage le encargó que crease el manga ‘Nausicaä del valle del viento’, lo curioso es que su primera reacción fue la de firmar un contrato en el que dejase bien claro que, si le surgían proyectos como animador, abandonaría la serie —el trabajo de mangaka no era su vocación principal—. Asimismo, establecía que su creación para el papel nunca se adaptaría a cine o televisión. Más adelatne confesaba que «cuando la productora Animage me propuso hacer el manga, decidí escribir la historia de mi Nausicaä. Estaba a punto de retirarme del mundo del manga ya que no me consideraba muy buen creador; pero la tentación de hacer una Nausicaä a mi gusto fue demasiado fuerte. Desgraciadamente, me di cuenta de mis limitaciones a medida que avanzaba el trabajo, y me está costando muchos sufrimientos desarrollarlo…».

El manga comenzó a publicarse en 1982 y tuvo tal éxito que, en seguida, le ofrecieron convertirlo en un cortometraje, a lo cual se negó en un principio, como establecía su contrario y porque consideraba que no sería nada fácil adaptarlo. Tras mucha insistencia, cedió, ya que aquella era su oportunidad para dedicarse a lo que le gustaba, pero siempre con sus condiciones: tendría total libertad creadora. De esta forma, el proyecto fue aumentando y acabó por convertirse en el largometraje que ahora alcanza nuestras pantallas.

El guión de la película se aleja sobremanera del libreto del manga, ya que, por un lado, éste no estaba terminado —siquiera en la mente de su creador— cuando se realizó el film, pues siguió publicándose hasta 1994. Y, por otro lado, debido a que el material no se ajustaba igual a un largometraje tan cómodamente como a historietas seriadas, como Miyazaki se temía. Fue una dura tarea, que el japonés recuerda como un auténtico sufrimiento, y es que ya conocemos su afán perfeccionista.

El estudio Ghibli nació gracias a ‘Nausicaä’: Miyazaki había conocido a Isao Takahata, director y productor, ya en Toei Animation y desde entonces habían seguido trabajando juntos. En estos momentos, ambos buscaban un proyecto para dirigir y producir, respectivamente. Se embarcaron en ‘Nausicaä’ y, de esta colaboración, surgió el ímpetu para forma una productora, a pesar de que esta producción no fue muy rentable y estuvo plagada de obstáculos.

Concluiríamos, por lo tanto, que ‘Nausicaä del valle del viento’ merecía un nuevo estreno por el maltrato que había recibido en su momento y también por lo que significa históricamente: sin ella, quizá no habríamos podido disfrutar de ninguna película Ghibli.

Vía | Anime News Network, Hernán J. González web, entre otros.

‘Cómo entrenar a tu dragón’ (‘How To Train Your Dragon’) se ha convertido en una de las mayores sorpresas del año. Basada libremente en el cuento de Cressida Cowell, la película de animación de los directores Chris Sanders y Dean DeBlois está siendo un éxito de público (especialmente en Estados Unidos, donde aún sigue en los primeros puestos del “box office”) y de crítica, lo que ha llevado a los estudios DreamWorks a anunciar una segunda parte que estará en los cines en el año 2013. Una noticia que no nos sorprende, sobre todo después de que prácticamente lo anticipara Igor Lodeiro, responsable de la iluminación del film, en la entrevista que pudisteis leer aquí hace poco.

¿A qué se debe el éxito de la película? Básicamente, a algo muy simple pero al mismo tiempo muy difícil de encontrar en la gran mayoría de películas actuales; una historia y unos personajes trabajados, tanto como el apartado técnico del film. Esto debería ser ley, no debería estrenarse ninguna película que hubiera descuidado el guión y la narración dando más importancia al trabajo de animación y efectos visuales; nos habríamos ahorrado cosas como ‘Planet 51’. También es fundamental, por supuesto, haber pensado en un público más amplio que el habitual al que se dirige este tipo de productos, que hayan tenido en cuenta tanto a los niños como a los adultos. En definitiva, el éxito se debe a que han pensado como piensan en Pixar. Ya era hora.

La historia de ‘Cómo entrenar a tu dragón’ se sitúa en la isla de Berk, donde un poblado de vikingos es regularmente atacado y saqueado por una marea de dragones. Nada más empezar, mientras la voz en off del protagonista nos presenta el lugar, estalla un primer asalto. El personaje sobre el que gira todo es Hipo (Hiccup en la versión original, a quien da voz Jay Baruchel), un adolescente de complexión débil que sencillamente no vale para luchar, y a pesar de su empeño siempre acaba quedando en ridículo. También deja mal a su padre, que precisamente es el jefe de la tribu, el vikingo más fuerte y valiente de todos (voz de Gerard Butler).

Personajes, emoción y espectáculo

No es nada nuevo que una película esté protagonizada por un chico que no encaja en su entorno, ya sea de animación o acción real; es un recurso muy habitual y muy útil. Todos nos hemos sentido desubicados en algún momento, si es que alguna vez encontramos nuestro sitio, así que es fácil identificarse con un personaje así, sea quien sea y esté donde esté. La gracia de este film es que nos presenta un lugar y unos personajes muy peculiares, que consiguen tapar los típicos resortes de la trama. El estilo de vida de estos vikingos y su lucha con los dragones resulta suficientemente ingeniosa como para mantenernos pegados a la pantalla.

Suele ocurrir en muchas películas, especialmente en las de animación, que una vez resueltos los primeros minutos en los que asistimos a la introducción de los protagonistas, el espacio en el que éstos viven y la formulación del deseo que dará pie a la trama, todo comience a hundirse. Como si los guionistas sólo hubieran tenido que escribir el principio para conseguir vender la historia, y luego todo lo demás lo hubieran redactado rápidamente y sobre la marcha, sin detenerse demasiado en imaginar situaciones frescas ni diálogos que no provoquen vergüenza ajena. Vuelvo a acordarme de ‘Planet 51’, pero también podemos citar otras recientes como ‘Ice Age 3’ o ‘Número 9’. Tras un arranque más o menos trabajado, todo se va desinflando, consistiendo en una aburrida cadena de secuencias de acción que consisten en uno o varios personajes “malo” persiguiendo a uno o varios “buenos” a lo largo de varios escenarios, dando pie a bromas rápidas y muchos destrozos.

Afortunadamente, a los responsables de ‘Cómo entrenar a tu dragón’ les ha preocupado algo más que las persecuciones y las escenas de acción, que también las hay. El núcleo central de la película es el descubrimiento y la amistad por parte de dos personajes inicialmente enfrentados. Uno de ellos es el mencionado Hipo y el otro es por supuesto un dragón. El chaval, en su intento por conseguir la aprobación de su padre, logra derribar a uno de los “malos”, pero cuando tiene que rematarlo se da cuenta que comparte algo con el fantástico animal. Una vez que se gane su confianza, el dragón, al que el chico llama “Toothless” (“Desdentao” en español), se convertirá en su mejor amigo.

Claro que como hemos visto en infinidad de películas, la amistad entre un humano y un “bicho” no da más que problemas. De nuevo, durante todo el proceso de acercamiento y entrenamiento entre el chico y el dragón, que a fin de cuentas no se diferencia demasiado de cualquier animal salvaje (es muy listo y muy mono, porque no olvidemos que tiene que caer bien desde el primer instante), como cuando toca mostrar las dificultades que se derivan de esta “relación prohibida”, asistimos a situaciones ya vistas y por tanto previsibles, pero aún así se consigue esquivar el aburrimiento, gracias a un gran aprovechamiento de los elementos disponibles, fruto de una acertada planificación, y la excelente música de John Powell.

Especialmente los dragones, por supuesto, y espectaculares escenas en las que se insertan; no la he visto en 3D, pero mi compañera Beatriz confirma que esta vez sí está bien utilizado el formato. Personalmente, creo que el mayor acierto del film es el personaje de “Desdentao”, que no por casualidad se parece bastante al alienígena de ‘Lilo & Stitch’ (2002), el anterior trabajo de los directores, antes en la Disney. La complicada y entrañable amistad entre el adolescente y el dragón es lo suficientemente eficaz como para mantener al público conectado con el film, entendiendo (al menos todos los que hemos tenido y querido a una mascota) lo que vive el chaval y pasándolo mal cada vez que “Desdentao” está en peligro. Porque los demás lo llaman “Furia nocturna”, en definitiva los hombres y los dragones están en guerra, y la única opción es acabar con el enemigo.

Estando dirigida especialmente para los más pequeños, me parece un gran acierto de la película incluir un mensaje de comprensión, colaboración y amistad, ya sea entre pueblos, generaciones o incluso especies diferentes, resultando una gran lección para que los chavales puedan comprender el origen de muchos de los problemas del mundo (ahora y siempre): el ataque a lo diferente. Es una lástima que no se haya optado por introducir una mayor dosis de madurez, violencia y tristeza en la historia, habría redondeado la película, sin tener que mostrar sangre ni nada desagradable. Se la remata de manera blanda, y creo que la perjudica. No obstante, y como decía al principio, se trata de una película muy recomendable para todos los públicos, muy entretenida y con escenas realmente emocionantes.

Imagino que lo habréis notado. Es algo que puede comprobarse fácilmente cuando te paras delante de un kiosko y echas un vistazo a las portadas de las revistas. Los que mandan en esto del cine, que es un arte pero también un importante negocio, están cambiando a los protagonistas masculinos de sus películas, los que deben encabezar los repartos de las grandes historias, los grandes romances, los hombres que cautivan, fascinan y enamoran tanto dentro como fuera de la pantalla. Sí, los están cambiando, los están rejuveneciendo.

Hace poco se celebró en la ciudad de Granada, donde me encuentro actualmente, la segunda edición del Festival de Cine Clásico, Retroback, y la imagen este año era la de Humphrey Bogart, icono del cine donde los haya. Puede que fuera por falta de publicidad, porque hay demasiada gente que es incapaz de ver películas en blanco y negro, más aún si están subtituladas (un sacrilegio en este país que adora el doblaje), o porque sencillamente no tenían ni pajolera idea de lo que se proyectaba, pero lo cierto es que la sensación general era de absoluto, y triste, desinterés. Pienso en esto cuando paseo por un centro comercial, y oigo por enésima vez los grititos de un puñado de chicas alrededor de librillos, carteles y DVDs con la imagen de uno de los guapos de moda: Robert Pattinson.

El fenómeno Twilight

Pattinson es sin duda el referente de la nueva ola de galanes modernos. Su nombre está en todas partes y su rostro aparece en todas las revistas; es, en definitiva, el triunfo del marketing, que ha convencido a millones de niñas, adolescentes y mujeres (y jóvenes gays) de que éste es el tipo más atractivo del planeta, ergo, deben morirse por sus huesos. Recuerdo que cuando estuve en Londres para el estreno mundial de ‘Cuento de navidad’, el mismísimo Jim Carrey bromeó diciendo que estaba muy nervioso porque le habían dicho que el protagonista de ‘Crepúsculo’ estaba por allí, y su mayor deseo era poder liarse con él. Es todo tan absurdo que el propio Pattinson ha declarado a menudo sentirse abrumado por el “boom” mediático montado a su alrededor, así como sorprendido por los comportamientos de sus fans más perturbadas.

No olvidemos que estamos hablando de un chico que pronto cumplirá los 24, y que de la noche a la mañana ha sido convertido en uno de los rostros más deseados del planeta, incluso cuando muchas de sus seguidoras tienen edad para ser su madre. Claro que como apunta la ley de Murphy, todo se puede empeorar. Ahí está para demostrarlo Taylor Lautner, su compañero de reparto en ‘Crepúsculo’ y ‘Luna nueva’. Tras una gran preparación física y llevarse media película sin camiseta (sin una verdadera razón) es ya otro de los “sex-symbols” del momento. Así de fácil. Hace nada podía verse en todas partes un anuncio en el que sorteaba pasar un día con él, como si eso fuera algo interesante. ¿Edad? 18.

Veinteañeros por cuarentones

El suyo es quizá el caso más flagrante de la nueva tendencia, pero los demás no andan muy lejos; Hollywood, o mejor dicho, los expertos en marketing de los que se fían los magnates de Hollywood, han visto lo que el púbico joven femenino puede lograr en la taquilla, y están como locos por explotar eso. Sin ir más lejos, ¿cuál fue la película que desbancó a ‘Avatar’ del primer puesto? ‘Querido John’, un melodrama romántico con Channing Tatum al frente del reparto. Tatum, 29 años. Pero hay más. Se está preparando el reinicio de la franquicia de ‘Spider-Man’ y ya han asegurado que el protagonista irá al instituto (suena fuerte el nombre de Logan Lerman, 18 añicos); dos de las películas que más expectación están generando en la red son ‘Tron: Legacy’ (la secuela de ‘Tron’) y ‘Beastly’ (una versión actual de ‘La bella y la bestia’), protagonizadas respectivamente por Garrett Hedlund (25) y Alex Pettyfer (20). Lo raro es que todavía no hayan convencido a Cristiano Ronaldo (25) para hacer sus primeros pinitos en el cine.

Pattinson, Lautner, Tatum, Lerman, Hedlund, Pettyfer y, entre otros, Zac Efron (22) o Daniel Radcliffe (20), cuyas imágenes llevan años explotándose. La pregunta que me parece más obvia ahora es: ¿no hay alternativas entre los tipos maduros? Desde luego que las hay. A bote pronto, ahí tenemos a Clive Owen, Eric Bana, Colin Farrell, Hugh Jackman, John Cusack, Jude Law, Ethan Hawke, Matt Dillon, Jim Caviezel o Aaron Eckhart, por decir sólo diez. En torno a los 40, que perfectamente podrían protagonizar los dramas o las comedias románticas que la maquinaria hollywoodiense desee poner en marcha. ¡Y son actores! No son sólo tipos atractivos. Pero ahí está una de las claves de todo el asunto: la interpretación ya no importa lo más mínimo. Los estudios han dado por buena la teoría de que el público es una masa de borregos, que no piensa, que no es capaz de diferenciar a los buenos de los malos actores, y que sólo quieren que alguien les diga qué deben ver, y a quién deben considerar bueno o malo.

Cambio cultural

No estoy exagerando ni un pelo. Vosotros lo sabéis. La cuestión, en realidad, es que con todo este proceso de rejuvenecimiento puede que tengan razón. No os miento en absoluto cuando os cuento esto, una anécdota que creo que viene al caso, que espero no veáis simplemente como una chorrada para rellenar (os aseguro que no gano nada por escribir más): hace un par de días estaba paseando con “mon amour” en busca de un lugar donde tomar unas tapas, cuando no pude evitar escuchar parte de la conversación que mantenían dos muchachas muy alegres que venían detrás; estaban hablando de un chico y una de ellas dijo “Pero, ¿no es muy niño”, a lo que la otra le respondió “¿Y qué, si lo que quiero es restregármelo?”. Las potentes ondas sonoras de sus maquiavélicas risotadas casi me tiran al suelo.

Lo que quiero decir es que quizá todo esto que han montado los de marketing tenga algo de sentido, a fin de cuentas el culto a la juventud es algo muy antiguo, los “asaltacunas” no se inventaron ayer. Tradicionalmente se ha visto como algo normal que un hombre se relacione con una mujer más joven, incluso mucho más joven (ya que lo hemos mencionado, Bogart era 25 años mayor que Lauren Bacall cuando se casaron). Quizá estemos ya en el momento en el que también lo contrario es algo de lo más normal, o puede que ya simplemente dé igual la edad. De hecho, Robert Pattinson está rodando actualmente ‘Bel Ami’, un drama en el que mantiene un romance con Uma Thurman (40). ¿Pura casualidad?

Dicen que cualquier tiempo pasado fue mejor. Más allá de que suena bien, no estoy nada de acuerdo con eso, pero cuando se echa la vista atrás y se fija uno en actores de la talla de Bogart, Clark Gable, Cary Grant, John Wayne, Henry Fonda, James Stewart, Gary Cooper, Burt Lancaster, Kirk Douglas, Richard Widmark, Gregory Peck, Robert Mitchum, Marlon Brando, Montgomery Clift, Glenn Ford, Charlton Heston o Paul Newman, y luego se compara con los chavalines que hay ahora… Vaya, puede que sea cierto.

Tras su resurrección cinematográfica con la estupenda ‘El luchador’, Mickey Rourke es otra vez un actor popular y cotizado. El estadounidense ha aprovechado la promoción de la esperada ‘Iron Man 2’, que se estrena el próximo viernes, para anunciar uno de sus próximos proyectos, una película en la que interpretará al emperador Genghis Khan. John Milius ha escrito el guión y también lo va a dirigir, siendo ésta la principal razón por la que Rourke se ha involucrado en el proyecto: “Escribió ‘Conan’, ‘Harry el Sucio’ y ‘Apocalypse Now’, será interesante ver cómo trabaja tras las cámaras [...] Milius quiere contar la verdad sobre el personaje, así que será fascinante interpretarlo”.

Según el actor, la película estará narrada desde el punto de vista de los personajes del hijo y el nieto de Genghis, mostrando cómo le veían, mientras que a él lo veremos en flashbacks, cuando ya tenía unos 45 años. “Y por aquel entonces, estar en tus 45 era ser REALMENTE viejo”, ha apuntado Mickey Rourke, seguramente para callar a los que critiquen que él encarne al mítico personaje, habiendo vivido ya 57 inviernos. Al parecer, el rodaje se producirá en zonas de India y China, pero todavía no hay una fecha concreta para empezar. Estaremos atentos, suena muy bien.

PD: Rourke también aclaró que ‘St. Vincent’, de Walter Hill, no va a ocurrir, pero ‘Potsdamer Platz’ de Tony Scott, sí; igualmente, el actor está hablando con Scott para hacer una película sobre ‘Hell´s Angels’.

Vía | ComingSoon

Si bien es raro que se citen orígenes del cine que no se correspondan con la proyección de los hermanos Lumière de la salida de la fábrica de Lyon en 1895, se conocen otros descubrimientos que arrojan polémica sobre quién fue el verdadero padre del invento: Thomas A. Edison ya había traído los quinetoscopios a Europa un año antes. Se trataba de máquinas unipersonales, que habían sido diseñadas por William Kennedy Laurie Dickson, en las que se podían ver las peliculitas a través de dos agujeros, como se observa en la imagen superior. La ventaja del cinematógrafo de los Lumière con respecto a estos aparatos era su carácter masivo y comunitario, más la comodidad de la pantalla que nos permite contemplarla desde la butaca. Y ya que es en estas condiciones como hemos vivido el séptimo arte a lo largo de este siglo y pico, se establece esta proyección como la primera vez que se vio cine.

Zanjada esa discusión, parece no tener cabida cuestionar que la película pionera en ser acompañada de sonido fuese ‘El cantor de jazz’, de 1927, ya que fue la primera para cinematógrafo. Se olvida, quizá, que para llegar hasta ella hubieron de cristalizar una serie de experimentos anteriores, ya que tales avances técnicos rara vez salen de la nada. Treinta y dos años antes del primer sonoro, el mismo año que se considera que nació el cine, se rodaba para el quinetoscopio un cortometraje de 17 segundos titulado ‘Dickson Experimental Sound Film’, donde, por primera vez, se ensayaba la reproducción de imagen y sonido de forma perfectamente sincrónica.

A continuación puede verse la película en cuestión. Antes de que comience, se escucha «The rest of you fellows ready? Go ahead!» («¿Los demás estáis preparados? ¡Adelante!»), lo que produce la genuina emoción y vértigo del salto a lo desconocido. Es la primera vez que se registra – en este caso, en un cilindro de cera – el primer, digamos, «Motor, cámara acción» de la historia del cine.

El personaje que toca el violín es el propio Dickson, el inventor del quinetoscopio que, en palabras de Edison era «la máquina que podría hacer para los ojos aquello que el fonógrafo hace para los oídos», y que ya estaba teniendo una repercusión comercial relevante en su época. Mientras dos empleados de Edison bailan un vals, Dickson toca la melodía y ésta es registrada a través del cono que se ve en la imagen.

El cilindro en el que se grabó la melodía fue hallado en un pésimo estado de conservación en los archivos de Edison y, hasta el 2003, nadie fue capaz de establecer la correlación entre la película de 17 segundos y el cilindro con la música del violín, de unos dos minutos de duración. El diseñador de sonido y montador Walter Murch procedió a le restauración del sonido y, gracias a las modernas tecnologías digitales, pudo establecer una sincronía entre dos fuentes grabadas a muy diferentes velocidades —la película se rodó a 40 fotogramas por segundo—.

Al parecer, dicha sincronía se lograba a través de una correa que lograba que el quinetoscopio y el gramófono se moviesen a la misma velocidad. De esta manera, los espectadores podrían ver la imagen a través de dos agujeros mientras que, gracias a dos tubos de goma, se podría oír el sonido grabado asociado a esas imágenes. Y así nació el quinetófono —y quién sabe si también los auriculares—. Evidentemente, esta invención no pudo competir con la proyección de imágenes en pantalla. Por ello, con el abandono de Dickson de la compañía de Edison, este último no volvió a experimentar con la imagen y sonido sincrónicos hasta 1913.

Vía | Inventors.

Cada diez años, la revista ‘Sight & Sound’ elige las mejores películas de todos los tiempos, y de entre estas la mejor de todas (que casi siempre ha sido ‘Ciudadano Kane’) empeño absolutamente utópico por innecesario. También sería interesante reflexionar por qué tantos le han hecho tanto caso a esa publicación británica, antes que a otras. Y dentro de dos años, en 2012, volverán a hacer su lista, y será publicada a bombo y platillo, y los periodistas de medio mundo se harán eco de ella. Si revisamos, por cierto, la lista actual, ya huele un poco a rancio, por su falta total de coraje, aunque algunas (no sólo la de Welles, también ‘The Godfather, part II’, ‘Cuentos de Tokyo’, o ‘Amanecer’) son bastante incontestables.

Yo, por supuesto, haría una lista bastante diferente. No pondría, ni mucho menos, a ‘2001, una odisea del espacio’ entre ellas, ni a ’8 y 1/2’. Pero tampoco pondría a ‘Star Wars’, que no es una de las mejores películas de todos los tiempos, pero sí que es, y lo voy a argumentar, la más importante película de la historia del cine. Aunque ese tipo de listas no suelen hacerse, y sería más interesante que una supuesta categoría de “las mejores”.

La dificil gestación de un proyecto único

Espero que, mientras leen estas líneas, estén escuchando el corte que he añadido arriba del todo. Así entramos con más facilidad en materia. Por supuesto, ‘La guerra de las galaxias’ es mucho más que cine, a estas alturas. Cualquier comentario, o casi, vertido acerca de ella suena a redundante, reiterativo. Y su “univero expandido” es tan enorme (videojuegos, libros, muñecos), que excede, con mucho, el acontecimiento cinematográfico. Pero centrémonos en el cine que, durante veintiocho años de saga y seis películas, ha significado esta saga, auténtico empeño de su máximo responsable, George Lucas, por crear una “space opera”, acerca de cuya gestación se han dicho muchas mentiras.

La primera de todas ellas es que sea una saga pensada desde un principio como trilogía de trilogías, o por lo menos como una trilogía. En realidad, y tras el éxito de la magistral ‘American Graffiti’, Lucas deseaba llevar a la gran pantalla una adaptación de su venerado ‘Flash Gordon’, cuyas aventuras había devorado desde chaval. Pero los derechos no estaban disponibles, con un proyecto ya desarrollado pero congelado (y buena prueba de ello, es que con el éxito de la película de Lucas, tuvimos aquella divertida ‘Flash Gordon’ de Mike Hodges en 1980), que le obligó a replantearse su deseo de filmar aventuras espaciales. Como resultado: desarrollar su propia historia.

Resulta un poco cansino, por no decir algo peor, escuchar todavía a Lucas, o a alguno de sus antiguos colaboradores, insistir en el hecho de que su creador tenía, antes de la primera película, varias historias en mente, cuando hay multitud de evidencias que confirman justo lo contrario. Sea como fuere, el proceso de escritura de una historia propia, fue largo y dificultoso. La historia, y los personajes, sufrieron muchísimas variaciones a lo largo de numerosos borradores. Starkiller se convirtió en Skywalker, y los Jedi (palabra que proviene de la expresión japonesa Jidaigeki, que denomina un género dramático ambientado en el Japón de la era Edo) sufrieron múltiples transformaciones. En cuanto a los Sith, es un término que ni siquiera aparece en la primera película.

La única razón de que Lucas pudiera llevar a cabo su proyecto fue el éxito rotundo de ‘American Graffiti’, que superó las más optimistas expectativas. De hecho, en cierta medida, ‘Star Wars’ es algo así como un ‘American Graffiti’ espacial, y lejos de ser un defecto, esto se convierte en una de sus muchas virtudes. El rodaje fue un verdadero infierno, por muchas razones, entre ellas el ajustado presupuesto, o el infernal rodaje en Túnez. Cuentan que durante la primera semana de rodaje se habían gastado uno de los diez millones presupuestados, y que a Lucas le dio un conato de infarto que casi le manda al hospital, tras lo cual decidió no volver a dirigir una película en su vida, mientras no ostentara el control absoluto.

El deseo era el de imitar, en cierta medida, la calidad técnica de ‘2001’, aunque quedaron muy lejos de ella. Si bien es cierto que con ‘Star Wars’ se ensayaron multitud de nuevas técnicas de efectos especiales que cuajarían de manera impresionante en la segunda parte de la saga. Lucas, por otra parte, quería, como en aquella, música clásica para vestir la película. Su amigo Spielberg le sugirió, sin embargo, que se hiciera con los servicios de John Williams. No hace falta decir que Lucas hizo muy bien en seguir su consejo. Fue uno de los muchos aciertos de un cineasta limitado en ciertos aspectos, pero visionario en bastantes otros.

“El estreno de ‘Star Wars’ es la llegada de la comida rápida basura al cine americano”

-Brian de Palma

Esta fue una de las reacciones más virulentas, después de un pase privado con sus amigos Spielberg y De Palma, entre otros cineastas de su generación. Coppola, algunos años antes, había acusado a Lucas de “intelectualoide” por su extraña y diferente ‘THX-1138’, algo que, sin embargo, no pudo achacar a esta. Spielberg fue el más entusiasta, sabía que esta película iba a resultar todo un hallazgo a un nivel popular, y que el cine americano ya no volvería (porque no podía), volver a ser el mismo.

Chapucera pero extraordinaria aventura

Con ‘Star Wars’ comienza el cine moderno. Así de sencillo. Por supuesto que no es una isla a partir de la cual surja todo lo demás. Eso por descontado. Se enmarca en una época revisionista y rejuvenecedora que no hubiera sido posible durante la época de los grandes estudios. Así mismo, su marcado tono jovial, efusivamente luminoso, se encuadra a la perfección en un momento de inseguridad industrial y de dubitativos modelos narrativos. De hecho, Lucas va a contracorriente en unos años setenta en los que los Spielberg, Scorsese, Coppola y compañía cogen los antiguos géneros y estilos hollywoodienses y de alguna forma los transforman, buscando la perversión del clasicismo. La única perversión que conocerá Lucas es la del reverso tenebroso de la fuerza.

¿Por qué una película de tan abierta vocación comercial, tan juvenil, y técnicamente tan poco depurada, se convierte en la crucial aventura que cambia el cine? A fin de cuentas, hablamos de la historia de un mocoso, una marimacho, un chuloputas cínico y un felpudo con patas, cruce entre oso y chihuahua. De hecho, los ejecutivos de la Fox, viendo los copiones diarios, se temían el mayor de los ridículos. La más importante razón, a mi entender, de que en lugar de ese posible ridículo, se llegara a este gran triunfo, es la perfecta asimilación por parte de Lucas de varias cruciales tendencias filosóficas, la integración de diversos mitos antiquísimos, y la depuración de un género, el fantástico, a través del uso de elementos propios de la Sci-fi.

Sólo un visionario del talento de Lucas (talento solo comparable a su olfato comercial, que le llevó a firmar la apropiación de todos los derechos de merchandising, despreciados por los ejecutivos de la Fox, que poco después, supongo, sentirían deseos de tirarse por un puente atados a una roca gigante…) pudo mezclar las aventuras samurai de su gurú Kurosawa, con aprendizajes Zen, con mitos del viaje de héroe europeo y griego, con mitología “new age”. Un batiburrillo al que su amor por la más genuina y juvenil aventura da forma con precisión abrumadora. Y sabiendo, además, actualizar los arquetipos: el mago reconvertido en maestro guerrero (Obi-Wan), el muchacho reprimido que iniciará un viaje espiritual (Luke), el aventurero cínico que conocerá una redención ideológica (Han), la princesa rescatable que finalmente rescata a los rescatadores, con una mala leche capaz de responder a tiranos y villanos de toda índole (Leia), el malvado guerrero de capa negra (ha habido pocos en la historia del cómic, ¿verdad?) mitad hombre mitad droide, inquebrantable y despiadado, sobre cuya atormentada personalidad comenzará a girar la saga en el futuro (Vader), el castillo encantado del que será casi imposible salir y que es prioridad destruir (la Estrella de la Muerte), los corceles famosos de los héroes (el Ala X, el Halcón Milenario).

Por encima de su tosquedad, se desprende, inicialmente (y en este especial, toca hacer crítica aparte de la primera película) una belleza subyugante, una fe o un aspecto espiritual que es, creo yo, uno de los motivos del enganche emocional de varias generaciones a este relato, un arrollador coraje y confianza en la aventura primitiva que la sitúa muy por encima de historias aventureras quizá más depuradas técnica o estilísticamente, pero no a un nivel de mera historia. Existe, en el corazón de este proyecto, un amor por el cine, por la aventura, por los personajes, que no conoce ni el mismo Spielberg, con la salvedad de ‘E.T.’, y todavía lejos de este milagro.

‘Star Wars’ lo cambió todo. A partir de entonces, cobró mucha mayor importancia el marketing. Renovó el interés por scores elaborados y sinfónicos (ya lo había hecho ‘Jaws’, del mismo Williams, pero aquí mucho más). Inauguró la categoría de herramienta esencial de los efectos especiales de toda clase (maquetas, pantallas azules, animaciones, maquillajes). Evidenció la falta de cultura cinematográfica de la mayoría de sus imitadores (llegando hasta nuestros días, con los astutos, brillantes, pero pobres en cine puro Wachowski o Jackson). Entregó el cine a los adolescentes. Para bien o para mal, ‘Star Wars’ significó el principio de una nueva era, mientras que otras películas de mucho mayor prestigio, como ‘Ciudadano Kane’ (no precisamente la que más me impresiona de Welles, por cierto), recogían y cristalizaban los adelantos técnicos y narrativos acumulados hasta entonces. La de Lucas, sin embargo, reencontraba en el cine el espacio de la aventura infinita, de los sueños hechos realidad.

Porque no existe película más famosa que ‘Star Wars’. Porque ‘Star Wars’ es sinónimo de cine-espectáculo, de acudir a la sala a maravillarse, una y otra vez. Porque el impacto en la cultura popular de esta saga está a años luz (nunca mejor dicho) que el de otras como ‘El señor de los anillos’ o ‘Matrix’. Sin embargo, sin ella no existirían éxitos grandiosos como el de ‘Avatar’. Porque sus valores éticos siguen significando una lucha contra la opresión, una búsqueda de la libertad individual y colectiva, de la dignidad y lo mejor de cada uno de nosotros. Porque su historia sigue siendo la de la fraternidad, la amistad, la lucha, el valor, la redención, el perdón y el éxtasis de vivir.

Docenas de ediciones en VHS y DVD después, ahora que sabemos que saldrán a la venta las ediciones en Blu-Ray, parece tan buen momento como cualquier otro para adentrarnos de nuevo en este gozoso, extático cine que es ‘Star Wars’.

Se puede ser rebuscado pero en esta ocasión he apelado al sentimiento, a las sensaciones y a la experiencia que el cine me ha ofrecido durante tantos años. Y de ellas extraigo mis 5 razones para no dejar (nunca) de ir al cine.

1. El cine es magia

Se puede ver fríamente y quizás contradecir este primer punto, pero resulta complicado no sentir esa magia que transmite el cine en una sala, con una pantalla enorme y ese sonido que desde que arranca las fanfarrias y se apagan las luces nos invade. Lo sentía como un momento mágico cuando era niño, pero no puedo evitar sentir la misma emoción cuando vas a ver alguna película esperada y el ambiente, la compañía y la sala se alinean armónicamente para convertir una proyección cinematográfica en un momento mágico.

Y si alguno ha perdido ese sentimiento, se puede acercar a una exhibición de cine infantil y mirar las caras de los más pequeños para comprobar que la magia a ellos les invade. En definitiva, el cine es magia y en casa, en TV o en el ordenador no es lo mismo por muchas pulgadas, píxeles de resolución o sofisticados sistemas vayan existiendo.

2. Ver una película en el cine es inimitable

Lógicamente tiene relación con el punto anterior. Y por mucho que nos equipemos con una gran televisión FullHD y un buen reproductor doméstico, no es comparable a vivir una experiencia en una sala de cine. Por supuesto, todos podemos tener muchos ejemplos para contradecirlo y para olvidar determinada película por determinadas circunstancias. Pero el cine en una buena sala, con buenas butacas, buen sonido y una pantalla y sistema de proyección (con proyeccionista entusiasta y profesional) es inimitable.

En ocasiones ver una película cine y volver a verla en DVD en casa son experiencias muy distintas para una misma película. Nos puede molestar el resto de espectadores, las palomitas e incluso la sustitución de buenos tráileres por anuncios publicitarios manidos, pero con todo, el cine sigue siendo la mejor forma de ver una película.

3. Los comentarios post film

Si uno va acompañado, esas charlas desde que se sale de la sala y, si hay posibilidad, de alargarla en una tertulia improvisada con amigos, es altamente gratificante. Discutir tal o cual fallo, comentar esa escena brillante o confrontar visiones distintas sobre el desenlace de una película se puede lograr tras verla en casa, pero incomparable si es al salir del cine. Parece que es más fácil llevarse en la retina algunas imágenes grabadas de una gran película y defenderlas “en caliente” con comentarios en una conversación post film si se ha visto en una sala de cine, que si se ha visto en televisión.

Además, ayuda a fomentar ese lado cinéfilo que tenemos todos los que vamos al cine, a hacer nuestra crítica personal o simplemente a defender/atacar a los actores/actrices en plan cotilleo. Eso también nos sirve para socializar nuestro más personal gusto cinematográfico, que suele vivir agazapado en un oscuro rincón de nuestro interior y que a veces cuesta mostrar por miedo a llevar la contraria.

4. Sales de casa

En esta era de Internet, de videoconsolas, de televisión en alta definición y múltiples opciones al alcance de nuestros dedos, nos convertimos en seres poco sociables (aunque tengamos 500 amigos en Facebook). Salir al cine, quedar con amigos, amigas, parejas, padres, abuelos o hijos, resulta una experiencia social gratificante. Elegir la película, o dejarse aconsejar, o negociar hoy eliges tú y yo la próxima, son esenciales para abrirnos al mundo y conocer que hay vida más allá de nuestro ordenador, nuestra televisión o nuestra videoconsola. Mover el culo no viene mal de vez en cuando. Aunque al final acabemos sentados en otra cómoda butaca que siempre nos parecerá menos cómoda que nuestro sofá favorito.

5. ¿El cine es caro?

Si, el cine es caro. Ver una gran película en buena compañía, dejarse llevar por la magia, tener una tertulia posterior con los amigos, recordar algunas escenas para toda tu vida y hacerlo en un cine repleto de cinéfilos entusiastas que aplauden con fuerza hasta el último segundo de los créditos: no. Eso no tiene precio. O al menos, pagar 6, 7, ó 10 euros por una entrada no es mucho.

Claro que siempre argumentamos que los precios de las entradas, más las palomitas, el refresco, etc. para tragarse un bodrio hollywoodiense es un exceso. Pero, para aquello que realmente nos gusta, nos entusiasma y nos llena por completo, aunque caro siempre hacemos todo lo posible por lograrlo. Ir al cine, merece la pena. Aunque a veces haya que ser selectivo con las películas que uno va a pagar por verlas. Pero siempre preferiré ver una mala película pagando a una mala comida o una tarde de aburrimiento o solitaria confinado entre cuatro paredes.

Adelante, podéis disparar al nostálgico. Está mágicamente inmunizado.

Hoy, después de los tres cortos de esta tarde, os traigo dos más, uno de sci-fi y otro de fantasía, de estilos de animación y aspecto visual muy dispar, pero que se inscriben en sus respectivos géneros con coraje y talento:

‘Fard’

Sobresaliente trabajo, de Luis Bricenco y David Alapont, y no quiero adelantar nada del estimulante argumento. Sólo decir que su diseño es excelente, y que su ritmo también. Sci-Fi en estado puro.

‘Second Wind’

Estupendo cortometraje de Ian Worrel, con música que te llega al corazón, y animación sencilla pero muy expresiva. Una aventura fantástica de lirismo arrollador:

Vía | Design You Trust

Suena a tópico pero es necesario insistir que elegir diez bandas sonoras de uno de los mayores genios de la música cinematográfica se hace una tarea bastante difícil. Y no sólo porque posea una filmografía de calidad asombrosa, sino porque es uno de mis compositores preferidos y ahí se vuelve el asunto aún más complicado si cabe. Pero, como venimos haciendo con otros grandes compositores, es necesario asomarse un poco, aunque sea sólo con una selección personal de sus diez mejores bandas sonoras, a la aportación indiscutible de Bernard Herrmann al cine.

Ha sido uno de los más valorados y aclamados. Quizás porque ha trabajado para algunos de los cineastas más grandes de su siglo, desde Orson Welles a Martin Scorsese, pasando por su enorme y fundamental unión a las imágenes de Alfred Hitchcock. Y el cine de Hitchcock casi no se puede entender sin escuchar las notas que compuso Herrmann.

Pero, no podemos pasar por alto que su primera partitura para el cine es para ‘Ciudadano Kane’, la obra maestra de Orson Welles (curiosamente este año gana su único Oscar con ‘El hombre que vendió su alma’). No vamos abordar aquí un análisis de su obra, pero a pesar de ser conocido por su aportación sonora al suspense y el misterio, Herrmann prefería las composiciones románticas. Y eso se aprecia con obras maestras absolutas como ‘El fantasmas y la señora Muir’ o ‘Vértigo’. Pero vamos con la selección de las que considero las 10 mejores bandas sonoras de Bernard Herrmann.

‘Jasón y los Argonautas’

Gran película de Don Chaffrey, que siempre será recordada por dos cosas: el extraordinario trabajo de Ray Harryhausen y el score de Herrmann. El vídeo no es bueno, pero la música…

Y aquí el maravilloso preludio:

‘Ciudadano Kane’

Conoció a Welles en la CBS, donde el compositor ponía música a sus documentales radiofónicos. De su amistad, surgió el primer trabajo de Herrmann para la gran pantalla. ¿Se puede comenzar mejor?

Y aquí la famosa obertura:

‘El cabo del terror’

La famosa película de J. Lee Thompson a la que rindiera homenaje Scorsese y a la vez Elmer Bernstein, contenía una música que daba buena cuenta de su maestría con el cine de suspense. Prodigiosa.

‘Psicosis’

¿Qué podemos decir de esta música? Pocas veces unos acordes se acoplaron con semejante simbiosis a las aterradoras imágenes en el cine. Mucho mérito tiene Herrmann del éxito y la grandeza de este film. Inmortal.

‘Simbad y la princesa’

El género de aventuras también tuvo la suerte de poseer algunas de sus mejores partituras. Ésta un ejemplo sublime.

‘Con la muerte en los talones’

Como en el resto de partituras que compuso para Hitchcock resulta magistral en cada corte. Majestuosidad, emoción e inolvidable.

‘Taxi Driver’

Fue su última banda sonora y abandonó su peculiar estilo para rendirse al ritmo del jazz y ambientar el escenario urbano del film de Scorsese. Una música de Herrmann que se aleja de lo anterior pero no del habitual nivel de calidad.

‘El fantasma y la señora Muir’

La colosal cinta de Mankievicz que mezcla el fantástico con el toque romántico estuvo magistralmente apoyada en la partitura de Herrmann. Considera una de sus grandes obras maestras perteneciente a su primera etapa.

‘Marnie, la ladrona’

Nuevo film de Hitchcock con la inestimable colaboración de Herrmann. Suspense en estado puro.

‘Vértigo (De entre los muertos)’

Obra maestra incontestable del cine. Y además una de las mejores bandas sonoras de la historia y mi preferida de todas las de Herrmann. Alcanzó un momento glorioso e inspirado: una música densa, apasionante, atormentada, bella y turbia como pocas. John Williams dirige la orquesta:

Bonus Track

¿A alquien le suena este fragmento?

Para los que les haya sabido a poco, recomiendo encarecidamente el documental ‘Music for the Movies: Bernard Herrmann’ que se puede ver íntegro (por partes) en YouTube.

Y de regalo, este concierto de la filarmónica de Los Ángeles con presentación de Tom Hanks:

En Spotify | Mi selección de Bernard Herrmann

En Blogdecine

• Las diez mejores bandas sonoras de Ennio Morricone
• Las diez mejores bandas sonoras de Jerry Goldsmith

• Las diez mejores bandas sonoras de John Williams

Con trabajos como este de Arev Manoukian para Spy Films, uno se pregunta si realmente van a ser así las películas del futuro. Una cosa es segura, te ahorras a un montón de gente a la hora de buscar localizaciones y crear escenarios, pero qué queréis que os diga, yo noto la falta de vida del conjunto. Como que no me lo acabo de creer. Aunque eso no me impide saborear la espectacularidad hiperrealista de un corto destinado a enaltecer los sentidos mientras demuestra un virtuosismo técnico arrollador.

Dos desconocidos, un hombre y una mujer, se miran durante un segundo, y con esa mirada comienzan a ocurrir una serie de cosas (que veréis si hacéis click en el play) con cámara hiperlenta, que extiende el tiempo de manera infinita, y nos hace alucinar con los avances de la técnica por ordenador. A continuación tenéis el making of. Aunque explicar, lo que se dice explicar, no explica demasiado.

Vía | Koi Koi Koi