Puede que a muchos les sorprenda ver ‘Antichrist’, la última película del gran Lars von Trier, en esta sección infinita de films ridículos —un día voy a tener que explicaros bajo qué parámetros elijo los films, pero es más divertido que lo adivinéis, mis queridos niños—, y es que dicha sección no está sólo para hablar de películas de bajo presupuesto, de blockbusters absurdos, o de films de evasión que no evaden ni a una piedra, no. También tendrán cabida ciertos pretenciosos títulos —más de uno ya está preparando el hacha, seguro—, de ciertos reputados autores —o no—, como es el caso. Y vaya por delante que el incluir ‘Antichrist’ aquí me duele más que a nadie, ya que soy pro von Trier de cabo a rabo.

Después de haber salido muy mosqueado del cine, y de leer detenidamente algunas de las críticas que le han dedicado varios medios al film, he hallado una reflexión muy apropiada por parte de Diego Salgado en su conciso texto sobre ‘Antichrist’, y cito textualmente:

todavía no hemos sido capaces de determinar si Anticristo es la obra de un genio, o la de un perturbado

He ahí el quid de la cuestión. El misterio que hay que desentrañar para sacar algo en limpio de lo que parece una tomadura de pelo por parte de alguien que además de prepotente, ahora nos quiere hacer partícipes de sus demonios interiores.

‘Antichrist’ narra la historia de una pareja, Ella y Él —aquí me imagino que no hablamos de una mujer y un hombre concretos, sino de todas las mujeres y todos los hombres, que cada cual se haga su propia gallarda mental, que para eso está cierto tipo de cine—, que tras la terrible pérdida de su único hijo, deciden irse a una cabaña en un bosque, donde recuperarse de las consecuencias de tan pesada pérdida. Eso, en apariencia, o en la superficie si se prefiere decir así. Y le llega, debajo no hay absolutamente nada que sea merecedor de ser mencionado. ‘Antichrist’ es la bobada de un genio en horas bajas —él mismo reconoció que la había filmado para salir de una fuerte depresión en la que se hallaba sumido—, una vil ida de olla, que subraya innecesariamente el egocentrismo del autor. Soy el mejor director del mundo, declaró en Cannes, y aquí tenemos el premio: una paranoia desagradable, que sin duda provocará merecidos rechazos.

Porque a Lars von Trier, en esta película, no le llega con provocar —lo cual no es nada malo, al contrario, la provocación en el arte despierta mentes dormidas—, además tiene que ser asquerosamente desagradable, vilmente explícito. Tras un excelente prólogo, filmado con un gusto increíble —y que nos remonta a los comienzos artísticos del director—, von Trier intenta adentrarse en los demonios de la locura a través del desesperante personaje femenino. De repente, cuando uno ya está harto de tanto jueguecito visual, y de tanta metáfora con bosques, animales y la madre que los parió, al artífice de ‘Dogville’ se le ocurre la brillante idea de cambiar de tono drásticamente, pero no con una intención concreta, o porque la lógica interna del relato lo requiera, sino porque le da la real gana. Porque sí y punto.

Del drama psicológico —realmente lo que pretende von Trier que sea— se pasa al cine de terror puro y duro, al horror más visceral, con connotaciones de posesión incluidas —lo que nos remontaría a ‘La posesión’ (‘Possession’, 1981) de Andrzej Zulowski, film con el que ‘Antichrist’ guarda algún parecido—, brujería, y hasta una investigación de ribetes policíacos, culminada por una orgía de lo desagradable, donde una amputación vaginal representa un fuerte sentimiento de culpa femenino que va más allá de lo meramente anecdótico —la muerte del niño—, instantes éstos en los que se nos descubre, a modo de flashback, la trampa argumental con la que von Trier juega todo el rato. Todo ello mientras no sabemos si reír o llorar. Hay quien asegura que a von Trier le ha salido con esta película una excelente comedia, y puede que razón no le falte, una comedia grotesca y absurda.

Sólo la labor de los actores merece ser destacada, aunque uno se pregunta qué narices vieron los implicados para sumergirse en un proyecto de semejante características —es probable que si von Trier te invita a una de sus películas, no se necesite nada más—. Willem Dafoe está excelente, pero se queda pequeño al lado de la verdadera estrella del film, Charlotte Gainsbourg, quien pone toda la carne en el asador para dar lo mejor de sí misma y más. Un tour de force brutal que alcanza momentos sublimes —la desenfrenada masturbación al pie de un árbol—, la desnudez total como actriz, dispuesta a todo, pero que lamentablemente no compensa los desvaríos del que se cree mejor director que nadie, que cuando está depre, quiere hacer a la humanidad partícipe de su estado de ánimo, y para ello tenga que declarar a los cuatro vientos que todas las mujeres son malas por naturaleza, que la culpa siempre es de ellas. Misoginia por un tubo conectado a esta especie de edén —no por casualidad la cabañita de marras se llama así— con sus muy particulares Adán y Eva. ¿Será por eso que no me dejan hablar en la Cope de esta película?

El cachondeo llega justo en su final, cuando se descubre que von Trier le dedica la película a Andrei Tarkovsky, el cual evidentemente no puede defenderse de tamaña ofensa. Es como si Michael Bay le hubiese dedicado una de sus películas a Howard Hawks, o Raoul Walsh, o John Frankenheimer. Para partirse.

Otra crítica en Blogdecine:

• ‘Anticristo’, los demonios de Von Trier

Scarlett Johansson es muy guapa, para qué vamos a engañarnos. No es el suyo un rostro fácil o típico, más bien al contrario. Hay quien dice que no es guapa, sino que resulta tremendamente atractiva a cámara. Pero además de guapa, es una mujer, y ella lo sabe muy bien, de explosiva sensualidad, que ha sabido explotar en algunas películas y en muchísimos actos públicos, a los que acude a veces resaltando su voluptuoso cuerpo, y casi siempre con un vestuario que le otorga algunos años más de los que verdaderamente tiene.

Estas dos características pueden fluctuar dependiendo de la película o el momento en que la retraten las cámaras, pero hay un consenso generalizado. Y creo que ahora mismo, son las únicas razones que justifican la gran fama mundial de una actriz que, en mi opinión, lleva demasiados años viviendo de las rentas. Sí, es cierto, no hay muchos papeles femeninos importantes en el cine, pero si ella no los consigue, no creo que haya muchas más que lo puedan hacer. ¿Qué fue de la virtuosa joven de mirada de ángel que nos subyugó a finales de los años noventa?

De Niña Actriz a Diva Erótica

Scarlett siempre supo que quería ser actriz. Dicen que desde los tres años, para asombro de sus amorosos padres. Y consiguió debutar profesionalmente a la temprana edad de ocho años. Pero fue en el teatro, y ella lo que quería era convertirse en una estrella de cine. A los nueve años llegó su primera película, dirigida por Rob Reiner, ‘North’, y la cosa fue bien a pesar de su temprana edad, pero durante algunos años tuvo que aceptar prácticamente cualquier cosa. A fin de cuentas era una niña actriz. Sin embargo tuvo la suerte de que un señor llamado Robert Redford se fijara en ella para un importantísimo papel en su quinta película como director.

‘El hombre que susurraba a los caballos’ no sólo es la mejor película de Robert Redford, sino que es una gran película. Y en ella Scarlett Johansson, con 14 años, borda la primera de las tres mejores interpretaciones de su ya larga carrera. Que con esa edad, y con tan poca experiencia, fuera capaz de sostenerse, de tú a tú, con el veterano Redford y con la maravillosa Kristin Scott Thomas, es una hazaña que quizá a simple vista no lo parezca. Pero más allá de eso, creo que la mejor de ese doloroso triángulo es precisamente Johansson, que sin apenas interpretar, tan solo con su mirada y su presencia, enamora al espectador.

A continuación pudo participar, en 2001, en sendas películas independientes, la absurda ‘El hombre que nunca estuvo allí’ y la irreverente y tierna ‘Ghost World’, aunque no había nada en esos pequeños papeles que aportaran algo a su carrera. Pero el 2003 iba a ser su año. En él verían la luz ‘Lost in Translation’ y ‘La joven de la perla’. Ese fue el inicio de su madurez como actriz, ya convertida en una bella muchacha de 18 años de enigmático rostro. La segunda era una preciosa pieza de época que explotaba el rostro casi mudo y anhelante de una etérea Johansson, en un papel perfecto para ella.

Pero, como habrá supuesto el lector, la de ‘Lost in Translation’ me parece la segunda de sus tres grandes interpretaciones. Se trataba de una aventura emocional de tremenda elegancia que buceaba en las posibilidades de un amor apasionado…pero casto, entre un hombre maduro y una jovencita. Un papel nada fácil, por mucho que se empeñen los numerosos detractores de esta cinta. En esta película Johansson era un dechado de belleza, de verdad, de sinceridad, de dulzura. Incluso aquellos a los que les gustó la película elogiaban su arrolladora, pero delicada, presencia.

Y finalmente, tras un año, 2004, repleto de proyectos intrascendentes, llegó en 2005 la mejor película que Woody Allen había dirigido en diez años, la magnífica ‘Match Point’, para la que Johansson interpretó un maravilloso papel, que iba a exigir de toda su habilidad. Y salió triunfante con creces. En este intenso relato de sexo y crimen, formaba una pareja explosiva con Jonathan Rhys Meyers. Ambos forman una de las parejas más apasionantes del cine moderno.

Con estas tres interpretaciones (de niña herida, de adolescente desorientada y de muchacha perdedora pero sensual), Johansson había demostrado talento y versatilidad, justo lo que le está faltando desde entonces. Además, hacían olvidar las pobres elecciones entre ellas. Ahora bien, el rápido aprendizaje como diva mundial ha ido acompañado de un rápido declive en la elección de sus papeles. Hablando en plata, la preciosa niña se ha convertido en una estrella mundial y en una diva erótica, y ha descuidado completamente su carrera.

Un rápido declive

Digamos que ya no es una niña, y tres papeles buenos entre dos docenas largas de trabajos no sostienen una carrera que se anunciaba tremendamente interesante. Desde ‘Match Point’, esta sensual actriz se ha estancado completamente. Sus dos siguientes papeles con Allen, no son sólo inferiores al primero, sino que está horrible (y muy poco atractiva en ambas, todo sea dicho). En ‘Scoop’ se limita a imitar al anciano director, y en ‘Vicky Cristina Barcelona’ está literalmente espantosa, muy poco creíble y sin la menor chispa.

Tampoco dos papeles que debieron ser importantes le han reportado nada. En la extraña ‘La dalia negra’ se limita a lucir tipazo. Exactamente igual que en la también extraña ‘The Prestige’. De pronto, una promesa del cine independiente, una actriz brillante, se convertía en una mera tía buena sin frase, en otra rubia en papeles postizos. No, sólo podía ser un espejismo. Pero después han llegado ‘The Spirit’ y ‘Las hermanas Bolena’, en las que confirmó que, si se empeñaba, era definitivamente una mala actriz. Eso sí, en ambas sale guapísima.

¿Y el futuro? Suena prometedor: ...será la Viuda Negra en ‘Iron Man 2’ (cuya primera parte aún no comprendo cómo hay gente que la considera una buena película). Es decir, otro papel para lucir tipazo, engrosar su cuenta corriente, y jugar a ser estrella de cine, y que pongan su foto en revistas y blogs para ganar ventas y lecturas. Sin embargo, lo que algunos queremos, es que vuelva esa maravillosa actriz que nos enamoró hace años. Todavía no es tarde. A fin de cuentas…¡sólo tiene 25 años! No será tan díficil…digo yo…

Ahora, en plena crisis mundial, cuando la piratería en Internet es una amenaza más grave de lo que se pensaba y, sobre todo, el cambio de mentalidad y la aparición de un nuevo espectador (más cómodo, con enorme facilidad de acceso a los contenidos de entretenimiento) ha provocado que el cine digital en tres dimensiones se postule, o más bien, se esté consagrando como el nuevo camino para mantener vigente y renovado el espectáculo del séptimo arte.

Sin querer profundizar en espesas disquisiciones, pero sin obviar que es una realidad que se está expandiendo, es necesario abrir los ojos al nuevo salvavidas del cine que es el 3D digital. La prueba más próxima y exitosa que evidencia la apuesta de las grandes majors por esta tecnología la tenemos en ‘Monstruos contra alienígenas’. Una película de animación en 3D que se ha estrenado este pasado fin de semana en Estados Unidos y que llegará a nuestras salas el próximo viernes. Film producido por Dreamworks que se ha gestado desde su planteamiento enteramente en 3D con el claro objetivo de ir allanando este camino y preparando al espectador para lo que se avecina.

Si miramos las cifras de la película en cuestión, apreciamos que ha recaudado más (aunque sólo ligeramente) en las salas donde se ha visto en 3D que en el resto. Y se reafirma que esta opción es rentable y ofrece un espectáculo distinto que atrae a numeroso público que resulta satisfecho, por lo general, y que repetirá.

Como sucediera en los años cincuenta, con la amenaza de la televisión y la huida de espectadores que buscaba la comodidad del salón en su casa, el cine, actualque malvive comprobando como Internet está transformando drásticamente las conductas, tiene que ofrecer algo nuevo para seguir siendo atractivo. Es más, añadiría que con el avance tecnológico de hoy, ver una película en un televisor de alta definición, muchas pulgadas y con un sonido digno, es una competencia mucho más dura de lo que fue entonces. Y más cuando el espectador se ha acomodado y accede a los contenidos de forma sencilla y sin moverse de la silla.

También, en una cuestión económica, el precio del cine se ha encarecido sin ofrecer nada mejor. Hoy día ver una película engloba el desplazamiento (casi todas las salas están en centros comerciales), aparcamiento, consumo de bebidas y palomitas y la entrada a una sala que no siempre resulta lo suficientemente buena. Para luchar contra ello, o mejor, para reconquistar al público, hay que ofrecer un plus, algo extra que no tenga competencia y con lo que no se pueda comparar. Y eso es el cine digital en tres dimensiones.

Así lo ven los más ávidos productores y cineastas de la talla de Peter Jackson, Steven Spielberg o, sin ir más lejos, a James Cameron que planea con su ‘Avatar’ sentar las bases de un nuevo concepto de cine en 3D de verdad y abrir, definitivamente, los ojos de los que aún recelan de ello. En el fondo es más que ofrecer una película con una imagen y un sonido magníficos, es en realidad ofrecer una experiencia espectacular, que hipnotice al espectador y que sea una sensación que difícilmente puede vivirse en el sofá de casa o en la pantalla del ordenador.

El paso ya está dado. Muchas son las producciones que ya nos llegan en este formato (y en el minoritario IMAX 3D) y más las que nos van a llegar en el futuro inmediato. El perfeccionamiento tecnológico está posibilitando que el cine en 3D poco o nada se parezca a experiencias de décadas anteriores y sea, de verdad, algo más que un mero anzuelo para captar espectadores.

El escollo principal con el que se topa el 3D es la reconversión de las salas para el nuevo sistema digital en este formato. Una inversión muy alta que los exhibidores no se pueden permitir en corto plazo con lo que está lloviendo en la economía mundial, pero que tendrán que plantearse cuando vean que las viejas salas se quedan cada vez más vacías.

Ya lo pregonó Jeffrey Katzenberg, copropietario de Dreamworks precisamente, afirmando que el cine en 3D es la nueva oportunidad para cambiar la experiencia de ir al cine desde la llegada del color. Y la mejor prueba de que al público le atrae y es muy rentable la tenemos en la citada ‘Monstruos contra alienígenas’, Pero que pronto podremos comprobar en la nueva adaptación a este formato de ‘Toy Story’ que Pixar ya ha anunciado. Y Disney no se queda atrás y además de ofrecer en el futuro nuevas producciones en 3D, también se apunta al carro de reestrenar grandes éxitos pasados en cine digital tridimensional con ‘La Bella y la Bestia’.

Los datos de 2008 ya demostraron que las películas en 3D generaron más ingresos en su fin de semana de estreno que otros de proyección convencional y todo apunta a que 2009 va a ser el despegue definitivo. Y el 3D llegará, no sólo al cine de animación o de ciencia ficción (géneros habituales de este tipo de cine), sino a todos los géneros.

El cine 3D es el nuevo camino. Sin duda. Ya no se trata de ponerse unas incómodas gafas de cartón, sino de una tecnología que permite concebir historias para ser exhibidas en este formato, ofreciendo un impresionante visionado, que los que lo prueban reconocen que no hay nada comparable.

Hay que estar atentos a los que nos viene: Tim Burton le está poniendo 3D a ‘Alicia en el País de las Maravillas’, Robert Zemeckis prepara el clásico de Dickens ‘Cuento de Navidad’ en 3D, el Tintín de Jackson/Spielberg, ‘Up’ y la nueva entrega de ‘Shrek’ y de ‘Ice Age’,...

Para hablar de Hayao Miyazaki hay que poner incienso y hacer las reverencias oportunas a uno de los más grandes realizadores de animación de la historia del cine. Su galardonada trayectoria le avala y su última película, ‘Ponyo en el acantilado’ llegará a las salas españolas el próximo 24 de abril, lo cual es una agradable noticia.

Nueva producción del Studio Ghibli, del que han salido algunas magníficas películas, y que tras su paso por festivales ha vuelto a demostrar que el realizador japonés Miyazaki sigue siendo un maestro. ‘Ponyo en el acantilado’ cosechó los más destacados elogios de todo lo exhibido en la pasada edición del Festival de Venecia, lo que hace crece la expectación de todos los aficionados a la animación en general y al cine de Miyazaki en particular, que en el plena era digital, retoma una historia con animación tradicional.

La película cuenta la historia de Sosuke, un niño de cinco años que vive en un acantilado y mientras juega en una playa rocosa se encuentra con una pececita de colores llamada Ponyo. Tras rescatarla por estar atascada en un tarro de mermelada, la guarda en un cubo y comparten fascinación mutua. Ponyo sueña con ser humana y no quiere regresar a su hogar, obligada por su padre, un hechicero del océano. Tras la imposición, Ponyo se escapa y se desata el caos, con enormes maremotos que envuelven al pueblo de Sosuke. Una historia de amistad, responsabilidad con el mar como escenario, que, aparentemente va destinado a niños, pero que necesariamente debería disfrutar todo tipo de público.

Vía | Aurum

Ya tenemos el (para mí genial) primer póster de ‘Where The Wild Things Are’, un título que quizá no os suene a muchos de vosotros, pero que hay que tener en cuenta de aquí en adelante, porque es el nuevo trabajo de Spike Jonze, director de ‘Cómo ser John Malkovich’ y ‘Adaptation: El ladrón de orquídeas’.

‘Where The Wild Things Are’ es una adaptación del clásico cuento para niños de Maurice Sendak, protagonizado por Max, un desobediente niño que es enviado a la cama sin cenar (castigo absurdo donde los haya, sin postre es otra cosa), que crea su propio mundo imaginario, un lugar poblado por feroces criaturas que le tienen a él como líder. El reparto está encabezado por Catherine Keener, Max Records, James Gandolfini, Angus Sampson, Forest Whitaker, Michelle Williams, Catherine O´Hara y Paul Dano.

Y ahora la mala noticia. La película se estrena en Estados Unidos el próximo mes de septiembre, sin embargo, en España no la podremos ver hasta diciembre. Lo de siempre, luego vendrán las quejicas por el pirateo o las salas vacías…

PD: El otro día pagué unos veinte euros para ver cierta peliculilla cuya crítica colgaré próximamente. Dos entradas, una bolsa de palomitas (tamaño medio) y un refresco (ídem). Si no fuera cine, ¿no lo consideraríamos una estafa?

Vía | Impawards

Ya anunciamos en las novedades de ‘Up’ que el cortometraje que acompañaría el estreno de la película de Pixar sería ‘Partly cloudy‘. La trama del cortometraje va a tener a las nubes como personajes principales, como podéis ver en la imagen que ha salido a la luz en Internet, donde se puede ver a Gus, el protagonista principal de la historia, junto a Peck, la cigueña que tiene Gus como socio. También está disponible la sinopsis de ‘Partly cloudy’, para irnos haciendo una idea de lo que nos encontraremos con esta película:

Todo el mundo sabe que las cigüeñas son quienes entregan los bebés. Sin embargo, debemos preguntarnos: ¿de dónde recogen los bebés? La respuesta está en la estratosfera, donde las nubes esculpen a los bebés y les traen a la vida. Gus es una solitario e inseguro cúmulo de color grisáceo, pero también es un maestro en la creación de bebés peligrosos. Cocodrilos, puercoespines, carneros y más – las queridas creaciones de Gus son obras de arte, algo más que un manojo para, Peck, la cigueña socio de Gus, y quien se encarga de entregar a los bebés a quien corresponda. Como las creaciones de Gus comienzan a ser cada vez más robustas, el trabajo de Peck se está volviendo cada vez más duro. ¿Cómo se gestionará Peck para manejar tanto su cargo como el fogoso temperamento de su amigo?

Vía | The Pixar blog

Con un comienzo fascinante arranca este ‘Aladdin’ (nombre anglosajón que al final se impuso al español Aladino de toda la vida, pero ya nadie la llama por otro nombre), con una bella canción que nos introduce en una atmósfera plenamente árabe, abracadabrante y de ensueño. Nos quiere fascinar y atrapar. Tanto es así, que en determinado momento la cámara vuela, y cruza rauda las calles de Agrabah, introduciéndonos en un sueño en el que todo es posible, con la clásica tonalidad anaranjada y púrpura que la tradición impone a las noches árabes. Nuestro narrador es un vendedor nómada, que además de intentar vendernos a nosotros, espectadores (la cámara se pega literalmente a su rostro), su material de derribo, nos regala los oídos con una historia de sobra conocida.

Los directores John Musker y Ron Clements, artífices de la maravilla de ‘La sirenita’, que comenzó esta breve pero dorada época para Disney, llegan con la lección bien aprendida, habiendo asimilado las virtudes de aquella, y aprovechando bien el avance, en muchos campos, que supuso la ambiciosa ‘La bella y la bestia’, de tal modo que un año después que aquella arremeten con una rotunda obra maestra, que hoy día se sostiene mejor si cabe que entonces, mezcla perfecta de fantasía, aventuras y comedia loca. Toda una joya que Disney puede estar bien orgulloso de atesorar.

Los directores, con la colaboración de los excelentes guionistas Ted Elliot y Terry Rossio (responsables de los excelentes guiones de aventuras de la trilogía de ‘Piratas del Caribe’, ‘Shrek’ y ‘La máscara del Zorro’, ahí es nada), armaron un guión de una perfección absoluta, que se atreve con un coraje y un ingenio casi ilimitados, a adaptar bastante libremente, aunque respetando sus temas y elementos primordiales, el clásico relato contenido en ‘Las mil y una noches’. Con mucha inteligencia, supieron dotar a un material tantas veces explotado de una modernidad que en lugar de traicionar su origen, lo enaltece, al mismo tiempo que se convierte en cuento absolutamente moderno.

Además, con una gran libertad de ideas, van introduciendo en la historia, gracias a la ayuda del omnipresente Genio de la lámpara, toda una serie de gags visuales que remiten al mundo moderno, con una osadía y una desvergüenza dignas de todo elogio. El resultado es espectacular, sin ningún género de dudas. Hasta tal punto que no sólo nos encontramos en 1992 con una joya del cine de animación, sino con una de las mejores comedias locas de la entera Historia del Cine, y no me tiembla en absoluto la picota al escribirlo.

A ese comienzo tan logrado, le sigue una sorprendente secuencia nocturna en el desierto, que tiene por protagonista al villano de la función, un inolvidable y siniestro Yafar, el Visir Real, que como Úrsula en ‘La Sirenita’ anhela el poder, y tiene un estupendo plan para conseguirlo: por supuesto la lámpara maravillosa. Para hacerse con ella, tiene que entrar en la Cueva de las Maravillas, cuyo acceso es una enorme cabeza pantera de pantera negra que sólo permite pasar a los que son puros de corazón (aquí tenemos el toque Disney, inevitable). La cabeza está parcialmente generada por ordenador, pero esta vez no es como en la anterior película comentada, la mejora es evidente.

Y no sólo ahí, sino en la alucinante, todavía no superada, quizá igualada tan solo por las realizaciones Pixar, secuencia de Aladino y su colega Abu en la cueva. Todo un alarde de mezcla de animación tradicional con 3D. Creo que aquí todo funciona a la perfección por la elección de la paleta de color, además de por la lógica mejora en la técnica. Auténtico ‘tour de force’ narrativo, este largo y magnífico momento de aventuras tiene la lógica influencia de los Indys de Spielberg, pero también de Michael Curtiz, y es que la reminiscencia a alguna leyenda del cine de aventuras de los cuarenta es incontestable.

El protagonista puede ser Aladino (o Aladdin, o como queráis llamarle), pero está claro que el rey de la función es un psicotrónico, inabarcable Genio de la lámpara. Entre ambos irá surgiendo una amistad que no cae demasiado en las consabidas blandenguerías sentimentales Disney. Tampoco la historia de amor entre Aladino y Jasmine, sobre todo porque ella es un personaje muy cuidado, tan fuerte o más que Aladino. A ella desde luego hay que conquistarla según sus normas, esto es: sin engaños ni chulerías de ningún tipo, siendo totalmente sincero. Jasmine es uno de los pilares de esta historia, tan capaz de dejar volar a sus pájaros para que puedan quedar en libertad (breve y emotiva escena), como de seducir a Yafar y besarle sensualmente con tal de que Aladino pueda acceder a la lámpara.

Pero lógicamente con quien todo el mundo se queda es con el Genio. El mejor número musical es el suyo (en una pletórica partitura musical con ecos de música negra y jazz), y su situación de esclavitud es un estupendo truco de guión, que además nos ayuda a empatizar con él. Como apunte final decir que prefiero, con mucho, la voz de Josema Yuste (del famoso dúo Martes y Trece) a la del sobrevalorado cómico Robin Williams. Escuchando a uno y otro se advierte una mayor variedad de registros en el intérprete español, una mayor espontaneidad y más credibilidad. Es que no hay color.

Gran Ciclo Disney en Blogdecine

Gran Ciclo Disney: ‘La sirenita’

Gran Ciclo Disney: ‘La bella y la bestia’

El galés Sheen sorprende que siendo un actor en alza, visto recientemente y con un soberbio trabajo en ‘El desafío: Frost contra Nixon’, vuelva a participar en esta saga y haciendo de fornido Lucian, o de hombre lobo rebelde en plan Espartaco. Su esfuerzo por aportar al personaje algún matiz interpretativo que lo destaque queda diluida por las escasas posibilidades de un papel plano y arquetípico, con algunos diálogos del todo absurdos.

Y por otra parte, la excusa para la existencia de esta tercera entrega es la de explicar a los millones de fans de la saga, el origen de los enfrentamientos entre dos razas odiadas. Un viaje al pasado, al tiempo de los castillos y las espadas, que intenta dar la clave para entender la eterna disputa entre ambos. Sin embargo, esta inmersión en el pasado de ambientación gótica y con el mismo cromatismo oscuro y azulado que han caracterizado las entregas de ‘Underworld’, es tan simple, que apenas queda dilucidada en los primeros minutos.

Un amor entre Sonya y Lucian, entre una vampira guerrera de silueta estilizada y larga cabellera negra, hija del gobernante de los aristocráticos vampiros, y un hombre lobo llamado a ser especial, a querer alejarse de la bestia de su interior, para reivindicar sus derechos y acabar con la esclavitud a la que los vampiros los tienen sometidos. Una relación del todo inapropiada para el buen devenir de los acontecimientos, que acaba en batalla primero y en una guerra de horizontes desconocidos después.

El privilegio de Lucian como favorito de Viktor, el estoico gobernante (villano correctamente interpretado de nuevo por Bill Nighy), se acaba en el momento que su relación son Sonya es descubierta y la crueldad y tiranía de Viktor deviene en el detonante de un odio sangriento.

En ‘Underworld: La rebelión de los licántropos’ la acción es la protagonista, y las luchas a espada y ballesta se multiplican, ensombreciendo a los personajes secundarios, verdaderas marionetas que apenas se les saca algún partido, y que podrían haber ahondado algo más en el origen de la rebelión de los Lycans. Sin embargo, el espectáculo manda y los efectos especiales se afanan por sorprender. Desgraciadamente, el montaje caótico y la desaprovechada creación digital, denotan una puesta en escena demasiado confusa en las secuencias de acción, poco original, sin emoción y que no aporta nada nuevo a la saga, como cabría esperar.

Además, de una historia sin originalidad alguna y del todo previsible (aunque tiene el handicap de que su final es conocido), ya no tenemos la suerte de ver a Kate Beckinsale embutida en el apretado atuendo de cuero negro de Selene, sin duda un enorme atractivo de ‘Underworld’. Ahora encontramos a Rhona Mitra, que si bien demuestra ser una atractiva vampira curvilínea, carece del encanto de Kate. Eso sin olvidar que al frente de la realización está el desconocido e inexperto Patrick Tatopoulos (Len Wiseman rehusó la dirección), hasta ahora uno de los responsables de las criaturas de la saga, que entierra cualquier posibilidad de enfrentamientos dialécticos en pos de la lucha a espada, cosa que por otra parte cabía esperar.

‘Underworld: La rebelión de los licántropos’ está llena de violencia, de escenas sangrientas, decapitaciones, carbonizaciones y se explota con profusión algunas torturas (que recuerdan demasiado al gore que Gibson ofreció en ‘La Pasión de Cristo’). Quizás en un intento de demostrar la crudeza del nacimiento de la confrontación entre vampiros (cuyos ojos de azul chispeante se tornan normales sin aparente motivo) y hombres lobo (que poseen la capacidad de convertirse en bestias chillonas a su antojo).

Lo cierto, es que al menos el ritmo y la concatenación de la acción no decae durante el metraje, las luchas a espada dan mucho juego, aunque nos hagan olvidar que se tratan de vampiros con colmillos y hombres lobo de fauces poderosas. Tatopoulos abusa de la sombría fotografía, que resulta algo cansina pero eficiente para ocultar efectos digitales no especialmente brillantes, y se aproxima estéticamente a la trilogía de los anillos, para un relato de tintes medievales que viaja al pasado a golpe de espada sin demasiada brillantez, pero ofreciendo lo que se esperaba.

Aún quedan cuatro meses para el estreno de ‘Harry Potter y el misterio del príncipe’, pero el rodaje de ‘Harry Potter y las reliquias de la muerte’ ya nos deja unas primeras imágenes que, sin duda, interesarán a los numerosos fans de la saga. Hace nada apareció y circuló por la red una primera foto, pero no quise comentarla aquí porque se veía fatal. No han tardado en salir más y con mejor calidad, así que ahora sí, aquí os las dejo, por si queréis echarles un vistazo. Básicamente, se ve a Daniel Radcliffe como Harry Potter en un bosque, sosteniendo la varita de Hermione (o al menos eso dicen). El jersey le queda un poco grande, ¿no?

‘Harry Potter y las reliquias de la muerte’ es la adaptación cinematográfica del séptimo y último libro de la famosa saga escrita por J.K. Rowling. A pesar de que la obra no tiene más páginas que otros ya adaptados, la película se estrenará en dos partes, una en noviembre de 2010 y la otra dentro de dos años, en julio de 2011. A los productores se les acaba el chollo y no quieren perder la oportunidad de explotar al máximo la última película de Harry Potter. Qué raro suena, ¿eh? La última. No más Harry Potter. Al menos, por el momento. Nunca se sabe.

Comentar por último que el británico David Yates también dirige esta ‘Harry Potter and the Deathly Hallows’ (partes I y II), tras haberse encargado de las dos anteriores, ‘The Order of the Phoenix’ y ‘The Half-Blood Prince’. De este modo, ningún director más pondrá las manos en la serie, a pesar de los insistentes rumores que situaban a gente como Steven Spielberg, Tim Burton o M. Night Shyamalan al frente de la última película. Para mí, una triste noticia.

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PD: Daniel Jacob Radcliffe Gresham nació el 23 de julio de 1989.

Vía | BlogHogwarts

Una cosa está clara: la factoría Disney tiene algo. Una fórmula secreta con la que animar sus ficciones, parecida a una alquimia intransferible, marca de la casa. Existen estilos dispares, alguno incluso más espectacular, pero el estilo Disney es inimitable, y ha alcanzado cotas de gran perfección. Ahora bien, hay otra cosa que está clara, no siempre Disney está a la altura de su leyenda, esa que forjó en los años 40 y 50. Y, cosa curiosa, el público no le suele perdonar las meteduras de pata. De hecho, suelen castigar (económicamente hablando) títulos insostenibles.

A unos años 70 muy grises, siguieron unos 80 bastante irregulares, donde lo más interesante (‘Basil, el ratón superdetective’, por ejemplo) era innegablemente menor, si pensamos en logros pasados. Parecía que Disney se había convertido, de forma irrevocable, en una productora sin ambición, cuyo mayor éxito era sobrevivir. Sin embargo llegó un pequeño/gran milagro en 1989, el estreno de ‘La sirenita’, dirigida por John Musker y Ron Clements, autores también del guión que adaptaba de manera sorprendente el cuento de hadas de Hans Christian Andersen. De pronto, Disney tomaba el pulso de los tiempos con una historia refrescante, ingeniosa y conmovedora. Qué gran sorpresa.

Puede que haya quien minimalice el alcance de esta pequeñita obra maestra, pero no soy uno de ellos. Yo más bien quiero calcular hasta qué punto inició una etapa, corta pero apasionante, que voy a bautizar Gran Ciclo Disney, y que duró cuatro maravillosos títulos, desde 1989 hasta 1994, y que con la excepción de ‘Los rescatadores en Cangurolandia’, forman un cuarteto admirable, que crece sobre sí mismo, tocando los mismos temas, más o menos, y desarrollando un discurso paralelo que se va enriqueciendo una a una. Y todo empezó con la tierna historia de una adolescente un tanto boba y romanticona, que soñaba con conocer mundo y enamorarse de un hombre.

Nada más empezar nos introducimos en un ambiente marinero y místico, donde todo es posible. Y nos introducimos porque la puesta en escena, la música de Alan Menken (con un estupendo tema marino cantado), la breve pero inteligente mención (por mucho que suene a superstición) de un marinero acerca del mundo de las sirenas, y la preciosa transición del pez que escapa y regresa al mar (echando un suspiro de alivio), da pie a los títulos de crédito que suceden mientras pasan unas hermosas imágenes de ballenas y corales, relevadas por docenas de siluetas de sirenas y sirenos. De ahí tenemos la fastuosa presentación del rey Tritón, soberano del mar, y por último la graciosa aparición del cangrejo Sebastián y la presentación, por omisión, de Ariel.

Enseguida empatizamos con la joven sirena, y con su insaciable curiosidad por viajar y experimentar la vida más allá de las fronteras de su propio reino, que resulta para ella tan aburrido. Está tan fascinada con el mundo exterior, que colecciona tesoros (o al menos para ella son tesoros) que ha ido recolectando en pecios de los hombres, muchas veces jugándose la vida. He aquí a un personaje bien definido, y con pocos y rotundos trazos, que sabe lo que quiere (o al menos, lo que no quiere) y que va decidida a por ello. Con ella, Disney inaugura un tratamiento más psicológico de sus personajes, que buscan cosas que les afectan emocionalmente, y por las que pueden llegar a jugarse tontamente la vida.

Pronto conocerá, como si fuera un destino inapelable (y eso es detalle de guión bien construido, donde las trampas se diluyen ante la rotunda fluidez de lo contado y la forma de contarlo), al príncipe de ojos azules, mandíbula cuadrada y corazón indeciso, y todos sufriremos como unos enanos porque la tiene delante (aunque muda) y busca a la dueña de su voz en otros rostros. Los cineastas captaron a la perfección el fondo trágico del gran cuento original, y supieron dotarle de un humor y un toque siniestro que complementan perfectamente la historia.

Así, tenemos a esa cruel y astuta Úrsula, una vengativa pulpo, que da cuerpo al villano de turno, que intentará aprovecharse de la ingenuidad de la hija de Tritón. También tenemos a Sebastián, el gran personaje secundario del filme, que en su seriedad resulta un alarde de comicidad. Y otros secundarios muy serios o muy cómicos. La progresión dramática es imparable, y el climax lo suficientemente intenso y sorprendente. De forma muy convincente se dio con una fórmula que han seguido explotando en esa casa con mayor o menor fortuna durante una docena de películas. Algunas la mejoraron, pero esta fue la primera.

Como apunte final, debo confesar que prefiero mucho antes el doblaje sudamericano, por sorprendente que pueda parecer, al posterior español que grabaron algunos años más tarde. No es sólo que el personaje de Sebastián gana muchísimo con su voz de acento cubano, sino que todas las voces me parecen más elegantes, más sutiles, más dulces o terribles. Debe ser una manía mía, pero este es un caso excepcional, pues no me sucede con ninguna otra. Lo que son las cosas.