• ‘Avatar’

Dirección y guión: James Cameron. País: USA. Año: 2009. Duración: 150 min. Género: Acción, ciencia-ficción, fantástico. Interpretación: Sam Worthington (Jake Sully), Zoe Saldana (Neytiri), Sigourney Weaver (Dra. Grace Augustine), Michelle Rodriguez (Trudy), Giovanni Ribisi (Selfridge), Joel David Moore (Norm), C.C.H. Pounder (Mo’at), Wes Studi (Eytukan), Laz Alonso (Tsu’Tey), Stephen Lang (coronel Quaritch), Matt Gerald (Lyle). Música: James Horner.

Sinopsis: Jake Sully, un ex marine confinado a una silla de ruedas, es reclutado para viajar a años luz, a un puesto humano en el planeta Pandora, donde un consorcio corporativo está extrayendo un mineral que será clave en la solución de la crisis energética de la Tierra. Debido a que la atmósfera de Pandora es tóxica, han creado el Programa Avatar, en el que “conductores” humanos tienen sus conciencias unidas a un avatar, un cuerpo biológico controlado de manera remota que puede sobrevivir en ese entorno. Estos avatares han sido creados genéticamente como híbridos combinando ADN humano con el de los nativos de Pandora… los Na’vi. Convertido en un avatar, Jake puede volver a caminar. Se le asigna la misión de infiltrarse entre los Na’vi, que se han convertido en un obstáculo importante para la extracción del preciado mineral. Pero una hermosa mujer Na’vi, Neytiri, le salva la vida, y esto lo cambia todo.

¿Qué podemos esperar? La película de la década, según algunos; la gran decepción del año, según otros. Un gran espectáculo en 3D, seguramente, con una historia de amor entre un humano y una alienígena a lo ‘Titanic’ (personalmente, espero que no sea tan ñoña), y un mensaje ecológico muy apropiado en este momento. Es el estreno de la semana.

• ‘Donde viven los monstruos’

Título original: Where The Wild Things Are. Dirección: Spike Jonze. País: USA. Año: 2009. Duración: 101 min. Género: Aventuras, fantasía, drama. Interpretación: Catherine Keener (madre), Max Records (Max), Mark Ruffalo (novio), Lauren Ambrose (voz de KW), Chris Cooper (voz de Douglas), James Gandolfini (voz de Carol), Catherine O’Hara (voz de Judith), Forest Whitaker (voz de Ira), Paul Dano (voz de Alexander). Guión: Spike Jonze y Dave Eggers; basado en el libro de Maurice Sendak. Música: Karen O. y Carter Burwell.

Sinopsis: La película cuenta la historia de Max, un niño travieso y sensible que se siente incomprendido en casa y se escapa a un lugar donde viven los monstruos. Max aterriza en una isla donde se encuentra con misteriosas criaturas, cuyas emociones son tan salvajes e imprevisibles como sus acciones. Los monstruos buscan desesperadamente un líder que les guíe, igual que Max desea un reino que gobernar. Cuando Max es coronado rey, promete crear un lugar donde todo el mundo sea feliz. Sin embargo, pronto se da cuenta de que gobernar su reino no es una tarea tan fácil y que sus relaciones allí resultan ser más complicadas de lo que pensó al principio. “Donde viven los monstruos” se basa en el cuento escrito e ilustrado por Maurice Sendak.

¿Qué podemos esperar? Éxito de taquilla y de público en Estados Unidos, la nueva película de Spike Jonze (‘Cómo ser John Malkovich’) promete ser un tierno y precioso cuento sobre la infancia. Según el director, Sendak siguió de cerca el proceso y le prohibió ser blando con la historia de Max. Si no te va el 3D, y pasas de toda la expectación creada en torno a los pitufos de James Cameron, ésta es tu película este fin de semana. En cualquier caso, siempre puedes hacer sesión doble…

• ‘Singularidades de una chica rubia’

Título original: Singularidades de uma rapariga loura. Dirección: Manoel de Oliveira. Países: Portugal, Francia y España. Año: 2009. Duración: 64min. Género: Drama, romance. Interpretación: Ricardo Trêpa (Macario), Catarina Wallenstein (Luisa), Diogo Dória (Francisco), Júlia Buisel (doña Vilaça), Leonor Silveira, Maria-João Pires, Maria Burmester, Luís Miguel Cintra, Glória de Matos, Filipe Vargas. Guión: Manoel de Oliveira; basado en un relato de Eça de Queiroz. Producción: François d’Artemare, Maria João Mayer y Luis Miñarro.

Sinopsis: A los pocos días de empezar a trabajar como contable en la empresa de su tío, Macario se enamora locamente de una chica rubia que vive en el edificio de enfrente. Nada más conocerla quiere casarse con ella. Su tío se opone firmemente a esa unión y, al no poder hacerle cambiar de parecer, le despide y le echa de su casa. En la calle y sin trabajo, Macario se ve obligado a aceptar un trabajo en Cabo Verde, donde consigue hacer fortuna. Cuando finalmente consigue la aprobación de su tío para casarse, Macario descubre las “singularidades” de su prometida.

¿Qué podemos esperar? El nuevo trabajo del director portugués más famoso del planeta, que cuenta ya con la friolera de 100 años a sus espaldas. Cien Años y rodando películas. Increíble. Su nuevo film tiene una historia que evidentemente no suena a nueva, pero puede resultar entretenida y emocionante, si los actores ponen todo de su parte. Una opción estupenda para los que huyan de la invasión de los gigantes azules.

• ‘Toda la culpa es de mi madre’

Título original: Quelque chose à te dire. Dirección: Cécile Telerman. País: Francia. Año: 2009. Duración: 100 min. Género: Comedia dramática. Interpretación: Mathilde Seigner (Alice Celliers), Olivier Marchal (Jacques de Parentis), Pascal Elbé (Antoine Celliers), Charlotte Rampling (Mady Celliers), Patrick Chesnais (Henry), Sophie Cattani (Annabelle), Gwendoline Hamon (Valérie), Laurent Olmedo (Christian). Guión: Cécile Telerman y Jérôme Soubeyrand. Música: Jacques Davidovici.

Sinopsis: La familia Celliers es como todas las familias, todos sus miembros están locos de atar. Mady, 60 y pico años, se pasa la vida hablando mal de sus dos hijas y de su marido Henry, un hombre extraño que parece estar en franca regresión desde que se ha jubilado. Antoine, el hijo mayor, es un perdedor nato; su hermana Alice, una pintora obsesiva, y Annabelle, una enfermera que intenta salvar a su familia prediciéndole el futuro. Pero todo cambia cuando Alice conoce por casualidad a Jacques, un policía solitario y de vuelta de todo, que será el grano de arena que detendrá la maquinaria perfectamente engrasada de las neurosis familiares.

¿Qué podemos esperar? La visión de la directora de ‘¿Por qué las mujeres siempre queremos más?’ sobre la felicidad y la tristeza dentro de una familia burguesa francesa. Podemos encontrar una historia divertida sobre una familia, en el mejor de los casos; o quizá un tostón con personajes inverosímiles, con la excusa de que en todas las familias hay gente rara. Una opción imprescindible para los espectadores más refinados, que pasan de alienígenas, monstruos y chorradas de Hollywood.

• ‘Ich bin Enric Marco’

Dirección y guión: Santiago Fillol y Lucas Vermal. País: España. Año: 2009. Duración: 90 min. Género: Documental. Producción ejecutiva: Oriol Maymó y Víctor Font. Fotografía: Marc Gómez del Moral. Montaje: Cristóbal Fernández y Sergi Díez. Distribuidora: Intermedio. Estreno en España: 18 Diciembre 2009.

Sinopsis: El ex presidente de la principal asociación española de deportados, Enric Marco, emprende un viaje desmitificador hacia su pasado, un viaje en coche a Alemania. Dos años antes, un historiador demostró que Enric Marco no era quien decía ser y que las experiencias del campo de concentración relatadas durante años en televisión eran inventadas.

¿Qué podemos esperar? Un documental sobre un tipo que dijo muchas mentiras. No está mal, hay historias peores. Si pasas del 3D y te aburre el cine en general, puedes probar este plato.

Vía | LaButaca

Seguimos con las entrevistas sobre ‘Up’, una de las mejores películas del año. Tras dejaros lo que nos contaron el director Pete Docter y el productor Jonas Rivera, a continuación tenéis las declaraciones de Bob Peterson, co-director de la película y la voz de uno de los de los protagonistas, Dug, el perro parlante. De nuevo, todo se desarrolló con una extraña mezcla de “alta seguridad” y “muy buen rollo”; en cuanto a Bob, creo que os resumo más o menos su personalidad diciendo que es ese tipo que todo niño querría tener en su familia. Ojo a la camisa.

• ¿Cuándo empezó tu participación en ‘Up’?

Yo había acabado mi trabajo con ‘Buscando a Nemo’, y Pete, con el que había colaborado en ‘Monstruos S.A.’, estaba pensando en un nuevo proyecto y me propuso trabajar con él. Me contó la idea de una emocionante historia protagonizada por un hombre mayor, y el reto me pareció fantástico. Empezamos a pensar cómo convertir a este viejo en un héroe de acción. Pete tenía también la idea de estos globos, que eran algo así como todas esas cosas que se escapan, todas esas experiencias pasadas u oportunidades perdidas. ¿Qué buscaba este personaje, qué ha perdido y qué debe encontrar? ¿A dónde puede ir? Estuvimos trabajando mucho sobre todo esto.

• ¿Cómo pensasteis que el público iba a identificarse con este viejo Carl? Es un protagonista muy inusual.

Pensamos que la clave era la relación con nuestros abuelos. El público vería a sus abuelos reflejados en Carl y se sentirían interesados por la trama. También pensamos en hacer su historia cruda y verdadera, ya sabes, que se viera que su vida era realista, que estaba al final y estaba enfadado con todo. Fue un riesgo. Creo que al final, cuando está más alegre y hace todas esas cosas, funciona y lo sientes porque antes lo hemos visto amargado y enfadado, al principio. Ésa era nuestra esperanza.

• ¿Cuándo surgieron los otros personajes, el niño, el perro y el pájaro? ¿Fue para darle más humor?

Bueno, necesitábamos crear una historia con humor, claro, y aunque sabíamos que podíamos hacer divertido a Carl, también teníamos la idea desde el principio de darle una nueva familia, con los que poder relacionarse y que se crearan situaciones. Así que a lo largo de la película tiene a su nieto, su perro familiar y… un pájaro [risas]. Los abuelos suelen tener pájaros. Pero todo se basaba en darle una familia y que él la aceptara, para poder seguir adelante con su vida.

• Y tú eres la voz de Dug.

Sí, yo soy la voz del perro. Dug era mudo al principio. No iba a hablar, porque ya teníamos a Russell. Pero cuando llegan a Sudamérica, y tienen que hacer todo este viaje con los dos animales, nos dimos cuenta que necesitábamos que alguien más hablara, y aunque es una idea increíble que un perro hable, creo que dimos con una buena solución.

• ¿Cómo se decidió que serías la voz de Dug?

Bueno, yo ya había sido la voz de varios personajes. Empecé siendo la voz de Geri en ‘Geri´s Game’, fui Roz en ‘Monstruos’ y Ray en ‘Buscando a Nemo’. Mi amigo Joe Ranft, ya fallecido, me dio la idea, era genial contando historias y le gustaba inventar voces para los personajes. Cuando estábamos escribiendo y desarrollando a Dug, empecé a decir sus frases y a John Lasseter le gustó cómo sonaba, y me dijo que debería seguir haciéndolo en la película. Básicamente, cuando hablo como Dug, es como cuando hablo con mis perros. Me encantan los perros. Cuando voy a casa y los veo siempre les hablo así. Y luego muchas de las frases se me ocurrieron simplemente observándolo, como cuando se queda quieto de pronto y dice: “¡ardilla!”. También quisimos que Dug tuviese su particular forma de hablar, ya sabes, que no fuese una forma normal, que pudiera ver a alguien y decirle “te quiero”, cuando apenas lo acaba de conocer.

• Y la hija de Pete Docter es la voz de Ellie, siendo niña.

Sí, exacto, y al igual que en mi caso, no era lo que estaba previsto. Grabamos su voz para tener algo con lo que empezar a trabajar, con la idea de buscar luego a una actriz que se hiciera cargo del personaje, pero nos dimos cuenta que sus frases sonaban tan naturales… Quiero decir, no era para que empezara su carrera una Hollywood [risas]. Simplemente, lo hacía genial, muy natural, y decidimos dejar no buscar más.

• En otros estudios recurren constantemente a grandes estrellas para las voces de sus personajes. Parece que en Pixar esto da igual.

Ésa es una de las trampas en las que caen los demás, creo yo, se preocupan más en vender el producto que en contar mejor la historia. Cuando pensamos en la voz de un protagonista, nosotros buscamos un equilibro. Con Ed Asner dando voz a Carl teníamos ese tono gruñón, pero también su forma divertida de hablar, cuando fuera necesario. Buscamos ese tipo de equilibrio. Si los actores son famosos, estupendo, y si no lo son, también nos vale. Porque si no son famosos, el público puede relajarse y escuchar mejor a los personajes, no estar pendiente de si es la voz de Jim Carrey, o el que sea.

• ¿Cuándo empezáis a pensar en los actores para cada personaje?

Desde el principio, muy pronto. Lo discutimos, vemos todas las opciones que se proponen, y poco a poco vamos llegando a un acuerdo sobre quién debe poner la voz a cada personaje. A lo mejor estás viendo la televisión y ves a alguien que resulta que sería perfecto para la película. Luego los llamamos y les contamos qué tendría que hacer, cómo es la historia… Con Asner nos pasó algo gracioso, y es que vino aquí a hablar sobre ‘Up’, antes de firmar nada, y se quedó mirando una de estas figuras de Carl que teníamos sobre la mesa, hecha a mano, y dijo, con esa voz gruñona tan característica suya: “¡No se parece en nada a mí!”. Pete y yo nos miramos riendo, y nos dijimos: “Es perfecto” [risas].

• ¿Por qué cree que están teniendo tanto éxito las películas de Pixar?

Bueno, creo que es porque creemos muy firmemente en estas historias, y porque trabajamos en equipo, nos ayudamos mucho. Así que si el director se pierde, siempre podemos ayudarle los demás. En este caso, Pete es un tío genial, muy inteligente, y ha puesto mucho de sí mismo en la película. También hay partes de otros de nosotros, hay algo mío en ella. Nosotros siempre intentamos mantener un equilibrio emocional durante todo el viaje, para que el espectador siempre esté pegado al personaje. El humor también es fundamental, para contar una historia. Pero siempre nuestra intención es emocionar al espectador con algo verdadero, algo que nosotros sentimos y tratamos de trasladar a la película.

PD: Todavía quedan las entrevistas a Ronnie del Carmen y Enrique Vila, pero antes os dejaré otra que he podido hacer recientemente a uno de los directores de ‘Planet 51’.

La actriz Brittany Murphy ha muerto este domingo. Al parecer, un fulminante ataque al corazón ha acabado con su vida, a la temprana edad de 32 años. Murphy se encontraba en su hogar cuando ocurrió, y aunque fue llevada al hospital Cedars-Sinai Medical Center de Los Angeles, llegó ya sin vida, no pudieron hacer nada para reanimarla.

Una terrible noticia sobre la que cuesta decir nada. Era una chica muy guapa, y todavía muy joven, a la que le quedaba muchísimo por dar. Seguro que todos la reconocéis, la habréis visto en alguna película. Participó en varias películas de éxito, como ‘8 millas’, ‘Recién casados’, ‘Sin City’ o ‘Happy Feet’. Irónicamente, las mejores críticas que recibió fueron por su papel en el drama independiente ‘The Dead Girl’, once años antes de comenzar a ser un rostro popular, gracias a su trabajo en la comedia ‘Clueless: Fuera de onda’.

Se acaba el año y se nos va otra actriz.

Descansa en paz, Brittany.

Vía | Tmz | Gracias a todos los que nos habéis avisado.

Hace unas semanas llegaron a nuestra cartelera dos películas que afrontaban el tema del fin del mundo desde dos ópticas muy distintas. Por un lado, la superproducción hollywoodiense, de presupuesto excesivo, firmado por un conocido director y lleno de estrellas. Por otro, un cine más independiente, menos acaparador y más modesto, con rostros no tan conocidos, y dos directores arriesgando más. En una, se pretende asombrar al espectador mediante un despliegue de efectos visuales abrumador, y en la otra se consigue narrando una historia sencilla de corte íntimo, y con personajes interesantes. Una se olvida inmediatamente, la otra, sin ser una genialidad, permanece en el recuerdo como una agradable serie B realizada en medio de una invasión de films megaespectaculares sin sentido alguno. Me refiero, cómo no, a ‘2012’, la última bobada de Roland Emmerich, y a ‘Infectados’, la ópera prima de los hermanos Álex y David Pastor.

El argumento al que ambas se enfrentan no es nada nuevo. En infinidad de films de Sci-Fi de los años 40 y 50, se jugueteaba a menudo con la idea del fin de la humanidad, dando lugar a una serie de títulos con tramas a veces delirantes, pero muchas de ellas narradas con una sobriedad, que aquí sólo se ve en uno de los dos casos. En cierto modo, ‘2012’ e ‘Infectados’ parecen ser una especie de homenaje a aquellos viejos títulos, narrando al espectador las posibles consecuencias para el ser humano del fin de la vida tal y como la conocemos. Y mientras una nos la creemos, la otra es un disparate que toma al espectador por tonto.

Dice mi compañero Juan Luis Caviaro en su crítica de ‘2012’ que ésta era la última película de Roland Emmerich que veía, que no le daría más oportunidades. Lo cierto es que es para considerarlo así, ya que después del despropósito de ’10.000’, nadie habría sido capaz de imaginar que Emmerich fuese capaz de repetir la misma jugada de cine idiota. Porque ‘2012’ es una idiotez, llena de personajes que no nos importan lo más mínimo, a los que vemos atravesar las situaciones más imposibles jamás expuestas en una pantalla, en las que brillan unos asombrosos efectos visuales, que desgraciadamente no hacen más que empeorar la situación. El espectáculo debe estar al servicio de la historia, no sobrepasarla. Emmerich, que tal vez debería dejar de escribir guiones tan exagerados, se pliega a las demandas del actual público, en detrimento del verdadero espectáculo. Con la falsa idea de cuanto más grande, mejor, el director de ‘El día de mañana’ —film con el que ‘2012’ guarda paralelismos, aunque aquella está mucho mejor— confunde de nuevo aparatosidad con espectacularidad. Un bombardeo de imágenes generadas por ordenador que buscan atontar al público, los árboles que no dejan ver el bosque.

‘Infectados’ opta por todo lo contrario, con resultados mucho más terroríficos. Si Emmerich pretende asombrarnos ofreciéndonos toda una vorágine de grandilocuentes escenas en las que vemos volcanes explotando, ciudades derrumbándose, terremotos, incendios, y olas gigantescas, los hermanos Pastor consiguen más que eso con mucho menos. Una sencilla carretera solitaria, un paisaje desértico en que se respira la muerte, llegan para atemorizarnos, para tomarnos en serio la historia. Pero además de eso, ‘Infectados’ posee personajes que llegan a importarnos, cosa que en el film de Emmerich, a pesar de poseer un buen reparto, no sucede. En ambas películas, los personajes son tópicos vistos mil veces, pero mientras en el film de los españoles éstos tienen aristas, en el caso de ‘2012’ son esquemas básicos sin personalidad.

Álex y David Pastor muestran una historia con coherencia, exponen a su personajes a situaciones auténticas, en las que se indaga en la psique de los mismos. El acercamiento al personaje es real, y por eso cuando algunos van desapareciendo, sentimos la pérdida, pues hemos llegado a conectar con ellos. En ‘2012’ llega un momento en el que deseamos ver la muerte de alguno de ellos, porque al fin y al cabo, casi todos son o unos superhombres, o la gente con más suerte en el planeta Tierra. Uno que ha tomado unas pocas lecciones de vuelo, y que se convierte en un experto piloto, otro que conduce limusinas sorteando coches, agujeros enormes, puentes, atravesando edificios que se caen, y poniendo cara de que no pasa nada. En ‘Infectados’ los personajes sufren el drama, en ‘2012’ no se ve sufrimiento alguno a pesar de estar experimentando el fin del mundo.

Emmerich atiborra su film de actores conocidos por la gran audiencia —siguiendo la moda que empezó en los lejanos 70 con películas como ‘Aeropuerto’ (‘Airport’, George Seaton, 1970) o ‘La aventura del Poseidón’ (‘The Poseidon Adventure’, Ronald Neame, 1972)—, y muy solventes. La pena es que están todos muy desaprovechados, sobre todo por ponerles al servicio de una historia sin pies ni cabeza. John Cusak, como escritor y padre fracasado que se convierte en un héroe, paladín de que la familia unida jamás será vencida, Amanda Peet como ex-esposa cegata, Danny Glover como imposible presidente, Oliver Platt como semivillano, Woody Harrelson como loco —personaje en el que la película se para demasiado tiempo para no contar nada—, y Chiwetel Ejiofor y Thandie Newton como buenazos defensores de los verdaderos principios del ser humano. A los hermanos Pastor les llega con un muy efectivo y carismático Chris Pine, y una Piper Perabo que non destaca, pero cumple, aunque ‘Infectados’ se ve afectada por la nula interpretación de Lou Taylor Pucci, incapaz de sostener un personaje vital en la trama.

En ‘2012’ todo es exposición. Las causas del fin del mundo son explícitamente explicadas para que el espectador lo tenga todo mascadito. En ‘Infectados’ el fin de los tiempos viene en forma de epidemia, y no necesitamos saber el origen, nos llega con las consecuencias, y de cómo todo afecta al comportamiento del hombre. En ese aspecto, ‘Infectados’ llega más lejos, la esperanza viene en forma de casa cerca del mar, único vestigio de una vida sana y feliz. ‘2012’ en cambio tiene que realizar una carambola final, en forma de Arcas de Noé, surcando mares con esperanzador horizonte, en lo que parece una broma de precuela de ‘Waterworld’.

Dos películas, un mismo tema. Una demuestra que no se necesitan grandes presupuestos para hacer buen cine, y el tema cala más en el espectador. La forma es el fondo.

Otras críticas en Blogdecine:

• ‘2012’, el espectáculo
• Sitges 09 | Octava jornada (I) | ‘Infectados (Carriers)’ entretiene, ‘Ingrid’ indigna, y abandono la sala por primera vez

• ‘Infectados (Carriers)’. En España lo que nos falta no es talento

Cuando vi los avances de ‘Blindado‘ (‘Armored’, Nimród Antal, 2009) y el suculento reparto que lo forma —Matt Dillon, Laurence Fishburne, Jean Reno y Fred Ward, entre los más famosos—, más una premisa argumental que nos hace rememorar los films de atracos o planes perfectos, me frotaba las manos ante la posibilidad de un buen thriller. En la década pasada nos quedamos casi todos alucinados con el atraco al furgón en ‘Heat’ de Michael Mann, una escena que pasaba por derecho propio a los anales del cine de acción, y que está en las antípodas del que probablemente sea el atraco a un furgón más logrado de la historia —cinematográficamente hablando, por supuesto—, el de aquella obra maestra de Robert Siodmak ‘El abrazo de la muerte’ (‘Criss Cross’, 1949), en la que el director lograba crear una tensión pocas veces vista.

En esos films, los primeros que me han venido a la mente, los mencionados atracos servían para desarrollar argumentos que hablaban sobre la fatalidad o las consecuencias de un mal acto. Ahora, Nimród Antal, responsable de la floja, aunque a ratos interesante, ‘Habitación sin salida’ (‘Vacancy’, 2007), y actual realizador de ‘Predators’, cuenta casi en tiempo real el plan que siguen los trabajadores de una empresa de seguridad que transporta dinero para hacerse con la escalofriante suma de 41 millones de dólares. A priori todo sonaba muy bonito, lo que podría haber sido un digno entretenimiento sin más, logrando que el espectador se olvidase de sus problemas cotidianos, se queda en estupidez soberana, alcanzando límites inimaginables en un film así.

‘Blindado’ narra la historia de seis trabajadores que un día deciden robar los dos furgones que conducen, con el único objetivo de mejorar sus vidas. Llegado el momento las cosas se tuercen, y uno de ellos —el que tiene conciencia— se encierra dentro de uno de los furgones, con el dinero. El resto tratará de convencerlo para que desista en su empeño de ser legal, y a partir de ahí, los disparates se suceden uno tras otro, y el plan original se revela como la mayor insensatez que se ha visto en una pantalla en años —esta frase empieza a estar demasiado manida en estos tiempos—, y llama aún más la atención al suceder en un film que no necesita un despliegue de efectos visuales o acción a raudales. A veces, más de las que pensamos, lo narrado en una historia sencilla es mucho más increíble que lo narrado en cualquier film de ciencia ficción o fantasía que se precie.

A la pobre presentación de personajes, en la que enseguida se ve de qué pie cojea cada uno —el film carece por completo de ambigüedad, tirando ya no por lo sencillo, sino por lo puramente simple y obvio—, y posterior puesta en marcha del plan, sigue el detalle más interesante de la película, aquel en el que uno de los personajes se encierra en uno de los furgones. La situación no tiene desperdicio sobre el papel, pero el novato James V. Simpson no la aprovecha ni lo más mínimo, y Antal fracasa en su puesta en imágenes. Esperando que lo narrado tenga el suficiente interés para el público, el director parece perdido, intentando mezclar cierta sobriedad con instantes en los que no se ve nada, como por ejemplo, una lamentable persecución entre dos furgones, en las que el espectador, que a esas alturas ya está un poco mosqueado, pierde toda referencia.

El mayor problema de ‘Blindado’ reside en su desarrollo. En lo que parece un intento de el más difícil todavía, el film no cesa en su empeño de dejar al espectador con la boca abierta debido a las ridiculeces que presencia. Recapitulemos: El plan es inviable, por el único hecho de que la policía no va a tragar, sobre todo con personajes tan inestables. Matar a un mendigo es una decisión errónea, ya que podría haberle dado un par de miles de dólares y el tío contentísimo, o en el mejor de los casos, nadie le creería. Salir y entrar dos veces del furgón sin que los demás se enteren es simplemente tomar al espectador por tonto. Enviar al único desequilibrado mental del grupo —vista la decisión que el tipo toma al final— a ver qué es un ruido que han oído, no es precisamente muy inteligente. Traer al hermano con una capucha, cuando podrían haberlo traído engañado. Perseguir con un furgón a un tío corriendo que salta al vacío, y saltar con el furgón detrás de él, no tiene nombre. Un guión escrito usando el cerebro en otra cosa.

Pero el desastre no acaba ahí. Los actores están al nivel del film, o sea, penosos. Matt Dillon, que nunca tuvo la suerte que merecía, pues siempre se le trató como un actor de segunda fila a pesar de sus innegables dotes para la actuación, realiza la que es una de las peores interpretaciones de su vida. Un villano sin matices, que además tiene que poner caras ridículas para que todos veamos lo malvado que es. Jean Reno simplemente no se hace notar, y hasta parece que quiere esconderse para que no veamos que ha participado en el film. Laurence Fishburne acompaña a Dillon en resultados con un personaje cuyos diálogos son simplemente absurdos. Fred Ward pone la veteranía en dos secuencias y se acabó. Amaury Nolasco demuestra que es uno de los peores actores salidos de la televisión. Columbus Short no tiene el carisma suficiente, y el resto no merece la pena nombrarlos. Como anécdota, señalar que en el film no hay personajes femeninos, salvo el de una asistenta social que sale apenas cinco minutos. Cine de y para hombres, se dice por ahí; aquí no tenemos ni un escotito al que echarle el ojo.

Si vamos más allá, podemos intuir una crítica a la guerra, a través del hombre que es capaz de la mayor de las barbaries escudándose en ser un buen compañero para su pelotón. Pero como esto es Hollywood, la fábrica de los sueños, al final, el protagonista recibe una recompensa como pago a sus buenas acciones, a tomar las decisiones acertadas en momentos de peligro, notificada por su superior que se siente orgulloso de contar con alguien así entre sus hombres. Moralina repugnante.

‘Jennifer´s Body’ habría sido carne de videoclub, o quizá ni eso, de no ser por una chica de 23 años y un metro sesenta de estatura llamada Megan Fox. Gracias a ella, al fenómeno mediático que gira en torno a su explotado cuerpecito, la ópera prima tercera película de la realizadora Karyn Kusama se estrenó en los cines, con la esperanza de que todos sus fans se lanzaran en masa a ver la película. No fue así, principalmente porque necesitas una razón más poderosa que dos… ejem, carretas, para arrastrar a la gente a pasar por taquilla. Para algo está Internet.

Resulta curioso comprobar cómo el contar con la guionista Diablo Cody (ganadora de un Oscar) y con Jason Reitman como productor, pasa a un segundo plano cuando tienes a alguien como Megan Fox como reclamo (la fallida ‘Algo pasa en Hollywood’ toca un poco este tema). Desde el momento en que Fox firmó para protagonizar la película, todo ha girado en torno a ella, y eso que el suyo no es el personaje principal de la trama; la verdadera protagonista es verdaderamente Amanda Seyfried (la insoportable hija de Meryl Streep en ‘Mamma Mia!’), pero su rostro no aparece en los carteles, ni siquiera cuando es considerada una chica atractiva y está empezando a ser una actriz conocida. Todo esto en realidad no es más que una cortina de humo, un montaje publicitario para evitar centrar la mirada en la película, una de las mayores bobadas del año.

La trama de ‘Jennifer´s Body’ se centra en dos amigas de instituto (aunque están un poco mayores para eso, y se les nota), Needy Lesnicky (Seyfried) y Jennifer Check (Fox). Ambas son inseparables desde niñas a pesar de tener personalidades muy diferentes: la primera es tímida, la empollona de la clase, y la otra es atrevida y estúpida, la más popular del instituto.

Con los chicos, ambas se mantienen fieles a su forma de pensar; Needy tiene un novio formal desde hace tiempo, llamado Chip (Johnny Simmons), con el que todavía no ha ido más lejos del morreo, y Jennifer se lía con quien le da la gana, las veces que le da la gana. Una noche, un grupillo de rock para “emos” se acerca al pueblo a dar un modesto concierto, y Jennifer se queda embobada con el cantante (Adam Brody). Sin embargo, los planes del grupo son más oscuros de lo que cabía imaginar y la chica acabará (no digo cómo) siendo poseída por un demonio. Así que su fama de chica “devora-hombres” será ahora algo totalmente literal.

Con un guión de la misma que escribió ‘Juno’ y estando el director de ésta y de (la tronchante) ‘Gracias por fumar’ entre los productores, uno podía dejarse llevar por el optimismo y pensar que el producto tendría cierta consistencia, que habría buenos diálogos y mucha mala uva, un batido de humor y sangre, o como seguramente dirán en la portada del DVD: “una película salvajemente divertida”. Bien, pues nada de eso en realidad. Supongo que a Cody le apetecía escribir alguna chorrada sin pretensiones en sus ratos libres, previo estupendo pago, y la labor de Reitman se habrá limitado a poner su nombre y pasear por el set de rodaje el día que Megan tenía las escenas del lago.

Porque aquí no hay nada de lo bueno que había en ‘Juno’; no hay frescura, no hay chispa, y definitivamente no hay buenas interpretaciones. Sólo un puñado de chavales guapos diciendo tonterías supuestamente “gamberras” en escenas que hemos visto mil veces en películas de terror, durante cien interminables minutos. La película es molestamente repetitiva y está montada de forma ridícula, alternándose secuencias en momentos absurdos (ejemplo: la protagonista va a perder su virginidad y vemos a un personaje secundario, irrelevante, escuchando música en su coche). Lo “mejor”, en cualquier caso, son los dos epílogos y sus planos explicativos, necesarios para espectadores mononeuronales. Kusama, retírate a hacer otra cosa, maja.

A pesar de que la joven le debe su carrera (si se le puede llamar así) a las dos películas de ‘Transformers’, Megan Fox no ha dudado en criticar públicamente al director Michael Bay y a su equipo, acusándolos de explotar su cuerpo, de creer que no tiene cerebro y de no tener en cuenta su valía como actriz (todo esto debe sonar en serio). Curiosamente, Fox no tiene ningún reparo en interpretar a la Jennifer Check de ‘Jennifer´s Body’, cuando en resumidas cuentas, su personaje no es más que una egocéntrica tonta y muy salida, que se lleva media película luciendo sus curvas, la mayoría de las veces sin que haya una razón argumental para ello. Coherencia en estado puro lo de esta muchacha.

Y respondiendo a la pregunta que tienes en mente desde hace un rato: no, la Megan no enseña más que lo que veis en las fotos que acompañan al texto, ni una nalga.

Así que si lo que quieres ver es a Megan Fox desnuda, olvídate, porque no vas a encontrar en ‘Jennifer´s Body’ algo diferente a lo que hay en ‘Transformers’, o lo que hay en el Google; si, por otro lado, crees que vas a encontrar una comedia original y sangrienta con diálogos ingeniosos, ídem, busca otro plan, aquí sólo hay un poco de sangre y un par de frases divertidas, no más. En resumen, una total pérdida de tiempo, excepto para los fans más conformistas de la Megan.

Lo nuevo de Spike Jonze, ‘Donde viven los monstruos’, se estrena mañana viernes. Cuando le preguntan por la fidelidad de su película al cuento de Maurice Sendak, responde esto:

Me dijo que cogiera su libro, lo hiciera mío y rodara algo personal sin ser condescendiente con los niños. Si Maurice leía algún diálogo en el que se advertía cierta intención de aleccionar era el primero en decirnos que era una mierda.

El prestigioso director de fotografía Vittorio Storaro trabaja con Carlos Saura en ‘Flamenco, Flamenco’, y ha hablado sobre su carrera y su vida:

Este no es un trabajo automático. Pasé nueve años en el Centro Sperimentale di Cinematografia. Estudié la tecnología. Pero pronto entendí que me faltaba algo, la conciencia de las artes. Le hice caso a un amigo y devoré libros: Faulkner, Pavese, Dostoievski… Vi pintura, escuché música, leí filosofía, aprendí arquitectura… Rechacé trabajos en televisión y preferí quedarme en casa estudiando a Caravaggio y escuchando a Mozart. Ahora sé que aquel tiempo fue el más importante de mi vida profesional.

En un tono muy diferente, Harmony Korine, homenajeado en el Festival de Gijón, dice algo parecido:

Era demasiado joven y no supe cómo reaccionar. Pasé años autodestructivos en Nueva York, Londres y París. Tomé tantas drogas que hasta se me cayeron varios dientes. Se quemó mi casa y, seis meses después, mi nueva casa también se quemó. Lo perdí casi todo y me convertí en un vagabundo: fui socorrista en una piscina para ancianos judíos, corté céspedes, pasé medio año en Panamá con unos pescadores, buscando un pez muy raro. Todo pasó. Ahora soy un marido feliz y padre de una niña preciosa. [...] Creo que para ser un director de cine necesitas pasear por el abismo, cometer algún que otro crimen y pasar un tiempo en la cárcel, porque solo así tendrás buenas historias que contar.

Javier Ruiz Caldera, el director de la taquillera ‘Spanish Movie’, habla sobre el veterano Leslie Nielsen, la estrella de su película:

Es un icono del género y una garantía. Está un poco sordo, pero lo hace bien a la primera toma y se inventa todo el texto. Gritas ‘acción’ y rejuvenece veinte años. Carmen Electra dice que sólo acepta una película si sale Leslie Nielsen.

Lo último de Fernando Trueba, ‘El baile de la victoria’, se estrenó el pasado viernes 27, motivo por el cual los medios volvieron a centrarse en él. Aquí una de sus declaraciones más curiosas:

Me cago en cada plano que tengo que rodar. En el rodaje siempre estás con miedo y luego vas tratando de encajar las piezas, lidiando con las dificultades. Pero pienso que si no estás cagado, no sale una buena película.

Sam Mendes reflexiona la paternidad en su última película, la flojita ‘Un lugar donde quedarse’. Al respecto, él opina lo siguiente:

Creo que el verdadero paso entre la juventud y la edad adulta no llega hasta que uno tiene un hijo. Hasta ese momento nadie crece. La vida deja de ser una aventura constante y empiezas a lidiar con otras responsabilidades.

Dejamos los directores, pero seguimos con el tema de los hijos. Rachel Weisz cree que ser madre le ha beneficiado:

Me siento más sexy después de tener un hijo. [...] Y me siento mucho mejor persona desde que tengo a Henry, más equilibrada. Sé que tengo un propósito que va más allá de todas las demás cosas de mi vida.

No sé si estaréis al tanto, pero este viernes se estrena también una película titulada ‘Avatar’. Es del tío que hizo ‘Pirañas 2’. Una de las protagonistas (aunque no aparece realmente en el film) es Zoe Saldana, que antes trabajó con J.J. Abrams en ‘Star Trek’. Aquí una anécdota curiosa sobre el rodaje de esa película:

Me ficharon por ser negra. Ellos nos ven a todos los negros iguales, aunque es cierto que en este caso me ha beneficiado mucho. Y lo digo porque en un momento difícil del rodaje empecé a decir palabrotas en español. J.J. estaba impresionado, y me preguntó si también hablaba español. Le confesé que vengo de una familia dominicana. En realidad, soy una actriz profesional así que mi trabajo consiste en convertirme en lo que sea. Si mi personaje es afroamericano, me convertiré en una afroamericana. El arte no entiende de razas…

La británica Emma Thompson ha estado en España y ha expresado un deseo para estas navidades: quiere ser una chica Almodóvar…

He rogado a Pedro Almodóvar que me contrate y él dice siempre que sí, que sí, que sí, pero nunca me llama, siempre me da largas… Dice que puede hacer una película sobre una inglesa loca que vive en España, pero nunca lo hace.

El antes director y ahora presidente de la Academia de Cine, Álex de la Iglesia, sigue con el rollo del apoyo al producto nacional. Y tras mucho pensar, el hombre ha encontrado una solución muy sencilla para que la gente vaya a ver cine español: imitar a los franceses. En otras palabras:

Cuando se estrena una película en Francia, en la televisión no se pone ningún estreno, para favorecer que la gente vaya al cine. [...] Tampoco hay críticas de sus películas, a menos que sean buenas. Si no te gusta, te callas.

PD: Robert Pattinson tiene claro quién debería dirigir ‘Amanecer’, el cuarto capítulo de la saga ‘Crepúsculo’: “Todo gira en torno al amor adolescente y las obsesiones, así que creo que Gus Van Sant lo haría genial“.

Vía | Digitalspy, Lavanguardia, Elpaís, Abc, Ideal, Decine21, Elperiódico, Elcorreodigital, Aceshowbiz

Participó en menos de 30 películas, pero inmortalizó su nombre. No era una gran intérprete, pero su rostro, y el estar casada con el todopoderoso David O. Selznick, aparece en algunas de las mejores películas de la historia del cine. Títulos como ‘Jennie’ (‘Portrait of Jennie’, William Dieterle, 1948) o ‘Duelo al sol’ (‘Duel in the Sun’, King Vidor, 1946) son citas obligadas para cualquier cinéfilo, y personalmente añadiría ‘Desde que te fuiste’ (‘Since You Went Away’, John Cromwell, 1944) como otra de las obras maestras en las que apareció.

Su rostro podemos verlo en cintas como ‘La canción de Bernardette’ (‘The Song of Bernardette’, Henryb King, 1943), que obtuvo un éxito descomunal en la época y por la que la actriz ganó un Oscar, la muy interesante ‘Carrie’ de William Wyler, ‘Estación Termini’ (‘Stazione Termini’, Vittorio De Sica, 1953), ‘La calle colina del adiós’ (‘Love is a Many-Splendored Thing’, Henry King, 1955), la divertida ‘El pecado de Cluny Brown’ (‘Cluny Brown’, Ernest Lubitsch, 1946), o su última actuación para la pantalla grande, la espectacular ‘El coloso en llamas’, (‘The Towering Inferno’, Iriwin Allen y John Guillermin, 1974). Películas que permanecen en la memoria de cierto público, y que gracias a la impresionante labor de las televisiones, son desconocidas para las nuevas generaciones de cinéfilos.

Jennifer Jones falleció hoy en su casa de Malibú, a los 90 años de edad.

Hasta siempre, Perla.

Vía | IMDb

Muchos nos lamentamos el día que supimos que Bryan Singer abandonaba a los ‘X-Men’ para dirigir ‘Superman Returns’, especialmente tras el fichaje del soso Brett Ratner, responsable de la peor película de la saga, hasta que llegó Gavin Hood y nos plantó esa increíble bobada que fue ‘X-Men orígenes: Lobezno’. Tras el bajón de calidad (que no se notó mucho en taquilla) de los dos últimos títulos, la productora Lauren Shuler Donner dijo públicamente que deseaba el regreso de Singer a la saga, para encargarse de alguno de los proyectos que tenían previstos para el futuro: ‘X-Men orígenes: Magneto’ (que parece que al final no se va a hacer), ‘X-Men: First Class’ o ‘Lobezno 2’.

Anoche, en la premiere de ‘Avatar’ en Los Angeles, Bryan Singer aprovechó el momento y dio a los medios la estupenda noticia de que había aceptado la oferta de Donner; regresará a la saga mutante dirigiendo ‘X-Men: First Class’. La película, que contará con un guión de Josh Schwartz (el creador de la serie ‘The O.C.’), narrará la juventud de los famosos personajes de la Marvel, debiendo aprender a usar sus extraordinarias facultades mientras superan los típicos problemas de la adolescencia. Veremos con qué fuerza vuelve Singer tras dirigir ‘Superman Returns’ y ‘Valkiria’, aunque hay que señalar que antes el realizador se embarcará en el rodaje de su proyecto más inmediato, ‘Jack The Giant Killer’.

Por otro lado, será interesante descubrir qué personajes aparecen en esta nueva película, ya que si quieren ser coherentes con lo ofrecido en las anteriores (cosa que podemos dudar mucho tras lo visto en ‘Wolverine’), en ‘First Class’ no podrán contar con varios de los protagonistas más importantes de la trilogía de ‘X-Men’, pues ahí se muestra que no compartieron su adolescencia.

PD: Singer sigue siendo, a día de hoy, el director vinculado al proyecto de una nueva película de ‘Battlestar Galactica’.

Vía | Empire | ¡Gracias a xtremo por el aviso!

Comienzo hoy con las entrevistas realizadas en los estudios de animación de Pixar. Ya os relaté mi experiencia allí, con motivo del estreno de ‘Up’ en DVD y Blu-ray, y os comenté que pude hablar, entre otros, con Pete Docter, el director de la película (un tipo altísimo), y Jonas Rivera, uno de los productores.

Aunque imagino que todos los que tenéis interés en la entrevista habréis visto la película, no importa que no sea así, esta vez no hay spoilers, podéis leerla todos sin problemas. Espero que os resulte entretenida:

• ¿Es cierto que el origen de ‘Up’ es la imagen del protagonista con el carrito de los globos?

Pete Docter: Sí, todo empezó con ese personaje. Es un personaje brusco, un poco como mi abuelo, que te dice las cosas tal cual las piensa, no trata de decirlas de buena manera, sino que te suelta: “¡así son las cosas!”. A Bob Peterson [co-autor del guión y co-director de la película] y a mí nos parecía interesante pensar una historia con un personaje así. Y luego está el contraste con los globos, que son alegres, de colores. Nos gustó y empezamos a trabajar con eso.

• ¿Cuánto tiempo os llevó tener la historia terminada, el guión completo?

P.D.: En total han sido cinco años trabajando en la película, y de ellos, creo que fueron tres dedicados únicamente al guión. Mucho tiempo. Pero si le preguntas a cualquiera, es un proceso en constante cambio, estás todo el tiempo trabajando, escribiendo ideas nuevas. Haces algo y lo enseñas a los demás, y eso puede llevarte a otra parte. Es un largo, orgánico y caótico proceso.

• Y cuando tenéis terminado el guión, ¿dejáis de retocarlo, de hacer cambios?

P.D.: No. Hacemos cambios hasta el último minuto. Ya sabes, conforme vas avanzando vas cambiando menos. Al principio cambiábamos muchas cosas, luego menos, y al final sólo algunos retoques, detalles.

Jonas Rivera: De hecho, recuerdo estar sentado en la sala, la noche del estreno, muy emocionado, y me giré hacia Pete y le dije: “Por fin, está acabada”. Pero Pete llevaba una libreta y se llevó toda la proyección haciendo anotaciones [risas].

P.D.: Cambiamos cosas incluso después del estreno, para el DVD y el Blu-ray. Pero muy poco, sólo efectos de sonido.

• ¿Os esperabais el éxito que ha tenido ‘Up’?

P.D.: No, en absoluto.

J.R.: Debes saber que al principio fue muy difícil vender este proyecto. No es una historia como la de la mayoría, y había desconfianza. Ni siquiera sabíamos cómo contar la historia para que creyeran en ella, así que nos dijeron que sí, pero… sin creer realmente que era una buena idea. Yo lo tenía muy claro desde el principio, desde que me la contaron ellos [Pete y Bob]. Nada más leer el primer borrador llamé a mi esposa y le dije “¡te amo, cariño!” [risas]. Pero fue complicado empezar a andar.

• Parecía que tras el éxito de ‘Wall-E’ lo teníais difícil para seguir en esa línea, pero al final incluso podéis presumir de que ‘Up’ inauguró Cannes.

P.D.: Sí, aquello fue una locura. Recuerdo que Jonas me preguntó si estaba nervioso, y yo le pregunté que por qué debería estarlo, y entonces empezó a meterme miedo, a decirme cosas como: “Es que allí son muy críticos, abuchean a la mínima, especialmente si la película es norteamericana”. Entonces me puse algo nervioso. Todo estaba lleno de gente importante, había muchísima expectación, las luces se apagan, y de pronto me encontré sentado, hundido en la butaca, y pensando: “Oh, Dios mío, ahora van a proyectar nuestra película”. Pero por fortuna salió todo bien. Hubo una gran ovación. Creo que la clave es hacer siempre algo diferente, ‘Up’ no se parece en nada a ‘Wall-E’.

• ¿Sentís que debéis superar a la competencia, a otros estudios de animación? Y, ¿hay algún tipo de competencia entre vosotros, aquí en Pixar?

P.D.: No. No nos planteamos superar a otros estudios. Es decir, vemos las películas que hacen los demás, tenemos varias salas de proyección y vemos sus películas, pero… Nosotros nos centramos en nuestro trabajo, en las nuestras. Nos detenemos en lo que hacemos nosotros y tratamos de hacerlo lo mejor posible. Constantemente estamos mostrando nuestro trabajo a los demás, para que aporten ideas y nos señalen qué se puede mejorar. Pedimos consejo y nos ayudamos mutuamente. Y el grupo sale fortalecido. Así que si la película de Brad Bird o de John Lasseter obtiene éxito, eso me va a beneficiar a mí.

J.R.: Nuestro objetivo es hacerlo lo mejor posible, no mirar a los demás. Tenemos la suerte de que Disney nos da la oportunidad de hacer ‘Wall-E’ o ‘Up’, y nosotros no pensamos en si tendrá éxito o si va a ser la más taquillera en su estreno. Pensamos en hacer la mejor película que podamos. Ya sabes, que esté en cartelera y puedas irte a casa con la satisfacción de que hiciste todo lo posible. Es fundamental tener muy clara la dirección, qué quieres contar y cómo lo quieres hacer. Yo crecí viendo las películas de Disney, adoraba sus historias, y me siguen encantando ahora. La gente sigue hablando de estas películas tanto tiempo después, y creo que es porque están hechas para cualquier persona, y porque no son cínicas, no dan una visión cínica del mundo. Nosotros intentamos hacer lo mismo.

• Y las películas de los estudios Ghibli, ¿las tenéis en cuenta para vuestro trabajo?

J.R.: Claro. Nos encantan. En concreto, intentamos enfocar la historia del mismo modo que lo hacen ellos, centrarnos en los personajes y que la película respire, ya sabes, que no haya cortes todo el tiempo, que el público pueda estar tranquilo observando y sintiendo. No como lo que se suele hacer ahora, en otras películas.

• ¿Cómo funciona en Pixar el inicio de un proyecto?

P.D.: Tenemos reuniones creativas todo el tiempo, pero también tenemos en cuenta a los demás, y hacemos proyecciones para ver si la idea funciona o no. Invitamos a todo el mundo, los cocineros, los directivos, los animadores… y les pedimos que nos den su opinión. No es que nos pongamos a leer todas las notas y tenerlas en cuenta, sino que buscamos patrones, cuestiones que se repiten. Entonces lo consideramos y planteamos cómo mejorar ese aspecto concreto.

• ¿Ponéis las películas a vuestros padres?

P.D.: Lo intentamos, durante años, pero no funcionó. No les gustan, para ellos todo está mal [risas]. Así que sus opiniones no nos valen de mucho. Pero ya son muy mayores. Sin embargo, los niños son muy valiosos. Tienen muy claro lo que está bien y lo que está mal.

J.R.: Sí, siempre pedimos a todo el mundo que traiga a sus hijos. Los pases con público son muy útiles porque nos permiten saber qué funciona y que tenemos que mejorar. Nos sentamos detrás y observamos sus reacciones, para ver si son las que esperábamos. Entonces, volvemos y seguimos trabajando, teniendo eso en cuenta. Pero quiero aclarar que no hacemos estos pases para pedir opiniones, para que el público nos diga qué quiere, sino para ver si vamos por el buen camino, o nos hemos perdido en algún momento.

• La película se proyectó en salas convencionales y en salas 3D. ¿En qué afectó a la película este nuevo formato?

P.D.: Bueno, nos llevamos años con la película, así que en un momento dado, vimos que los demás estudios estaban incorporando el 3D, así que empezamos a ver qué podíamos hacer nosotros. Hicimos una lista con arreglos que se podían llevar a cabo. Pero el 3D no afectó a nuestra manera de contar la historia, eso lo teníamos muy claro. Además, sabíamos que la mayoría de la gente la iba a ver en 2D, así que tampoco queríamos comprometer nada simplemente por añadir cosas que aprovecharan el 3D.

J.R.: Lo pensamos mucho, y planteamos diferentes opciones creativas, pero al final decidimos que el 3D sería un extra, para los que quisieran verla en ese formato, pero no algo que afectara a la película en su conjunto. Personalmente, creo que es un error añadir escenas para el 3D, distraen y te sacan de la historia. Es como el sonido. Hay películas con efectos de sonido geniales, muy realistas, pero te encuentras pensando más en lo que has oído allá a lo lejos, a tu espalda, que en lo que está pasando en la pantalla. El 3D es algo parecido. Para nosotros lo importante es la historia, que te sientes y disfrutes con la narración, no con efectos puntuales. De todas formas, hicimos pruebas con la película en 2D y 3D, y las reacciones eran muy variadas, parece que es algo muy personal, sentirse dentro de la historia con un formato o con otro.

[Posdata: Con Bob Peterson, el co-director de la película, charlamos después, en otra oficina. Será la próxima entrevista que os traiga.]