El árbitro último, pero no el único, de apoyo público al cine español será la taquilla.

Lo ha dicho Ignasi Guardans, el director general de Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA), en el mismo acto en el que ha anunciado que las descargas autorizadas en Internet computarán para las ayudas a la amortización del cine. O que los telefilmes también podrán optar a subvenciones siempre que lleguen a ser emitidos por alguna cadena. Vaya, yo pensaba que este país no llegaba a fin de mes, que estábamos en crisis, pero resulta que sí que hay dinero, mucho, para dar y regalar. La cuestión es: ¿de verdad es necesario este desembolso de dinero público? Os lo pregunto, os pido vuestra sincera opinión.

Hace unos días, buscando frases para mi post semanal, leí una interesante entrevista donde el director Álex de la Iglesia, el próximo presidente de la Academia de Cine (es el único candidato), decía que eso de las subvenciones al cine español es una obsesión ridícula, que se critica sin saber. Que en realidad no es tanto dinero y que llega ya tarde,

Bueno, no discutiré eso, en primer lugar porque a mí nunca me han dado una subvención y no conozco el tema de primera mano, pero lo cierto es que de algo debe servir, porque si no, hace tiempo que muchos directores de este país ya no harían películas, viendo las cifras que logran en taquilla. Si sus películas no sacan dinero, ¿de dónde sale? Del DVD o por ventas internacionales, responde el director de ‘Crimen Ferpecto’, pero dudo mucho que la gente compre las últimas de Garci, o que Saura esté en su casa haciendo fotos a su jardín, sin hacer cine, si sus películas se vendieran como churros. Si hay tanto dinero, ¿para qué ampliar las vías de conseguir una subvención? ¿Piensan en los más jóvenes, que no pueden estrenar una película? Tengo dos palabras para eso: ja, ja.

Pero volvamos a Guardans y su borrador para la nueva Ley del Cine, que podría estar lista para octubre o noviembre de este año, y la cuestión de las descargas. Hasta ahora, la venta de entradas era el único baremo para calcular a qué ayudas tenía derecho una película. Ahora también contarán las descargas, es decir, las veces que la gente se baje una película (española) a su ordenador. Oh, sí, porque a partir de que esta norma se apruebe, todo bicho viviente va a ponerse a descargar películas españolas como si le fuera la vida en ello.

Ya os contaba que buscando información sobre la taquilla española había descubierto el timo de las recaudaciones, es decir, que producciones españolas doblan sus cifras de una semana a otra, aunque sólo se proyecte en un par de salas, para obtener dinerillo del Estado. Claro, esto debe ser algo complejo de maquillar y, por el contrario, lo de las descargas resulta mucho más fácil. Una legión de currantes con ordenador y listo. La subvención más cerca. Porque eso no es robar, no, eso es cumplir con las trampas de la ley.

Lo están haciendo mal, y no lo corrigen. Que no se vea la película, que sea mala, que el público prefiera ver el cine hecho en otros países (no sólo el de Estados Unidos), que se cierren salas y se culpe a la piratería, pero que luego se apoyen descargas “legales”, o que, sencillamente, no queremos que se paguen los delirios artísticos de los cuatro viejos gatos de siempre con dinero público… eso no cuenta.

Digo yo que puestos a ayudar a cineastas, que se ayude a los más jóvenes, al futuro de la profesión, a los que empiezan, y entre ellos, sólo a los que no tienen medios suficientes para llevar a cabo sus proyectos, porque los hay que no necesitan tanto dinero del Estado. ¿No es así? Ayudar a los que ya tienen una carrera en el cine, y dos casas con piscina y pista de tenis no tiene ningún maldito sentido. ¿Cómo lo veis?

PD: En Francia acaban de cargarse una ley antipiratería que permitía el corte de la línea a las personas que realizaran descargas ilegales por parte de autoridades administrativas.

Vía | ElPaís

Sin duda, Pixar y Disney ya han puesto la máquina de promoción de ‘Up‘ en marcha, porque las novedades que han aparecido a lo largo de la misma han sido unas cuantas. Lo primero, que se ha renovado la Web de ‘Up’, introduciendo notas de producción, y una descripción de los personajes, añadiendo a los ya conocidos, a Alpha, Beta y Gamma, el grupo de ‘vicious dogs’, como son conocidos en la película. Además, se puede ver una primera imagen (fotografía) del cañon en el que se desarrolla parte de la película, una parte de ese mundo perdido que descubren Carl y Russell en su viaje.

Además, se ha empezado a hablar de la posibilidad de recuperar el proyecto de Don Quijote por parte de Disney, que lanzó la versión en DVD de ‘Bolt‘, con una idea clara en la mente: la estrella a día de hoy es Rhino, ese ganster hámster maravilloso que desayuna peligro por las mañanas. Fue la gran sorpresa de la película, y más, siendo un personaje con mucho juego que dar. Y en el DVD, bien que lo han aprovechado, dedicándole incluso un cortometraje. También hemos conocido los diferentes personajes de ‘La princesa y la rana’, incluidos los homenajes a Louis Armstrong, Ray Charles y Celia Cruz, de una película que tendrá en el jazz y la música su principal fuerte. Por último, la parte de los cortometrajes, y en esencia la novedad, va relacionada con la obra que acompañará a ‘La princesa y la rana‘ en su estreno, añadiendo posibles trabajos que se tienen en perspectiva.

Vayamos al grano.

Empecemos por Bolt y Rhino. Uno intuía, antes de ver la película, que había algo en el personaje de Rhino que lo hacía especial. Que Disney tenía a su disposición uno de esos grandes secundarios que iban a dar que hablar. La primera vez que le vemos en pantalla, logra hacerse con la autoría de la misma, con su inocencia, que le hacía ignorar el peligro, se convertía en un fiel escudero de Bolt, logrando que todos los ojos se fuesen hacia él, gracias en parte a sus réplicas desternillantes.

Rhino conoce a Bolt

Como Disney se percató que debía darle un empujón al personaje en el DVD que se lanzó en USA la semana pasada, la novedad del mismo reside en el cortometraje ‘Super Rhino‘ en el que él tiene todo el protagonismo, convertido ahora en un superhéroe, con altas dosis de autoestima, pero sin perder su sentido del humor.

El cortometraje es más corto de lo que suelen durar estos trabajos en Disney, pero no te deja respiro, sobre todo en una primera parte donde incluso se saca partido a otros secundarios que llamaban también la atención en la película, y que no terminaron de aprovecharse del todo. Tiene dos partes diferenciadas, y aunque hay un giro inesperado que le deja a uno fuera de juego, éste tiene toda su razón de ser. No obstante, uno tiene la sensación que la aspiración de Disney debía haber sido mayor, y más cuando ellos mismos debían tener claro que Rhino es todo un filón.

Super Rhino

Y la apuesta es clara, porque además da mucho juego hasta en las entrevistas, donde mantiene su inconfundible humor.

Entrevista a Rhino

Mientras, Pixar continúa con la promoción de ‘Up’, en especial, mostrando a través de pequeños clips en Internet cómo son y piensan los personajes de la película. En el primer vídeo que traemos, vemos a Carl soportando la vitalidad de un niño como Russell, que no para quieto, ni deja de hablar y quejarse, mientras caminan por el paisaje de un mundo perdido, que es el otro protagonista de la película. Sin embargo, si uno ve el divertido momento en el que Carl y Russell se conocen, un boyscout comentando a un anciano si necesita ayuda (vídeo de ‘Need any assistance?‘), comprende por donde van a ir los tiros de una relación, en la que Carl no va a tener más remedio que aceptar y agradecer la personalidad del chaval (refrendado en el vídeo que viene a continuación).

Nuevo vídeo de ‘Up’

No acaban ahí las novedades en cuanto a vídeoclips. La siguiente píldora filtrada en la Red, es el momento en el que Russell conoce a Kevin, un pájaro diferente, uno diría que una especie extinguida, en ese mundo perdido que descubren los dos protagonistas. Se presenta a Kevin como alguien juguetón, inocente y cariñoso con quién quiere acercarse a él. Visto el vídeo, uno tiene claro que sólo había una forma de presentar a este personaje, y es la que Pixar ha decidido llevar adelante.

Meet Kevin

Para terminar con la sesión de novedades de ‘Up‘, una vídeo entrevista con Pete Docter, en la que se nos muestra al otro protagonista ignorado de la película: el mundo perdido que descubren Carl y Russell. Se pueden ver imágenes absolutamente espectaculares del paisaje, que a uno le hacen recordar la lectura de la novela de H.G. Wells, con un nivel de detalle de los cañones y la jungla que le deja a uno con ganas de más. De hecho los directores de ‘Up’ comentan como se fueron a Sudamérica a buscar el paisaje concreto que querían incorporar a su película.

Discovering a new world

La tercera pata de las novedades habla de los cortometrajes de Disney. En concreto, cuál va a ser la obra que va a acompañar en su estreno a ‘La princesa y la rana‘. En principio, Disney tenía establecida una hoja de ruta con todos los cortometrajes que querían llevar a cabo tras la última entrega del ‘How To Hook Up Your Home Theater‘ de Goofy (que se puede disfrutar, junto al resto de los trabajos, en la cuarta entrega de la serie How To que hemos realizado en esta página), y de ‘Glago’s Guest‘, la primera obra realizada en 3D por el estudio, que contaba la experiencia que vivía un soldado ruso destinado en un puesto de vigilancia fronterizo, cuando recibía la visita de un invitado inesperado.

Los pocos que han podido ver el cortometraje, o bien hablan maravillas, o lo consideran demasiado radical para lo que se suele hacer en Disney. En principio, iba a acompañar el estreno de ‘Bolt’, cosa que al final no se llevó a cabo, o sólo se hizo en el estreno americano. Así que lo dejaron en la recámara.

El siguiente proyecto, y que sí se quería estrenar con ‘The princess and the frog’, es ‘The ballad of Nessie‘, que era el siguiente cortometraje que el estudio tenía pensado rodar, esta vez en animación tradicional. Tendría a los mismos directores y equipo de ‘How To Hook Up Your Home Theater’ (que en cines en España no hemos visto estrenada), y nos contaría la historia del monstruo del lago Ness (versión femenina).

El problema viene con la asignación de recursos disponibles en el estudio en la parte de los animadores. Para poder terminar en fechas ‘The princess and the frog‘, se tuvo que destinar el personal asignado en ‘The ballad of Nessie’ a la película, lo que motivó tener que aparcar el desarrollo y la finalización del cortometraje hasta el estreno de ‘Ranpuzel‘.

¿Supone esto que cuando se estrene ‘The princess and the frog’ no habrá cortometraje acompañando la película? Sí lo habrá, aunque en 3D, y llevará por título ‘Tic Tock’. Del proyecto se sabe poco, salvo el porqué de su lanzamiento, y del que se espera den más información en próximos días. Eso sí, el corto que acompañará en Europa a la película será ‘Glago’s Guest’.

¿Qué otros cortometrajes hay pensados realizar? Antes de involucrarse en ‘Bolt’, Chris Williams estaba desarrollando ‘Prep and landing‘, donde los elfos de Santa Claus le ayudaban a preparar su viaje anual de Navidad. El problema venía motivado por unos elfos no muy amigos de trabajar, y que ahora mismo, también está aparcado hasta que el director puede darle forma. También se tiene entre manos recuperar otro de los clásicos de Disney que protagonizaban Mickey, Donald y Goofy, al estilo de ‘Boat builders‘, pero que ahora mismo está parado por el problema de recursos que comentamos antes. También se tiene pensado hacer otro ‘How To‘ de Goofy, con un nuevo concepto a incorporar a la serie, o en su caso, una revisión de alguno de los trabajos de esta serie. El último de los trabajos de los que se ha hablado, tendría como base la película ‘Meet the Robinsons‘, y sería sacar a uno de sus personajes en una historia reducida.

Si regresamos a las primeras informaciones sobre ‘Up’, se habló que la película iba a ser una especie de revisión del personaje de Don Quijote. Al final fue un rumor equivocado, pero partía de una base sólida, y aquí es donde aparece Disney. El proyecto de Don Quijote está en el estudio desde 1940, que tenía pensado hacer un cortometraje con sólo música, en la idea de lo desarrollado con ‘Fantasia’, y para retomar las ‘Silly Symphonies‘ (algunos de cuyos trabajos os hemos ido comentando en esta página). Finalmente se frenó unos años y se recuperó para intentar hacer un ‘How To’ con Goofy en la piel del hidalgo caballero, y que se desechó.

Posteriormente, cuando Disney quiso colaborar con Dalí, desarrolló con el artista español una serie de bocetos en los años 50, que no llegaron a nada, y llevaron la idea de adaptar la obra de Cervantes a un cajón olvidado. Así, entre 1999 y 2002, se retomó la idea de llevar a la pantalla Don Quijote, pero el punto de vista de los animadores, chocó con el de Eisner, que quería una historia más comercial frente al punto de vista de éstos, que buscaban respetar al máximo la grandeza y las posibilidades que la obra les permitía. En 2002, el proyecto fue definitivamente cancelado, principalmente porque quienes estaban encargados del mismo, renunciaron a seguir aguantando a Eisner.

Hasta el regreso de Lasseter a Disney con nuevas ideas. ¿La primera? Atraer y recuperar de nuevo para el estudio, a todos los animadores que salieron escaldados de su conveniencia con el antiguo equipo de dirección de Disney, y por tanto, regresar y conocer la visión de los diferentes proyectos que fueron cancelados: La reina de las nieves, El lago de los cines y Don Quijote. Exactamente lo mismo que ha hecho con ‘La princesa y la rana’, ‘Ranpuzel’ y ‘El rey de los elfos’, justamente los futuros proyectos de Disney. Por eso, el hecho de que ‘La reina de las nieves‘, adaptación de una fábula de Hans Christian Andersen, podría ser la próxima película en animación tradicional del estudio tras ‘El rey de los elfos’, y que ‘Ramayana‘, basado en un poema épico hindú, podría ser también otro proyecto, hace que la idea de recuperar ese Don Quijote que tanto tiempo lleva en estudio en Disney puede renacer. Es decir, quien sacó el rumor de ‘Up’ sabía de la existencia de este proyecto. Veremos como acaba la cosa.

Para terminar, comentar que ‘El rey de los elfos‘ ya tiene tratamiento de la historial subido en la web de Disney. Lo que desconocía era que se basaba en un relato de Phillip K. Dick, y que será más dramática de lo habitual.

Nota: Parte de la recopilación de esta entrada, se debe al excelente trabajo que realiza gnomoel en su Noticias Disney, y como tal, conviene destacarlo.

Más información | AWN Oscar Tour Travelogue
En blogdecine | Glago’s Guest, un cortometraje de Disney en 3D

Novedades Disney y Pixar en blogdecine:

• ‘Up’, novedades de la nueva película de Pixar
• De Monsters 2 a novedades sobre ‘The princess and the frog’

• Cannes, el nuevo episodio de ‘Up’ y trailer de ‘Toy Story 3’

Inauguramos este demandado repaso a la taquilla española, con la absoluta hegemonía de Clint Eastwood y su ‘Gran Torino’. A pesar de llegar estrenos potentes, como ha sido el caso de ‘Los abrazos rotos’, se mantiene como número uno de recaudación y ya van tres semanas consecutivas, sumando la nada desdeñable cifra de 6.475.874 euros. Sigue así la estela de su paso por la taquilla usamericana, donde Eastwood volvió a demostrar su enorme potencial y atractivo para el público y también se mantuvo varias semanas en lo alto.

Si bien es cierto que el nuevo trabajo de Almodóvar es seguro que tendrá largo recorrido, y aún tiene posibilidad de sumar una cifra notable que la convierta (a espera de que llegue Amenábar) en el título español más taquillero del año. De momento, y a pesar de su fastuosa y sonada promoción, ‘Los abrazos rotos’ con el gancho de Penélope Cruz, se queda en el segundo puesto logrando casi el millón de euros (978.046 euros).

La comedia familiar ‘Una pareja de tres’ con Owen Wilson y Jennifer Aniston tuvo un extraordinario éxito de público en Estados Unidos la pasada campaña navideña y, como era esperable, no tanto en nuestros cines, aunque con el tercer puesto y 799.967 euros, no ha escapado nada mal. Al menos, ligeramente por encima de otra pareja taquillera como son Julia Roberts y Clive Owen, que llegaban de estreno con ‘Duplicity’, y se tienen que conformar con el cuarto puesto (y 781.767 euros), a pesar de la fuerte promoción y el alto número de copias (300).

En el resto del top ten encontramos ‘Más allá de los sueños’, a los hombres lobo de ‘Underworld: la Rebelión de los licántropos’ manteniendo el tipo (la vampira con traje apretado sigue siendo buen reclamo) y seguidos de la oscarizada ‘Slumdog Millonaire’, que suma y sigue, además de ‘Hotel para perros’, ‘Watchmen’ (que parece hundirse irremediablemente) y ‘The Code’ en el último puesto.

El próximo fin de semana, la taquilla se animará bastante con el desembarco de variados y numerosos estrenos. A saber: ‘Street Fighter: la leyenda’ que hará las delicias del público juvenil, ‘Traidor’ un convincente thriller con Don Cheadle, el drama familiar ‘La vida secreta de las abejas’, la exitosa cinta francesa ‘Un cuento de Navidad’, las españolas pero diametralmente opuestas ‘Retorno a Hansala’ y ‘Mentiras y gordas’, así como las cintas de títulos estrambóticos ‘Confesiones de una compradora compulsiva’ (con Isla Fisher) y ‘Paul Blart. Superpoli de centro comercial’ (con Kevin James) para los amantes de las comedias más tópicas que no suelen defraudar en taquilla. Otros títulos más minoritarios serán: ‘Ben X’, ‘Atanarjuat: La leyenda del hombre veloz’ y ‘Animal Channel’.

Vía | boxoffice.es

Kenneth Branagh nunca ha tenido demasiada suerte como director. Dejando a un lado los éxitos de ‘Mucho ruido y pocas nueces’ o ‘Frankestein’ (y en este caso contagiado por el buen recibimiento del film de Coppola, ‘Drácula’, que ejerce de productor en ésta), los films de Branagh rara vez han hecho taquilla, el público generalmente le ha dado la espalda. Sólo en cierto sector cinéfilo, e incluso crítico, se le ha tenido muy en cuenta, valorándolo como lo que es: un genio incomprendido. ¿Exagerado? Tal vez. Pero para el que esto suscribe no lo es en absoluto; su obra habla por sí sola, y ‘Mucho ruido y pocas nueces’ es el exponente más claro. En ella su amor por el cine y el teatro (Shakespeare) queda plasmado como pocas veces un director moderno ha logrado.

No leer si no se ha visto la película.

Nunca un director se ha dedicado tanto durante su carrera a la obra de unos de los grandes de la literatura. En tiempos pasados, directores consagrados como Laurence Olivier, Orson Welles o Roman Polanski, por poner tres ejemplos, realizaron algunas de sus películas más controvertidas y polémicas basándose en alguna de las obras del escritor inglés. Eran versiones muy teatrales, casi literarias, algo a lo que Branagh no renuncia cuando adapta a Shakespeare. Pero el director de ‘Morir todavía’ consigue además una comunión perfecta entre el lenguaje cinematográfico y el escrito.

En este vídeo vemos el inicio de la película, en el que una esplendorosa Emma Thompson (en aquel entonces pareja de Branagh en la vida real, algo reflejado en la perfecta complicidad de sus interpretaciones) recita los versos de una canción, repetida dos veces más a lo largo de la película, en dos momentos clave de la misma. En el tema se hace hincapié en el carácter volátil del hombre en cuestiones amorosas, mientras se recomienda a las mujeres no sufrir ni lamentarse por ello. Son tiempos de amor inocente y puro, machacado por artimañas para conseguir a la persona amada, de desdén, según Shakespeare el mejor arma en el amor (y cuanta razón tenía el jodido). Un tratamiento del sentimiento amoroso al que hay que acercarse con cierta complicidad, sobre todo en estos días en los que ya se han perdido ciertos valores.

La historia de ‘Mucho ruido y pocas nueces’ da comienzo con el final de una guerra militar que da paso a una guerra entre hombres y mujeres en terreno amoroso. Se concentra esto a través de dos historias de amor tan distintas como iguales. Una representa la belleza de la inocencia, del primer amor, de sentimientos virginales; y otra un amor más adulto, con la experiencia como base, resultando mucho más rica en matices, con el desdén de los enamorados, pero que terminan rendidos en el momento en el que el sentimiento florece no con poca ayuda. Ambas historias se complementan a la perfección, ofreciendo una visión del amor muy festiva. Una celebración por todo lo alto, que la cámara de Branagh filma con una envidiable vitalidad, contagiando su evidente alegría al espectador.

Atención al plano secuencia (de los muchos que hay en la película) en el siguiente vídeo. Se interpreta la misma canción, esta vez cantada por un hombre, y que sirve para dar paso a la historia que une a Beatrice y Benedick, después de que ambos se insulten con comentarios a cada cual más ingenioso (¿cuántas parejas han nacido del rechazo inicial?). El delicado movimiento de cámara alrededor de la fuente retrata un breve momento de paz y tranquilidad, de descanso y reflexión, de ése que se necesita antes de dedicarse a la ardua tarea del amor. La calma que precede la tormenta.

‘Mucho ruido y pocas nueces’ está llena de excelentes interpretaciones de prácticamente todo su elenco. Un reparto totalmente entregado, actores que se creen sus personajes y los hacen suyos. Desde el feeling que hay entre Brangah y Emma Thompson (¿ha salido esta actriz alguna vez más guapa que en esta película?), hasta un asombroso Denzel Washington, pasando por unos primerizos Robert Sean Leonard (intentado sacarse su imagen de ‘El club de los poetas muertos’) y Kate Beckinsale (que por aquel entonces estudiaba en Oxford, y pudo hacer la película en sus vacaciones de verano). Sorprenden especialmente Keanu Reeves, que por una vez aprovecha al máximo la inexpresividad de su rostro, dando vida a un infecto ser que hace el mal por simple satisfacción; y Michael Keaton, cuyo divertido personaje entra de lleno en la parodia exagerada, el humor absurdo por excelencia, sin desentonar ni lo más mínimo con el resto.

Vista 16 años después, ‘Mucho ruido y pocas nueces’ no ha perdido ni un ápice de su encanto, conservando su fuerza y pasión. En su momento, los productores emplearon unos diez millones de dólares de la época para publicidad (estamos hablando de un film de bajo coste) de cara a conseguir nominaciones importantes en los Oscars, entregando a cada miembro de la Academia un pack con regalos de toda índole. El resultado: ni una triste nominación (recordemos que aquel año la triunfadora fue la impresionante ‘La lista de Schindler’). No importa, para mí, sigue siendo de lo mejorcito que se realizó durante la pasada década, tal y como dije en su momento.

Sólo por la escena final (en el siguiente vídeo) merece la pena ver la película. Un virtuosismo aprovechado para la ocasión con inusitada pericia. Branagh remata su film a lo grande, un travelling prodigioso que termina en lo más alto, mientras suena de nuevo el tema musical, esta vez interpretado por todos. Muchos verán exageración y artificiosidad; yo veo una declaración de amor absoluta a William Shakespeare. Branagh termina demostrando que la obra del escritor inglés podría tener un abierto carácter cinematográfico, ofreciendo la posibilidad de unir su mundo al del cine, arte que indudablemente Shakespeare amaría con toda su alma.

Una rotunda obra maestra, realizada con una energía que sólo Branagh sabe transmitir. Hace tiempo, un querido amigo dijo que este director tendría que morirse para que le reconocieran su talento. Creo que no se equivoca ni lo más mínimo.

En un relato sobre una pareja, su perro y la creación de una familia ideal, se ponen sobre la mesa algunos temas interesantes como las dificultades de la compatibilidad de trabajo y familia o las crisis de una pareja cuando llegan los hijos, pero lamentablemente no con la profundidad ni la seriedad que cabría, y así ‘Una pareja de tres’ se pliega con demasiada facilidad a la imposición del mainstream, que no andan los tiempos para ahondar en dramas famliares.

Una comedia que arranca con tono romántico, de una pareja que va sembrando las raíces de su futuro y que con la llegada de un perro, el Marley de su título original, nos va conduciendo por las dificultades y vicisitudes que se van encontrando para compaginar la vida conyugal y la profesional. Ambos sendos periodistas, con distinta estima y suerte, que tienen que asumir y tomar decisiones de cara al futuro y a la posibilidad de la llegada del primer hijo.

Sin embargo, siendo el perro el catalizador de esta parte de ‘Una pareja de tres’ (aunque, por suerte, con menos protagonismo que en ‘Marley y yo’, la novela original que se adapta), el tono romántico de esta comedia se torna más familiar y se empiezan a tratar los temas más comunes que afectan a una pareja en el seno de su hogar. El romanticismo deja paso a las dificultades, alegrías y también responsabilidades que asumen con la llegada de los esperados hijos. Ella deja su brillante trayectoria profesional para dedicarse de lleno a la crianza de los retoños y él, encuentra de la mano de su editor jefe (un magnífico Alan Arkin), una columna periodística donde refleja su visión optimista y realista de su situación, con el perro Marley como protagonista.

Llegados a este punto, el perro se torna el epicentro de las iras y tensiones, poniendo en tela de juicio la necesidad de afrontar las nuevas situaciones que se van encontrando: crisis y depresión. Y es donde, como indicaba al comienzo, se tratan temas familiares en tono melodramático, aunque sin llegar al dramatismo tratado en la reciente ‘Revolutionary Road’, pero sí con aguda actualidad, lo que la distingue notablemente de las comedias de su mismo pelaje. Pero se trata de una comedia de marcado carácter comercial y su realizador, David Frankel (‘El diablo viste de Prada’), no llega más allá para quedarse con visión meramente superficial, retornando al perro el protagonismo que evidenciaba en el arranque de la cinta.

A pesar de todo, ‘Una pareja de tres’ resulta reflexiva, ingeniosa, entretenida y cuenta con buenas interpretaciones. Una Jennifer Aniston que se mueve con soltura en este tipo de personajes a los que nos acostumbra, y un Owen Wilson que destaca con brillantez, con un trabajo honesto, natural y esforzado, a pesar de tener que asumir un personaje arquetipo sin demasiada tajada que poder sacarle.

Por suerte, los gags visuales con el perro protagonista están bien dosificados y no cargan en exceso la sosa comicidad que desprende (con mucho lo más flojo del film). Incluso hacia el final de la historia, Marley el adorable Labrador, ya adoleciendo de las consecuencias de la edad, ofrece una lección que sirve de ayuda catártica para los duros momentos de crisis vividos, y en donde el amor incondicional de las mascotas a sus amos sirve de verdadero ejemplo. Y eso a pesar del sentimentaloide desenlace que busca la lágrima (y el nudo en la garganta) para cerrar una comedia con un agradable tono melodramático que entretiene suficientemente.

“La crítica es excesivamente subjetiva y personal, ya que se dan demasiados juicios de valor [...] debería ser más didáctica, más objetiva, más informativa. Que generara deseo de ir al cine”.

Son declaraciones de Antonio Gasset, periodista, crítico y antiguo presentador del espacio ‘Días de cine’, en La 2 de Televisión Española.

Al margen de que esté más o menos de acuerdo con las declaraciones de Gasset, lo que creo que es evidente es que la mitificación de la figura del crítico de cine ha llevado en muchas ocasiones a que el público desconfíe de la palabra de estos expertos, y considere más las opiniones de sus familiares y amigos. A una separación absurda, y forzada por los que creen que sus juicios son leyes, entre los que se supone que saben y los que buscan esa sabiduría para orientarse. Al final, cada uno por un lado.

No es cuestión de rebajar el grado de inteligencia, ni la complejidad de análisis, sólo, creo, la arrogancia. Hay que poner los pies en el suelo. Me parece que falta humildad a la hora de construir los textos, no sólo por respeto a la obra que se critica sino también, no menos, por el público que puede disfrutar de ella. Para mí, un ejemplo de buen crítico de cine es el señor Josemanuel Escribano (al que pude entrevistar recientemente), alguien que intenta enfocar siempre sus comentarios hacia lo positivo de una película, intentando entender el conjunto, y a quién puede interesarle más.

En este sentido, sí estoy de acuerdo con lo que señala Gasset de “generar deseo de ir al cine“. Debería ser así. A veces parece que el crítico tiene la función de extender un sentimiento de amargura, de hundirlo todo y quedar como superviviente. Parece que así eres más adulto y tu comentario tiene más peso, mayor seriedad. Así ocurre que mucha gente empieza a creer que todo el que ve mucho cine debe tener una vida triste y acabar mal de la cabeza, un marginado hombre gris cuyos textos sólo sirven para mayor gloria de su ego. Sin utilidad alguna. Bueno, algunos hay, cierto…

Personalmente, llevo años viendo, normalmente, una película al día, y si en algo me ha influido, más allá de tener menor vida social (me refiero a salir a tomar algo y volver a casa a las tantas de la mañana, cosa que no me ha entusiasmado nunca), ha sido para adoptar un punto de vista más tranquilo, respetuoso, cuidadoso. Porque no sabemos nada. Porque el cine es demasiado extenso. Porque cuando crees que has visto una película viene alguien y te descubre una interpretación diferente de una escena; y tiene razón. Porque cuando crees que lo sabes todo sobre un país o un género, alguien te descubre una película que no conocías; y resulta que es maravillosa y no es la única del director. Una constante, apasionada búsqueda en lo inabarcable.

Y por otro lado, ¿quién es nadie para creer que sus gustos son mejores que los del resto? Sí, claro, hay personas que saben más de cine que otras, por supuesto, de ahí que exista la profesión de crítico. Pero éstos no dejan de tener sus gustos personales y a menudo, por más que quieran, como señala Gasset (y debe hablar por experiencia), eso marca el texto que escriben, lo condiciona y no puede hacer nada para evitarlo; pero lo intentan. Muy pocos van a decir “me gusta“, dirán “es bueno“. Lo que lleva, a menudo, a escribir todo tipo de rebuscadas justificaciones, a veces, de lo más ridículas. Los más hábiles lo harán de forma que no se entienda del todo lo que están diciendo, pero lo escrito no suele superar una segunda lectura.

Al final, lo que hay que mirar es la firma, quién escribe qué. Eso te sirve para saber de qué pie cojea y si puedes fiarte, más o menos, de lo que ha escrito. Habrá algunos con los que estés más de acuerdo, pero no puedes seguir a alguien siempre, te llevará a sufrir mucho cine que no te gusta. Cada uno debe tener su propio criterio, sus propias películas favoritas. Y debe defender su opinión. Si es posible, con argumentos. Pero también con mucha humildad.

Y ya paro. Hasta aquí mi punto de vista. ¿Vosotros cómo lo veis?

PD: Eso sí, si alguien pretende responsabilizar a los críticos de la tremenda bajada del número de espectadores en los cines… que lo piense dos veces, por favor.

Se ha hablado de los nuevos proyectos de J. A. Bayona y la saga Crepúsculo (esto me recuerda al movimiento que hicieron en la saga de Harry Potter con Cuarón), y el remake que va a preparar Juan Carlos Fresnadillo y su remake de ‘El hombre con rayos X en los ojos’. De como, poco a poco, los directores jóvenes españoles se están abriendo camino en Hollywood, con proyectos, que seguramente en España nadie se atrevería a financiárselos. Aunque en parte es el aparato de marketing americano el que vende estos trabajos, primero son ellos los que se deben de atrever a dar el salto.

Lo cierto es que mientras en España, la industria de cine da la espalda a los talentos jóvenes que van saliendo de la cantera que supone el universo del cortometraje en España, las productoras americanas que se patean los festivales de medio mundo viendo trabajos de gente interesante, llegan con propuestas en la mano en forma de películas que ofrecerles a todos los cortometrajistas que hemos ido conociendo gracias a Internet. Uno de estos casos, y que más ha dado que hablar es el de Luis Berdejo, que con sólo tres cortometrajes a sus espaldas ya ha rodado con Kevin Costner de protagonista una película en USA, ‘The new daughter‘. ¿Les suena el caso de Amenábar en España? Pues aquí, en concreto con Luis Berdejo, lo que muchos sabíamos, han tenido que venir los americanos a descubrirnoslo. Y quien habla de Luis, habla de varios directores jóvenes españoles, que ante el ejemplo de Luis se están tratando de abrir camino en el mercado americano, porque allí es más factible que puedan sacar sus proyectos adelante o al menos alguien les escuche.

Ya Garci hacía una apreciación muy interesante acerca de cual debía ser la película que representase a España en los pasados Oscars. Su punto de vista residía en que las tres seleccionadas, e incluía a la suya, no mostraban de verdad cómo es la joven generación del cine español, “que es la que debe darse a conocer”. Intuía que debía ser alguien con ganas de comerse el mundo quien debía ser seleccionado, por el escaparate que los Oscars suponen de verdad para cualquier película y cineasta. Y que con esa decisión, sí se estaba apoyando al cine español tanto de cara al presente como al fututo. Ahí añadiría yo, que al menos serviría para que la Academia dejase de mirarse el ombligo y ver más proyectos de los que en realidad valoran como válidos o tienen en cuenta.

El caso es que en Plus.es es posible ver un documental que nos cuenta, tomando el ejemplo y el valor en alza que es Luis Berdejo, el transitar de un joven cineasta español en su acceso a la meca del cine, y cómo otros directores jóvenes están buscando abrirse también camino, con más proyectos entre manos de los que en principio pudiésemos imaginar.

Visto lo que en el mismo se nos va contando, se demuestra que hay ganas e historias que contar, y que precisamente fueron los cortometrajes realizados los que les han servido de carta de presentación. Ahora resulta que sí se ven, y que no es tanto tiempo perdido. En concreto, Luis Berdejo se sorprende de las facilidades que ha tenido con tan poca obra a sus espaldas, y más, que siendo un director novel, haya tenido total libertad sobre el producto final. Cierto que ‘The new daughter’ era en principio un encargo, pero en realidad, y por lo que se cuenta en el documental, el guión y la historia la llevó a su universo, que no es muy diferente de las ideas que ha ido plasmando en sus cortometrajes.

Y en el fondo, aparte de mi critíca velada al sistema y a la industria del cine español que continua con la venda en los ojos dando la espalda a los jóvenes directores (lo de Amenábar fue un islote y lo de Bayona la suerte de haber encontrado un buen padrino que le respaldase), es el sentido de esta entrada, traeros el trabajo completo de Luis Berdejo para valorarlo y disfrutarlo, Desde ese ‘...Ya no puedo caminar‘, que llamó la atención de mucha gente y que nos puso hace ya tiempo tras su pista, hasta ‘La guerra‘ y ‘Forrest in the dessert‘, con los que no paró de acumular premios, y ‘Dio vi benedica a tutti‘, su acercamiento diferente al mundo del western, en ese trabajo en grupo que es ‘Limoncello‘, junto a Borja Cobeaga.

El talento de Luis Berdejo estaba en todos esos trabajos. Y nadie en España ha sabido o querido verlo. Visto el camino que lleva el salto que estos cineastas están dando a USA, demuestra que hablar de cine español como género, no es más que una utopía. Y cada vez serán más los proyectos que los cineastas españoles rueden en inglés. Allí al menos sí quieren tenerlos en cuenta. Ahora sólo queda esperar que ‘The new daughter’ se estrene y vista la trayectoria de Luis Berdejo con sus trabajos, personalmente hay ganas.

...Ya no puede caminar

La guerra (con Jorge Dorado)

Forrest in the dessert

Dios os bendiga a todos (segmento en Limoncello)

Más información | El país
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‘Iron Man 2’ se pone muy interesante. Finalmente se ha confirmado un insistente rumor que ha durado meses, y es que Mickey Rourke, el actor “resucitado” y candidato a un Oscar en la pasada edición, será el principal villano al que tendrá que enfrentarse el héroe de la Marvel en la secuela.

Rourke interpretará al ruso Whiplash, un personaje que no será exactamente como en los cómics, ya que también incorporará características de otro villano (y también ruso) llamado Crimson Dynamo. Apenas sin tiempo para reaccionar, se ha hecho oficial también el fichaje de la estelar Scarlett Johansson. La actriz encarnará a Natasha Romanoff, una super-espía, rusa también, conocida como Black Widow (Viuda Negra). Johansson ha dejado fuera a Emily Blunt, que era la que señalaban los rumores.

El rodaje de ‘Iron Man 2’ se iniciará en dos semanas, bajo las órdenes del director de la primera parte, Jon Favreau. Por supuesto, el carismático Robert Downey Jr. estará al frente del reparto, junto con Gwineth Paltrow, Don Cheaddle (que sustituye a Terrence Howard), Sam Rockwell (en el papel de Justin Hammer, otro villano) y los dos nuevos, Rourke y Johansson. No suena nada mal, por mi parte sólo espero que el guión que ha escrito Justin Theroux sea un poco mejor que el de ‘Iron Man’.

El estreno está fijado para el 7 de mayo de 2010.

Vía | ComingSoon

Con un comienzo fascinante arranca este ‘Aladdin’ (nombre anglosajón que al final se impuso al español Aladino de toda la vida, pero ya nadie la llama por otro nombre), con una bella canción que nos introduce en una atmósfera plenamente árabe, abracadabrante y de ensueño. Nos quiere fascinar y atrapar. Tanto es así, que en determinado momento la cámara vuela, y cruza rauda las calles de Agrabah, introduciéndonos en un sueño en el que todo es posible, con la clásica tonalidad anaranjada y púrpura que la tradición impone a las noches árabes. Nuestro narrador es un vendedor nómada, que además de intentar vendernos a nosotros, espectadores (la cámara se pega literalmente a su rostro), su material de derribo, nos regala los oídos con una historia de sobra conocida.

Los directores John Musker y Ron Clements, artífices de la maravilla de ‘La sirenita’, que comenzó esta breve pero dorada época para Disney, llegan con la lección bien aprendida, habiendo asimilado las virtudes de aquella, y aprovechando bien el avance, en muchos campos, que supuso la ambiciosa ‘La bella y la bestia’, de tal modo que un año después que aquella arremeten con una rotunda obra maestra, que hoy día se sostiene mejor si cabe que entonces, mezcla perfecta de fantasía, aventuras y comedia loca. Toda una joya que Disney puede estar bien orgulloso de atesorar.

Los directores, con la colaboración de los excelentes guionistas Ted Elliot y Terry Rossio (responsables de los excelentes guiones de aventuras de la trilogía de ‘Piratas del Caribe’, ‘Shrek’ y ‘La máscara del Zorro’, ahí es nada), armaron un guión de una perfección absoluta, que se atreve con un coraje y un ingenio casi ilimitados, a adaptar bastante libremente, aunque respetando sus temas y elementos primordiales, el clásico relato contenido en ‘Las mil y una noches’. Con mucha inteligencia, supieron dotar a un material tantas veces explotado de una modernidad que en lugar de traicionar su origen, lo enaltece, al mismo tiempo que se convierte en cuento absolutamente moderno.

Además, con una gran libertad de ideas, van introduciendo en la historia, gracias a la ayuda del omnipresente Genio de la lámpara, toda una serie de gags visuales que remiten al mundo moderno, con una osadía y una desvergüenza dignas de todo elogio. El resultado es espectacular, sin ningún género de dudas. Hasta tal punto que no sólo nos encontramos en 1992 con una joya del cine de animación, sino con una de las mejores comedias locas de la entera Historia del Cine, y no me tiembla en absoluto la picota al escribirlo.

A ese comienzo tan logrado, le sigue una sorprendente secuencia nocturna en el desierto, que tiene por protagonista al villano de la función, un inolvidable y siniestro Yafar, el Visir Real, que como Úrsula en ‘La Sirenita’ anhela el poder, y tiene un estupendo plan para conseguirlo: por supuesto la lámpara maravillosa. Para hacerse con ella, tiene que entrar en la Cueva de las Maravillas, cuyo acceso es una enorme cabeza pantera de pantera negra que sólo permite pasar a los que son puros de corazón (aquí tenemos el toque Disney, inevitable). La cabeza está parcialmente generada por ordenador, pero esta vez no es como en la anterior película comentada, la mejora es evidente.

Y no sólo ahí, sino en la alucinante, todavía no superada, quizá igualada tan solo por las realizaciones Pixar, secuencia de Aladino y su colega Abu en la cueva. Todo un alarde de mezcla de animación tradicional con 3D. Creo que aquí todo funciona a la perfección por la elección de la paleta de color, además de por la lógica mejora en la técnica. Auténtico ‘tour de force’ narrativo, este largo y magnífico momento de aventuras tiene la lógica influencia de los Indys de Spielberg, pero también de Michael Curtiz, y es que la reminiscencia a alguna leyenda del cine de aventuras de los cuarenta es incontestable.

El protagonista puede ser Aladino (o Aladdin, o como queráis llamarle), pero está claro que el rey de la función es un psicotrónico, inabarcable Genio de la lámpara. Entre ambos irá surgiendo una amistad que no cae demasiado en las consabidas blandenguerías sentimentales Disney. Tampoco la historia de amor entre Aladino y Jasmine, sobre todo porque ella es un personaje muy cuidado, tan fuerte o más que Aladino. A ella desde luego hay que conquistarla según sus normas, esto es: sin engaños ni chulerías de ningún tipo, siendo totalmente sincero. Jasmine es uno de los pilares de esta historia, tan capaz de dejar volar a sus pájaros para que puedan quedar en libertad (breve y emotiva escena), como de seducir a Yafar y besarle sensualmente con tal de que Aladino pueda acceder a la lámpara.

Pero lógicamente con quien todo el mundo se queda es con el Genio. El mejor número musical es el suyo (en una pletórica partitura musical con ecos de música negra y jazz), y su situación de esclavitud es un estupendo truco de guión, que además nos ayuda a empatizar con él. Como apunte final decir que prefiero, con mucho, la voz de Josema Yuste (del famoso dúo Martes y Trece) a la del sobrevalorado cómico Robin Williams. Escuchando a uno y otro se advierte una mayor variedad de registros en el intérprete español, una mayor espontaneidad y más credibilidad. Es que no hay color.

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Gran Ciclo Disney: ‘La sirenita’

Gran Ciclo Disney: ‘La bella y la bestia’

Después del buen recibimiento de ‘La sirenita’, Disney acometió con la producción de la segunda parte de ‘Los rescatadores’ (1977), titulada ‘Los rescatadores en Cangurolandia’ (1990), proyecto que con toda seguridad se había gestado, y comenzado a desarrollar, antes del éxito de la película de John Musker y Ron Clements, por lo que se entiende la existencia de este proyecto muy digno, pero menor, antes de un proyecto tan ambicioso y tan cuidado como ‘La bella y la bestia’, dirigida por Gary Trousdale y Kirk Wise en 1991, y siendo la primera y, hasta ahora, única película de animación en ser nominada al Oscar a la mejor película, compitiendo contra obras de imagen real del calibre de ‘J.F.K’ o ‘El silencio de los corderos’. Esto da una idea del tremendo clamor popular que produjo su estreno, y de la calurosísima acogida de que fue objeto en todo el mundo.

En mi opinión no se trata de una película completamente redonda, si bien sus virtudes se elevan muy por encima de sus pocos defectos, y de sus imágenes emana una belleza compositiva muy notable. Basta ver su espléndido prólogo, basado en dibujos que asemejan una vidriera gótica, y que explican el por qué de la maldición de la Bestia, para quedar irremisiblemente atrapados hasta el final.

Del prólogo pasamos a la primera canción, y ya podemos sacar muchas conclusiones. La primera es que los fondos están mucho más trabajados, y son más variados y ricos que en ‘La sirenita’. La segunda es que la animación ha mejorado ostensiblemente en apenas dos años, y si bien en los planos generales todavía estamos lejos de la perfección y el esfuerzo sobrehumano de, por ejemplo, ‘El rey león’, en los primeros planos de Bella, Gastón o la Bestia apreciamos una calidad de detalle, una definición y una fluidez sencillamente alucinantes. Pero a nadie le sorprende, estamos hablando de Disney.

Así mismo, la caracterización de los personajes es mucho más interesante que en ‘La sirenita’, profundizando mucho más en sus rasgos de personalidad, y en su presencia. Para entendernos, Gastón es un villano mucho más odioso que Úrsula, aunque aquella ya tenía lo suyo, pero la egolatría, la cortedad de miras, la crueldad de Gastón resultan abyectos, despreciables, y aunque Úrsula tenía ambición, se la podía respetar por su coraje de enfrentarse nada menos que al gran rey del mar. Particularmente encuentro muy retorcido, y muy divertido, cómo Gastón manipula a sus vecinos para ir a enfrentarse a la terrible bestia que un día se llevará a sus niños.

Esta película sabe electrizar el ritmo cuando es necesario, como en el viaje espectral del padre de Bella hasta el castillo, o cuando se pega un susto de muerte al aparecer la Bestia, terminado encerrado en una celda. La aparición de la Bestia es espectacular, pues no sólo su aspecto es temible de verdad, sino que la rodean con unas sombras que tendrán su máxima expresión cuando Bella reclame a su padre y se ofrezca a cambio de él. La Bestia saldrá a la luz completamente. Un gran momento que es el preludio a una difícil relación, que comenzará a atemperarse después de la magnífica secuencia de acción con los lobos (por cierto, la Bestia no tiene ninguna canción cantada por él), y que a partir de ahí será el desarrollo de una amistad, y luego de algo más, claro.

Resulta demasiado evidente el contraste entre la animación de las secuencias musicales respecto a todo lo demás, siendo la un tanto lacrimógena y larga secuencia del baile final la apoteosis de la mezcla mal hecha entre 3D (que aquí comienza a emplearse con profusión) y animación tradicional. Es este un aspecto mucho mejor trabajado en la siguiente película Disney. Y es que esos dorados brillantes de los planos 3D pegan bastante mal con el vestido dorado de la propia Bella, así como el plano general, que imita una grúa descendente, en torno a la pareja. Realmente se aprecia un gran esfuerzo, no logrado eso sí, para en 1991 comenzar con una integración entre distintas técnicas de animación.

Ahora bien, el clímax final es lo suficientemente violento y tenebroso, con Gastón asestando el golpe mortal antes de morir, con la gran tormenta azotando el exterior del castillo. Disney se lo había tomado en serio queriendo lograr su gran película total, su grandiosa aventura romántica que, por momentos, alcanza un lirismo innegable y que significa un avance rotundo respecto del anterior esquema iniciado con ‘La sirenita’. La hicieron de verdad, creyéndosela, convencidos de que podían lograr algo grande, y prácticamente lo lograron, aunque aún podían entregar una narración más densa, más impredecible y libre con la siguiente.

Personalmente, y esto de nuevo es algo totalmente personal, me hubiera gustado que el personaje central no fuera ella, sino él (naturalmente la Bestia). Pero quizá eso hubiera provocado un viraje el relato hacia una vertiente más trágica, comprometiendo el estudiado equilibrio disneyano. Y sí, a todas les pareció mucho más atractivo Gastón que el príncipe que antes era una bestia.

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Gran Ciclo Disney: ‘La sirenita’