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Añorando estrenos: 'El vagabundo de Tokyo' de Seijun Suzuki

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Añorando estrenos: 'El vagabundo de Tokyo' de Seijun Suzuki

Hace poco nos dejaba el director japonés Seijun Suzuki, autor de lo más peculiar con exquisito sentido ético/estético que prácticamente se convirtió en un rebelde en la cinematografía nipona. Algunos de sus productores renegaron de él porque decían que sus películas eran incomprensibles. Razón no les falta. Suzuki gustaba de la incoherencia argumental, del montaje casi anárquico, aunque también contenía elementos muy reconocibles en cuanto a los géneros con los que contaba.

‘El vagabundo de Tokyo’ (‘Tôkyô nagaremono’, 1966) es una de sus películas más conocidas, al lado de la posterior ‘Marcado para matar’ (‘Koroshi no rakuin’, 1967), los dos thrillers más representativos de su autor. Tomando elementos del musical, del western, del Film Noir, de Sergio Leone, de cierto tipo de iluminación que podría recordar a Mario Bava, del cine de samurais tan de moda en aquellos años, Suzuki construía un mundo propio. Algo parecido a lo que hace hoy Quentin Tarantino, uno de los acérrimos fans de Suzuki.

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Añorando estrenos: 'Enamorarse' de Ulu Grosbard

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Añorando estrenos: 'Enamorarse' de Ulu Grosbard

‘Enamorarse’ (‘Falling in Love’, Ulu Grosbard, 1984) es la segunda película en la que aparecieron juntos Robert De Niro y Meryl Streep —la primera fue ‘El cazador’ (‘The Deer Hunter’, Michael Cimino, 1978)—, una especie de remake libre del inmortal clásico ‘Breve encuentro’ (‘Brief Encounter’, David Lean, 1945), film imitado hasta la saciedad en muchas de las historias de amor cinematográficas posteriores. ‘Enamorarse’ le rinde un sentido tributo.

La película de Ulu Grosbard —extraño director que apenas hizo siete películas en 31 años, siendo la presente la mejor de todas— permanece como una de esas pequeñas joyas ya no sólo de la década de los ochenta —la década que peor envejece, artísticamente hablando—, sino también de sus respectivos actores, que en pantalla demuestran la enorme compenetración que tienen. Resulta incluso extraño que ambos sólo tengan tres películas en común —la tercera es ‘La habitación de Marvin’ (‘Marvin’s Room’, Jerry Zaks, 1996)—.

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Añorando estrenos: 'Un hombre para la eternidad' de Fred Zinnemann

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Añorando estrenos: 'Un hombre para la eternidad' de Fred Zinnemann

‘Un hombre para la eternidad’ (‘A Man For All Seasons’, Fred Zinneman, 1966) es una de las películas más famosas, también de las mejores, en las que participó el recientemente fallecido John Hurt, más conocido por personajes posteriores al film que nos ocupa. Si bien el actor será recordado por personajes, en cierto modo, amables, conviene señalar que era perfecto para dar vida a verdaderos canallas, o valga la vulgaridad, auténticos hijos de puta.

Así lo muestra este film, que además fue el gran triunfador en los Oscars de aquel año, consiguiendo seis estatuillas, entre ellas mejor película, mejor director y mejor actor principal. Una de esas ediciones en las que se hizo justicia teniendo en cuenta los films nominados. Una Academia llena de judíos y protestantes premió una película que versa sobre los últimos días de Tomás Moro, ferviente católico, hombre de gran serenidad, y un ejemplo a seguir.

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Añorando estrenos: 'Kapò' de Gillo Pontecorvo

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Añorando estrenos: 'Kapò' de Gillo Pontecorvo

‘Kapò’ (íd., Gillo Pontecorvo, 1960) supone una de las películas más conocidas de la filmografía de la recientemente fallecida Emmanuelle Riva. Se trata de la segunda película de ficción del siempre polémico Pontecorvo, normalmente director de documentales. También es el primer film en solitario de su director, quien la tenía como su película preferida de todas las que había dirigido, incluso por encima de la muy prestigiosa ‘La batalla de Argel' (‘La Battaglia di Algieri, 1964), por la que fue nominado al Oscar al mejor director.

‘Kapò’ causó bastante polémica cuando se estrenó, sobre todo entre la crítica europea, con Jacques Rivette al frente. El director de películas como ‘La bande des quattre’ (1989) y ‘La bella mentirosa’ (‘La belle noiseuse’, 1991) aún no se había estrenado en la dirección de largometrajes cuando, escribiendo para la prestigiosa Cahiers du cinema, arremetió contra la obra de Pontecorvo a raíz del famoso travelling que muestra la muerte de uno de los personajes centrales.

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Añorando estrenos: 'Un león en las calles' de Raoul Walsh

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Añorando estrenos: 'Un león en las calles' de Raoul Walsh

Pocos años antes de hacerse famosa participando en la enormemente popular ‘Perry Mason’ (1957-1966), la actriz Barbara Hale intervino en numerosas películas, siendo una de las mejores ‘Un león en las calles’ (‘A Lion is in the Streets’, Raoul Walsh, 1953). Se trata del segundo largometraje que Walsh realizó aquel año, entre el estimable ‘Los gavilanes del estrecho’ (‘Sea Devils’) y ‘Fiebre de venganza’ (‘Gun Fury’), ambas con Rock Hudson.

El film narra el ascenso y caída de un muy activo y querido político al que interpreta James Cagney. Basada en una novela, obra de Adria Locke Langley, en la única adaptación cinematográfica que se hizo de uno de sus trabajos, recuerda también a ‘El político’ (‘All the King’s Men’, Robert Rossen, 1949). Una película que se vuelve de repente muy actual por emitir un nada esperanzador retrato sobre los políticos corruptos, pero sobre todo sobre la masa que les sigue ciegamente. En pleno 2017 la historia nos suena a todos.

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Añorando estrenos: 'Granujas a todo ritmo' de John Landis

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Añorando estrenos: 'Granujas a todo ritmo' de John Landis

Ahora que casi todo el mundo está encandilado con la última película de Damien Chazelle, es oportuno rescatar algún que otro musical, digamos imprescindible. ‘Granujas a todo ritmo’ (‘The Blues Brothers’, John Landis, 1980) es uno de los más recordados de la década de los ochenta. Supone una de las cimas de su director —al lado de ‘Un hombre lobo americano en Londres’ (‘An American Werewolf in London, 1981) y ‘Cuando llega la noche’ (‘Into the Night’, 1985)—, llena de ritmo y humor.

Dan Aykroyd, una de las estrellas del mítico Saturday Night Live escribió un guion que en realidad se titulada ‘The Return of the Blues Brothers’, que compondría dos películas. John Landis se pasó durante tres semanas arreglándolo a su estilo para convertirla en sólo una —la secuela que se planteó en 1998 es mejor dejarla donde pertenece: el olvido—. Una fuerza arrolladora y una pareja de actores en estado de gracia hicieron el resto.

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Añorando estrenos: 'Banquete de bodas' de Richard Brooks

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Añorando estrenos: 'Banquete de bodas' de Richard Brooks

Hace poco nos dejaba Debbie Reynolds. Actriz prolífica sobre todo en la década de los cincuenta, en la que una de sus cimas cinematográficas fue ‘Cantando bajo la lluvia’ (‘Singin’in the Rain’, Gene Kelly, Stanley Donen, 1952). En esa misma década intervino en la poco conocida ‘Banquete de bodas’ (‘The Catered Affair’, Richard Brooks, 1956), interpretando a la hija de dos actores que no necesitan epítetos gratutios: Bette Davis y Ernest Borgnine.

El proyecto surge en una época en la que la televisión estaba abriéndose paso a marchas forzadas en los hogares de los estadounidenses, haciendo una dura competencia a las salas de cine. Algo parecido a lo que sucede hoy día, pero con un mayor impacto social. Muchas historias se producían para la pequeña pantalla y algunas de ellas tenían gran éxito, por lo que las productoras de cine se animaban a realizar su adaptación cinematográfica intentando repetir el éxito en la platea. ‘Banquete de bodas’ fue una de esas películas’.

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Añorando estrenos: 'Silence' de Masahiro Shinoda

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Añorando estrenos: 'Silence' de Masahiro Shinoda

Ahora que se ha estrenado entre nosotros la última obra de Martin Scorsese, ’Silencio’ (‘Silence’, 2016), es buena ocasión para recuperar la primera versión cinematográfica que adapta la novela de Shûsaku Endô. Precisamente el autor de la obra literaria odiaba el final del film dirigido por el, por estos lares, poco conocido Masahiro Shinoda, quien, en contra de los deseos del novelista, lo cambió para ofrecer un final realmente cortante y duro. También mucho más coherente.

Siglo XVII. Japón, a comienzos del llamado período Edo, que ocupó aproximadamente dos siglos y medio en la historia del pueblo nipón. Durante ese periodo, debido a las relaciones comerciales de Japón con Europa, el cristianismo fue considerado una religión peligrosa que desestabilizaba al pueblo. Muchas personas fueron ejecutadas, entre misioneros, conversos y cristianos. Los españoles fueron expulsados. Japón sólo permitía visitas a China, holandeses e ingleses.

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Añorando estrenos: 'Remorques' de Jean Grémillon

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Añorando estrenos: 'Remorques' de Jean Grémillon

‘Remorques’ (íd., Jean Grémillon, 1941) es una de las películas más destacables de la actriz Michèle Morgan, recientemente fallecida. Grémillon es uno de los cineastas franceses menos reconocidos de una de las gloriosas épocas, quizá la mejor, de la cinematografía francesa, la que va de la década de los treinta a los cincuenta. Directores como Jean Renoir, Marcel Carné, Julien Divivier, Jean Vigo y Henri-Georges Clouzot, entre otros, dejaron algunas de sus mejores obras.

‘Remorques’ es titulada en algunos lugares como ‘Remordimientos’, que aunque puede jugar con cierto tramo del argumento, no hace justicia alguna a un film enormemente intenso. El título en español debería haber sido la traducción literal del original, que en francés significa ‘Remolques’ y que va mucho más acorde, ya que no sólo hace referencia al trabajo del protagonista masculino, sino que incluso posee cierto tono metafórico. Se remolca algo más que barcos a la deriva en esta película.

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Añorando estrenos: 'El último tango en París' de Bernardo Bertolucci

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Añorando estrenos: 'El último tango en París' de Bernardo Bertolucci

El insigne Ángel Fernández-Santos —parece increíble que lleve muerto doce años— comentaba al respecto de ‘El último tango en París’ (‘Ultimo tango a Parigi’, Bernardo Bertolucci, 1972) que se trata de una obra coja y desequilibrada, un poema sobre un náufrago en el asfalto parisiense, que es en realidad la sombra de una miseria colectiva. Qué gran forma de definir esta cinta tan polémica en su tiempo, e incluso ahora, al repetirse exactamente la misma polémica en una demostración de lo cíclico y absurdo de la vida.

Decía el crítico que Bertolucci había puesto en bandeja a Marlon Brando una de las oportunidades de su vida. El actor estaba en un momento inmejorable, el mismo año que ganaría su segundo Oscar, y a pesar de que ya no tenía que demostrar absolutamente nada a nadie, aún tuvo algunas cosas que decir en la década de los setenta. En el film de Bertolucci realiza una de las mejores interpretaciones de su carrera. Casi puede decirse que la película es él.

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